Explorando Versiones

SHOW ME THE WAY En la septuagésima novena entrega de Explorando Versiones, nuestro amigo Pedro A. Luís nos hablará de la canción «Show me the way», un tema del británico «Peter Frampton» y el periplo de su guitarra Les Paul Custom de 1954 que desapareció en un trágico accidente aéreo en 1980 y que finalmente pudo ser recuperada en 2011. PETER FRAMPTON - SHOW ME THE WAY: https://www.youtube.com/watch?v=Qh4zqMMaRlA CHESTER MILLER: https://www.youtube.com/watch?v=5W0rwOrnd68 ALVARO ESCARAMELLI: https://www.youtube.com/watch?v=YPVGx_fscWM PETER FRAMPTON (LIVE): https://www.youtube.com/watch?v=fljCxY1jtik PETER FRAMPTON (SINGLE): https://www.youtube.com/watch?v=tv3sH9sXZbY

A finales de la década de los 80, y con el cansino run run de la jodida movida madrileña zumbando día sí y día también en nuestros oídos haciendo gala de un heliocentrismo capitalino bastante jartible, en el norte de España se estaba acabando una década gloriosa para el rock, con grupos como Cicatriz, La Polla Records, Eskorbuto, Barricada o M.C.D por ejemplo. Estos salvajes del rock y del punk eran el contrapeso a esos pijazos madrileños que con el altavoz mediático se creían ser el ombligo del mundo. En ese contexto histórico empezaba a fermentar un grupo de músicos que marcarían el camino del rock nacional de los próximos años. Juantxo e Iñaki Uoho tenían una banda llamada Ke, humo en Euskera que grabó solo una maqueta para después disolverse pero fue el germen de lo que vino luego. Tardaron poco en formar otra banda junto a Jesús García, Maguila, Juantxo que era el bajo del grupo invitó a un ensayo a un vecino suyo que decía tocar la guitarra y es así como el resto del grupo conoció a Adolfo Cabrales Mato…mas conocido como Fito Cabrales a groso modo así nació Platero y tu. PLATERO Y TU - HAY POCO ROCK AND ROLL: https://www.youtube.com/watch?v=FFQdttqbhGA Platero y tu estuvieron en activo desde 1989 hasta 2002 aunque Fito que para entonces era el frontman de la banda además de cantante y guitarrista, ya tenía andando y en paralelo su siguiente proyecto musical… Fito y Fittipaldis. Este nuevo proyecto era sin duda más personal y daba cabida a otras inquietudes de Fito en la música como el rockabilly, swing, jazz…. Desde su primer disco “A Puerta Cerrada”, de 1998, Fito decidió incluir una versión en cada trabajo que publicara como Fito y Fitipaldis y eso sirve de banderín de enganche para hacer este Explorando Versiones. Soy Sergio Serrato y esto es un especial Explorando Versiones de Fito y Fitipaldis. LOS SECRETOS - QUIERO BEBER HASTA PERDER EL CONTROL: https://www.youtube.com/watch?v=39a1V8IIMog Esta es la canción elegida para ese disco debut de 1998, la canción “quiero beber hasta perder el control” de Los Secretos. FITO Y FITIPALDIS - QUIERO BEBER HASTA PERDER EL CONTROL: https://www.youtube.com/watch?v=p1n1aXFUVy8 La versión de Fito es más rápida y bebe, nunca mejor dicho en cierto rock sureño. FITO Y FITIPALDIS - PARA TODA LA VIDA: https://www.youtube.com/watch?v=Gtrt3HvSD-s Y del rock sureño a la musica norteña, para su disco Los sueños locos de 2001 Fito y los suyos versionaban así la canción del acordeonista tejano Flaco Jimenez pero más alejado del regusto Tex Mex del Flaco. FLACO JIMENEZ - PARA TODA LA VIDA: https://www.youtube.com/watch?v=K9KgpoFkJFU Esta es la canción original de uno de los mayores representantes del estilo corrido norteño pero nacido al otro lado de la frontera. LOS REBELDES - QUIERO SER UNA ESTRELLA: https://www.youtube.com/watch?v=_-ZaB2lN568 El tercer disco de Fito y Fitipaldis puede ser el de su consagracion, corría el 2003 y en el disco “Lo más lejos a tu lado” versionaban esta canción de Los Rebeldes “Quiero una estrella”. FITO & FITIPALDIS - QUIERO SER UNA ESTRELLA: https://www.youtube.com/watch?v=vI0mQEjBwMI Esta vez no se alejan del estilo Rockabilly pero eso sí añaden un piano al estilo de de Jerry lee Lewis. EXTREMODURO - DELTOYA: https://www.youtube.com/watch?v=u-kP22JG9Yw La sinergia entre esos dos grupos ha sido permanente y Deltoya de Extremoduro sería la canción elegida para ser versionada en el cuarto disco de la banda “Por la boca vive el pez”. FITO & FITIPALDIS - DELTOYA: https://www.youtube.com/watch?v=SN5ruGzWrz8 Fito es reconocido amigo, admirador incluso vecino del líder de Extremoduro Robe Iniesta. Para esta versión/homenaje Fito elige darle ritmo a la canción incluyendo un solo de saxo muy swing. FITO & FITIPALDIS - TODO A 100: https://www.youtube.com/watch?v=6O3Tra2FvY8 En 2009 ve la luz el siguiente trabajo titulado “Ante de que cuente 10” y por supuesto dentro del mismo estaba esta versión de "Todo a Cien" de "La Cabra Mecánica", aparentemente más formal que la original se podria decir. LA CABRA MECÁNICA - TODO A 100: https://www.youtube.com/watch?v=11kBFa5m-xE La Banda de Lichi ideó esta canción con un estilo más mestizo y con cambios de ritmos inclasificables. FITO & FITIPALDIS - NOS OCUPAMOS DEL MAR: https://www.youtube.com/watch?v=tAJbzkk6cRI Para el sexto álbum de la banda “Huyendo conmigo de mí” de 2014 Fito versiona a modo de …no sé, una especie de balada este tema de un cantautor que se que le va a gustar a mi amigo Ayllón, Javier Krahe la canción “Nos ocupamos del mar”. JAVIER KRAHE - NOS OCUPAMOS DEL MAR: https://www.youtube.com/watch?v=UbVZPwmhd9E Porque los genios muchas veces no saben que lo son…. o quizás sí, pero con Krahe es difícil saber qué es y qué no es, o dónde empieza y dónde acaba. PLATERO Y TU - ENTRE DOS MARES: https://www.youtube.com/watch?v=FEq4sk0a2-Y En 2017 Fito rizo el rizo, aunque el ejemplo capilar cueste encajarlo en el pequeño rockero Bilbaíno pero es que en el disco Fitografía incluye una versión de Platero y tu: Entre dos mares. FITO & FITIPALDIS - ENTRE DOS MARES: https://www.youtube.com/watch?v=1xvP2AXbDXQ Fito y fitipaldis versionando a Los Plateros. En esta ocasión con un sonido muy parecido pero quizás con un tema más limpio y contundente si cabe. JORGE DREXLER - TRANSPORTE: https://www.youtube.com/watch?v=hSLQltgD6II El último disco hasta la fecha de grabación de este podcast de Fito y Fitipaldis es “Cada vez cadáver” y en este último disco se encuentra una versión de Transporte una especie de bossa nova carnavalera del cantautor Jorge Drexler . FITO & FITIPALDIS - TRANSPORTE: https://www.youtube.com/watch?v=Fof0JFxFzZw Fito hace esta versión con un tono más de canción de carretera y ciertos toques melancólicos y ese ritmo de percusión que agradecen todos los baterías porque no acaban sudando como un culpable. CONCLUSIONES: Aquí tenéis un claro ejemplo de como hacer propias canciones que son de artistas que admiras y sin duda Fito Cabrales lo hace pero que muy bien porque no hace covers ni simplemente tributos de esos artistas sino que logra darles estilo propio y un sonido muy característico, haciéndolas propias. Espero que os haya gustado y más espero aún veros pronto por este nuestro podcast favorito Explorando Versiones, así que gracias por haber llegado hasta aquí y ya sabes…. nos vemos en los Bares.

