Explorando Versiones

Hoy presentado por Ezequiel Campos (Director Grupo Radiocadena Spain y presentador de "El Baúl de mis recuerdos") Tema seleccionado Can't Help Falling In Love (Elvis Presley) Versiones: Jean Paul Égide Martini - Plaisir d'amour Julio Iglesias - Can't Help Falling In Love UB40 - (I Can't Help) Falling In Love With You Can't Falling In Love - Blackmore's Night Can't Help Falling In Love - Erasure Ingrid Michaelson - Can't Help Falling In Love IL DIVO - Can't Help Falling in Love w Haley Reinhart & Casey Abrams - Can't Help Falling In Love Can't Help Falling in Love - Jose Riaza Can't Help Falling in Love (spanish version) - Kevz Can't Help Falling in Love - Ella Roberts A-Teens - Can't Help Falling In Love (Lilo and Stitch Version) Elvis Presley & Mark Ronson - Can't Help Falling in Love (Remix)

Hola soy José Luis Flores, de onda 100 radio Extremadura. Para que nos ubiquen, esta radio nace en Zafra. Hoy estoy aquí para compartir con ustedes este Explorando Versiones de Locos por Incordiar, con la canción "solo pienso en tí", de Víctor Manuel. Este Explorando Versiones es una propuesta a dúo con Agartha de Radio Apis_Music. Solo pienso en ti es una canción compuesta por Víctor Manuel en 1978, aunque vería la luz un año después, en el álbum " Soy un corazón tendido al sol ", que fue grabado en Milán con la producción de Danilo Vaona. Subió a lo más alto de las listas de éxitos, y para muchos es la mejor canción del cantautor asturiano. Está basada en la historia real de una pareja de personas con discapacidad intelectual del centro que la Fundación Promi tiene en Cabra, que llevaron su amor hasta el matrimonio por encima de todas las trabas legales y sociales que encontraron en 1978. La pareja, Mari Luz y Antonio, se casó pocos años después, y tienen tres hijos, uno de ellos universitario. Víctor Manuel conoció su historia a raíz de una noticia publicada en el Diario Córdoba, que leyó estando en Montilla. En 2004 fue elegida la sexta canción más popular en español según el programa Nuestra mejor canción de TVE.En 2010 fue elegida por la revista Rolling Stone en el puesto 196 de su lista Las 200 mejores canciones del pop-rock español.Además fue número uno en la lista de éxitos de Los 40 principales en abril de 1979. Ese mismo año, la fundación Crisálida organizó una fiesta para celebrar la entrega de sus premios literarios. Ese año, la celebración fue en honor a la canción y a sus protagonistas: Víctor Manuel, que actuó en la fiesta, y Antonio y Mari Luz, quienes viajaron desde su lugar de residencia, Cabra (Córdoba), para asistir a la ceremonia. Coincidiendo con ese acto, Judith Colell realizó un documental basado en la canción, llamado también Sólo pienso en ti. Victor Manuel - Solo Pienso En Ti (Actuación TVE): https://www.youtube.com/watch?v=7D6pHsBf0Fg La versión original es de 1978. ANA TORROJA: https://www.youtube.com/watch?v=S9Jg1vl0hNI Tributo a Víctor Manuel, Nuestra mejor canción, 2004. TRIBUTO A VÍCTOR MANUEL: https://www.youtube.com/watch?v=V_Jr9Lwqr7E En el año 2022 se grabó esta versión en la que participaron Amaral, Andrés Suárez, Dani Martín, Iván Ferreiro, Jorge Drexler, Rozalén, Santi Balmes (Love Of Lesbian) y Sidonie. MELENDI: https://www.youtube.com/watch?v=n3T7NdJzNo8 En el año 2009 Melendi publica el álbum “Aún Más Curiosa La Cara De Tu Padre” donde se incluye esta versión. CHAYANNE: https://www.youtube.com/watch?v=l8BVHr7aA_k En 1996 Chayanne publica el álbum “Volver a nacer” donde se incluye esta versión. MANZANITA: https://www.youtube.com/watch?v=x5OeLNeMJsE En 1995 Manzanita publica esta versión que se incluye en el álbum “Sueño de amor” MALAVERGÜENZA: https://www.youtube.com/watch?v=Azw9amcVAvo El grupo Malavergüenza publica en 2014 esta versión que fue incluida en el disco "Retazos de Rock and Roll"

Hola. Soy Aurelio Martínez de la Gramola FM la canción que traigo a explorando versiones es Lili Marleen. INTRO (waldteufel78): https://www.youtube.com/watch?v=1_E6yANtGbE He elegido esta canción por ser un ejemplo de cómo pueden pasar décadas de un simple poema se puede convertir con el paso del tiempo en un himno. Esta canción tiene varias versiones en diferentes idiomas, yo en este caso he elegido cinco versiones. POEMA LILI MARLEEN - HANS LEIP: https://www.youtube.com/watch?v=ez0Njhofink La letra fue escrita en 1915 por el soldado alemán Hans Leip quien era poeta y escritor Originalmente el poema se titulaba "La muchacha bajo la farola" y hablaba de una joven esperando a su amado soldado bajo una lámpara el nombre de Lili Marleen es una combinación de dos mujeres que conoció. Lili la hija de un comerciante, y Marleen, una enfermera, reflejaba la nostalgia y el dolor de la separación durante la guerra en 1938 el compositor Norbert Schultz puso música al poema. LALE ANDERSEN: https://www.youtube.com/watch?v=YjXC4N1HXf0 En 1939 la cantante Lale Andersen grabo la primera versión de la canción bajo el título "La chica bajo la farola". Esta grabación, auque inicialmente no tuvo mucho éxito, se convirtió en un fenómeno durante la segunda guerra mundial cuando fue transmitida por radio Belgrado una emisora militar alemana la canción resonó profundamente entre los soldados de ambos bandos, convirtiéndose en un símbolo de esperanza y nostalgia MARLENE DIETRICH: https://www.youtube.com/watch?v=7heXZPl2hik A lo largo de los años Lili Marleen ha sido interpretada por numerosos artistas, pero la versión más famosa es la de Marlene Dietrich quien la grabo en 1944 para las tropas aliadas durante la segunda guerra mundial. Dietrich, una crítica abierta al régimen nazi le dio a la canción un tono más profundo y emotivo, contribuyendo su popularidad internacional, incluso el mariscal Erwin Rommel comandante del África Corps era un admirador de la canción. OLÉ OLÉ: https://www.youtube.com/watch?v=E3XIGrsx8U8 la versión de Olé olé fue adaptada al español manteniendo el tono melancólico nostálgico de la original ,habla de un soldado que reflexiona sobre su amor por Lili Marleen su honor y sus experiencias en la guerra a diferencia de la versión original que tiene un tono más clásico y militar ,la versión de ole ole incorpora un estilo pop de los años 80 con sintetizadores y un ritmo más moderno característico de la banda en esa época la canción fue un éxito en España y América latina ayudando a consolidar a Olé olé como una de las bandas más populares de la década. DERRIBOS ARIAS: https://www.youtube.com/watch?v=joLzia22Rgs La versión de Lili Marleen por derribos arias es una de las más peculiares y vanguardistas que se han hecho de esta canción la banda liderada por Poch, formó parte de la movida madrileña y es conocida por su estilo experimental ,irreverente y con influencia del postpunk su adaptación de Lili Marleen transforma el tema en una versión desestructurada y con un sonido caótico y una interpretación casi irónica alejándose completamente de la solemnidad de la original la voz de Poch con su tono característico le da un aire surrealista, lo que encaja perfectamente con la actitud transgresora se Derribos Arias. INTER TERROR: https://www.youtube.com/watch?v=3YBc-SxiDJ4 La versión de Lili Marleen de Inter terror es una adaptación punk de este clásico con un sonido crudo y directo, propio de la escena punk española de los 80 Inter terror, banda de punk valenciana transformó la melancólica canción original en un tema agresivo y contestatario con guitarras rápidas y una interpretación desgarrada su versión mantiene la esencia de la letra pero con una actitud totalmente distinta en lugar de nostalgia y romanticismo transmite rabia y energía características del punk de la época. DESPEDIDA Y bueno hasta aquí mi aportación a Explorando Versiones ha sido un placer hasta pronto.

