Agora no final de 2017, um pouco antes da CCXP o quadrinhista Camilo Solano publicou sua HQ Semilunar, financiada pelo PROAC e editada pela Balão Editorial (as infos da HQ estão aqui).

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Semilunar é uma história que toca facilmente qualquer pessoa.

Às vezes a gente não percebe o privilégio de nascer “inteiro”, com todos os sentidos, com todos os membros, com todas as funções mais ou menos normal. E, muitas vezes, as pessoas constroem sua vida em uma aptidão física.

Como é para o desenhista perder os movimentos da mão? Para o atleta romper irremediavelmente um tendão? Para o diretor de cinema perder a visão?

São coisas que muitas vezes a gente nem considera, mas que são bem sérias.

Eu mesmo tenho muito medo de perder a visão. Eu adoro ler, adoro filmes, séries e todo tipo de imagem, não sei como eu viveria sem enxergar.

Essa perda irreparável que obriga a pessoa a desconstruir toda a vida é o centro de Semilunar e é o que a torna uma HQ fácil de o leitor se identificar.

Aliás, essa é a grande habilidade do Camilo Solano, fazer com que as pessoas sintam uma empatia com suas histórias, fazer com que elas se sintam tocadas pela ideia dele. E, no fim das contas, esse é um dos elementos chaves para toda a arte, encontrar essa ressonância no leitor/espectador/ouvinte.

Quanto ao desenho, eu acho Solano um autor peculiar.

Na sua HQ Desengano, que tem prefácio do Robert Crumb, eu achei que ele sofria de uma vontade muito grande de ser um Crumb e tentava sempre que podia emular o estilo desse desenhista.

Em Semilunar ele parece mais um artista em transição, ainda tem um pouco de Crumb nas estruturas dos personagens, mas parece mais um meio do caminho para algo próprio e provavelmente mais interessante.

Já, quem acompanha as ilustrações que ele publica no instagram, por exemplo, pode ver que ele é um artista bem versátil e em constante experimentação tanto de estilo quanto de acabamento, mas é possível perceber uma norte visual ali no que ele faz que é bem interessante.

Em termos de arte, eu acho que o ilustrador que o Solano é hoje é infinitamente mais interessante do que ele mostra nas suas HQs.

Mas sempre é bom lembrar que fazer HQ é muito diferente de ilustrar. Fazer HQ é um trabalho descomunal, brutal e cheio de detalhes e há de se fazer concessões sempre favorecendo a narrativa visual, a composição da página e a consistência do livro como um todo e, nesses quesitos, Semilunar é uma HQ muito bem sucedida.

Compre no site www.balaoeditorial.com.br

 

Sorteio

Regras: o sorteio será dia 20, vou divulgar o resultado aqui, no twitter @oliboni, facebook/diletanteprofissional e instagram

Para participar: Vá no vídeo dessa resenha no youtube, se inscreva no canal e comente o vídeo. Pode fazer qualquer comentário (“Eu quero ganhar um”, por exemplo) que você já estará participando)

Valendo então! O sorteio já foi encerrado e Edson W. ganhou. Obrigado por participar

 

 

 

Norman Rockwell (1894-1978) é um dos mais emblemáticos pintores/ilustradores norte-americanos. Capista de várias publicações, com ilustrações marcantes ele tinha um

Norman Rockwell (1894-1978) é um dos mais emblemáticos pintores/ilustradores norte-americanos.

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Capista de várias publicações, com ilustrações marcantes ele tinha um estilo realista muito cheio de vida e detalhes.

Sou grande admirador do trabalho do Rockwell, já tentei fazer várias releituras de pinturas deles, ele é um artista com uma técnica que funciona muito bem para o trabalhos comerciais (editorial, publicidade) mas sem perder a qualidade artística. Os retratos dele dos presidentes americanos são alguns dos trabalhos que eu mais gosto.

Infelizmente o trabalho do Rockwell é sintomático por outro motivo. Ao mesmo tempo que ele foi um ícone da era de ouro da ilustração, ele é um representante da decadência da pintura figurativa como grande arte.