Hola amigos, soy Francisco y os doy la bienvenida a otro capítulo de Explorando Versiones. THE REBEL ROUSERS - AS I LOOK: https://www.youtube.com/watch?v=LW_PoK_ORqY Hoy viajaremos a la Inglaterra de finales de los 60, para rescatar una canción escondida en la cara B de un single de los británicos The Rebel Rousers. Una joya vio la luz en 1968, justo después de la marcha de Cliff Bennett, su cantante principal, y que representa tanto la fidelidad al R&B británico como el principio del fin para la banda. The Rebel Rousers eran conocidos por acompañar a Cliff Bennett, uno de los grandes nombres del soul británico. Pero en 1968, Bennett deja el grupo y ellos publican un single en Mercury Records: Should I? en la cara A, y en la cara B, la canción que hoy nos ocupa hoy, As I Look. En este disco, la voz la pone Roy Young, un cantante y teclista con un registro enérgico y con experiencia en la escena beat de Liverpool. Ya para aquel año, la música en Inglaterra estaba virando hacia la psicodelia y el rock progresivo. Pero As I Look se mantuvo fiel a las raíces del R&B y el soul británico, casi como una declaración de principios. Fue, además, uno de los últimos pasos de la banda, que acabaría disolviéndose en 1969. THE BLUE STAR SISTERS: https://www.youtube.com/watch?v=QbW_iYUGrnM De la Inglaterra de 1968 nos trasladamos ahora al Hong Kong de 1969, para escuchar la versión del grupo femenino The Blue Star Sisters, un grupo prácticamente desconocido fuera de su ciudad natal. Lo que distingue a esta interpretación es, sobre todo, sus voces femeninas, ya que todos sus componentes son mujeres. Este detalle le da al tema un aire fresco y luminoso, manteniendo el sonido y ritmo cercano al original. LES BUISSONS: https://www.youtube.com/watch?v=tuCCwAicXyc Ahora nos trasladamos al sur de Francia, a Perpiñán. A finales de los ochenta y principios de los noventa, floreció allí una escena underground marcada por el garage y el freakbeat —ese estilo británico de mediados de los 60 que servía de puente entre el R&B mod y la psicodelia, con guitarras más crudas y ritmos más explosivos—, cuyo testimonio quedó recogido en la recopilación “Back from the Canigó: Garage Punks vs Freakbeat Mods 1989‑1999”. En este álbum encontramos la versión de As I Look firmada por Les Buissons. Su interpretación se aleja del soul británico original para llevar la canción a un terreno gamberro y garajero. Suena más cruda y más directa. No hay pulcritud ni nostalgia: lo que hay es electricidad, vitalidad y un guiño a las raíces del género, reinterpretado desde la Francia de los noventa. THE BAR-KINGS: https://www.youtube.com/watch?v=6phRvkLSaQM Para cerrar este recorrido por las versiones de As I Look, hablamos del grupo sevillano The Bar-Kings. Formado por músicos de sobrada solvencia, su sonido se sostiene sobre un ritmo marcado por el R&B y el soul, con una precisa y afilada guitarra, una armónica desquiciada y llena de fuerza, y una base rítmica ajustada al milímetro que impulsa una voz tajante y cargada de actitud. Su versión de As I Look mantiene la esencia del tema original, pero con un aire directo, potente y lleno de energía, como si la canción hubiera sido hecha para sonar en vivo por estos tíos. CONCLUSIONES Y así llegamos al final de este episodio de Explorando Versiones. Ha sido un recorrido breve pero intenso, desde la Inglaterra de 1968 pasando por Hong Kong y Francia, hasta llegar a Sevilla, descubriendo cómo una cara B olvidada puede viajar en el tiempo y los estilos, y seguir encontrando nuevas vidas en las manos de quienes la interpretan.