Hola amigos, soy Francisco y os doy la bienvenida al primer episodio de este nuevo podcast hermano de Explorando Versiones. Hoy arranca Explorando Cantaores, un espacio dedicado al mundo del flamenco: sus cantes, sus historias y, por supuesto, sus grandes voces. Si ya conocéis Explorando Versiones, sabréis que nos gusta mirar las canciones desde todos sus ángulos: su origen, sus compositores e intérpretes, sus versiones... Pues bien, esa misma filosofía nos la llevamos ahora al mundo del flamenco. INSTRUMENTAL: https://www.youtube.com/watch?v=ouW3CEQmsQ4 Y como estamos en feria, no se me ocurre mejor manera de empezar este viaje que con unas sevillanas que han hecho historia: “Sevillanas para conquistar”, también conocidas como “Mírala cara a cara”. Así que ponte el traje de flamenca y la flor, el traje corto, o lo que tengas más a mano… que empezamos. Para quien se acerca por primera vez al mundo de las sevillanas, conviene aclarar que cada sevillana completa no es una única pieza sino que se interpreta en serie de cuatro partes (a veces llamadas “coplas” o “palos” de manera coloquial). De este modo, al escuchar cualquier sevillana, sabrás que en realidad estás oyendo cuatro partes unidas bajo una misma melodía, repetidas sucesivamente para llenar las casetas de alegría, palmas y compás. CONTEXTO DE LA CANCIÓN REQUIEBROS: https://www.youtube.com/watch?v=OVIhFAroKx4 “Sevillanas para conquistar” es una de esas canciones que, aunque nacidas en la tradición, supieron dar el salto a la cultura popular de forma masiva. La primera edición oficial de “Sevillanas para conquistar” corresponde a 1986, grabada por el dúo Requiebros bajo el sello Hispavox. Este sencillo se publicó en formato vinilo 7″ e inmediatamente se convirtió en un éxito. La melodía pegadiza y el compás de 3/4, junto a una letra romántica, conectaron desde el primer baile con el público y desde entonces ha sido todo un himno en ferias, romerías y fiestas populares de toda Andalucía. La letra, sencilla pero efectiva, juega con el poder de seducción. Más allá del piropo andaluz, la canción tiene algo que la hace irresistible: ese ritmo marcado, esa melodía pegadiza y un aire costumbrista que conecta directamente con nuestras raíces. EL AUTOR Detrás de esta sevillana hay una figura muy singular: Manuel Melado, un sevillano que, además de poeta y compositor, fue peluquero, periodista, speaker del Betis y escritor con más de 20 libros publicados. Melado tiene registradas más de 300 letras en la SGAE y ha trabajado con artistas como Los Romeros de la Puebla, Ecos del Rocío o María del Monte. Su estilo mezcla lo popular con lo culto, y tiene un oído único para crear letras que emocionan y se quedan en la memoria. “Sevillanas para conquistar” es una prueba de eso: sencilla, pero con duende. La música corrió a cargo de José Manuel “J. M.” Moya, colaborador habitual de Melado y referente en el folclore andaluz. AMIGOS DE GINES: https://www.youtube.com/watch?v=gH5UUaBgVtw En el año 2000, “Amigos de Gines” publicaron en el sello discográfico Senador el álbum “Cantándole a las Sevillanas 30 Aniversario”, donde se incluye su versión homenaje de “Sevillanas para conquistar”. Esta interpretación mantiene la esencia romántica del original, pero con el timbre coral propio de “Amigos de Gines” FRANKY JOE TEXIER: https://www.youtube.com/watch?v=Qe2rIVu1F_k El músico francés "Franky Joe Texier" publicó en 2014 su propia versión de las “Sevillanas para conquistar”. Texier, guitarrista, compositor e intérprete, nació en la región de Occitania, en el sur de Francia. Su interpretación destaca por estar cantada en español, aunque con su característico acento francés, propio de su lengua materna. RAFFAELLA CARRÀ Y PASCUAL GONZÁLEZ: https://www.youtube.com/watch?v=Fp6XrV5LznQ En el año 1994, en el programa de televisión "Hola Raffaella", Pascual González, componente de Cantores de Híspalis, cantó un fragmento de esta sevillana a dúo con la propia Raffaella Carrà. LOS CANTORES DE HISPALIS: https://www.youtube.com/watch?v=jPaSOobW41c En 2011, "Cantores de Híspalis" quisieron rendir homenaje a figuras clave del género publicando el disco "Queridos Compañeros". En él recuperaron algunos de los grandes éxitos de las sevillanas, regrabándolos junto a los artistas que los hicieron famosos en su momento. La primera de estas sevillanas está dedicada precisamente a las “Sevillanas para conquistar”. RYUICHI IMAI: https://www.youtube.com/watch?v=MoDohy5JGd0 El intérprete japonés "Ryuichi Imai" (今井龍一) es un virtuoso contemporáneo del oud, el laúd tradicional del Cercano Oriente y del Norte de África. Este instrumento, considerado como el rey de la música árabe, es también el precursor del laúd y de la guitarra moderna. En el año 2021, Imai publicó una versión puramente instrumental de las “Sevillanas para conquistar”, dándole un toque exótico a esta interpretación. DIEGO ET SES GIPSIES: https://www.youtube.com/watch?v=7jm8urcbzjM "Diego et ses Gipsies" incluyeron su versión de las “Sevillanas para conquistar” en el álbum "Feria de Seville", lanzado en 2010. En este trabajo, el grupo rinde homenaje al clásico de Manuel Melado y José Manuel Moya, añadiendo su propio toque personal. JOSE DIAZ: https://www.youtube.com/watch?v=I1Ic-KPqWrk En el año 2021, el saxofonista José Diaz publicó una versión instrumental de “Sevillanas para conquistar” interpretada con su saxofón. Aunque no es común encontrar sevillanas en este formato, su propuesta se enmarca dentro de una corriente de músicos andaluces que exploran nuevas fusiones con flamenco, llevando el género hacia territorios más experimentales y contemporáneos. NOEMÍ CARRIÓN: https://www.youtube.com/watch?v=hpS9YeY8hzE Anuncio Cruzcampo: https://www.youtube.com/watch?v=P3KMlpcDswo En plena desescalada de la primera ola de la pandemia de Covid-19, Cruzcampo lanzó la campaña “Cara a Cara”, un spot de 30 segundos que utilizaba como banda sonora la letra de estas sevillanas, en la versión interpretada por Noemí Carrión. El anuncio ponía en primer plano “la primera” caña tras el confinamiento, apelando al reencuentro emotivo entre consumidores y bares. CONCLUSIÓN “Sevillanas para conquistar” es mucho más que una canción de feria. Es un tema que ha calado hondo y que muchos siguen cantando año tras año. Gracias por acompañarme y volveremos muy pronto con más historias del flamenco.

