Villa-Lobos e Rubinstein se conheceram no Rio de Janeiro em 1918, quando Rubinstein esteve em turnê pelo Brasil. O pianista polonês, já renomado internacionalmente, ficou impressionado com a ousadia e a originalidade das composições de Villa-Lobos.

Rubinstein descreveu Villa-Lobos como um gênio "selvagem, original, sem medo de arriscar", e se tornou um de seus maiores defensores fora do Brasil.

A amizade foi tão intensa que Rubinstein passou a divulgar a música de Villa-Lobos em seus concertos pela Europa e pelos Estados Unidos. Ele tocava frequentemente peças curtas, como os Prole do Bebê e os Choros, ajudando a projetar o nome do brasileiro no circuito internacional.

Entre 1921 e 1926, Villa-Lobos começou a escrever o Rudepoema inspirado em Rubinstein. Não era apenas uma dedicatória, mas um verdadeiro retrato musical da personalidade do pianista. O próprio Villa-Lobos disse que queria “transcrever mecanicamente” a alma de Rubinstein, como se fosse uma fotografia íntima em música.

Em 1927, Rubinstein estreou o Rudepoema em Paris. Foi um marco: além de reforçar a reputação de Rubinstein como intérprete moderno e ousado, consolidou Villa-Lobos como um compositor que podia dialogar de igual para igual com as vanguardas europeias.

Esse encontro foi decisivo. Sem Rubinstein, Villa-Lobos talvez tivesse demorado muito mais para ser reconhecido fora do Brasil. E sem Villa-Lobos, Rubinstein não teria em seu repertório um dos retratos musicais mais ousados já escritos para um pianista.

Suposta divisão da música:

00:00 Intro00:37 Interludio 101:08 Tema arpegiado01:39 Tema escalas ascendentes02:22 Tema acordes03:21 Interludio 203:40 Tema carnaval 04:07 Tema virtuoso 104:36 Interludio 304:47 Tema 3 vs 205:11 Tema angustia 06:08 Puente 107:20 Tema incógnitas 07:58 Tema staccato08:27 Puente 209:10 Tema melancólico 09:35 Interludio 409:52 Tema melancolico 210:17 Tema grandioso 10:55 Tema baile español 11:31 Variación Tema español 12:30 Tema emocional 14:30 Interludio 5 15:20 Tema misterio 16:40 Interludio 616:53 Tema virtuoso 217:31 CodaApresentado por Aroldo Glomb com Aarão Barreto na bancada. Seja nosso padrinho: ⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠https://apoia.se/conversadecamara⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠

⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠ RELAÇÃO DE PADRINS Aarão Barreto, Adriano Caldas, Gustavo Klein, Fernanda Itri, Eduardo Barreto, Fernando Ricardo de Miranda, Leonardo Mezzzomo,Thiago Takeshi Venancio Ywata, Gustavo Holtzhausen, João Paulo Belfort , Arthur Muhlenberg e Rafael Hassan.

Hugo Alfvén (1872–1960) foi um compositor, maestro, violinista e pintor sueco, considerado uma das figuras mais importantes da música sueca no fim do período romântico

Nascido em Estocolmo, estudou no Conservatório de Stockholm (1887–1891) e atuou como violinista na Ópera Real ⁠— carreira que abandonou para se dedicar à composição

De 1910 a 1939, foi diretor musical da Universidade de Uppsala e conduziu o famoso coro masculino Orphei Drängar, influenciando fortemente a música coral sueca

Suas obras são frequentemente inspiradas em paisagens e músicas folclóricas da Suécia, mesclando o estilo centro-europeu com a tradição local .

As “Swedish Rhapsodies” (Rapsódias Suecas)

1. Swedish Rhapsody No. 1 – Midsommarvaka

2. Swedish Rhapsody No. 2 – Uppsala-Rapsodi

3. Swedish Rhapsody No. 3 – Dala-Rhapsodien (Rapsódia da Dalarna)

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O Concerto para Violoncelo nº 1 em Dó Maior é hoje uma das obras mais queridas do repertório para o instrumento, equilibrando elegância clássica e desafio técnico. Sua redescoberta em 1961 não apenas devolveu aos músicos e ao público uma peça-prima esquecida, mas também revelou um lado de Joseph Haydn como compositor jovem, já plenamente capaz de criar música de impacto duradouro.

A obra permanece como um marco na história do violoncelo, tanto pelo seu papel no desenvolvimento do concerto clássico quanto pela forma como coloca o intérprete no centro do palco, explorando ao máximo sua habilidade e expressividade.

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No outono de 1830, Mendelssohn, então com 21 anos, visita a Itália, destino tão almejado por muitos viajantes alemães. Lá fica dez meses e conhece várias cidades – Milão, Florença e Nápoles, entre outras.

Mas sua base é Roma e é num quarto ensolarado que dá para a Piazza di Spagna que escreve a maior parte de sua Sinfonia nº 4, a Italiana.

A obra é um hino de louvor à terra onde os limoeiros florescem, onde o clima é mais ameno e as pessoas mais tolerantes.

