Civilcinema

Un long dimanche de fiançailles es el título en francés de esta película de cuestionada nacionalidad por el importante financiamiento estadounidense que recibió y que le permitió ser lo que es: una vertiginosa superproducción con un amplio y a la vez selecto reparto, francés e internacional. Drama detectivesco sobre un fondo bélico, usa los manierismos de Amélie para darle colores y señas a una historia completamente distinta, y destinada en parte a aclarar el torpe malentendido generado por el éxito de su predecesora y el ascenso electoral del Frente Nacional.

Un long dimanche de fiançailles es el título en francés de esta película de cuestionada nacionalidad por el importante financiamiento estadounidense que recibió y que le permitió ser lo que es: una vertiginosa superproducción con un amplio y a la vez selecto reparto, francés e internacional. Drama detectivesco sobre un fondo bélico, usa los manierismos de Amélie para darle colores y señas a una historia completamente distinta, y destinada en parte a aclarar el torpe malentendido generado por el éxito de su predecesora y el ascenso electoral del Frente Nacional.

Con sus primeras dos películas, la realizadora argentina se instaló como un referente latinoamericano y mundial por la originalidad de sus historias y por una puesta en escena construida principalmente desde el sonido. Los ruidos de los objetos, los susurros de los personajes, el estruendo de los fenómenos naturales, las colisiones o los disparos, son un muro sonoro donde se dibujan las trayectorias vitales de personajes que no hablan mucho y que en general son impulsados por narrativas inventadas a partir de estímulos azarosos. De esto y más hablamos en el podcast.

Antonioni sale de Italia, empujando por Carlo Ponti para convertirlo en un realizador global. El periplo empieza en la ondera y vibrante Londres, donde los jóvenes viven en una realidad paralela y banal, inconsciente de su potencial subversivo y renovador en lo político. Pasa a EE. UU. con mayo del 68 a cuestas, armando una fábula crística de la toma de conciencia; para saltar a un tour europeo acompañando a un sobreviviente no muy digno de la década anterior que opta (con progresiva conciencia) por la disolución de su propia personalidad. De eso y más hablamos en el podcast.

Hicimos este podcast porque vimos en Baby Driver una cinta de gratificación instantánea, destinada a ser vista y revista por quienes valoran una historia simple –casi de fábula–, virtuosismo visual y una sincronización perfecta con la música. Diegética en su mayoría, lo que aumenta el mérito. Parada en al menos tres géneros al mismo tiempo, esta cinta del brazo operativo de Simon Pegg y Nick Frost, se desliza con la ligereza de una pluma pero con emociones bien moduladas, como una estupenda coreografía.

Un actor estelar de su época se embarcó en estos dos proyectos –los que codirigió con distintas personas–, en parte por ambición artística y en parte para potenciar su carrera sobre las tablas. El primero es una cinta heredera del romanticismo decimonónico alemán, especialmente en sus facetas más ominosas, que anticipaba el expresionismo por venir. En efecto, esa ominosidad se tomó la pantalla completa durante el metraje completo, primero con el Dr. Caligari (de Wiene), y después con El Golem, el segundo proyecto de Wegener del que hablaremos en este podcast.

Isao Takahata nos muestra el cataclismo que destruye a un pueblo como si fuera una crónica histórico-militar, pero con toques de un costumbrismo cómico que encubre y magnifica a la vez la tragedia de los tanuki (mal traducidos como mapaches). El enjambre de energía benévola de estos animalitos es aplastado por las alimañas humanas con su tecnología y sus infinitos recursos, dando pie a la polisemia de esta historia, entendida como conflicto ecológico, civilizatorio y político, cuyo resultado sufrimos hasta hoy.

Cinta eje en la obra del maestro sueco, que no se parece a nada de lo que hizo antes y que sí anuncia mucho de lo que vino después. Cinta ambigua, que simula contar una historia de asimilación de dos mujeres disímiles, pero que de cuando en cuando da pistas acerca de una verdadera naturaleza, más perversa y más triste también: una pequeña atrocidad privada que se alimenta de las grandes atrocidades públicas y de las imágenes que las pregonan, aunque supuestamente las denuncien. De eso y más hablamos en el podcast.

La directiva es una semblanza y un homenaje a personas mayores, consumidas lentamente por una pasión irrenunciable y absolutamente convencidas del valor de su causa: impartir justicia y ordenar el caos, permitiendo que se despliegue la belleza del fútbol, cuyo reglamento es sagrado. Sin embargo, confinada a cuatro paredes, la directiva puede ser un club, una logia, un sindicato, un gobierno o una civilización completa también, lidiando con su propia entropía y con las menguantes energías de sus defensores. En todo caso, todo esto ya estaba anunciado en sus dos documentales anteriores. De eso y más hablamos en el podcast.

Este dueto de películas puede ser interpretada como la historia de iniciación de una dupla formada por un investigador al servicio del gobierno (cualquiera) y un "ángel de la guardia" que le acompaña y complementa desde el limbo ciberespacial. Sin embargo, esta dupla se formó al fragor de la duda filosófica sobre lo humano, la incertidumbre existencial sobre la percepción y la memoria, y cierta certeza ética que funciona como ancla de identificación para el espectador (al menos el más joven). Eslabón evidente entre Blade Runner y Matrix, la primera GotS es una obra maestra sucinta y concentrada, mientras que su continuación es un estupendo y colorido noir. De esto y más hablamos en el podcast.