Hola soy Roberto del podcast Wantuki Connection y también de Onda Wantuki que estoy en todos lados y ahora encantado en volver a participar en … Explorando Versiones, ya tenía ganas y como digo siempre voy a empezar con una canción que me gusta mucho, que es The Passenguer de Iggy Pop. Esta canción fue escrita por Iggy Pop, uno de los pioneros del punk, junto al guitarrista escocés Ricky Gardiner y grabada en los estudios Hansa de Berlín. En aquella época, Iggy vivía en Alemania junto a su amigo y colaborador David Bowie, intentando dejar atrás su etapa más autodestructiva. Entre paseos nocturnos por Berlín y viajes en el coche de Bowie, surgió la idea: un pasajero que observa el mundo sin intervenir. El riff repetitivo de Gardiner refleja esa sensación de movimiento constante, casi hipnótico. Lo curioso es que al principio fue una cara B, pero con los años se transformó en una de las canciones más queridas de Iggy, un himno sobre la libertad y la observación y no he dicho que la editó en 1977. 1987 – SIOUXSIE AND THE BANSHEES – The Passenger Diez años después, The Passenger reaparece en manos de Siouxsie and the Banshees, una de las bandas más influyentes del post-punk británico. Formada por Siouxsie Sioux y el bajista Steven Severin, el grupo marcó los 80 con su estética oscura y su sonido innovador. En 1987 lanzan su disco de versiones Through the Looking Glass, donde reinterpretan el clásico de Iggy con una poderosa sección de metales y la voz hipnótica de Siouxsie. La canción se vuelve más luminosa, casi de película, sin perder su energía punk. Iggy Pop llegó a decir: “Ella la canta mejor que yo.” Fue single, llegó al número 41 en las listas británicas y sigue siendo una de las versiones más aplaudidas del tema, que yo de hecho fue esta canción que escuché por primera vez The Passenguer, luego es cuando me enteré que era de Iggy Pop y vamos a escuchar otras versiones: 1998 – ESTRA – Sei così semplice En 1998, el grupo italiano Estra —formado en Prato, Toscana—, lleva The Passenger a su idioma con “Sei così semplice” . Estra era una banda de rock alternativo con letras poéticas y un tono social muy marcado, liderada por Giulio Casale. Su versión no traduce la letra literalmente, sino que adapta el espíritu: el pasajero se convierte en alguien introspectivo, melancólico, que reflexiona sobre la vida moderna. El sonido combina guitarras italianas de los 90 con un aire poético y mediterráneo. Una reinterpretación elegante que demuestra cómo una canción puede viajar de Berlín a Italia y conservar su alma. 2008 – FOLK GRINDER – The Passenger Ahora nos vamos a los muelles de Londres. Folk Grinder es el proyecto del músico Kieran Noël, que mezcla punk británico con folk marinero. Su versión de The Passenger, grabada en 2008, suena como una canción tabernera: con acordeones, violines y el aroma del puerto. Aquí el pasajero no viaja en coche, sino en un barco oxidado, cantando bajo la lluvia. La voz ronca de Noël da una sensación de historia vivida, de viajero cansado que ha visto el mundo entero. Es una versión poco conocida, pero con una atmósfera única: el Passenger convertido en marinero errante. 2010 – THE JOLLY BOYS – The Passenger En 2010, desde Port Antonio, Jamaica, llegan The Jolly Boys, un grupo con más de sesenta años de historia. Fundados en los años 40, son los grandes embajadores del mento, el estilo tradicional jamaicano que inspiró al reggae. En su disco Great Expectation, versionan clásicos del rock con su sonido isleño y The Passenger es una de las joyas del álbum. La voz de Albert Minott aporta calidez y humor, mientras el ritmo se vuelve ligero, casi festivo. El pasajero de Iggy se transforma aquí en un viajero tropical: sonríe, canta y se deja llevar por la brisa del Caribe, hombre así cualquiera. 2018 – CIRILO – El Pasajero Y ahora nos movemos a Madrid con Cirilo, un cantautor español con raíces en el rock y la poesía urbana. Ha trabajado con músicos de primer nivel como Candy Caramelo, José Bruno y Julián Kanevsky, y su versión de El Pasajero fue producida por Nigel Walker, productor de Sabina y Fito & Fitipaldis. Cirilo adapta la letra al castellano, situando al pasajero frente al edificio Dakota, en Nueva York. El resultado es una versión elegante, más íntima, con una mirada de película. Aquí el pasajero no solo observa: también recuerda, siente y canta en nuestro idioma. Un puente entre el rock clásico y la sensibilidad española. 2020 – ALISON MOSSHART – The Passenger En 2020, la norteamericana Alison Mosshart, vocalista de The Kills y The Dead Weather, grabó su propia versión. Mosshart es conocida por su voz rasgada y su estilo entre el blues y el rock alternativo y lo experimental. Su Passenger es una reinterpretación minimalista: apenas hay guitarras y una voz cargada de atmósfera. Parece una escena de carretera nocturna, bajo la lluvia, con faros en la distancia. Es una versión introspectiva, sensual, que convierte el viaje exterior en una travesía interior. El pasajero de Alison no grita: susurra… pero cada palabra pesa. 2021 – DAVID HASSELHOFF – The Passenger Y ahora para terminar vamos a acabar con una versión más inesperada que a mí me resultó curiosa cuando la encontré que es la versión que hizo en 2021el actor y cantante David Hasselhoff, que lo conoceréis por su famoso Coche fantástico y Los vigilantes de la playa y claro aparcó el coche, dejó la playa y lanzó su disco de versiones “Party Your Hasselhoff”. Y bueno que vamos a contar de David si no fuera por su KITT, bueno el caso que tiene una larga carrera musical, sobre todo en Alemania, donde es una especie de icono pop. Su Passenger mezcla pop electrónico, sintetizadores y ese toque kitsch que lo hace irresistible. El propio Hasselhoff dijo que quería “alegrar el mundo con música optimista”. Y lo consigue: esta versión suena como si el pasajero de Iggy se hubiera subido a un coche descapotable para recorrer la autopista… ¡bailando! Una forma divertida de cerrar este viaje musical, aquí con los recuerdos de David y el Kitt y todo, bueno y así que para cerrar este Explorando Versiones que espero que os haya gustado y que versión os ha gustado mas? A mí siempre me quedará la que conocí por primera vez que la bailé y todo la de Siouxsie and the Banshees pero esta de David Hasselhof pues también me ha hecho mucha gracia. Bueno pues esto ha sido todo y os esperamos en el siguiente Explorando Versiones.