Hola amigos, soy Francisco y hoy en Explorando Versiones vamos a sumergirnos en el mundo de Javier Krahe y su canción “La Tormenta”. Esta pieza, es una adaptación del tema "L'orage" del mítico cantautor francés Georges Brassens y nos invita a disfrutar de una narrativa cargada de humor, sensualidad y la peculiar visión del amor que ambos artistas compartían. Pero antes de entrar en los detalles de la canción, repasaremos un poco la vida y obra de Javier Krahe, un cantautor único que dejó una huella imborrable al mezclar humor, poesía y mirada crítica, con un estilo que lo convertiría en una figura única dentro de la música española. Javier Krahe no era solo un músico; era un cronista mordaz de la sociedad, un poeta irónico y un maestro del humor inteligente. En sus inicios, formó parte del mítico grupo La Mandrágora, junto a Joaquín Sabina y Alberto Pérez. Este proyecto, cuyo álbum homónimo publicado en 1981 se convirtió en un clásico, marcó el inicio de una carrera donde la sátira y la poesía serían sus señas de identidad. Sus críticas llegaron a traspasar la música y Krahe no tenía miedo de abordar temas controvertidos, y es precisamente esta audacia la que lo llevó a explorar los límites de lo convencional, como ocurrió con su polémico corto "Sobre la cristofagia". Este vídeo, grabado en 1978, planteaba con ironía una receta ficticia para cocinar un crucifijo, llevando al extremo la expresión de "tomar el cuerpo de Cristo". Aunque el corto permaneció inédito durante décadas, en 2004 salió a la luz en el documental “Esta no es la vida privada de Javier Krahe” y fue emitido en una entrevista para el programa Lo + Plus de Canal Plus. Esto desató un revuelo mediático que, casi una década después, en 2012, lo llevó a los tribunales. Fue acusado de un "delito contra los sentimientos religiosos" por el Centro Jurídico Tomás Moro. La acusación pedía una multa desproporcionada, pero Krahe defendió su derecho a la libertad de expresión argumentando que el vídeo era una obra de humor sin intención de ofender. Finalmente, el juez lo absolvió, declarando que se trataba de una manifestación artística. Un triunfo para la libertad de expresión. Además de su música, Krahe participó como socio fundador de la discográfica 18 Chulos, junto a figuras como El Gran Wyoming, Pepín Tre, Pablo Carbonell o Santiago Segura. Este sello nació como un espacio para que los artistas con espíritu libre publicaran sus obras sin presiones comerciales. Lamentablemente, el 12 de julio de 2015, Javier Krahe falleció a los 71 años en su casa de Zahara de los Atunes. Pero su legado, sus canciones y su humor permanecen con nosotros. Y ahora que conocemos un poco más de la vida de Krahe, vamos a hablar de "La Tormenta", su brillante adaptación de "L'orage" de Georges Brassens. Krahe no sólo tradujo la canción original; lo adaptó con ese toque castizo y desvergonzado que lo caracterizaba. Si Brassens narraba un encuentro amoroso en medio de una tormenta con su humor francés, Krahe le añadió su propio ingenio, creando una pieza que, aunque fiel al espíritu del original, tiene una personalidad única. GEORGES BRASSENS - L'ORAGE: https://www.youtube.com/watch?v=BOij7jbRldU La letra de “L’orage” relata un encuentro amoroso inesperado, provocado por una tormenta que obliga al narrador a buscar refugio en la casa de una vecina. A medida que el temporal ruge fuera, los dos personajes, que inicialmente parecen mantener las distancias, terminan sucumbiendo a la atracción en un contexto lleno de tensión y encanto. La tormenta se convierte en una metáfora de la pasión y el deseo, destacando el estilo típico de Brassens de entremezclar la naturaleza y las emociones humanas. “L’orage” es una de las canciones más icónicas de Georges Brassens, el legendario cantautor francés conocido por sus letras poéticas y su ingenio irónico. Publicada en 1953 en el álbum "Le Vent", esta canción muestra la habilidad de Brassens para narrar historias con humor, sensualidad y un toque de melancolía. NANNI SVAMPA - IL TEMPORALE: https://www.youtube.com/watch?v=ptr4Xk2G4P8 Esta versión que estamos oyendo es la de Nanni Svampa, uno de los más reconocidos traductores e intérpretes de Georges Brassens al italiano. Svampa adaptó muchas de sus canciones, incluyendo "L’orage", transformándola en "Il temporale". Su versión mantiene el espíritu poético del original, pero lo adapta con maestría al contexto y la sensibilidad cultural italiana, sin perder la esencia humorística y la elegancia de Brassens. Además, Svampa logró acercar la obra del cantautor francés a un público que quizás no habría descubierto sus canciones de otra manera, dejando un legado que celebra tanto la música como la capacidad de la poesía para cruzar fronteras. ALBERTO PÉREZ - LA TORMENTA: https://youtu.be/zWMPPbyOOe8?feature=shared La Mandrágora, es el primer álbum de los cantautores españoles Joaquín Sabina, Javier Krahe y Alberto Pérez, acompañados por el guitarrista Antonio Sánchez, grabado en directo en 1981. Por aquel entonces los tres cantautores actuaban juntos en el sótano del bar madrileño del mismo nombre, situado en la Cava Baja del barrio de La Latina. Y es precisamente en este álbum es donde aparece la primera versión de "La Tormenta", adaptada al español por Javier Krahe, e interpretada por Alberto Pérez, que utiliza la adaptación de Krahe de la letra original de Georges Brassens. JOAQUÍN SABINA - LA TORMENTA: https://www.youtube.com/watch?v=-YlWykW2Rts “La sonrisa de Krahe” es un álbum homenaje a Javier Krahe publicado en 2019. Este disco recoge el concierto realizado el 20 de noviembre de 2016 en la sala Galileo Galilei de Madrid, en la que los amigos del cantautor interpretaron su obra junto a su banda habitual, bautizada tras su fallecimiento como Los huérfanos de Krahe. En este álbum, Joaquín Sabina se une a las voces que recuerdan a Krahe y presenta su versión de “La Tormenta”. Sabina aporta su estilo inconfundible y su voz rasgada, imprimiendo una intensidad diferente a la canción. LOS TOREROS MUERTOS - LA TORMENTA: https://www.youtube.com/watch?v=pHsLlxsvYKo En 2017, Los Toreros Muertos prepararon un espectáculo en directo titulado “Colegio público Javier Krahe”, un recorrido musical por la obra del maestro, al que tanto admiraban. Sin embargo, este homenaje no se publicó oficialmente hasta 2020, cuando lanzaron un álbum doble. La versión de “La Tormenta” que Los Toreros Muertos incluyen en este disco mantiene su característico estilo atrevido y teatral, fusionando su sentido del humor con la ironía inherente a las letras de Krahe. Es un tributo que celebra la obra del cantautor con un tono festivo y desenfadado, en línea con la personalidad de la banda. JAVIER KRAHE - LA TORMENTA: https://www.youtube.com/watch?v=fp0lKTfyWhs Para finalizar este viaje, aunque fue Alberto Pérez quien interpretó la primera versión grabada de "La Tormenta" en el disco de La Mandrágora, Javier Krahe también la llevó a su repertorio habitual, añadiendo su estilo inconfundible. Es un ejemplo perfecto de cómo Krahe no sólo tradujo la canción de Brassens, sino que la reinventó, haciéndola suya y dándole una nueva vida en español. CONCLUSIONES Y así llegamos al final de este episodio de Explorando Versiones. Hoy hemos viajado por las diferentes interpretaciones de "La Tormenta", desde su origen en francés como "L’orage", pasando por las distintas versiones de Alberto Pérez, Joaquín Sabina o Los Toreros Muertos y, por supuesto, Javier Krahe, quien la convirtió en parte de su legado. Espero que os haya gustado y nos vemos en el siguiente capítulo. Un saludo.

