Ecoutez! – 30 Werkgeschichten aus dem Aargauer Kunsthaus

Der Solothurner Cuno Amiet (1868 – 1961) porträtiert seine Ehefrau Anna, die zur Entstehungszeit des Bildes Die Hoffnung (1901) schwanger ist. Die Freude der werdenden Eltern wird nach einer glücklich verlaufenden Schwangerschaft durch die Totgeburt zerstört. Amiet erschafft 1902 eine weitere Fassung, lässt aber die erste Version bestehen und erweitert die Allegorie zu einem Triptychon mit Seitenflügeln. Das Werk fällt in eine Zeit, in der sich Amiet unter dem Einfluss Ferdinand Hodlers (1853–1918) stark mit dem Symbolismus und Jugendstil auseinandersetzt. Die stilistische Prägung spiegelt sich im allegorischen Bildthema, der dekorativen Linienführung und der eher flächig gestalteten, vergeistigten Darstellung der Frauenfigur.

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Stimmen: Marion Weik (Intro); Laura Lienhard-Caltagirone (Text)

Franz Gertsch (1930–2022) è noto soprattutto per i suoi dipinti fotorealistici, per lo più di grande formato, realizzati a partire dal 1969. Spesso utilizza come modello le proprie fotografie, come nel caso del dipinto Kranenburg (1970). Da sinistra a destra, il dipinto raffigura l'artista Markus Raetz, il direttore del museo Jean-Christophe Ammann, le mogli degli artisti Monika Raetz e Maria Gertsch, il gallerista Pablo Stähli, il fotografo Balthasar Burkhard e il pioniere del teatro olandese Ritsaert mentre si recano a un vernissage a Kranenburg. Il quadro è emblematico della scena artistica svizzera degli anni '70 in piena trasformazione. Per realizzare il dipinto, Gertsch proietta la fotografia sul supporto e dipinge l'immagine in modo meticoloso e diretto sulla tela con colori coprenti.

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Voci: Marion Weik (Introduzione); Anna Sala (testo)

Franz Gertsch (1930-2022) est surtout connu pour ses peintures photoréalistes, généralement de grand format, réalisées à partir de 1969. Il s'inspire souvent de ses propres photographies, comme c'est le cas pour le tableau Kranenburg (1970). Celui-ci représente, de gauche à droite, l'artiste Markus Raetz, le directeur du musée Jean-Christophe Ammann, les épouses des artistes Monika Raetz et Maria Gertsch, le galeriste Pablo Stähli, le photographe Balthasar Burkhard et le pionnier du théâtre néerlandais Ritsaert, en route pour un vernissage à Kranenburg. Cette image est emblématique de l'émergence de la scène artistique suisse dans les années 1970. Pour réaliser ce tableau, Gertsch projette la photographie sur le support et peint l'image minutieusement et directement sur la toile avec une peinture opaque.

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Les voix : Marion Weik (intro) ; Ash Goldeh (texte)

Franz Gertsch (1930–2022) ist vor allem bekannt für seine ab 1969 entstehenden fotorealistischen, meist grossformatigen Gemälde. Als Vorlage dienen ihm häufig eigene Fotografien – so auch für das Gemälde Kranenburg (1970). Dieses zeigt von links nach rechts den Künstler Markus Raetz, Museumsleiter Jean-Christophe Ammann, Künstlergattinnen Monika Raetz und Maria Gertsch, Galerist Pablo Stähli, Fotograf Balthasar Burkhard und den holländischen Theaterpionier Ritsaert auf dem Weg an eine Vernissage in Kranenburg. Das Bild steht geradezu sinnbildlich für die aufbrechende Schweizer Kunstszene der 1970er-Jahre. Für das Gemälde projiziert Gertsch die Fotografie auf den Bildträger und malt das Bild akribisch und direkt mit deckender Farbe auf die Leinwand.

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Stimmen: Marion Weik (Intro); Laura Lienhard-Caltagirone (Text)

Il pittore zurighese Fritz Glarner (1899-1972) è uno dei più noti esponenti europei dell'arte geometrica astratta. Nel 1936 si trasferisce a New York, dove incontra l'olandese Piet Mondrian e altri seguaci del neoplasticismo. Questi ultimi puntano alla riduzione del linguaggio pittorico a linee orizzontali e verticali, ai colori primari rosso, giallo e blu, nonché ai non colori nero come motivo a griglia e bianco come sfondo dell'immagine. Glarner ne è influenzato. Tuttavia, come dimostra la sua opera “Relational Painting, Tondo 31” (1954), nei suoi quadri rompe la rigorosità della struttura, fa scontrare sempre più le superfici colorate e, ad esempio, scegliendo un supporto rotondo, ammette anche segmenti circolari.