Tema de Batalla (B.S.O.): https://www.youtube.com/watch?v=bkE1GxgKtNs Escuchas esto y sabes que viene la acción. Le das un mordisco a tu bocata de Nocilla, de mantequilla con azúcar o lo que fuese que merendases, y se te erizan los vellos de todo el cuerpo. Es la hora de que el super robot manejado por Koji Kabuto ponga en su sitio a las bestias mecánicas del Doctor Infierno. Por eso te levantas y subes el volumen a tu tele marrón, culona y sin mando a distancia. Unos lo vivieron en los 70, cuando se estrenó la serie. Otros lo hicimos en reposiciones de los 80, en vídeos comunitarios y televisiones locales. Daba igual. Mi amigo Juan Martín y yo no nos perdíamos un solo episodio de esos personajes tan raros como el Barón Ashler (o Asura), medio hombre medio mujer; el Conde Broken, que llevaba su cabeza cortada entre los brazos; o el Duque Gorgón, que de cintura para abajo era un tigre. Una serie extraña, pero que enganchó a toda una generación. El robot de las estrellas. El pionero del género mecha que nos vino de Japón… ¡Hola, hola! Soy Raúlillo, y hoy vamos a explorar las versiones del opening de Mazinger Z. ICHIRŌ MIZUKI (1972): https://youtu.be/JpFW21BA7Lk?si=k0o6jfjF_Ah0ZU-i Vamos con la versión original, estrenada al mismo tiempo que la serie en Japón, en 1972, e interpretada por Ichirō Mizuki, cuyo verdadero nombre es Toshio Hayakawa (total, patatas…). Ichirō Mizuki fue un famoso y prolífico cantante, letrista, compositor y actor japonés, más conocido por su trabajo en canciones para anime y tokusatsu. En Japón lo llamaban onii-san (“hermano mayor”) del anison, palabra japonesa que se refiere al género musical proveniente del anime. ICHIRŌ MIZUKI (2018): https://www.youtube.com/watch?v=vkDkk9brWGw Lanzó cinco discos de música popular sin lograr un éxito comercial. En ese momento decidió retirarse de los escenarios hasta que le surgió la oportunidad de interpretar temas musicales para el naciente género de la animación. Así lanzó canciones de gran reconocimiento hasta el día de hoy, como los temas de apertura de Mazinger Z, Great Mazinger, Capitán Harlock, Voltron y muchos más. Mazinger Z daría origen al género de los superrobots del anime, llamado mecha, que dominaría la televisión japonesa desde los años 70. Tal fue la importancia de Ichirō Mizuki en este género que, cuando en 2018 se estrenó la película Mazinger Z Infinity, el intérprete del opening no pudo ser otro que el onii-san de Japón. Con Mazinger Z Infinity, el intérprete original volvió a brillar. ALFREDO GARRIDO GARCÍA (1978): https://www.youtube.com/watch?v=m0atBDZuKaU En 1978 fue cuando todos los niños españoles escucharon la voz de Alfredo Garrido dando paso a la que fue su serie favorita. Pero solo durante 32 episodios de los 92 que tiene la serie original. La emisión en TVE se interrumpió debido a la censura por su contenido violento, siendo sustituida por la serie del puto Orzowei. La cara de decepción de los niños de la época os la podéis imaginar. Posteriormente, Telecinco emitió la serie completa con un doblaje latino para los 92 episodios. El bilbaíno, nacido en 1933, fue cantante y productor musical. Estuvo a cargo de la creación, traducción y producción artística de temas infantiles como Marco, Vickie el vikingo, La abeja Maya, Tarzán o Mazinger Z. Pero para Mazinger tuvo los huevos de decir: “¡Esta la canto yo!” Y por su forma de interpretarla, en España corrió un bulo que yo mismo me tragué hasta mi edad adulta: se decía que la canción estaba interpretada por el mismísimo Raphael… La confusión es plausible. Escuchad vosotros mismos y opinad. GIGATRÓN (2005): https://www.youtube.com/watch?v=m8hINYVcXco Vamos con más versiones en español. En 2005, Gigatrón, con su disco Hitthrashhit (el disco fantasma), nos regaló una versión… digamos, con letra libre. En esta versión, Mazinger no solo es un robot de metal, sino el robot rockero del metal, diseñado para no dejar vivo a ni un solo moñas y enseñar a los niños a hacer caso de la fuerza bruta. ¿Qué queréis que os diga? Son Gigatrón. LOS PETERSELLERS (1996): https://www.youtube.com/watch?v=_aZBTmhrFkA Los Petersellers, grupo de música español fundado en Madrid en 1993 y aún en activo, cultivan principalmente el rock con una vertiente humorística y ligeramente punk (a la que denominan guateque-punk). En 1996 lanzaron su álbum debut Vayamos por partes, donde incluyeron esta joya de versión del opening de Mazinger Z. Sí, una joya: usando como base la canción Paranoid de Black Sabbath, empastando perfectamente la melodía y añadiendo improvisaciones a mitad del tema que son una delicia. Aquí la letra no es libre, como la versión anterior. Y todo esto hace que esta sea mi favorita. Así que, damas y señoritas, oigamos un poco de Los Petersellers. ANIMETAL (1997): https://www.youtube.com/watch?v=XtIg7DYpHR4 Fue una banda japonesa de heavy metal que hacía versiones de canciones de anime al estilo metal. En 1997 el grupo debutó con Sony Music. En su formación estaban She-Ja (guitarra), TAKE-SHIT (bajo), KATSUJI (batería) y Eizo Sakamoto (voz). Su primer álbum, publicado en 1997, incluía esta versión del opening de Mazinger Z, y se tituló Animetal Marathon I, un álbum sin cortes entre canciones, un detalle que conservaron en todos sus discos. Hasta 2007 habían publicado un total de siete discos con el nombre Marathon, cambiando solo el número final (I, II, III, IV…). Para qué comerse la cabeza, ¿verdad? ANIMETAL U.S.A.: https://www.youtube.com/watch?v=GhkLoD83CtE Ahora vamos con algo que creo que nunca ha pasado en Explorando Versiones: un grupo tributo que versiona a otro grupo que hace versiones. Eso sí que es no comerse la cabeza. Así es: estos que escuchamos son Animetal U.S.A., una banda estadounidense de heavy metal con sede en Japón, formada como tributo a la banda Animetal que acabamos de oír. Los miembros originales fueron: Michael Vescera (vocalista principal, ex de Yngwie Malmsteen) Chris Impellitteri (guitarra) Rudy Sarzo (bajo, ex de Quiet Riot, Ozzy Osbourne y Whitesnake) Scott Travis (batería, que dejó la banda para salir de gira con Judas Priest y fue reemplazado por Jon Dette, exbatería de Slayer y Testament). La versión que estáis oyendo apareció en su disco debut homónimo Animetal U.S.A. de 2011. Me explota la cabeza pensar que músicos con este bagaje formen un grupo tributo de una banda tan friki como la original japonesa. Algo tiene Japón y su cultura que engancha. ICHIRŌ MIZUKI (2006): https://youtu.be/NiFVXPJn0ss?si=T0bPlk3-ayCd3TuK Empezamos con el onii-san Ichirō, y terminamos con él. Hasta su fallecimiento en 2022, no dejó de interpretar y regrabar versiones de canciones de series de anime. Esta versión de 2006 apareció en el EP Mazinger Z 21st Century del maestro del género anison. ¿Que qué es el anison? Poneos el podcast desde el principio, que ya lo dije. En fin, tal como se ha hecho en incontables ocasiones en Japón, se lanzó la versión Siglo XXI (algo que ya vimos en el Explorando Versiones de Saint Seiya). Y aunque Ichirō Mizuki ya no esté entre nosotros, su canción sigue rugiendo en los televisores antiguos, en los discos rayados, en la memoria de generaciones de japoneses. Y, al igual que pasa para nosotros con Alfredo Garrido, cada vez que suena este himno inmortal volvemos a ser aquellos niños que soñaban con héroes de acero, con justicia, con esperanza. En el eco de su canción aún resuena la infancia, el asombro y la promesa de que, mientras alguien tararee su melodía, Mazinger seguirá emergiendo de la piscina del Laboratorio de Investigaciones Fotónicas, a los pies del monte Fuji. Por eso, hoy más que nunca: ¡Pon el oído y sube el volumen, so friki! ¡Puños fuera!