Sean todos y todas bienvenidos y bienvenidas a un programa más de Explorando Versiones. Quien tiene el gusto de conectar con ustedes, Pedro A Luís. Hoy hablaremos de una canción para muchos, icónica. Para otros, el himno del rock, llamada: Smoke on the Water. DEEP PURPLE: https://www.youtube.com/watch?v=Q2FzZSBD5LE La banda creadora de este increíble clásico se formó en 1968 en Inglaterra y rápidamente se consolidó como uno de los grandes nombres del rock y del hard rock. Estamos hablando de Deep Purple. Haciendo un poco de historia, el grupo, en el año 1972, se encontraba en Montreux, Suiza, con la finalidad de grabar su álbum Machine Head. Lo que nadie se podía haber imaginado es que se presenta un incendio con características catastróficas en el casino de Montreux. Unos dicen que fue generado por un fans que le dispara con una pistola de bengala a Franz Zappa durante su concierto. Otros dicen que un grupo de fanáticos encendieron fuegos artificiales dentro del escenario o dentro del concierto como tal. Esto genera un incendio, como lo dije anteriormente, con características descomunales, afortunadamente sin víctimas que lamentar, y que terminó al final con la destrucción del casino por completo. Este evento particular inspira a Ritchie Blackmore a describir uno de los riffs más reconocidos de la historia. El incendio como tal deja una espesa columna de humo que se refleja en las aguas del lago de Ginebra. Esa imagen fue la chispa que prendió la creación de Smock On The Water. La letra como tal no solo hace referencia al incendio, sino también a la frustración y a las dificultades de grabar en condiciones caóticas, improvisadas, lejos del estudio original. Sin embargo, el resultado fue una de las grandes canciones del rock. CARLOS SANTANA: https://www.youtube.com/watch?v=O_Wst_CYuo8 Habiendo escuchado la canción original, vamos ahora a presentarles nuestras versiones. Comenzaremos con Carlos Santana, dentro del álbum "Guitar Heaven: The Greatest Guitar Classics Of All Time". Es un álbum de estudio, el número 21, lanzado el 21 de septiembre del 2010. Es un álbum de covers y de rock clásico y cuenta con la participación de grandes artistas. Entre los que están es India Arie, Joe Cocker, Chris Connor, y para la versión de Smoke on the Water, Carlos Santana invitó a Jacoby Shaddix. Oigamos la versión, me parece espectacular. AZUCARILLO KINGS: https://www.youtube.com/watch?v=0YviPuYL768 Otra de las bandas invitadas para este podcast es una banda española barcelonesa conocida por su mezcla de rumba, música disco, tiene mucho ska y algo de son latino, formada en 1996. Esta banda ganó muchísima popularidad en sus actuaciones, pues son muy enérgicas, dinámicas y tienen un estilo muy distintivo. El grupo se reúne en el año 2018 y ha seguido actuando desde entonces. Azucarillo Kings realiza una versión muy humorística de la canción Smoke On the Water, de Deep Purple, titulada Humo en el Water. Esta adaptación se incluyó en el álbum de 1998. RAINBOW: https://www.youtube.com/watch?v=FzhGmtG7LGk Otro de los invitados del día de hoy es Ritchie Blackmore, quien formó Rainbow después de dejar Deed Purple en 1975. Es una banda con un sonido más orientado hacia el hard rock y al metal neoclásico. Aunque Rainbow interpretó alguno de los temas de Deep Purple en vivo, no se conoce una grabación de estudio de Smoke on the Water. Escuchemos la versión de Ritchie Blackmore y de Rainbow en el Live Nippon Budokan (Tokio Japan) de 1984, una excelente versión. Y como es de costumbre en todos mis podcasts, siempre deseo y quiero compartir con ustedes una de mis anécdotas vinculada a la música. Era el verano de 1976. Me encontraba trabajando en una tienda de ropa, como era de costumbre, en una localidad muy populosa, bulliciosa y no menos peligrosa del oeste de la ciudad capital, es decir, de Caracas. La localidad se llama Quinta Crespo. En fin, eso era un microcosmo total. Pero aquí viene lo interesante de ese verano del 76, en el que escuchaba por primera vez, Smoke on the Water. Unos chicos que me doblaban en edad, también bien enrollados en esto de la música y de la tienda de al lado, me regalaron como muestra de empatía y de cariño, un par de autovías blancas. Eso no eran líneas, eso eran autovías. Recuerdo, como si fuese ayer, quedar paralizado y petrificado del miedo. Pensaba rápidamente: Eso no va conmigo. Tan rápido como lo pensaba, lo aspiré. Me di cuenta que aunque eso no estaba hecho para mí, pero al final de cuenta, qué carajo, lo probé. Y después experimenté las hostias y los coñazos que me dieron en casa, porque a fin de cuenta mis padres se enteraron. Pero la cosa no queda ahí. Muchos años después, ya casado y con hijos, y viviendo aquí en Sevilla, tuve el privilegio de escuchar la banda en vivo, lo que me hizo rememorar y transportarme aquellos días de pubertad en la tienda de ropas, de la libertad que solo la juventud puede tener y de aquel microcosmos llamado Quinta Crespo. Deep Purple: https://www.youtube.com/watch?v=qK7j_EERgT4 Y así, entre Riffs legendarios y una historia marcada por el fuego, el rock y mis anécdotas, cerramos este episodio del día de hoy. Viajamos en el tiempo hasta Montreux, sentido el humo sobre el agua y revivido la magia de Deep Purple en su icónica canción, Smoke on the Water. Quien se despide de ustedes, Pedro A. Luís. Hasta la próxima.

