Dans Le Bain

Peut-on faire de sa culture visuelle un métier ?

Tout commence à l’adolescence, entre le skate, la musique métal et des pages de magazines de mode découpées. Bien avant Nike ou Issey Miyake, il y a ce réflexe : regarder, collectionner, relier. D’abord une culture visuelle en marge, puis un premier métier, un deuxième, et finalement une carrière reconnue.

Dans cet épisode, on revient sur ses premières inspirations et la genèse de sa culture visuelle. On parle de ce que signifie lire une image : y repérer une tendance avant qu’elle n’en soit une, saisir les références qui circulent d’un monde à l’autre, comprendre ce qu’une époque raconte d’elle-même. Et de ce que les marques gagnent à sortir des codes : oser le choix inattendu, faire entrer la culture, l’émotion et la subversion là où on attend surtout de la stratégie.

Une conversation sur la curiosité comme discipline et l’audace comme posture. On en ressort avec une conviction : ce qui marque naît souvent d’un regard qu’on a pris le temps de cultiver.

Crédits :
Ingénieur du Son : François Henry Tresfels
Vidéo : Oliver Ferry
Étalonnage : Paul Mérelle
Merci à la Montgolfière (10e) & à Gauchère

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Et si le chaos était le point de départ de toute création ?

Dans cet épisode de Dans le Bain, je reçois l’artiste, auteure, poète et curatrice Lia Rochas-Páris.

Lia a commencé le collage à 17 ans, sans imaginer que cette pratique deviendrait un jour son métier. Aujourd’hui, son travail se construit à la croisée des images, des mots et des éditions, dans une recherche où l’intuition, le temps et l’accumulation occupent une place essentielle.

Ensemble, on parle de son parcours, de l'évolution de son travail, de sa manière d’aborder la création, du chaos comme point de départ, mais aussi de la place de la pièce unique à l’heure où l’intelligence artificielle permet de produire des images à l’infini.

Un épisode autour du regard, du geste artistique et de ce qui rend chaque pratique singulière.

Lia Rochas-Páris dans Dans le Bain, épisode 14. Bonne écoute.

Crédits :

Ingénieur du son, montage et mixage : ⁠⁠François Henry Tresfels⁠⁠

Recherche et interview : ⁠⁠Roxane Moreau Elkaim⁠⁠ (@danslebain_podcast)

Les références données lors de cet épisode sont disponibles sur le compte ⁠⁠Substack⁠⁠ de Dans le Bain.

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Et si le plus important pour un artiste, c’était simplement d’être soi-même ?

Dans cet épisode de Dans le Bain, je reçois le photographe, réalisateur, ou plutôt, et parce que les mots ont leur importance, l’auteur David Luraschi.

Né à Paris de parents américains et d’origine italienne, David est un artiste multiple. Skateur, apnéiste, plongeur, marseillais une partie de l’année… Et s’il n’avait pas fait carrière dans la photographie, il serait probablement devenu professeur.

C’est depuis le salon de sa cabane de pêcheur, à deux pas de la mer, à Marseille, que nous avons enregistré cet épisode.

David revient sur son parcours : ses presque dix années passées à San Francisco, l’empreinte laissée par la culture skateboard et ses influences cinématographiques, son retour à Paris, mais aussi sur ce qui semble aujourd’hui guider sa vie et son travail : l’importance d’être bien avec soi-même, d’être dans la vie comme dans le travail, aligné, libre et entouré de personnes inspirantes.

Un épisode généreux et profondément sincère, à l’image de ⁠David Luraschi⁠ et de son œuvre photographique.

Crédits :

Ingénieur du son, montage et mixage : ⁠François Henry Tresfels⁠

Recherche et interview : ⁠Roxane Moreau Elkaim⁠

*Les références données lors de cet épisode sont disponibles sur le compte ⁠Substack⁠ de Dans le Bain

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Faut-il être un éternel insatisfait pour être un bon photographe ?

Dans cet épisode hors série, diffusé le soir même du premier solo show de l'artiste Denis Boulze, nous explorons son parcours et ses sept années de carrière en tant que photographe commercial.

Du tout premier appareil photo offert par son père, lui-même photographe, à son premier stage au studio Rouchon à seulement seize ans, Denis nous dévoile les étapes clés de son évolution artistique et partage les ingrédients de sa recette pour créer, dit-il "des images bonbons".

Maître de la madeleine de Proust photographique, son corpus nous transporte dans un univers empreint de poésie, un imaginaire collectif apaisant où il fait bon se perdre.

Au programme : ses collaborations marquantes, cette tendance qu'ont les photographes à reproduire inlassablement les mêmes images, et cette insatisfaction créatrice qui pousse toujours vers la prochaine image.

Crédits :

Ingénieur du son, montage et mixage : François Henry Tresfels

Recherche et interview : Roxane Moreau Elkaim

Chargée de partenariats : Lauryne Soret

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Comment construire une carrière en restant fidèle à son instinct plutôt qu'à ses peurs ?

La mode, le reportage, le portrait ou le Fine Art : depuis plus de vingt-cinq ans, Sonia Sieff refuse de s'enfermer dans une seule pratique. Son travail avance au rythme de ses envies, de ses rencontres et de ses projets personnels autant que de ses commandes.

Dans cet épisode, nous parlons de l'importance de créer ses opportunités plutôt que d'attendre qu'on vous choisisse, de ce que signifie construire sa propre identité lorsqu'on hérite d'un nom, de la réalité d'être à la fois artiste et entrepreneure, de maternité, de liberté, et de cet équilibre fragile entre les commandes et la projets personnels.