Vou simplificar muito os conceitos aqui só para fins desse texto: pintura figurativa seria essa como a do Rockwell que representa uma imagem onde se compreende uma figura, mesmo que de um ser imaginário, em oposição a pintura abstrata que tem um significado mas sem uma representação direta de algo. E “grande arte” seria aquelas valorizadas por museus e galerias no momento em oposição a uma arte comercial que pode ser decorativa ou para imprensa, editorial e publicitário.

Rockwell estudou arte e design, era um pintor meticuloso que estudava em separado cada elemento do seu quadro, as roupas e proporção de cada personagem e depois os unia no quadro definitivo.

Ele pintava a óleo, com extrema precisão e isso sempre lhe garantiu emprego como capista de revista e ilustrador, mas, muitos dizem que chegou em um ponto que ele tinha um grande reconhecimento como ilustrador mas as pessoas não o viam como pintor. Algumas pessoas atribuem, inclusive, que o auto-retrato dele pintando seu auto-retrato era uma tentativa de mostrar para as pessoas como eram feitas de fato suas ilustrações.

Um crédito que é sempre dado a Rockwell é que as pinturas dele tinham uma narrativa.

A imagem que ele fazia não era uma mera representação, elas contavam uma história, elas conduziam o olhar e a atenção de quem estava vendo para um ponto. Ele era uma mestre da composição visual e do design e da comunicação através da imagem.

O interessante é que isso não exatamente uma questão de pintura, apesar de tudo isso compor o resultado, mas é algo que ele trabalhava desde a referência. Tem imagens interessante colocando lado a lado a foto feita para referência, com tudo posicionada como deveria ser a pintura final do Rockwell.

Ele acrescentava a dimensão da cor, dos contrastes e resgatava aquela vida, aquele brilho e aquele movimento que muitas vezes se perdia na foto.

Outra questão importante do trabalho dele é que ele foi uma espécie de cronista político e de costumes do seu tempo, é possível fazer infinitas análises sobre a temática que ele usava, tudo bem, no geral isso vinha das demandas editoriais, mas ele colocava o seu viés quando conduzia o olhar do leitor da revista que publicava uma imagem sua.

Não há como negar que ele era um pintor virtuoso. Ele tinha suas estilizações, suas simplificações, suas caricaturizações (como não notar as clássicas bochechas rosadas em quase tudo), mas o resultado era extremamente preciso, é reducionista dizer que era uma pintura fotográfica, porque o trabalho dele é muito mais do que isso, mas ele tinha uma técnica surpreendente.

E, acima de tudo, ele era um comunicador visual habilidoso, com uma imagem ele era capaz de criar uma narrativa, contar uma história.

Talvez ele não seja lembrado pela história da arte como pintor, mas certamente está na história do design, da publicidade e da comunicação visual como um dos grandes ilustradores da história.

 

versão em vídeo desse texto 

 

 

 

Norman Rockwell (1894-1978) é um dos mais emblemáticos pintores/ilustradores norte-americanos.

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Capista de várias publicações, com ilustrações marcantes ele tinha um estilo realista muito cheio de vida e detalhes.

Sou grande admirador do trabalho do Rockwell, já tentei fazer várias releituras de pinturas deles, ele é um artista com uma técnica que funciona muito bem para o trabalhos comerciais (editorial, publicidade) mas sem perder a qualidade artística. Os retratos dele dos presidentes americanos são alguns dos trabalhos que eu mais gosto.

Infelizmente o trabalho do Rockwell é sintomático por outro motivo. Ao mesmo tempo que ele foi um ícone da era de ouro da ilustração, ele é um representante da decadência da pintura figurativa como grande arte.

Vou simplificar muito os conceitos aqui só para fins desse texto: pintura figurativa seria essa como a do Rockwell que representa uma imagem onde se compreende uma figura, mesmo que de um ser imaginário, em oposição a pintura abstrata que tem um significado mas sem uma representação direta de algo. E “grande arte” seria aquelas valorizadas por museus e galerias no momento em oposição a uma arte comercial que pode ser decorativa ou para imprensa, editorial e publicitário.

Rockwell estudou arte e design, era um pintor meticuloso que estudava em separado cada elemento do seu quadro, as roupas e proporção de cada personagem e depois os unia no quadro definitivo.