Hola amigos, soy Francisco, y hoy en Explorando Versiones vamos a sumergirnos en una de las canciones más emblemáticas del rock de los 80: “Livin’ on a Prayer” de Bon Jovi. BON JOVI - LIVIN’ ON A PRAYER: https://www.youtube.com/watch?v=CuUefy9bT9U Lanzada en 1986 como parte del álbum Slippery When Wet, esta canción se convirtió rápidamente en el himno que catapultó a la banda de New Jersey al estrellato internacional. El tema, escrito por Jon Bon Jovi, Richie Sambora y Desmond Child, nos cuenta la historia de Tommy y Gina, una joven pareja que, pese a las dificultades económicas, lucha por salir adelante con la fuerza de su amor y su esperanza. Con su poderoso coro y el inconfundible uso del talk box en la guitarra de Sambora, “Livin’ on a Prayer” alcanzó el número uno en el Billboard Hot 100 y sigue siendo una de las canciones más coreadas en estadios y conciertos de todo el mundo. ¿Pero qué es eso del talk box? Básicamente es un pedal de efectos que se conecta a la guitarra. El sonido viaja por un tubo de plástico hasta la boca del músico, y ahí ocurre la magia: al mover la boca como si hablara, el guitarrista modula el sonido, transformándolo. Después, un micrófono recoge ese resultado y lo mezcla con la música. El efecto es tan peculiar que la guitarra parece literalmente hablar, y gracias a eso, hace que esta canción sea un tema inolvidable. BON JOVI (VERSIÓN ACÚSTICA): https://www.youtube.com/watch?v=balf-7kM8Ao Empezamos con la versión que ha interpretado el propio Jon Bon Jovi en sus diferentes giras, donde lleva la canción a un formato acústico, más íntimo y emotivo. Aquí la intensidad del tema original se sustituye por la cercanía de la voz y la guitarra acústica, lo que pone en primer plano la historia de Tommy y Gina, reforzando el lado más humano de la canción. GLEE - START ME UP / LIVIN’ ON A PRAYER: https://www.youtube.com/watch?v=l0z8LuLMgSk En el capítulo 6 de la segunda temporada de la famosa serie de televisión GLEE, publicado el 9 de Noviembre de 2010 por la cadena FOX, los protagonistas mezclaron “Start Me Up”, el tema de The Rolling Stones, con “Livin’ on a Prayer” de Bon Jovi. El resultado fue una interpretación juvenil, con mucha teatralidad y energía, que consiguió acercar el clásico de Bon Jovi a una nueva generación de espectadores. 2CELLOS: https://www.youtube.com/watch?v=VvqImsjpfPo En 2021, el dúo croata de violonchelistas 2CELLOS, conocido por transformar grandes clásicos del rock en piezas de aire casi sinfónico, publicó su propia interpretación de este tema. Todo comienza con una introducción misteriosa, suave, casi como un susurro, y poco a poco la música va creciendo hasta estallar con la misma fuerza épica de la versión original. Pero aquí no hay voces: son únicamente los violonchelos los que transmiten esa energía, consiguiendo que sus instrumentos canten la melodía. THE HOLOPHONICS (COVER SKA): https://www.youtube.com/watch?v=VobthXh1lu4 Ahora damos un giro radical con la versión ska que hace The Holophonics, una banda de Texas muy conocida por llenar sus discos de versiones con un estilo más festivo y callejero. Esta interpretación apareció el 28 de julio de 2017 dentro del álbum MaSKArades Vol. 11. Aquí el rock se sustituye por trombones, ritmos saltarines y una energía contagiosa que transforma el clásico en algo fresco, ligero y totalmente inesperado. SCARY POCKETS CON ASTYN TURR (COVER FUNK): https://www.youtube.com/watch?v=9hqEUxiL-PE Seguimos con esta versión a cargo de Scary Pockets, una banda conocida por reinterpretar clásicos con ritmo funky, acompañados en esta ocasión por la cantante Astyn Turr en la voz principal. La versión se publicó en su canal de YouTube el 6 de diciembre de 2021 y destaca por ser suave, elegante y muy rítmica. La interpretación vocal de Astyn Turr aporta una enorme sensibilidad, mientras que la base rítmica consigue que el tema fluya con un aire relajado pero tremendamente contagioso. POSTMODERN JUKEBOX Y MICHE BRADEN (COVER JAZZ): https://www.youtube.com/watch?v=RMeN0CFNWmk Ahora nos sumergimos en esta versión del 29 de julio de 2014, que te hace sentir como si estuvieras en un club de jazz de los años 40. El grupo estadounidense Postmodern Jukebox ha transformado el tema en una pieza de jazz vintage. Acompañados por la voz potente de Miche Braden, que aporta un toque soul, te atrapa desde el primer acorde. Aunque nos transporta a otra época, la canción mantiene la esencia que caracteriza al original. ALEX MELTON (COVER POP PUNK): https://www.youtube.com/watch?v=DpskXe9gZmY A continuación vamos con un giro totalmente distinto con esta versión de Alex Melton, publicada en abril de 2023. Este músico y creador de contenido se ha hecho muy conocido por transformar canciones populares en himnos de pop punk, ese estilo que mezcla la energía del punk con la melodía del pop. En su versión, Melton reimagina el clásico de Bon Jovi incorporando influencias de bandas como Green Day y Offspring. La canción cobra nueva vida, con aires más frescos y juveniles, pero siempre respetando el espíritu de la original. APEROL ROCKIN’1000: https://www.youtube.com/watch?v=CKsCJAqMbQY El 7 de junio de 2023 se celebró en Roma el concierto Aperol Rockin’1000, conocido como la “banda de rock más grande del mundo”. El nombre viene de su patrocinador principal, Aperol, la famosa bebida alcohólica italiana de color naranja que suele servirse en el cóctel muy popular en Italia y en medio mundo. Cientos de músicos de todo el planeta tocaron juntos en el Estadio de los Mármoles y, entre los grandes éxitos, sonó esta versión. La banda estaba formada por 350 guitarristas, 250 cantantes, 250 bateristas y 150 bajistas, creando una interpretación colosal que demuestra el poder de la música cuando se comparte en comunidad. SOUL JOVI (COVER SOUL): https://www.youtube.com/watch?v=G8VxRfTh6AA Mucho más reciente es esta versión publicada el 27 de agosto de 2025, en el canal Fake Music, conocido por subir versiones y reinterpretaciones creativas de canciones populares, se publicó esta versión que reimagina el tema con arreglos vocales y estilísticos propios del soul, aportando un aire más suave, elegante y emotivo. LEO MORACCHIOLI: https://www.youtube.com/watch?v=Iqh-8FgTIkk Esta versión que os pongo a continuación es más metalera. Llega de la mano del productor y músico noruego Leo Moracchioli, conocido por sus potentes versiones de canciones conocidas. Con más de 4 millones de seguidores en YouTube, Moracchioli transforma Livin’ on a Prayer en un tema intenso y cargado de energía pero sin perder su esencia. GISELE ABRAMOFF: https://www.youtube.com/watch?v=opnp5LSmJWc El grupo brasileño Dalimas se hizo conocido por reinterpretar clásicos del pop y del rock en un estilo dance, pensado para sonar en las discotecas de los años 2000. En 2005 publicaron esta versión reversionada con bases electrónicas, sintetizadores y un estilo muy cercano al eurodance, muy en la onda de la época. ALESSANDRA: https://www.youtube.com/watch?v=ytAMW5toG50 Con esta versión techno cerramos el repaso de hoy. Este tema está interpretado por Alessandra Rosaldo, conocida simplemente como Alessandra, vocalista del dúo mexicano Sentidos Opuestos. En el año 2016 lanzó un single en el que aparecía este tema, junto con Breathless de la banda irlandesa The Corrs. Y sí, ya sé, estas dos últimas son perversiones y podrían considerarse claramente como una agresión a un himno del rock… pero, oye, ¡al menos han elegido una gran canción! CONCLUSIÓN Como conclusión, diremos que “Livin’ on a Prayer” no es solo un clásico del rock de los 80, sino un auténtico himno de resistencia y esperanza. Sus múltiples versiones, desde lo más íntimo hasta lo más heavy, demuestra que la canción sigue viva y en constante transformación. Quizá tú, fiel “oyenta” que me escuchas, y eres seguidora de Bon Jovi desde sus inicios, nunca imaginaste que hubiera tantas versiones —unas sorprendentes y otras bastante raras— de esa canción mítica que marcó tu infancia. Gracias por acompañarme y nos vemos en el próximo capítulo.