Hola, hola. ¿Qué tal!? Buenas madrugás,Soy Raulillo. En éstas fechas quiero hablaros de una canción que forma parte de una Ópera Rock, la más famosa y mejor Ópera Rock que he oído nunca. Una obra que cuenta la parte más crítica y terrenal de los personajes protagonistas en los últimos días de Jesús de Nazareth. Nos habla de un Judas, que lejos de ser un traidor, es algo así como un héroe mártir que salva a los suyos de ser masacrados por el imperio Romano y de una María Magdalena enamorada del profeta. EPIC ORCHESTRAL COVER: https://www.youtube.com/watch?v=CAxqrhlv_90 Pero concretamente de una canción de esa obra. Hablo de Getsemaní, también conocida como la canción de la oración del huerto. Me quiero centrar en ésta canción porque creo que es la más representativa de ésta Ópera. Esta canción tiene toda la esencia de lo que aquí se quiere contar. Y ésta canción en concreto nos enseña a un Jesús humano que después de 3 años llevando a cabo la voluntad del plan de Dios, duda y no entiende por que al final debe morir.” Si he de morir, quiero saber que voy a conseguir” sentencia el Nazareno. Un ser humano más que como todos nosotros, creyentes o no, nunca entenderemos por que tenia que morir. Si, como ya habréis imaginado con éste planteamiento, la ópera Rock Jesucristo Superstar, tuvo sus dificultades y críticas inquisitoriales por parte de los cristianos más puritanos. Que le quisieron poner piedras en el camino, pero consiguieron todo lo contrario, darle publicidad y hacer de ésta obra como ya he dicho, la Ópera Rock más popular de todos los tiempos. No bromeo si os digo que casi cada Semana Santa veo la película. Puestos a ver una película Bíblica, esta es más entretenida que Ben-Hur y además la música Rock Psicodélica con toques orquestales, es de lo mejor que he oído en mi vida. Además, la blasfemia atrae a los blasfemos y para blasfemo un servidor. Comenzamos este viaje por el corazón lleno de amargura y la mente llena de dudas del Jesucristo más humano? Pues nombremos a Dios en vano y empecemos!! IAN GILLAN: https://www.youtube.com/watch?v=gOjyGy1NR4Y A finales de los años 60 un veinteañero Tim Rice (Creador de exitosos musicales como El rey león o Evita) Tuvo la idea de contar los últimos días de vida del Nazareno, desde la perspectiva más crítica de Judas Iscariote, usando un lenguaje contemporáneo y con una banda sonora en clave de rock Psicodélico. Una mezcla explosiva. Una puta genialidad que nadie quiso producir, era demasiado arriesgado y adelantado para la época. Pero el bueno de Tim encontró la solución. Unos años antes, la banda Británica The Who, sacó Tommy un álbum conceptual con bastante éxito. Así que Tim Rice decidió hacer lo mismo y empezó con un álbum conceptual que se lanzó en 1970. Fue un disco que contaba la historia completa con canciones, literalmente una ópera rock. El disco contó ni más ni menos que la voz de Jesús con la voz de Ian Gillan, el vocalista de la que por aquella época era considerada la banda más ruidosa del mundo… Deep Purple, casi nada. Me cayo y escuchamos a Ian Gillan reprochar a su Dios psicópata ese plan sangriento que le tenía preparado. TED NEELEY: https://www.youtube.com/watch?v=I3mFBh2z9sc El álbum fue un bombazo, sobre todo en EE.UU. Llegó al número 1 de Billboard en 1971. Pero también generó protestas: grupos religiosos lo acusaban de blasfemia, por presentar a un Jesús humano, dudoso, e incluso por sugerir una atracción amorosa entre él y María Magdalena. La controversia ayudó a su fama. Y con el éxito del disco, finalmente llegó la oportunidad de llevarlo al escenario, primero en Broadway (1971) y luego en Londres (1972). Y qué pasa cuando una ópera o musical se vuelve exitoso y rentable? Pues que da el siguiente paso y lo llevan al cine.En 1973, tan solo tres años tras la publicación del álbum se estrenó la película. Para el papel de la película se pensó en quien dio voz a Jesus en el disco original. Pero los productores pensaron que poner a una superestrella del rock como cara visible de la película, sería contraproducente, porque podría sacar a los espectadores de la película. Aunque al final no se contó con él, vale la pena recordar que la versión original de Ian Gillan, el cantante de Deep Purple, aún hoy se considera una de las mejores versiones vocales de esa canción. Así que para la película se contó con Ted Neeley, un cantante tejano de rock, soul y balada romántica. Y en mi opinión acertaron de pleno. No en vano es mi Jesucristo Superstar favorito. Éste tipo ya tenía experiencia en musicales hippies, ya que participó en el musical contraculturas Hair. Cuando audicionó para la película y oyeron cómo era capaz de llegar a notas altísimas, casi imposible, no se lo pensaron. Ted, sería Jesús. Dirigida por Norman Jewison, Ésta Ópera mezcla de rock psicodélico, teatro, simbolismo bíblico y contracultura setentera, se rodó en Israel. Usando escenarios naturales del desierto y ruinas antiguas. Con una estética muy hippie, tanques, y soldados romanos con metralletas y gafas de sol, la película adquiere un contraste entre lo antiguo y lo moderno que le da una lectura política y social contemporánea a este relato. La película comienza con los actores llegando en bus, montando el escenario en el desierto y después de interpretar la obra, marchándose. Todo menos Jesús, que es abandonado en el desierto clavado en la cruz. Dando a entender, que sus seguidores, solo estuvieron con él en las buenas. Ésto generó mucha controversia, siendo criticada de nuevo por grupos religiosos. Y esto también hizo que ésta obra sea una de las más influyentes entre los jóvenes de la época, quienes conectaron con su mensaje, emocional, humano y crítico. Hoy en día es una película que se reestrena en cines, se analiza en universidades para generar debates didácticos. CAMILO SESTO: https://www.youtube.com/watch?v=KSr6ozHUktk Hablemos de la versión más conocida en España. La de Camilo Sesto. Cuando la estrella española de la música vio la representación de la obra en un teatro Londinense, se empeñó en traerla a los teatros españoles para interpretar al hijo de Dios. Se hizo con los derechos, eso no le costó mucho, pero estrenarla le costó sangre, sudor, lágrimas y casi la vida. En la España de los últimos momentos de Franco,Camilo tuvo que enfrentarse a censura, presiones políticas y ataques de sectores religiosos, pero aun así tiró adelante. Esta obra chocaba de frente con el fanatismo religioso fascista del conservadurismo del régimen. Y esto llevó a que se atentara contra la vida de Camilo en el propio teatro. Una bomba ni más ni menos. Con Ángela Carrasco como Maria Magdalena y Teddy Bautista como Judas, triunfaron. Teddy Bautista además fue director musical e hizo algo nunca visto en una representación de esta ópera. El foso de músicos era pequeño para la parte musical orquestal. Así que hizo los arreglos musicales para convertir las partes orquestales a música hecha con sintetizadores. Lago que todo el mundo reconoció como una genialidad. Todo esto lo se de la serie Camilo Superstar. En la que se cuenta como Camilo trajo esta pedazo de obra a España. Una serie que cambió para bien mi opinión de Camilo Sesto. Que no era nada buena seguramente por culpa de un imitador de mi ciudad natal, que hacía tributo al maestro bajo el nombre de Camilo Manuel. Posiblemente lo podréis encontrar en YouTube participando en el rancio programa musical “Lluvia de estrellas” del también rancio presentador Bertin Osborne. Con eso lo digo todo. Os dejo disfrutar de Camilo sesto y del gran trabajo de traducción que hicieron Ignacio Artime y Jaime Azpilicueta. PARK EUN TAE: https://www.youtube.com/watch?v=oD-Kg65yhHg Jesucristo Superstar ha sido interpretada en todo el mundo. Y si