Ele pintava a óleo, com extrema precisão e isso sempre lhe garantiu emprego como capista de revista e ilustrador, mas, muitos dizem que chegou em um ponto que ele tinha um grande reconhecimento como ilustrador mas as pessoas não o viam como pintor. Algumas pessoas atribuem, inclusive, que o auto-retrato dele pintando seu auto-retrato era uma tentativa de mostrar para as pessoas como eram feitas de fato suas ilustrações.

Um crédito que é sempre dado a Rockwell é que as pinturas dele tinham uma narrativa.

A imagem que ele fazia não era uma mera representação, elas contavam uma história, elas conduziam o olhar e a atenção de quem estava vendo para um ponto. Ele era uma mestre da composição visual e do design e da comunicação através da imagem.

O interessante é que isso não exatamente uma questão de pintura, apesar de tudo isso compor o resultado, mas é algo que ele trabalhava desde a referência. Tem imagens interessante colocando lado a lado a foto feita para referência, com tudo posicionada como deveria ser a pintura final do Rockwell.

Ele acrescentava a dimensão da cor, dos contrastes e resgatava aquela vida, aquele brilho e aquele movimento que muitas vezes se perdia na foto.

Outra questão importante do trabalho dele é que ele foi uma espécie de cronista político e de costumes do seu tempo, é possível fazer infinitas análises sobre a temática que ele usava, tudo bem, no geral isso vinha das demandas editoriais, mas ele colocava o seu viés quando conduzia o olhar do leitor da revista que publicava uma imagem sua.

Não há como negar que ele era um pintor virtuoso. Ele tinha suas estilizações, suas simplificações, suas caricaturizações (como não notar as clássicas bochechas rosadas em quase tudo), mas o resultado era extremamente preciso, é reducionista dizer que era uma pintura fotográfica, porque o trabalho dele é muito mais do que isso, mas ele tinha uma técnica surpreendente.

E, acima de tudo, ele era um comunicador visual habilidoso, com uma imagem ele era capaz de criar uma narrativa, contar uma história.

Talvez ele não seja lembrado pela história da arte como pintor, mas certamente está na história do design, da publicidade e da comunicação visual como um dos grandes ilustradores da história.

 

versão em vídeo desse texto 

 

 

 

Tem umas histórias que a gente lembra para o resto vida. Pra mim, Blacksad é uma delas. Quando a Panini

Tem umas histórias que a gente lembra para o resto vida.

Pra mim, Blacksad é uma delas.

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Quando a Panini lançou esse material fantástico em 2006 (seis anos depois da versão original) eu fiquei encantado.

Eu cheguei até a fazer resenhas das HQs para o Universo HQ (veja aqui as resenhas do vol. 1, 2 e 3), mas tem títulos que por mais que a gente grite aos 4 ventos que é bom, eles não engrenam no Brasil.

Assim, a série foi deixada de lado pela Panini e, agora, 11 anos depois da edição nacional e 17 anos depois da original a editora Sesi-SP, que, diga-se de passagem, vem fazendo um baita trabalho legal, relançou os dois primeiros volumes de Blackasad e, com sorte, em breve, veremos material novo.

Pra quem não conhece ainda, Blacksad é uma HQ publicada originalmente na França, pela editora Dargaud, desenhada pelo espanhol Juanjo Guarnido e escrita pelo também espanhol Juan Diáz Canales.

A história segue a risca o estilo dos romances policiais noir, para fãs de Raymond Chandler é imperdível, são ambientadas em Nova Iorque nos anos 50 e o personagem central é o detetive particular durão Blacksad.

O grande diferencial da história é o uso de animais antropomorfizados como personagens da história.

Blacksad é uma pantera em um mundo de ursos, cobras, crocodilos, ratos, raposas e tudo mais que você pensar.

Esse lance dos animais é muito interessante por vários aspectos.

Primeiro pelo lado visual, o desenho do Juanjo Guarnido é simplesmente espetacular. A criatividade e expressividade com que ele projetou os personagens, com que ele pensou como eles se movimentam, como se expressam, é algo surpreendente.

