En el programa de hoy os presentamos una obra que lo tiene todo: una estructura perfectamente ordenada, melodías preciosas, equilibrio entre la parte del coro, los solistas y la orquesta y trombones. Poco más se le puede pedir al Réquiem de Gabriel Fauré, una pieza escrita durante los últimos años del siglo XIX y que, como decimos en este podcast, le hubiera gustado muchísimo a Brahms. David Antón nos guía a través de esta obra, escrita porque a Fauré le apetecía, y que se convierte en algo más que una misa de difuntos, siendo un magnífico ejemplo de las habilidades compositivas del compositor francés. Como gran parte de la obra de Fauré, el Réquiem enlaza el Romanticismo con armonías modernistas de manera muy natural, y por eso encaja perfectamente en el tipo de obras de las que nos encanta hablar. Además, el desconocimiento total de Pau respecto a esta obra nos permite ver el efecto que puede tener inmediatamente en cualquier oyente, y se generan algunos debates respecto a los géneros religiosos bastante jugosos...

El programa de hoy se emite en sábado. Hasta ahí bien. Dura algo menos que los otros programas de la semana. Todo normal. Tratamos un tema más concreto y rebuscado. Cero novedades. Ahora bien, lo presenta el gran David Antón. Como Pau se encargó de preparar el de Historia del lunes, las tornas han cambiado y le toca a David prepararse un tema que (se supone) le interesa. Pierre Boulez fue uno de los compositores más relevantes del siglo XX, el último de la estirpe de compositores que también fueron excelentes directores de orquesta. En este programa, analizamos la carrera del músicos francés, llena de pequeños detalles muy curiosos que enriquecen la leyenda de uno de los nombres más importantes de la música contemporánea. Desde sus inicios con Olivier Messiaen hasta la fundación del IRCAM, hoy intentaremos acercar la música de Boulez a todos los que penséis que son solamente ruidos aleatorios. Alerta Spoiler: no estáis desencaminados.

Vuelve a Conocimientos Musicales una de las series más longevas del canal. Han llovido muchos programas, invitados y entrevistas desde aquel primer episodio en el que comenzamos a analizar la música desde una perspectiva histórica, y los que nos hayáis seguido desde entonces sabréis que nos hemos divertido mucho recorriendo el Renacimiento y el Barroco conociendo las obras y compositores que más influyeron en su correspondiente tiempo. Para seguir con este tipo de podcasts, os presentamos el episodio dedicado al Clasicismo Musical, que viene a ser el estilo artístico que dominó Europa durante el último cuarto del siglo XVIII. Con la independencia de los EEUU y la Revolución Francesa como hechos que marcaron la sociedad de aquel tiempo, charlamos y debatimos acerca de dos de los músicos más importantes de la Historia, Mozart y Haydn, quienes básicamente definen esta época en términos musicales. Sin embargo, también tendremos tiempo de descubrir a compositores de menos renombre como Boccherini, Cherubini o Clementi, que completan una época verdaderamente fecunda para nuestro arte favorito.

Vuelve un clásico a Conocimientos Musicales. Sabemos que estas historias os encantan, o al menos nos encantan a nosotros y por eso seguimos contándolas en nuestros programas. Esta es la historia de Hans Rott, un músico austriaco contemporáneo a Mahler, Hugo Wolf, Bruckner y Brahms cuya relación con cada uno de estos personajes nos permite descubrir una parte de una biografía apasionante. Hans nació, en unas circunstancias particulares, en un suburbio de Viena, y fue compañero de estudios de Mahler y Wolf. Su muerte a los 25 años terminó fulminantemente una carrera llamada a lo más alto, pero la influencia que tuvo sobre sus antiguos colegas es, como poco, brutal. En este programa, os hablaremos de Hans Rott, un genial compositor olvidado por casi todo el mundo musical pero no por ello menos importante. Os prometemos que, tras este podcast, no volveréis a escuchar la Primera Sinfonía de Mahler de la misma forma.

En el episodio de este jueves nos metemos en muchos jardines, lo digo ya para que no digáis que no os he avisado. Y es que para este programa hemos decidido invitar de nuevo a Miguel y Eugenia (estudiantes de música en Inglaterra) para hablar de un tema muy presente en nuestras vidas como músicos aspirantes a entrar en el mundo profesional: los conservatorios superiores. Partiendo de nuestra experiencia como alumnos de instituciones fuera de España, comparamos el sistema inglés/europeo con el español, analizando los aspectos que lo hacen mejor y los puntos en los que podrían mejorar. En ningún momento pretendemos tener la razón absoluta, simplemente reflexionar sobre un asunto muy importante para mucha gente y, con suerte, ofrecer una perspectiva más clara que pueda ayudar a nuestra audiencia a entender que siempre hay maneras de hacer las cosas mejor y cuáles son las áreas que necesitan potenciarse para conseguir una educación superior musical de calidad.