tenemos en cuenta que si reunimos a todas las doctrinas cristianas del mundo y las sumamos, los cristianos no llegan a ser ni el 20% de las personas religiosas de este planeta. Y que más del 50% de la humanidad no sabe ni quién fue Jesucristo… Pues que se haya representado por todo el mundo... coño pues esto tiene mérito. una de las más impactantes fue la producción en corea del sur de 2013 y posteriores, donde Park Eun-tae quien estáis oyendo interpretó el papel de Jesús. ¿Se os hace raro oírlo en Coreano? A mi me parece tan buena interpretación, que el idioma no me importa en absoluto. COCOLOCONOCTURNO: https://www.smule.com/sing-recording/1764735353_5036397728 Durante la pandemia hubo una red social para músicos que lo petó. Smule, donde personas apasionadas por la música, pueden compartir sus interpretaciones musicales con sus colegas haciendo comunidad y pasándoselo haciéndoselo pasar de puta madre a todos y entre todos. No solo de teatros musicales y películas vive la Ópera de Tim Rice. Éste es Cocoloconocturno, bueno, ese es su perfil. Éste usuario de smule es un apasionado de los musicales como El fantasma de la ópera. He podido hablar con él personalmente y tengo que deciros que cuando grabó esta versión, de la versión de Camilo Sesto, estaba pachuchillo. Y menos mal porque el tío lo hace de lujo. Acercaos a ésta red social, os podéis llevar gratas sorpresas como la de este Cocoloconocturno y muchas más. LEO JIMENEZ: https://www.youtube.com/watch?v=n88KYi7Wx6I Ahora la versión de un metalero Español. Leo jimenez. En 2013, Leo Jiménez interpretó el papel de Jesús en una producción de Jesucristo Superstar que se representó en Madrid, pero con una propuesta muy diferente a las versiones tradicionales. En este caso, Leo, conocido por su trabajo en bandas como Stravaganzza y Saratoga, Las canciones de Jesús, especialmente "Gethsemane", adquirieron una fuerza y una intensidad brutales, con un enfoque más rockero que el de las versiones más líricas o teatrales. La versión de aquel que dijo no a Mago de Oz cuando salió José Andrea, Leo Jiménez, está publicada en forma de Bonus track en el álbum “Factoría del contraste” de 2016. Fue muy bien recibida por el público que sigue su carre

¡Bienvenidos a Explorando Versiones! Soy Ramón y hoy nos sumergimos en los mares oscuros y místicos del heavy metal para hablar de uno de sus himnos más icónicos: Holy Diver, de Dio. Esta canción, lanzada en 1983, ha dejado una huella imborrable en el mundo del metal y ha sido reinterpretada por numerosos artistas a lo largo de los años. ¡Preparaos, que hoy toca levantar los cuernos bien alto! \m/ Para aquellos que no estén familiarizados, Ronnie James Dio fue una de las voces más reverenciadas en el heavy metal. Su trayectoria abarca desde sus inicios con Rainbow, pasando por su etapa con Black Sabbath, hasta su exitoso proyecto en solitario, Dio. Con su poderosa voz y su carisma en el escenario, Dio se ha ganado un lugar en el Olimpo del metal. Holy Diver, el tema principal del álbum debut de Dio, es una obra maestra que combina riffs poderosos, una atmósfera épica y letras cargadas de simbolismo fantástico. En este episodio, vamos a explorar la historia detrás de esta canción, su impacto en la escena musical y cómo ha sido reinterpretada por otros artistas a lo largo del tiempo. DIO - HOLY DIVER: https://www.youtube.com/watch?v=2lvs2FzF64o Publicada en 1983 como tema principal del álbum debut en solitario de Ronnie James Dio, Holy Diver no tardó en convertirse en un clásico del heavy metal. Tras su paso por bandas legendarias como Rainbow y Black Sabbath, Dio decidió seguir su propio camino y, ¡vaya si acertó! Con riffs poderosos, una atmósfera épica y letras cargadas de simbolismo fantástico, Holy Diver es una especie de cuento heroico que mezcla imágenes medievales y místicas con un mensaje de resistencia y libertad. ¿Y quién podría olvidar ese riff inicial? Ese que arranca como si una tormenta eléctrica se colara por los altavoces y te dijera: "Agárrate fuerte, que vienen curvas." El videoclip también merece su mención: Dio convertido en una especie de guerrero medieval que reparte justicia al estilo de Conan el Bárbaro. KILLSWITCH ENGAGE: https://www.youtube.com/watch?v=NR7dG_m3MsI Una canción así no podía quedarse sin reinterpretaciones. Probablemente la versión más conocida y celebrada es la de Killswitch Engage. En 2006, estos reyes del metalcore la llevaron a su terreno con guitarras afiladas, una batería demoledora y un sonido más moderno, pero sin perder el espíritu épico de la original. Tanto caló que formó parte de la banda sonora del videojuego Guitar Hero y acabó siendo un clásico dentro del propio repertorio de Killswitch Engage. Guitar Hero Versión: https://www.youtube.com/watch?v=F89a2wiar3k PAT BOONE: https://www.youtube.com/watch?v=qjQV3omTRtk En 1997, Pat Boone, famoso en los años 50 por sus baladas románticas y versiones suavizadas de canciones de rock, decidió incursionar en el heavy metal con su disco In a Metal Mood: No More Mr. Nice Guy. Y ahí, sin despeinarse, se atrevió con Holy Diver, transformándola en algo así como jazz elegante con toques de swing. Imagínate a tu tío abuelo en bata cantando heavy metal... pero con orquesta y un rollo swing jazzero. Y ojo, que hasta el propio Ronnie James Dio dijo que le había gustado. Ahí queda eso. JACK BLACK: https://www.youtube.com/watch?v=J3_sWF0Z4CE Actor, comediante y cantante —sí, todo a la vez—, Jack Black, el mismísimo protagonista de Escuela de Rock, no perdió la oportunidad de rendir tributo a Holy Diver durante su visita al programa Late Night with Jimmy Fallon en diciembre de 2010. En directo, con toda su energía desbordante, su vozarrón y esos gestos marca de la casa, se lanzó a cantar el tema como si estuviera encabezando un festival de metal. Más que una versión, fue un espectáculo en sí mismo. PUDDLES PITY PARTY: https://www.youtube.com/watch?v=ZsxeKx-u5NY Si no conoces a Puddles Pity Party, te lo presento: un payaso triste, vestido de blanco, de voz profunda y capaz de convertir cualquier clásico en una balada melancólica. En 2021, se atrevió con Holy Diver, dándole la vuelta por completo y llevándola al terreno del drama y la nostalgia. Olvídate de guitarras afiladas y gritos desgarradores: aquí todo es delicado, suave, como si Dio hubiera escrito la canción después de una ruptura amorosa y se la hubiera entregado a un crooner venido del circo. Inquietante, inesperado… pero fascinante. NINA HERMANS: https://www.youtube.com/watch?v=r_DgyIjfiK0 En su versión de Holy Diver, Nina Hermans rinde homenaje al clásico de Dio con un enfoque único, inspirado en la interpretación de Killswitch Engage. Su cover aporta una mezcla de melodías intensas y poderosas, con una interpretación vocal que mantiene la energía de la original, pero con una suavidad emocional que le da una nueva dimensión. La versión de Hermans toma el espíritu del metal melódico, fusionando la potencia con el lirismo de su voz, lo que la convierte en una propuesta fresca y cargada de emoción. CONCLUSIÓN Así terminamos nuestro viaje por las diferentes versiones de Holy Diver, un tema que sigue demostrando su capacidad para reinventarse a través de los años, desde los riffs más duros hasta las interpretaciones más suaves y dramáticas. Lo que está claro es que una canción como esta no tiene límites: se puede transformar, adaptar y, por supuesto, rendir homenaje de mil maneras diferentes. Así que la próxima vez que escuches Holy Diver, recuerda que, aunque Dio la hizo inmortal, hay todo un universo de versiones esperando ser descubiertas. Y como siempre, no olvides levantar esos cuernos bien alto y seguir explorando. ¡Nos vemos en el próximo episodio de Explorando Versiones!