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Voci: Marion Weik (Introduzione); Anna Sala (testo)

Le peintre zurichois Fritz Glarner (1899-1972) compte parmi les représentants européens les plus renommés de l'art géométrique abstrait. En 1936, il s'installe à New York, où il rencontre notamment le Néerlandais Piet Mondrian et d'autres adeptes du néoplasticisme. Ceux-ci s'attachent à réduire le langage pictural à des lignes horizontales et verticales, aux couleurs primaires rouge, jaune et bleu, ainsi qu'aux non-couleurs noir comme motif en treillis et blanc comme fond. Glarner s'en inspire. Cependant, comme le montre son œuvre « Relational Painting, Tondo 31 » (1954), il rompt dans ses tableaux la rigueur de la structure, laisse les surfaces colorées s'entrechoquer de plus en plus et autorise également des segments circulaires, par exemple en choisissant un support rond.

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Les voix : Marion Weik (intro) ; Ash Goldeh (texte)

Der Zürcher Maler Fritz Glarner (1899–1972) zählt zu den namhaften europäischen Exponenten der geometrisch-abstrakten Kunst. 1936 übersiedelt er nach New York, wo er mitunter auf den Niederländer Piet Mondrian und andere Anhänger des Neoplastizismus trifft. Diesen geht es um die Reduktion der Bildsprache auf horizontale und vertikale Linien; die Grundfarben Rot, Gelb und Blau, sowie die Nichtfarben Schwarz als Gittermuster und Weiss als Bildgrund. Glarner lässt sich davon beeinflussen. Wie sein Werk Relational Painting, Tondo 31 (1954) jedoch zeigt, bricht er in seinen Bildern die Strenge des Gerüsts auf, lässt die Farbflächen zunehmend aufeinanderprallen und lässt etwa durch die Wahl eines runden Bildträgers auch Kreissegmente zu.

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Stimmen: Marion Weik (Intro); Laura Lienhard-Caltagirone (Text)

Hermann Scherer (1893–1927) è considerato uno dei più importanti
rappresentanti dell'espressionismo svizzero. Cresciuto nella Foresta Nera, compie un apprendistato come scalpellino e poi intraprende un viaggio di formazione, che lo porta anche in Svizzera. Intorno al 1923 strinse amicizia con il pittore espressionista Ernst Ludwig Kirchner, dal quale apprese i fondamenti della pittura e che visitò più volte a Davos. A Davos realizzò anche la scultura «Mutter» (Madre): tracce visibili dello scalpello si incidono nel legno e scolpiscono una figura femminile segnata dalla paura e dall'orrore, alla cui gamba si aggrappa un bambino in cerca di aiuto. La nudità delle figure sottolinea l'espressione di vulnerabilità e abbandono, sentimenti che traspaiono in molte delle opere in legno di Scherer.

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Voci: Marion Weik (Introduzione); Anna Sala (testo)

Hermann Scherer (1893-1927) est considéré comme l'un des principaux
représentants de l'expressionnisme suisse. Ayant grandi dans la Forêt-Noire, il suit une formation de tailleur de pierre, puis part en voyage, notamment en Suisse. Vers 1923, il se lie d'amitié avec le peintre expressionniste Ernst Ludwig Kirchner, qui lui enseigne les bases de la peinture et qu'il rend visite à plusieurs reprises à Davos. C'est là qu'il réalise la sculpture « Mutter » (Mère) : les traces visibles du ciseau creusent le bois et font apparaître une figure féminine marquée par la peur et l'horreur, à la jambe de laquelle s'accroche un enfant en quête d'aide. La nudité des personnages souligne l'expression de vulnérabilité et d'exposition – des sentiments qui transparaissent dans de nombreuses œuvres en bois de Scherer.

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Les voix : Marion Weik (intro) ; Ash Goldeh (texte)

Hermann Scherer (1893–1927) gilt als einer der wichtigsten Vertreter des Schweizer Expressionismus. Im Schwarzwald aufgewachsen, macht er eine Lehre als Steinmetz und begibt sich anschliessend auf Wanderschaft – u.a. in die Schweiz. Um 1923 befreundet er sich mit dem expressionistischen Maler Ernst Ludwig Kirchner, von dem er die Grundlagen der Malerei erlernt und den er mehrfach in Davos besucht. In Davos schafft er denn auch die Skulptur "Mutter": Sichtbare Spuren des Meissels graben sich ins Holz und schälen eine von Angst und Entsetzen gezeichnete Frauengestalt heraus, an deren Bein sich ein hilfesuchendes Kind klammert. Die Nacktheit der Figuren unterstreicht den Ausdruck von Verletzlichkeit und Ausgesetzt-Sein – Gefühle, die in vielen von Scherers Holzarbeiten aufscheinen.

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Stimmen: Marion Weik (Intro); Laura Lienhard-Caltagirone (Text)