Bienvenidos a Explorando Versiones, un espacio donde las canciones viajan, se transforman, y nos transforman con ellas. Hoy, nos detenemos en un himno del alma: “Sólo se trata de vivir”, una de las joyas más queridas de Litto Nebbia. A través del tiempo, esta canción ha encontrado nuevas voces, nuevos ritmos, nuevas maneras de decir lo mismo: que en el fondo, la vida no es tan complicada. Varias voces amigas se suman a este viaje sonoro para recordarnos, cada una a su manera, por qué esta canción sigue latiendo fuerte en tantos corazones. Sólo se trata de vivir es una canción compuesta e interpretada por el músico argentino Litto Nebbia. Es la primera canción perteneciente a su álbum de estudio "Creer", editado en México en 1980. El tema fue conocido en la Argentina a través de un LP editado bajo el sello Melopea en el año 1982, titulado como la canción. Es una de las canciones más conocidas de Nebbia. La canción "Solo Se Trata de Vivir" de Litto Nebbia explora el tema de encontrar propósito y significado en la vida a pesar de los desafíos y desengaños que uno experimenta. Las letras sugieren que viajar y embarcarse en nuevos caminos pueden ayudar a fortalecer el corazón y permitir olvidar las penas pasadas. En los versos, Nebbia reflexiona sobre la idea de que al viajar y explorar nuevos horizontes, uno puede dejar atrás su dolor anterior y encontrar consuelo. La mención de una paloma herida simboliza la vulnerabilidad y fragilidad del amor, pero también la capacidad de sanar y encontrar nuevas esperanzas. Las letras transmiten el mensaje de que incluso frente a un desamor, uno aún puede encontrar la fuerza para crear nuevos comienzos y vivir la vida al máximo. El coro repite la idea de que nadie tiene las respuestas ni puede señalar qué puerta abrir en la vida. A pesar de la melancolía, el dolor y las heridas que uno puede llevar, la esencia de vivir radica en abrazar la vida misma. La canción anima a los oyentes a creer que, en última instancia, la vida se trata de experimentar y abrazar el viaje, sin importar las incertidumbres y dificultades encontradas en el camino. La repetición de los versos y el coro a lo largo de la canción enfatiza el mensaje de que, a pesar del dolor y la incertidumbre, la vida se trata de un crecimiento continuo, encontrar nuevas inspiraciones y crear nuevas esperanzas y oportunidades para uno mismo. Sugiere que incluso en momentos de anhelo o pérdida, es importante seguir adelante y perseverar, enfocándose en el acto de vivir. En general, "Solo Se Trata de Vivir" sirve como un recordatorio de que el significado de la vida no siempre es claro o fácilmente definido, pero radica en tomar cada momento tal como viene, aprender del pasado y abrazar las posibilidades del futuro. Versión de Tomás Mandel & Fede Gómez, junto a Hitalo Coello y Facundo Villanueva (#DuosEnLaTerraza – San Telmo, Buenos Aires, 2018) A veces, una canción encuentra su hogar en una terraza. En esta versión, Tomás Mandel y Fede Gómez le dan nueva vida al tema junto a un piano y un cello que lo abrazan con delicadeza. Es como si la ciudad se detuviera a escuchar. Desde San Telmo, entre adoquines y cielo abierto… así suena “Sólo se trata de vivir”. Versión de Malena Di Bello (Julio 2017) https://youtu.be/a6HbfYL9exg?si=N7_XNdtOGRBhkm2y Malena Di Bello la canta con una simpleza que conmueve. No hay adornos: sólo su voz, una guitarra, y esa frase que nos atraviesa a todos. Porque a veces, lo más honesto es lo más fuerte. Escuchemos esta interpretación íntima, grabada en 2017. Versión en vivo de Mercedes Sosa con Walter Ríos (Teatro Gran Rex, 2006) https://youtu.be/m7HE_Vw4NHw?si=hjX18URvhQn9bhj9 Cuando Mercedes Sosa canta, no canta una canción: canta una historia. En el Gran Rex, en 2006, junto al bandoneón de Walter Ríos, “Sólo se trata de vivir” se volvió casi una plegaria. No hay certezas, no hay respuestas… sólo la fuerza de seguir. Una interpretación que toca el alma, con la profundidad única de Mercedes. Versión de Juan Carlos Baglietto y Silvina Garré (Mercado de Pulgas, 2014) https://youtu.be/5lY1XRBbb8o?si=wkcO62IkCe6choYg Hay canciones que se reencuentran con sus voces hermanas. Silvina Garré y Juan Carlos Baglietto la han cantado desde siempre, y en esta ocasión, en el Mercado de Pulgas, la devuelven al pueblo, al aire libre, al corazón compartido. Una versión que es abrazo, memoria y calle. Versión de Rubén Rada (Septiembre 2016) https://youtu.be/O1LlD31bFJo?si=4QikIXbRwFxarJjV Rubén Rada la hace suya, y la lleva a su mundo sonoro: rítmico, luminoso, vital. Es otra piel para la misma emoción. Porque vivir también es moverse, fluir, dejarse llevar por la música. Escuchemos cómo suena esta canción cuando pasa por el alma de Rada. Versión de Mercedes Sosa y Litto Nebbia (Badía y Cía, 1986) https://youtu.be/nrDYgyzvUg0?si=I9qoKImwgfvr5xjl Y como si el tiempo nos regalara un momento irrepetible… Mercedes Sosa y Litto Nebbia, juntos. 1986, en el mítico programa Badía y Cía. Dos voces que no cantan: confiesan. Una joya para cerrar el recorrido con quien la escribió, y con quien la llevó al corazón de todos. Vivir no es sencillo. Pero como dice la canción, si uno hiciera lo que siente y no lo que debe... Gracias por acompañarnos en este viaje de versiones, de voces, de caminos. Porque, al fin y al cabo… sólo se trata de vivir. Litto Nebbia: https://youtu.be/xjSqGms0b9c?si=d_pHq0POxCPhfwao