É evidente que a passagem dele como animador pelos estúdios Disney tive uma grande influência no seu trabalho, mas essa influência é algo que vai além do visual da concepção em si dos personagens. O desenho de Guarnido é ágil, cheio de vida e movimento e expressão. Fora as cores, o trabalho dele é de uma beleza absurda, um controle de temperatura de cor para dar o tom de cada cena…

Blacksad é uma daquelas HQs que só pela arte já se garante muito bem.

A isso você alia uma história bacana, às vezes provocativa, como a do segundo volume que trata de forma interessante sobre o racismo, com um grupo de animais brancos.

Outra sacada boa do roteiro é saber usar as característica que tradicionalmente já são atribuídas aos animais para construir de forma mais simples os personagens. A raposa malandra, os répteis traiçoeiros e por aí vai. São arquétipos, mas são arquétipos que funcionam bem dentro do contexto da história. A escolha do animal funciona como uma caricatura, por exemplo, para retratar um policial usar um pastor alemão, é uma caricatura levada mais ao extremo.

Ah, e é sempre bom lembrar que, apesar da história protagonizada por animais e do visual que lembra algo da Disney, Blacksad é uma HQ adulta, com violência, sexo, crimes e tudo mais que pede a estrutura noir da história.

Se não ficou claro ainda, se você nunca leu Blacksad, compre agora, porque é bom demais.

 

 

Compre o volume 1

na Amazon http://amzn.to/2iXKHIF

na Cultura http://compre.vc/v2/331d805afd4

Compre o volume 2

na Amazon http://amzn.to/2BspbTE

na Cultura http://compre.vc/v2/33177e55a02

 

Tem umas histórias que a gente lembra para o resto vida.

Pra mim, Blacksad é uma delas.

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Quando a Panini lançou esse material fantástico em 2006 (seis anos depois da versão original) eu fiquei encantado.

Eu cheguei até a fazer resenhas das HQs para o Universo HQ (veja aqui as resenhas do vol. 1, 2 e 3), mas tem títulos que por mais que a gente grite aos 4 ventos que é bom, eles não engrenam no Brasil.

Assim, a série foi deixada de lado pela Panini e, agora, 11 anos depois da edição nacional e 17 anos depois da original a editora Sesi-SP, que, diga-se de passagem, vem fazendo um baita trabalho legal, relançou os dois primeiros volumes de Blackasad e, com sorte, em breve, veremos material novo.

Pra quem não conhece ainda, Blacksad é uma HQ publicada originalmente na França, pela editora Dargaud, desenhada pelo espanhol Juanjo Guarnido e escrita pelo também espanhol Juan Diáz Canales.

A história segue a risca o estilo dos romances policiais noir, para fãs de Raymond Chandler é imperdível, são ambientadas em Nova Iorque nos anos 50 e o personagem central é o detetive particular durão Blacksad.

O grande diferencial da história é o uso de animais antropomorfizados como personagens da história.

Blacksad é uma pantera em um mundo de ursos, cobras, crocodilos, ratos, raposas e tudo mais que você pensar.

Esse lance dos animais é muito interessante por vários aspectos.

Primeiro pelo lado visual, o desenho do Juanjo Guarnido é simplesmente espetacular. A criatividade e expressividade com que ele projetou os personagens, com que ele pensou como eles se movimentam, como se expressam, é algo surpreendente.

É evidente que a passagem dele como animador pelos estúdios Disney tive uma grande influência no seu trabalho, mas essa influência é algo que vai além do visual da concepção em si dos personagens. O desenho de Guarnido é ágil, cheio de vida e movimento e expressão. Fora as cores, o trabalho dele é de uma beleza absurda, um controle de temperatura de cor para dar o tom de cada cena…

Blacksad é uma daquelas HQs que só pela arte já se garante muito bem.

A isso você alia uma história bacana, às vezes provocativa, como a do segundo volume que trata de forma interessante sobre o racismo, com um grupo de animais brancos.

Outra sacada boa do roteiro é saber usar as característica que tradicionalmente já são atribuídas aos animais para construir de forma mais simples os personagens. A raposa malandra, os répteis traiçoeiros e por aí vai. São arquétipos, mas são arquétipos que funcionam bem dentro do contexto da história. A escolha do animal funciona como uma caricatura, por exemplo, para retratar um policial usar um pastor alemão, é uma caricatura levada mais ao extremo.