Sonia Sieff revient sur un parcours guidé par le besoin de liberté. Une conversation sur la confiance en soi comme en l'avenir, sur la construction d'une oeuvre photographique en perpétuelle évolution, et sur la manière de bâtir une carrière sans laisser la peur dicter ses choix.

Crédits :

Ingénieur du son, montage et mixage : François Henry Tresfels

Recherche et interview : Roxane Moreau Elkaim

Photographies de backstages : Emma Basaglia

Chargée de partenariats : Lauryne Soret

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Comment préserver une liberté de recherche lorsque son écriture visuelle est déjà affirmée ?

Pour ce dernier épisode hors-série enregistré chez Print Paris, je reçois le photographe et plasticien Jean-Vincent Simonet. Il développe depuis bientôt quinze ans une pratique où l’image se construit autant par la prise de vue que par sa transformation.

À partir de ses projets éditoriaux, nous revenons sur l’évolution de sa pratique et sur les liens qui se tissent d’un projet à l’autre. Nous évoquons la désacralisation de la photographie, l’expérimentation, son processus de création et d’impression, la place du Japon dans son travail, ainsi que la manière dont il préserve sa liberté créative tout en continuant à développer une signature visuelle déjà reconnaissable dans la scène artistique contemporaine.

Une conversation autour de l’artisanat de l’image, de sa fabrication et de ses transformations.

Crédits :

Ingénieur du son : Studio Simone Rec

Montage et mixage : François Henry Tresfels

Attachée de presse & agent artistique : Lauryne Soret

Recherche et interview : Roxane Moreau Elkaim

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Comment redonner vie à des images anonymes promises à la destruction ?

Artiste français, Thomas Sauvin a vécu à Pékin pendant douze ans. Depuis 2009, il récupère des négatifs voués à la destruction qu'il récupère dans un centre de recyclage en périphérie de Pékin.

De cette collecte est né Beijing Silvermine, un projet d’archives monumental qui rassemble aujourd’hui plus d’un million de photographies argentiques anonymes prises à Pékin et dans ses environs entre 1985 et 2005.

À travers ce travail, Thomas Sauvin met au jour un pan intime de l’histoire récente de la Chine. En redonnant visibilité à ces images vernaculaires — souvent oubliées ou abandonnées — il révèle une mémoire du quotidien et nous offre un regard inattendu et authentique sur cette période charnière.

Dans cet épisode enregistré chez Print Paris, en collaboration avec The Analog Club, nous parlons d’archives, de mémoire collective, de l'importance de la collaboration, de photographie vernaculaire et de ce que signifie travailler à partir des images des autres.

Nous revenons aussi en détail sur la création de plusieurs de ses livres les plus iconiques — comment ils sont nés des images retrouvées, la manière dont il les édite, les assemble et les transforme en livres-objets.

Une conversation sur les archives, mais aussi sur le livre comme forme de narration et de création.

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Comment rester au sommet de sa pratique, sans perdre le goût d’expérimenter ?

Photographe de nature morte, Charles Negre a commencé très tôt : plus jeune étudiant de l’ECAL, il est rapidement représenté par son agent Carole Lambert, avec qui il collabore encore aujourd’hui.

Dans cet épisode, nous parlons de sa vision de la nature morte, de sa manière de cultiver la créativité et de naviguer entre commandes commerciales et pratique personnelle.

Charles Negre avance par essais, recherches et allers-retours. Il partage une idée simple mais essentielle : accepter de ne pas tout réussir, et faire de cette imperfection une partie du processus créatif.

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Comment devient-on l’un des plus jeunes photographes signés chez Art & Commerce ?

Vous avez sans doute déjà aperçu son travail dans des campagnes pour Gucci, Chanel ou Bottega Veneta. Pourtant, rien ne prédestinait Anthony Saklaoui à devenir l’un des photographes les plus prometteurs de sa génération.

Son parcours est loin d’être banal : après des études de biologie puis d’informatique, il se tourne finalement vers le cinéma.
Chaque étape de sa vie a façonné son regard et a été ponctuée d’intuitions et de moments clés, qui lui ont appris à s’écouter, à se créer des opportunités puis à saisir sa chance lorsqu'elle se présentait.

Aujourd’hui, Anthony est reconnu pour ses campagnes iconiques et ses collaborations marquantes, comme son livre Alaïa by Saklaoui, réalisé avec Pieter Mulier. Mais à seulement 38 ans, il ne compte pas s’arrêter là.

Il nous raconte comment intuition, exigence et authenticité peuvent transformer une passion en carrière hors du commun. Un récit inspirant, sincère et lumineux, qui rappelle à quel point suivre son instinct peut changer une vie.

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35 minutes de récit inspirant avec le photographe de beauté Pablo Freda. Artiste franco-argentin basé à Paris, il a la particularité d'avoir monté son propre laboratoire argentique, Le Glory Lab, qu’il a fondé avec son ami Zen Lefort.

Pablo revient sur ses débuts, son passage à Londres — une étape clé qui a profondément influencé son style — ainsi que sur sa jeunesse nourrie par les magazines de skate et de roller, ce qui l’a poussé à réaliser ses premières images.

Aujourd’hui, bien loin de son tout premier souvenir de la photographie, dont il dit avec amusement se souvenir comme d’une sensation d’échec liée au fait de ne pas réussir à reproduire les inspirations qu’il avait en tête, Pablo Freda est représenté en agence et affirme une œuvre photographique à son image : une proximité qui révèle la beauté d’un détail, des couleurs assumées, du flash, et des textures qui ramènent à l'importance de la matérialité dans son approche artistique.

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