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O Concerto para Piano em Lá menor, Op. 54 de Robert Schumann possui três movimentos tocados sem pausas entre si (attacca), formando uma estrutura contínua. Os tempos de cada movimento variam um pouco de acordo com a gravação, mas geralmente seguem este padrão aproximado:A estreia do primeiro movimento ( Phantasie ) ocorreu em 13 de agosto de 1841 no Gewandhaus em Leipzig, com Clara Schumann como solista. A versão completa em três movimentos foi estreada em Dresden em 4 de dezembro de 1845, novamente com Clara Schumann e o maestro Ferdinand Hiller, que a dedicou , como maestro. Menos de um mês depois, em 1º de janeiro de 1846, o concerto foi apresentado em Leipzig, sob a regência de Felix Mendelssohn .

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Composta em 1890, The Kremlin, Op. 30, é uma peça sinfônica de Alexander Glazunov que mistura música e patriotismo de forma grandiosa. Inspirado pela imponência arquitetônica e histórica do Kremlin de Moscou, Glazunov transforma o símbolo máximo do poder russo em uma narrativa sonora vibrante e cinematográfica. A obra é construída em forma de poema sinfônico, com seções contrastantes que evocam o passado czarista, os rituais religiosos e a majestade do império russo.

Glazunov, herdeiro da tradição de Rimsky-Korsakov e Borodin, demonstra aqui seu domínio da orquestração e do lirismo romântico. The Kremlin não é apenas uma homenagem ao monumento, mas uma tentativa de capturar a alma da Rússia em música. É um exemplo do esforço dos compositores russos da época em criar uma identidade musical nacional — e Glazunov o faz com brilho, imponência e emoção.

E demos nosso adeus ao grande Ozzy Osbourne;

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A Sinfonia nº 3 de George Enescu é uma obra-prima pouco conhecida, mas de imensa profundidade emocional e invenção técnica. Em vez de seguir modelos tradicionais, ela apresenta um arco dramático e filosófico: da escuridão e da violência (primeiro movimento), passando pela inquietação (segundo movimento), até alcançar a paz e o consolo (terceiro movimento).

A sinfonia é também um retrato da alma romena — não por meio de citações folclóricas óbvias, mas pela integração orgânica do espírito e da sonoridade do leste europeu com as técnicas da música moderna. É um testamento da genialidade de Enescu, que merece ser mais amplamente reconhecido como um dos grandes sinfonistas do século XX.

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No episódio de hoje, vamos mergulhar em um universo mágico, mitológico e absolutamente encantador da música francesa do início do século XX. Prepare-se para conhecer – ou redescobrir – as duas suítes extraídas do balé Cydalise et le Chèvre-pied, compostas por Gabriel Pierné.

Com uma escrita orquestral rica e colorida, essas obras nos transportam para uma paisagem habitada por ninfas, sátiros e deuses da natureza, misturando lirismo, humor e uma leveza quase encantatória. Vamos analisar cada suíte como um todo, explorando os gestos musicais, a atmosfera impressionista e os detalhes tímbricos que fazem dessa obra uma joia rara do repertório sinfônico francês. Fique com a gente e descubra como Pierné transforma mitologia em música com graça e sofisticação.

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Apesar do nome, Bach nunca foi à Inglaterra — e, sinceramente, duvido que tomasse chá às 5. O nome “inglesa” veio depois, talvez por causa de algum nobre britânico misterioso que recebeu a dedicatória. Ou talvez porque... sei lá, “suíte alemã” não soava chique o suficiente.

A suíte começa com um Prelúdio cheio de energia, como se dissesse: “Atenção, senhores! A dança vai começar!”. É rápido, ornamentado, e exige que os dedos do cravista estejam mais aquecidos que café no fogão.

E então... entram as danças barrocas:

• A Allemande, cheia de elegância;

• A Courante, saltitante, quase uma corrida leve;

• A Sarabande, mais introspectiva — tipo aquela hora da festa em que todo mundo fica sentimental;

• Depois vem a Double, uma variação mais enfeitada da Sarabande;

• As Gavottes I e II, que são tipo o biscoito de polvilho da corte: crocantes, leves e ninguém consegue ouvir só uma;

• E por fim, a Gigue — que fecha com chave de ouro, em ritmo acelerado, como se Bach dissesse: “Pode aplaudir, agora acabou mesmo!”.

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O Prelúdio da Suíte Inglesa nº 3, de Bach, parece um Concerto Grosso italiano: começa por um motivo simples que leva a um crescendo “orquestral”. Segue-se uma passagem durante a qual dois instrumentos solo “dançam” um em torno do outro. A alternância solo/orquestra determina a clara estrutura desse movimento.

As danças que se seguem são baseadas mais no estilo francês. A Sarabanda é uma obra-prima absoluta, “de comovente beleza”, afirma o cravista Pierre Hantaï.

Duas Gavotas muito contrastantes são decididamente francesas. A primeira tem um motivo de tambor; a segunda é uma Musette, uma dança pastoral simples muito usada por compositores franceses.

O final traz a assinatura de Bach: uma Giga que é também uma acrobática fuga em três partes.

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