Con anterioridad, hemos analizado varios conjuntos de obras que, de una forma u otra, comprenden y comparten cierta unidad. Por ejemplo, los tres ballets rusos de Stravinsky, las sinfonías de Brahms o nuestro repaso de los conciertos para piano a lo largo de la Historia. Hoy nos movemos en un terreno semejante, pues dedicamos el programa a hablar sobre los cuatro grandes conciertos para violín alemanes del siglo XIX. Pese a que el nombre es larguísimo, la realidad es que son cuatro piezas para violín y orquesta que nos hablan del desarollo técnico del instrumento y de un movimientp estético muy concreto, representado en los cuatro compositores que nombraremos hoy: Beethoven, Mendelssohn, Max Bruch y Brahms. Cada uno de estos conciertos tiene una historia particular que lo hace único y a la vez está muy conectado con los otros tres por las razones que contaremos en este podcast. Y, sobrevolando a todas las obras, la figura del violinista húngaro Joseph Joachim está presente durante todo el episodio, vigilando que hablemos bien de las piezas que tanta importancia tuvieron en su vida.

Lo primero que tenéis que saber de este episodio es que ha sido grabado a altas horas de la noche después de un día muy, muy, largo. Por eso, quizás no estamos todo lo despiertos y activos que debiéramos, pero nada de eso importa si el tema del que hablamos es el gran Luís Milán. Para aquellos que no hayan oído nunca hablar de este valenciano ilustre, Luís Milán fue un músico y compositor del Renacimiento que ha pasado a la Historia como uno de los nombres más importantes de la vihuela, instrumento antepasado de la guitarra que fue muy utilizado en las Coronas de Castilla y Aragón durante el siglo XVI. De la mano de su obra magna, el método didáctico para vihuela titulado "El Maestro"; repasamos la vida e importancia de este gran músico, poniendo el foco en las novedades que incluyó en sus partituras y en la relevancia de su figura, bastante mayor de lo que parecería a simple vista.

Si hay un tema que lamentamos no haber tratado en anterioridad en este podcast, es la interpretación historicista. Este movimiento estético y filosófico es una de las novedades más importantes a nivel musical introducidas en el siglo XX, aunque como veremos en el programa de hoy es una práctica tan antigua como la propia música. Para hablar de afinaciones extrañas, cuerdas de tripa, improvisación y demás asuntos derivados de la interpretación historicista nos visita nuestro amigo Pablo Tejedor-Gutiérrez, que visita el podcast por primera vez para contarnos su experiencia en el mundo del chelo barroco y ofrecernos un punto de vista diferente de un tema tan particular como este. También aprovechamos para recomendar ciertos músicos y grabaciones completamente imperdibles para todo amante de la música barroca, y para reivindicar a los intérpretes que dedican su tiempo a investigar a sus compositores y obras preferidos para tratar de acercarse lo máximo posible al sonido de la época en la que la pieza fue escrita.

Que Guiseppe Verdi fue un genio de la música lo hemos dicho ya por activa y por pasiva, y por ese motivo hemos dedicado tantos programas a hablar de sus óperas. En los años finales de su vida, toda Italia le rogaba al maestro que escribiera algo nuevo, y Verdi respondió con Otello y Falstaff, dos obras maestras que demostraron que el anciano compositor todavía guardaba más de un as bajo la manga. En este programa, desgranamos ambas óperas centrándonos en las circunstancias que llevaron a Verdi a escribirlas y en los temas que decidió tratar para despedirse de la ópera para siempre.

Ya sabéis de sobra que en Conocimientos Musicales nos encanta la ópera, y que hemos dedicado bastantes programas a hablar de nuestras favoritas. Sin embargo, hoy queremos acercarnos al género lírico desde otra perspectiva: nos hemos propuesto encontrar cuál es la ópera con más elementos dramáticos y más trágica del compositor de óperas más trágico y dramático de la Historia de la Música, Giacomo Puccini. Para ello, hemos organizado una Gala de Premios en la que tres firmes candidatas al Premio a la Ópera Más Dramática de Puccini se enfrentarán en un duelo sin parangón. "La Bohème", "Tosca" y "Madama Butterfly" son las tres finalistas que optan al premio y David Antón y Pau Hernández conforman el jurado. Para decidir tan igualado concurso repasaremos los argumentos de las tres óperas y trataremos de encontrar los elementos más dramáticos de cada una. ¿Estáis de acuerdo con la ganadora?