Ah, e é sempre bom lembrar que, apesar da história protagonizada por animais e do visual que lembra algo da Disney, Blacksad é uma HQ adulta, com violência, sexo, crimes e tudo mais que pede a estrutura noir da história.

Se não ficou claro ainda, se você nunca leu Blacksad, compre agora, porque é bom demais.

 

 

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Eu lembro de um tempo que o kit de fodue era meio um dos bons presentes de casamento depois dos essenciais (geladeira/fogão). Era o ápice da coisa que ninguém nunca comprava, só ganhava.

Depois disso, no decorrer dos anos 2000 o presente que subiu para o topo das listas de casamento foi a Nespresso.

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Mas a Nespresso era cara, as capsulas eram caras e, óbvio, a empresa não conseguiu segurar a patente das cápsulas e com a concorrência pronta para invadir esse nicho com produtos populares, a Nestlè criou sua própria linha popular, a Dolce Gusto.

Passado um bom tempo de existência de ambos os produtos qual o melhor?

Em termos de preço, já não dá para dizer que há tanta diferença, a MiniMe da DolceGusto custa R$399 enquanto a Essenza Mini da Nespresso custa R$ 395 (os preços são dos sites das marcas em outubro/17).

Sim, há opções bem mais caras, que acrescentam algumas funções, muda o design, mas em ambas as linhas, da mais barata à mais cara, a estrutura interna da máquina (que é o que realmente importa) e a pressão é a mesma.

Assim, mesmo a Dolce Gusto mais cara ainda é uma máquina inferior a Nespresso mais barata em termos de maquinário.

Sinceramente, por mais que eu acredite que há valor na beleza do design, se for para recomendar eu sugiro comprar a mais barata mesmo, a não ser que dinheiro não seja problema na sua vida.

Uma exceção para essa questão do preço é se você gosta de leite no café, daí você pode querer desembolsar os R$1.199 de uma das Nespresso mais caras para poder ter a espuma de leite aplicada direto na xícara.

Agora, quando se pensa no preço, não dá para pensar só na máquina, porque você ficará escravo da capsulas para toda a vida, então tem a questão do preço da capsula.

Hoje, pelo site dos fabricantes, o preço médio de uma capsula Dolce Gusto é R$1,39 (a caixa com 16 capsulas é $22,20), dá pra comprar mais barato em promoções e combos, mas a média é essa. Já da Nespresso as capsulas saem a $1,90 as de linha normal e $2,70 as especiais, também é possível comprar um pouco mais barato em combos.

Assim, no mês, uma pessoa que toma um café por dia, gasta em média $42 em dolce gusto e $57 em Nespresso.

Esse é um valor a se considerar, principalmente se tem mais de uma pessoa na casa e se toma-se mais do que um café. O preço da máquina, no fim, é quase irrelevante diante do custo de comprar capsulas.

Agora vamos as peculiaridades de cada máquina.

A Nespresso é totalmente focada no café. Tem uma carta bem diversificada de tipos de café e torras com intensidades para todos os gostos. Eles compram lotes no mundo todo, possuem um sistema de torra e encapsulamento padronizado sempre com um foco em oferecer um café espresso bom. Eles possuem 24 cafés de fixos e sempre estão lançando lotes sazonais novos para maior diversidade.

Além do café, a Nespresso tenta vender um “conceito”. Quando você compra a máquina ganha um cartão que lhe dá o direito de tomar cafés de graça nas lojas da Nespresso (mas esse é um direito que só é útil mesmo se você mora perto das pouquíssimas lojas). Além do café eles dão diversos cursos gratuitos para os clientes na loja conceito deles. Já fui em alguns, são curiosos.

A Dolce Gusto já tenta pegar o cliente pela variedade de bebidas e não pela qualidade em si. Eles aproveitaram que já tinham várias marcas solúveis como nescafé e nescau investiram nessa linha. O que não falta são cápsulas que misturam leite com café solúvel e há até capsulas de chá (o Nestea) para fazer com a máquina.

Ou seja, o café é só uma das opções. Sim, tem cápsulas de café espresso, mas é preciso ficar atento na hora de comprar.