En la septuagésima primera entrega de Explorando Versiones, nuestro amigo “El Marcha” nos presentará la canción «Louie Louie», compuesta por Richard Berry en 1955 y llevada a la fama por The Kingsmen en 1963. Grabada en una sola toma y con una pronunciación casi ininteligible, se convirtió en todo un himno juvenil. Tanto fue el revuelo que hasta el FBI abrió una investigación, convencidos de que escondía mensajes obscenos en su letra… aunque, al final, no encontraron nada. RICHARD BERRY: https://www.youtube.com/watch?v=z-2CKsaq5r8 THE KINGSMEN: https://www.youtube.com/watch?v=xKt75jUuKJY PAUL REVERE & THE RAIDERS: https://www.youtube.com/watch?v=vK2bR5Ft7X4 THE STOOGES: https://www.youtube.com/watch?v=wkiiven4ptg THE SONICS: https://www.youtube.com/watch?v=vFzeG7e4CT8 BLACK FLAG: https://www.youtube.com/watch?v=yHMaBGf7A2s DEAD KENNEDYS: https://www.youtube.com/watch?v=53ZSXEhsD_A THE SANDPIPERS: https://www.youtube.com/watch?v=seVqkB3ObJk GEORGE DUKE & STANLEY CLARKE: https://www.youtube.com/watch?v=Ri4u3_pTYzA BARRY WHITE: https://www.youtube.com/watch?v=3VwgoDBFZKs FRANK ZAPPA: https://www.youtube.com/watch?v=FDfNZZPuYzE MOTÖRHEAD: https://www.youtube.com/watch?v=hratZ2MZoIc THE CLASH https://www.youtube.com/watch?v=b9cjnqzUoE4

Hola amigos, soy Francisco y os doy la bienvenida a otro capítulo más de Explorando Versiones. ROBERT JOHNSON - SWEET HOME CHICAGO: https://www.youtube.com/watch?v=O8hqGu-leFc Hoy nos adentramos en el corazón del blues para descubrir una canción que ya es toda una leyenda: Sweet Home Chicago. Fue compuesta por el mítico Robert Johnson —miembro involuntario del famoso club de los 27— y grabada por primera vez el 23 de noviembre de 1936, en una modesta habitación del Hotel Gunter, en San Antonio, Texas. Desde entonces, el tema se ha convertido en uno de los himnos más emblemáticos del género. Aunque a primera vista parece un homenaje a la ciudad de Chicago —epicentro del blues eléctrico y destino soñado para miles de músicos afroamericanos—, la letra parece hablar de Chicago, pero en realidad menciona otros lugares como California o Iowa, y eso ha confundido desde siempre a mucha gente. Más que una descripción exacta de ciudades, la canción habla de la esperanza de encontrar un lugar mejor y del que escapar de la pobreza y las dificultades. SCRAPPER BLACKWELL - KOKOMO BLUES: https://youtu.be/PoorsXxkwZU?si=3B4J21QpGiofsDRE Pero Robert Johnson no creó “Sweet Home Chicago” desde cero. Se basó en una canción anterior llamada “Kokomo Blues”, de Scrapper Blackwell, grabada en 1928. Esta canción apareció originalmente en el álbum recopilatorio de Scrapper Blackwell, que reúne sus mejores temas de la época. En esta versión de “Kokomo Blues” ya encontramos la estructura clásica de 12 compases y el tema de querer regresar a una ciudad prometida, en este caso Kokomo, Indiana. Aunque la canción tiene un tono más suave y melódico, ya transmite ese sentimiento de búsqueda de un lugar mejor, algo que Robert Johnson tomó para su propia versión. JAMES ARNOLD - OLD ORIGINAL KOKOMO BLUES: https://youtu.be/3lZv52l0C94?si=kwBBHho3ocfmR6Aq Años después, en 1934, James Arnold —más conocido como Kokomo Arnold— recuperó ese tema bajo el título Old Original Kokomo Blues. Su versión aporta una interpretación más enérgica, con slides de guitarra y letras cargadas de doble sentido. Scrapper Blackwell, con su tono sereno y melódico, y James Arnold, con un estilo vocal áspero y agresivo, sentaron las bases sobre las que Johnson construiría algo nuevo. La genialidad de Robert Johnson estuvo en no limitarse a copiar lo que otros ya hicieron, sino en transformarlo, renombrarlo y convertirlo en leyenda. Ya no era Kokomo, sino Chicago. Y con ese pequeño cambio nació una canción eterna. THE BLUES BROTHERS: https://www.youtube.com/watch?v=euJ22UqLD5Y Antes de que su enérgica versión de "Sweet Home Chicago" los convirtiera en referentes del blues para toda una generación, The Blues Brothers eran un dúo cómico-musical creado por los actores Dan Aykroyd y John Belushi, estrellas del programa Saturday Night Live en los años 70. Lo que comenzó como un sketch humorístico en televisión pronto se convirtió en una auténtica banda de rhythm & blues con músicos de primer nivel. Aykroyd, gran amante del blues, quiso que la banda no fuera solo un gag, sino un verdadero homenaje a la música afroamericana que tanto admiraban. Y así fue como en 1980, el proyecto dio el salto al cine con la película "The Blues Brothers", dirigida por John Landis. Un film delirante, musical y lleno de acción, donde la música era tan protagonista como los propios personajes. Una de las escenas más recordadas es la interpretación de "Sweet Home Chicago", donde Jake y Elwood suben al escenario y encienden al público con esta versión potente, festiva y contagiosa. Una escena clave que ayudó a revitalizar el interés por el blues entre nuevas generaciones y especialmente entre públicos blancos y europeos. LES MAILERS (VERSIÓN REGGAE): https://youtu.be/iKBy585iU8A Y como suele ser habitual en este podcast, siempre buscamos versiones que se salgan del molde. Una de las más insólitas —y sorprendentemente pegajosas— es la de Les Mailers, una banda francesa que reimagina "Sweet Home Chicago" como si hubiera nacido en Kingston en lugar de Mississippi. Con ritmos jamaicanos, bajo sincopado y un tempo relajado, esta versión nos traslada del frío viento de Chicago al calor del Caribe. Es una lectura creativa que mantiene la melodía original pero la baña en ska y en reggae, logrando que la canción suene a playa y palmeras sin perder su esencia. STATUS QUO: https://youtu.be/asH9yDw2jlo?si=8w9Ctfw3Ax7e2kuy En el año 2000, la banda británica Status Quo publica el disco "Famous in the Last Century", donde rinden tributo a grandes clásicos que han influido en su carrera. El grupo aporta al tema su característico sonido boogie rock, con guitarras afiladas y un ritmo enérgico que transforma este clásico del blues en un himno rockero. BEAUTIFUL DAY LIVE BAND (SWING VERSION): https://youtu.be/q3gLrO7SMm4?si=OhnfX-lry2Fk3o6C La canción también ha inspirado interpretaciones en estilos como el swing. Beautiful Day Live Band ofrece una versión vibrante y elegante que transforma el clásico en un tema propio de una big band, demostrando la versatilidad melódica de la composición original. TXUS BLUES & JOSÉ BLUEFINGERS - POLACOS: https://youtu.be/NWzgbtYEC04?si=ZAfQEhy1yDiIqdPJ Desde Barcelona, dos veteranos del blues en clave de humor como son Txus Blues & José Bluefingers, tomaron la estructura y melodía de "Sweet Home Chicago" y la convirtieron en "Polacos", una versión cantada en castellano con una letra irónica que juega con el estereotipo de llamar "polacos" a los catalanes. Esta adaptación, publicada en 2012 dentro del álbum "Pactando con el Diablo. Tributo a Robert Johnson", usa la melodía original para contar una historia local con un toque humorístico. Esta versión demuestra que el legado de "Sweet Home Chicago" no solo inspira respeto y reverencia, sino también parodia y reinterpretación local. CROSSROADS 2007 (ERIC CLAPTON): https://youtu.be/SQ1ZZwNBVgk?si=q1Y71ki37Q1ucWZL Pero "Sweet Home Chicago" no solo ha viajado por el cine o la televisión. También ha sido celebrada en los tiempos modernos del blues, como el Crossroads Guitar Festival. Este festival benéfico fue creado por Eric Clapton en 2004 con un doble propósito: rendir homenaje a la guitarra como instrumento central del blues y el rock, y recaudar fondos para el Crossroads Centre, una clínica de rehabilitación que el propio Clapton fundó. Desde entonces, el festival ha reunido a lo mejor del panorama guitarrístico: B.B. King, Buddy Guy, Jeff Beck, Carlos Santana, John Mayer, Gary Clark Jr., entre muchos otros. En la edición de 2007, ocurrió algo especial como colofón del festival. Sobre el escenario, Eric Clapton, junto a Buddy Guy, Robert Cray, John Mayer y Johnny Winter, entre otros, se lanzaron a una versión de "Sweet Home Chicago" que es pura energía colectiva. Un diálogo a base de solos, riffs y miradas entre músicos que no necesitan palabras para entenderse. CONCLUSIONES “Sweet Home Chicago” no es solo una canción; es un símbolo vivo del blues, un puente entre el pasado y el presente. Desde aquel cuarto en San Antonio donde Robert Johnson la grabó, pasando por clubes y festivales de guitarra, hasta las películas de Hollywood que la convirtieron en un himno universal.

Hola orgullosos inzurrectos, soy Sergio Serrato y estoy de vuelta en nuestro podcast favorito Explorando Versiones, en esta ocasión os voy a hablar de Redemption Song. BOB MARLEY AND THE WAILERS: https://youtu.be/yv5xonFSC4c?si=ZfWEY5OlRbH9CnMM Redemption Song es una canción del último disco que grabó Bob Marley antes de su muerte, cuando compuso el tema ya había sido diagnosticado de cáncer y el tema refleja el profundo estado de tristeza y depresión envolvía al artista Jamaicano en ese momento. A diferencia de muchos temas de Bob Marley, este Redemption Song es una grabación en acústico y en solitario donde músico caribeño canta y toca la guitarra sin más maquillaje musical ni acompañamiento. Si la parte musical del tema en origen es muy minimalista, la letra es todo lo contrario y expresa ideales que están en las entrañas del movimiento rastafari del que Bob Marley era fiel seguidor. Esta letra nos habla de liberación de la gente, de abrir el espíritu y las ideas a las nuestras propias imposiciones mentales. El tema es el último corte de la Cara B del disco Uprising de 1980 y esa colocación dentro del mismo sugiere que es una carta de despedida del autor que murió poco menos de un año después de la publicación del mismo. Rápidamente la canción se convirtió en un clásico y fue reinterpretada, versionada y adaptada por muchos artistas de muchos estilos, aquí os voy a hablar de algunas versiones y no lo voy a hacer en orden alguno, simplemente como me parece…… JOE STRUMMER AND THE MEZCALEROS: https://www.youtube.com/watch?v=F10tP5HIpaA Para mi la más destacada es la protagonizada por mi admirado Joe Strummer, músico fundador de The Clash del que ya hice un Explorando Versiones anteriormente. Joe dejó grabada dos versiones, una con su banda The Mezcaleros que es esta. JHONNY CASH Y JOE STRUMMER: https://www.youtube.com/watch?v=lZBaklS79Wc No conforme con esto el inquieto musico británico también grabo una versión acompañado de la voz del rey de la música Country Jhonny Cash, esta versión desprende sensibilidad, humo de tabaco y Bourbon. BEYONCÉ Y EDDIE VEDDER: https://www.youtube.com/watch?v=TIuX_etKbJg Eddie Vedder, fundador de Peal Jam entre otras bandas también se atrevió a dejarnos esta versión muy particular y en directo nada más y nada menos con una de las divas de la música negra norteamericana Beyoncé. STHEPHEN MARLEY MUCHOS MÚSICOS: https://www.youtube.com/watch?v=55s3T7VRQSc El propio hijo de Bob Marley Sthephen Marley reunió a múltiples músicos de todo el mundo, culturas y estilos musicales para versionar en grupo la canción de su padre que fue publicada el día de su cumpleaños. CHRIS CORMELL (SOUNDGARDEN) SHOW JIMMI: https://www.youtube.com/watch?v=Dz45L5vglhw En el Show de Jimmy Fallon, en 2015 se interpretó esta versión en directo en la voz y la guitarra del malogrado musico Chris Cornell cantante y guitarrista de Soundgarden. TILMANN OTTO (GENTELMAN) CON MANY MARLEY MTV UMPLAGED https://www.youtube.com/watch?v=_vsz9WiakzE Tilman Otto es el nombre real de Gentleman, un músico de Reggae alemán que también nos regaló esta versión en un unplugged de la MTV junto a Many Marley también hijo del autor del tema. U2: https://www.youtube.com/watch?v=Bl_fsEjxN3w El grupo irlandés liderado por Bono suele interpretar en directo esta canción en muchos de sus conciertos y aunque la calidad del sonido no es la mejor se aprecia la admiración de U2 por el genio jamaicano…. CONCLUSIONES: La letra empieza hablando de la esclavitud, de como los nativos africanos eran sometidos a la fuerza para ser utilizados casi como animales de carga y de como a través de la fe podían salir adelante lanzando un mensaje de esperanza, de libertad ganada, nos habla de liberarnos de nuestras cadenas mentales además de las físicas y anima a las nuevas generaciones a ser optimistas, libres y dueños de su destino.