¡Hola, hola, exploradores! ¿Qué tal? Buenos días, tardes o noches, dependiendo de… ya sabéis qué. Yo soy Raulillo, esto es Explorando versiones, y quiero robaros un poco de lo más valioso que tenéis: vuestro tiempo, para hablaros de un clásico del rock y algunas de sus versiones. ¿Os venís conmigo a explorar las versiones de Don’t Stop Believin’ de Journey? JOURNEY - DON’T STOP BELIEVIN’: https://www.youtube.com/watch?v=jidZEUOR6zs Journey es una banda de rock creada en 1972 en San Francisco, Estados Unidos. Originalmente, una banda de estilo rock progresivo que fue convirtiéndose a un estilo más melódico y comercial, sobre todo con la incorporación del vocalista Steve Perry en 1978. Don't Stop Believin' (en español: No dejes de creer) es el título de una power ballad interpretada por la banda de rock estadounidense Journey, incluida en su séptimo álbum de estudio, Escape (1981). La canción fue escrita por Jonathan Cain (teclista de la banda), y su riff de teclado es considerado como uno de los más reconocibles de la historia del rock. CBS Records la lanzó el 5 de octubre de 1981 como el segundo sencillo del álbum. A menudo considerada como su canción insignia, alcanzó un puesto entre las diez primeras canciones de la lista Billboard Hot 100. Se vendieron más de un millón de copias en vinilo. Es la canción número uno de descarga digital pagada lanzada en el siglo XX. Ha vendido más de 7 millones de unidades digitales en los EE. UU. hasta julio de 2017. La base de datos en línea All Music la describe como la “canción perfecta”, y la revista Forbes la sitúa como la canción de rock más grande de todos los tiempos. En mi opinión, es muy buena, pero aquí creo que se han venido un poco arriba. La historia que cuenta la canción podría considerarse autobiográfica. Narra la historia de un chico y una chica de mundos distintos que viajan lejos de casa para cumplir el sueño de vivir de la música. Es justo lo que hizo Jonathan Cain. El título de la canción proviene de algo que el padre del tecladista Jonathan Cain le decía con frecuencia cuando era un músico en dificultades que vivía en Sunset Boulevard, en Los Ángeles. GLEE: https://www.youtube.com/watch?v=3Dc1d46O3O8 Como todo temazo rockero que se precie, Don’t Stop Believin’ está presente en la pequeña y gran pantalla. La lista de producciones audiovisuales en las que aparece, tanto en su versión original como en versiones para la ocasión, no es corta: •La mejor de mis bodas (1998) de Adam Sandler. •La oscarizada Monster de 2003, con Charlize Theron y Christina Ricci. •Como no, en el musical Rock of Ages, que saltó de los teatros de Broadway para convertirse en una película en 2012, protagonizada, entre otros, por Tom Cruise y Alec Baldwin. He visto tanto la peli como el musical, y el argumento es literalmente el de la canción. No es “la leche”, pero para un domingo en el que San Pedro juega a los bolos en el cielo, te puede quitar el aburrimiento. •En la pequeña pantalla se puede ver en la famosa serie Los Soprano en 1999. Tras esta aparición, la canción volvió a romperlo en cuanto a ventas y relanzó la carrera de Journey. •Y, como no, también podéis oír la versión que estáis escuchando en la serie Glee de 2009. Una serie musical del típico High School yanqui, es una auténtica oda a la cultura woke. Es la máxima expresión del audiovisual inclusivo, en el que tenemos desde la típica capitana de animadoras, reina del baile, hasta el tío más chungo y malote, pasando por chicos frikis gafaplastas, chicas guays, flacas, gruesas, afroamericanas, parapléjicos, gays, lesbianas, orientales, latinos y hasta algún pelirrojo. Sí, así es, pelirrojos: el precio a pagar por el resto de mortales para que podamos disfrutar de las pelirrojas. Ahora disfrutemos de esta versión coral, bastante pastelosa aunque no mala del todo, para la serie Glee. THE HOLOPHONICS: https://www.youtube.com/watch?v=xxv-_3S0zUU ¿Qué tal un poquito de ska? Si queréis oír un huevo de versiones de temazos de todos los tiempos en clave de ska, no podéis dejar de visitar la discografía de The Holophonics. Esta versión está incluida en su disco de versiones Maskarades Vol. 11. Y que sepáis que ya van por el Vol. 17. Los tejanos que comenzaron en esto allá por el 2012 dicen ser un grupo de progressive ska. Chiquillos pretenciosos… si sabes hacer música progresiva, no haces punk ni ska. En fin, sea como sea, sus discos de versiones son muy disfrutables, kalimotxo en mano. POSTMODERN JUKEBOX: https://www.youtube.com/watch?v=UngXu2zwF9E Estáis oyendo Postmodern Jukebox. Algo así como “la gramola postmoderna”. Otra agrupación dedicada enteramente a las versiones. Pero vienen bien para que se te baje el subidón del fiestón ska que te acabas de pegar. No te voy a mencionar a sus integrantes porque son ciento y la madre. Si te van las versiones de los éxitos del rock y pop de todos los tiempos en clave de jazz suave, dos cosas te digo: 1.Este es tu grupo; no dudes en escucharlos. 2.A mí no me hables. STEEL PANTHER: https://www.youtube.com/watch?v=r2o9KAplnu4 Ahora vamos con metal de mentira o de chichinabo. Me explico: estos son Steel Panther, un cuarteto que en el 2000 comenzó a tener popularidad en el Sunset Strip hollywoodiense. Este sitio, básicamente, es el nido de serpientes andróginas travestidas que son los grupos de glam metal, de la escuela de Poison, L.A. Guns, Mötley Crüe y compañía. Estos grupos, dedicados en cuerpo y alma a llevar la vida de rockstar, sin reparar en si su música es de verdadera calidad o no. Esta versión se lanzó como single en 2009, y, como podéis oír, no se diferencia mucho de la original. Es lo que pasa cuando andas corto de talento. Ahora, en serio, y una vez que me he vaciado de bilis, quiero aclarar una cosa: es cierto que a los jovenzuelos y rockeros más maduros no nos va mucho este estilo. Pero, en realidad, todos lo hemos consumido. Por eso, amigo, si te gusta este u otro grupo de glam, no te avergüences por mucho que los critiquen. Muchos empezaron oyendo estas cosas y, tirando del hilo, han descubierto grupazos y se han convertido en verdaderos metalhead masters. Recuerda: Don’t Stop Believin’. NORTHERN KINGS: https://www.youtube.com/watch?v=9uynzC4BrLE Don’t Stop Believin’ es una canción un tanto peculiar. No oiremos el estribillo hasta el final. Esta canción es como el sexo tántrico: te mantiene arriba todo el tiempo hasta 50 segundos antes de concluir, que es cuando entra por primera vez su estribillo. Por cierto, pedazo de estribillo que te eleva el alma al séptimo cielo. Pero existe un grupo que es capaz de usar esta canción para hacerte cruzar la laguna Estigia de la mano del barquero Caronte y llevarte a las capas más oscuras del reino de Hades. Son Northern Kings, un supergrupo de versiones finés con un estilo oscuro de metal sinfónico y épico, compuesto por cuatro de los más reconocidos músicos del metal nórdico: Jarkko Ahola (Teräsbetoni), Marco Hietala (Nightwish y Tarot), Tony Kakko (Sonata Arctica) y Juha-Pekka Leppäluoto (Charon). Comenzaron este proyecto en 2007 con su álbum Reborn, donde aparece esta versión de la canción de Journey, junto a otras versiones como We Don’t Need Another Hero de Tina Turner, Broken Wings de Mr. Mister o Ashes to Ashes de David Bowie, entre otros. En fin, más te vale tener el alma pura y limpia antes de oír un disco de este grupazo. FLATIRONS COMMUNITY CHURCH:: https://www.youtube.com/watch?v=XhNP7fZG2O4 Y si de verdad queréis limpiar vuestro alma, vamos a darle al rock cristiano. Flatirons Community Church. Esto no es solo un grupo, es mucho más: una escuela de base cristiana con sedes en Westminster y Genesee (Colorado). La iglesia ofrece música de adoración moderna, dirigida principalmente por líderes de adoración específicos del campus, junto a conferencias de corte cristiano durante un servicio (que es como llaman por allí a las misas) típico de fin de semana. La música no se limita a canciones de adoración, sino que incluye canciones seculares de bandas populares como Queen, Imagine Dragons, Foo Fighters, Coldplay, Twenty One Pilots, Bleachers y más. La iglesia recibe regularmente a más de 19,000 asistentes por fin de semana entre los cinco campus que atesoran. Un servidor, que se declara agnóstico aborrecedor de cultos religiosos, ministros de dioses en la tierra y demás supercherías humanas… convencido está de que si las misas católicas montasen estos bolos, me levantaría temprano todos los domingos para asistir a misa de las 10. JORN: https://www.youtube.com/watch?v=JUcW9meI73k Si alguien escuchó el Explorando versiones de Hotel California, ya sabrá quién es este señor. Es Jorn Lande, ex-Masterplan (la banda de power metal formada por Roland Grapow y Uli Kusch tras su salida de Helloween). Con su proyecto en solitario, Jorn, sacó el disco de versiones Heavy Rock Radio en 2016. Y, aún a riesgo de repetirme con este artista, lo pongo sin ninguna vergüenza, ya que si algo tiene el hacer Explorando versiones, es que se aprende un huevo y se descubren proyectos musicales que sorprenden a cualquiera. Y este descubrimiento se está convirtiendo en uno de mis artistas favoritos en el último año. Dejo que disfrutéis de Jorn Lande y su magistral control sobre sus cuerdas vocales. BAD BONES: https://www.youtube.com/watch?v=WaCI0t6b9cM Bad Bones es una banda italiana de hard rock y heavy metal formada en 2007 en Ceva, Italia. La fundaron los hermanos Steve (bajo) y Lele Balocco (batería), junto con el guitarrista y vocalista Mekk Borra. Su sonido está influenciado por bandas clásicas como AC/DC o ZZ Top. Esta versión del himno de Journey es de 2014 y está incluida en la versión Deluxe de su disco de 2012, Snakes n’ Bones. Este álbum fue el culpable de darles el empujoncito que les llevó a girar por toda Europa y Estados Unidos, llegando a tocar en sitios emblemáticos como el Whisky a Go Go de Los Ángeles, donde compartieron escenario con los anteriormente mencionados Steel Pant

Hola soy Sergio Serrato y vengo otra vez a este nuestro podcast favorito Explorando versiones… Ponte tus pantalones de pitillo, coge tu chupa de cuero y péinate ese tupé imposible a lo James Dean porque hoy nos sumergimos en una canción y sus versiones de lo más Rocker... Hoy en Explorando versiones os hablamos de “Apuesta por el Rock And Roll” MÁS BIRRAS - APUESTA POR EL ROCK’N’ROLL (Primera Versión): https://www.youtube.com/watch?v=1a6vfjH1oPQ Mauricio Aznar Müller fue un poeta y músico nacido en Zaragoza en el año 1964 y fundador de bandas de estilo Rocker como “Golden Zippers”, “Más Birras” y “Almagato”. Con un marcado estilo Rockabilly Mauricio es el autor de esta canción incluida en el mini LP del grupo “Más Birras” del año 1987 “Al Este del Moncayo” Aunque la banda Mas Birras se fundó en 1984, no alcanzó gran popularidad nacional hasta que en 1987 “Apuesta por el Rock And Roll” fue lanzada por Jesus Ordás en Radio 3. La canción en sí es como una novela corta que narra una historia de declaración de amor hacia un estilo de vida, un anhelo de una libertad absoluta, una carrera en busca del sueño de vivir como uno quiere, donde el protagonista ofrece a su chica que lo acompañe en esta aventura que es la vida, la que él ha elegido vivir. Esta complejidad narrativa es inusual en las canciones de rock de la época y sin duda obedece al sello de su letrista, Gabriel Sopeña, músico, poeta, escritor y profesor de filosofía, además de amigo de la infancia de Mauricio Aznar, que colaboró en algunos temas de Más Birras. En Más Birras está todo el sentir de una juventud española de principios de los 80, el paro, la mili y la heroína eran lo que ahora llaman Trading Topic. HÉROES DEL SILENCIO: https://www.youtube.com/watch?v=0-GqJPqYSKc Muchos de los Fans de Heroes del Silencio seguramente no sepan el origen de esta canción e incluso atribuyan la autoría al grupo liderado por Bunbury y es que casi nunca una canción de una banda quedaba tan como anillo a ldedo de otra…. parece que Mauricio Aznar y Gabriel Sopeña creasen esta canción pensando en unos Heroes del Silencio que ni siquiera existían aún….. aquí podemos escuchar una versión en directo de este tema que Heroes incluyó en su primer disco recopilatorio del 1996 “Rarezas” JOAQUÍN CARDIEL (HÉROES DEL SILENCIO), AMARAL Y ARIEL ROT: https://www.youtube.com/watch?v=up3qYoPeNO0 Otros ilustres Zaragozanos como Amaral grabaron junto a Joaquin Cardiel de Heroes y con Alejo Stevens de Tequila a la guitarra esta versión durante la grabación del programa de televisión Española “ Un país para escucharlo” GABRIEL SOPEÑA Y JAVIER MACIPE: https://www.youtube.com/watch?v=29iWGyP5g0E El propio autor de la letra que como he dicho es tambien músico interpretaba la canción en directo durante la entrega de los premios de la musica Aragonesa celebrada en 26 de Marzo acompañado de Javier Macipe LOS LOCOS TRISTES: https://www.youtube.com/watch?v=g9TNM-LnX58 El duo Indie de Rock and Roll en bares y cantinas Cubano, que así se definen nos dejaron esta version demostrando que se hace buen Rock And Roll en la Isla…. HÉROES DEL SILENCIO Y LOQUILLO: https://www.youtube.com/watch?v=Ti4XvrAYMYQ Como es una canción que vive del espiritu del directo y es ahí donde se encuentra su verdadero sentido, os dejamos esta interpretación de Heroes del Silencio junto a Loquillo en un concierto en Barcelona…. disculpenme por la calidad del sonido pero esto es Rock And Roll puro…. MÁS BIRRAS - APUESTA POR EL ROCK’N’ROLL: https://www.youtube.com/watch?v=zCAw7kNOlLw Mauricio Aznar es una figura poco conocida y aun menos reconocida en la historia del Rock And Roll nacional, en sus últimos años empezo a interesarse por el tango y el folclore de una zona en concreto del noreste de Argentina…. nos dejó a la temprana edad de 36 años en el año 2000 por una sobredosis una semana después del suicidio de su hermano Pedro. Días antes de morir entregó a su amigo un libro de poemas manuscritos y a Gabriel sopeña casi una veintena de canciones inéditas a modo de herencia musical y cultural...