El año 2013 Spike Jonze capturó la atención del público con su cinta Her, una melancólica pieza que usa la ciencia ficción como motor para contar una historia que indaga en la naturaleza humana y las relaciones que construimos y al mismo tiempo nos eclipsa con la delicadeza de su cinematografía. 

En pocas palabras la historia sigue a Theodore, un escritor de cartas de mediana edad, a quien no le ha ido bien enfrentando el término de su matrimonio, aislándose en su monótona vida entre el trabajo y sus videojuegos, pero todo dará un giro en 180 grados cuando instala un nuevo sistema operativo en sus dispositivos, el cual promete una experiencia única y que se auto bautizará como Samantha. Juntos desarrollarán una relación única que abrirá el debate entre ellos acerca de qué es lo que los conecta y qué es lo que los mantiene alejados al mismo tiempo.

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Si se une un gran director con un excelente actor, más un fascinante guión, evidentemente se tendrá como resultado una espectacular película, lo cual justamente ocurre con los dos largometrajes que comentamos esta semana: Jagten (2012) y Druk (2020) del director Thomas Vinterberg, ambos protagonizados por Mads Mikkelsen. 

Jagten o The Hunt es un drama que se desarrolla en un pequeño pueblo de Dinamarca, en donde un maestro de guardería es equivocadamente acusado de abuso sexual contra una menor, lo cual tiene como efecto la histeria colectiva de la comunidad, dando paso a una serie de hostigamientos y desprecios contra él. La película ganó aclamación universal por la dirección, guión y actuaciones, y al día de hoy es considerada como uno de los mejores trabajos de Mikkelsen, habiendo ganado el Premio a Mejor Actor en el Festival de Cannes. 

Druk o Another Round es una comedia dramática que gira en torno a cuatro profesores de instituto que se embarcan en un experimento sociológico, consistente en que cada uno de ellos debe mantener al mismo nivel la tasa de alcohol en su cuerpo, durante sus vidas diarias, intentando demostrar de esa manera que pueden mejorar en todos los aspectos de sus vidas. Este es el último trabajo de Vinterberg, por el cual recibió nuevamente la ovación de críticos y espectadores, así como también nominaciones a los Premios Óscar en las categorías "mejor director" y "mejor película extranjera". 

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El año 2019 HBO estrenó la serie Watchmen que se basa en el universo creado por Alan Moore en la novela gráfica de mismo nombre y en el cual los super héroes existen pero han sido marginados de la sociedad. 

Damon Lindelof fue el creador de esta nueva versión de la historia que se sitúa en Tulsa 34 años después del fin de la novela, teniendo como protagonista a Angela Abar, una policía con un alter ego llamado Sister Night, quien deberá investigar la muerte de su amigo y jefe de la policía en medio de una crisis en el conflicto racial gatillado por el ataque de un grupo de supremacistas blancos denominados la Séptima Caballería y que usan la máscara del antiguo Watchmen, Rorschach. 

Se trata de una historia que mira con nostalgia la decadencia de los super héroes, así como un interesante estudio acerca de las motivaciones de los mismos, el trauma, la identidad y el racismo en la sociedad. 

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Para cerrar con broche de oro nuestro especial de directoras mujeres, comentamos dos obras que a lo largo de los años han logrado consolidarse como películas de culto del siglo XXI: American Psycho (2000) de la directora Mary Harron y The Hurt Locker (2008) de Kathryn Bigelow. 

American Psycho es una película de comedia negra y slasher que sigue a Patrick Bateman, un yuppie de los años 80 en Nueva York que tras una fachada de lujos, música y restaurantes de moda, esconde una doble vida como asesino serial. Basada en el libro de Bret Easton Ellis del mismo título, la película realiza un interesante estudio de personaje, junto con un analizar y comentar un grupo social y las nociones de identidad colectiva e individual. 

The Hurt Locker, por su parte, es un thriller bélico que relata el día a día de una brigada estadounidense que se dedica a la desactivación de bombas en el contexto de la Guerra de Irak. La película se enfoca principalmente en las reacciones emocionales y psicológicas que la guerra provoca, centrándose en la particular adicción y fascinación que esta le genera al protagonista.  

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En esta tercera semana sobre películas dirigidas por mujeres, comentamos los fascinantes largometrajes Raw (2016) de la directora Julia Ducournau y Lady Bird (2017) de Greta Gerwig. 

Raw es un coming of age/horror sobre Justine, una inocente estudiante vegetariana de primer año de la carrera de veterinaria, que tras ingresar a la universidad y ser víctima de humillantes rituales de bienvenida, descubre su apetito por la carne humana. Así, y luego de enterarse que su hermana Alexia padece la misma condición, inicia un viaje en el que desentraña su identidad, naturaleza y, finalmente, su humanidad. 

Lady Bird es un coming of age/comedia sobre Christine "Lady Bird" McPherson, una estudiante de último año de secundaria que en medio del proceso de elección universitaria, vive una tormentosa (pero conmovedora) relación con su madre. Tras una serie de eventos que involucran amistades, obras de teatro, intereses amorosos y pruebas de matemáticas, Lady Bird se enfrenta al mundo lejos de casa, dándose cuenta de lo importante que es el origen y la familia. 

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En el segundo episodio de nuestro mes dedicado a las directoras mujeres, comentamos las hermosas películas "María Antonieta" (2006) y "Cumbres Borrascosas" (2011). 