E qual a conclusão?

Bom, se você gosta de café mesmo, a ideal é a nespresso, sem dúvida, mesmo mais cara vai acabar sendo melhor do que ter que encarar os poucos e medianos...

Eu lembro de um tempo que o kit de fodue era meio um dos bons presentes de casamento depois dos essenciais (geladeira/fogão). Era o ápice da coisa que ninguém nunca comprava, só ganhava.

Depois disso, no decorrer dos anos 2000 o presente que subiu para o topo das listas de casamento foi a Nespresso.

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Mas a Nespresso era cara, as capsulas eram caras e, óbvio, a empresa não conseguiu segurar a patente das cápsulas e com a concorrência pronta para invadir esse nicho com produtos populares, a Nestlè criou sua própria linha popular, a Dolce Gusto.

Passado um bom tempo de existência de ambos os produtos qual o melhor?

Em termos de preço, já não dá para dizer que há tanta diferença, a MiniMe da DolceGusto custa R$399 enquanto a Essenza Mini da Nespresso custa R$ 395 (os preços são dos sites das marcas em outubro/17).

Sim, há opções bem mais caras, que acrescentam algumas funções, muda o design, mas em ambas as linhas, da mais barata à mais cara, a estrutura interna da máquina (que é o que realmente importa) e a pressão é a mesma.

Assim, mesmo a Dolce Gusto mais cara ainda é uma máquina inferior a Nespresso mais barata em termos de maquinário.

Sinceramente, por mais que eu acredite que há valor na beleza do design, se for para recomendar eu sugiro comprar a mais barata mesmo, a não ser que dinheiro não seja problema na sua vida.

Uma exceção para essa questão do preço é se você gosta de leite no café, daí você pode querer desembolsar os R$1.199 de uma das Nespresso mais caras para poder ter a espuma de leite aplicada direto na xícara.

Agora, quando se pensa no preço, não dá para pensar só na máquina, porque você ficará escravo da capsulas para toda a vida, então tem a questão do preço da capsula.

Hoje, pelo site dos fabricantes, o preço médio de uma capsula Dolce Gusto é R$1,39 (a caixa com 16 capsulas é $22,20), dá pra comprar mais barato em promoções e combos, mas a média é essa. Já da Nespresso as capsulas saem a $1,90 as de linha normal e $2,70 as especiais, também é possível comprar um pouco mais barato em combos.

Assim, no mês, uma pessoa que toma um café por dia, gasta em média $42 em dolce gusto e $57 em Nespresso.

Esse é um valor a se considerar, principalmente se tem mais de uma pessoa na casa e se toma-se mais do que um café. O preço da máquina, no fim, é quase irrelevante diante do custo de comprar capsulas.

Agora vamos as peculiaridades de cada máquina.

A Nespresso é totalmente focada no café. Tem uma carta bem diversificada de tipos de café e torras com intensidades para todos os gostos. Eles compram lotes no mundo todo, possuem um sistema de torra e encapsulamento padronizado sempre com um foco em oferecer um café espresso bom. Eles possuem 24 cafés de fixos e sempre estão lançando lotes sazonais novos para maior diversidade.

Além do café, a Nespresso tenta vender um “conceito”. Quando você compra a máquina ganha um cartão que lhe dá o direito de tomar cafés de graça nas lojas da Nespresso (mas esse é um direito que só é útil mesmo se você mora perto das pouquíssimas lojas). Além do café eles dão diversos cursos gratuitos para os clientes na loja conceito deles. Já fui em alguns, são curiosos.

A Dolce Gusto já tenta pegar o cliente pela variedade de bebidas e não pela qualidade em si. Eles aproveitaram que já tinham várias marcas solúveis como nescafé e nescau investiram nessa linha. O que não falta são cápsulas que misturam leite com café solúvel e há até capsulas de chá (o Nestea) para fazer com a máquina.

Ou seja, o café é só uma das opções. Sim, tem cápsulas de café espresso, mas é preciso ficar atento na hora de comprar.

E qual a conclusão?

Bom, se você gosta de café mesmo, a ideal é a nespresso, sem dúvida, mesmo mais cara vai acabar sendo melhor do que ter que encarar os poucos e medianos...