María Antonieta es la adaptación libre de la novela biográfica Marie Antoniette: The Journey, de la escritora Antonia Fraser, cuyo guión y dirección estuvo a cargo de la cineasta estadounidense Sofia Coppola. Caracterizada por su anacronismo, la película retrata la vida de la reina adolescente María Antonieta de Francia, desde su llegada a Versalles hasta la Revolución Francesa. 

Por su parte, Cumbres Borrascosas es la más reciente adaptación cinematográfica de la novela de Emily Brontë, donde su directora, Andrea Arnold, captura perfectamente la emocionalidad que inunda la historia de los protagonistas Catherine y Heathcliff, además de sorprendernos con recursos técnicos y narrativos que nos transportan a la Inglaterra del siglo XIX. 

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Damos inicio a un mes dedicado a cine hecho por directoras mujeres y lo hacemos con la compañía de nuestra invitada especial @lausuigeneris. Juntos nos sentamos a hablar acerca de dos adaptaciones del clásico de Jane Austen: Emma. 

Por un lado tenemos a Clueless (1995) dirigida por Amy Heckerling que cuenta la historia de Cher, una de las chicas más populares de su secundaria en Beverly Hills y cuya preocupación principal es llevar la ropa más atractiva y ser tan popular como sea posible, pero ella también tiene la necesidad innata de ayudar a los desamparados, entre ellos una chica nueva de quien se hará amiga, Tai. 

Emma. (2020) de la directora Autumn de Wilde, se ambienta al igual que la novela de Austen, en la Regencia en donde seguiremos a la inteligente, guapa y rica Emma Woodhouse, joven aristócrata cuya vida le parece aburrida por lo cual decidirá mejorar la del resto en una cinta llena de humor, ironía e incluso crítica social.

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La temporada de premios del cine y la televisión internacional (y sobre todo gringa) no sólo es glamour y ostentación, sino que reúne y premia - se supone - lo mejor del año en la industria, pero hay veces en que algunas películas han sido las grandes perdedoras de la noche a pesar de que tenían todo para llevarse los galardones más importantes. Este es el caso, en nuestra humilde opinión, de Black Swan y Arrival, dos "piezas del arte contemporáneo" que se merecían un mucho mejor trato por parte de la academia y que en el episodio de hoy les contamos porqué.   

Black Swan (2010) del director Darren Aronofsky relata la historia de Nina Sayers, bailarina de ballet, que tras ser elegida para protagonizar una nueva versión de clásico Lago de los Cisnes vivirá un viaje de autoconocimiento y destrucción debido a su obsesión por alcanzar la perfección.   

Arrival (2016) dirigida por Denis Villeneuve es una película que se centra en la llegada de naves extraterrestres a distintos puntos de nuestro planeta, entre ellos Estados Unidos, lugar en el cual se formará un campamento en que la Dra. Louise Banks, lingüista, liderará los intentos de comunicación con los visitantes para obtener respuesta a la pregunta de por qué llegaron.    

Les invitamos a comentar con nosotros estas películas. En su opinión ¿merecían el Óscar a mejor película? ¿qué cosas buenas y qué cosas malas vieron en ellas?  Pueden oír nuestras opiniones en el enlace de la descripción.

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En esta ocasión, y para variar un poco, comentamos dos aclamados documentales: Bowling for Columbine (2002) del director Michael Moore, y Jiro Dreams of Sushi (2011) de David Gelb.

Bowling for Columbine es un documental que explora las causas de la Masacre Escolar de Columbine de 1999 y otros actos de violencia ocurridos con motivo de armas de fuego en Estados Unidos. Michael Moore, con una clara crítica y visión política, analiza diversos factores que explican la cultura de armas en ese país, como son la violencia institucionalizada del gobierno, la cultura del miedo y el sensacionalismo de los medios de comunicación. Con este trabajo, Moore ganó gran reconocimiento, obteniendo el Óscar a mejor documental y el César a mejor film extranjero, entre otros premios, y hoy es considerado como “uno de los mejores documentales de la historia”.

Jiro Dreams of Sushi, por su parte, sigue a Jiro Ono, un chef japonés de 85 años, dueño del restaurante de sushi en Tokio, Sukiyabashi Jiro, en ese entonces reconocido con las tres estrellas de la Guía Michelin. En este trabajo David Gelb expone el amor de Jiro por su oficio, así como también su dedicación, disciplina y ética laboral. Además, nos muestra las técnicas y métodos creados y utilizados por Jiro, que le han valido ser reconocido como “el mejor chef de sushi”. 

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Hay ocasiones en que una película "nos vuela la cabeza" por sus giros, revelaciones, por sus planteamientos, sus escenas, etc. y este es el caso de Funny Games (1997) y Kynódontas (2009) de los directores Michael Haneke y Yorgos Lanthimos respectivamente. 

La primera de estas películas nos cuenta la historia de una familia austriaca que se dirige a su casa de campo a pasar sus vacaciones alejados de la ciudad, sin embargo una vez que se comienzan a instalar ahí son visitados por dos jóvenes que darán rienda suelta a sus perversiones con esta familia. 

Por su parte, la película de Lanthimos, se centra en una familia griega cuyos padres han criado a sus hijos en casa, aislados totalmente del mundo exterior, sobreprotegiéndolos a través de una educación que distorsiona la realidad y que luego de un incidente se verá afectada generando la curiosidad de una de las hijas por salir al "mundo real". 

Ambas películas presentan escenas crudas y estremecedoras que sutilmente revelan las críticas y metáforas profundas que los directores buscaron plasmar en sus historias.

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