Explorando Versiones

Hola amigos, soy Francisco, os doy la bienvenida a Explorando Versiones. Hoy hablaremos en «Soy un macarra», una de esas canciones que marcaron un antes y un después en la historia del rock en español. Acompañadme mientras exploramos no solo la canción original, sino también algunas de las versiones que ha hecho a lo largo del tiempo. ILEGALES - SOY UN MACARRA: https://www.youtube.com/watch?v=jIJcT8IAExw Para ponernos en contexto, Los Ilegales es una banda asturiana que comenzó su andadura en los inicios de la década de los 80 y que está liderada por Jorge Martínez. Su estilo, que mezcla el punk y el rock con letras mordaces, los convirtió en una de las formaciones más icónicas y controvertidas de la época. Para Jorge Martínez, "Soy un macarra" no es solo una canción; tiene un mensaje que trasciende su aparente simpleza. “Soy un macarra” abre la cara B de su segundo disco titulado “Agotados de esperar el fin” y que fue publicado en 1984. El tema también se lanzó como sencillo bajo el mismo título, donde aparecía la canción “Soy un macarra” en su cara A y “Para Siempre” en la cara B. Como curiosidad, la portada del single es la mano del batería, David Alonso, haciendo la señal de los cuernos y al que le falta un dedo que perdió de crío de un accidente cuando jugaba con un hacha. Y aunque esta canción los lanzó al éxito, no era precisamente la favorita del grupo. De hecho, estuvo a punto de quedarse fuera, ya que la consideraban de poca valía, pero fue la discográfica la que decidió apostar por ella. TEKNO-LIMA (Perú): https://www.youtube.com/watch?v=0zLM7hGruag En 1986, el grupo peruano Tekno-Lima hizo su propia versión de "Soy un macarra". Aunque respeta la base de la canción, esta reinterpretación incorpora toques electrónicos y elementos de rock que le dan un aire futurista y experimental. Con su sonido rudimentario, logra crear una atmósfera casi distópica, sin perder el carácter rebelde de la original. RESACA para la gente (Venezuela): https://soundcloud.com/laresaca/resaca-soy-un-macarra La banda venezolana de hard rock Resaca lanzó en 2010 su disco de debut titulado “Historias de noches extravagantes, perversiones y placer…”. El álbum está compuesto por 9 temas, 8 temas originales más este cover que está sonando de la canción “Soy un Macarra” de los Ilegales, notándose una clara influencia en el sonido de la banda PAPAYA: https://www.youtube.com/watch?v=V3t2gKxcL28 El grupo Indie Papaya, liderado por Yanara Espinoza, lanzó en 2018 el disco “Corazón abierto” y en el que se incluía esta versión en la que se reimagina al macarra dándole un aire surfero. Su estilo pop, fresco y juguetón, le da un giro radical al tema, que se convierte en un himno veraniego con tintes irónicos. MUSCARIA HARDCORE (Ecuador): https://www.youtube.com/watch?v=DGxvRDLZvmE Desde Ecuador, la banda Muscaria lleva esta canción a los terrenos del hardcore metal. En esta versión lanzada en 2011, los riffs agresivos y la batería atronadora amplifican la actitud desafiante de la canción original. Aquí, el macarra parece más un guerrero urbano que un chulo de barrio, pero mantiene intacto el espíritu de rebeldía que caracteriza a Los Ilegales. SINIESTRO TOTAL: https://www.youtube.com/watch?v=Wm4Y_y9kIqI Y por fin llegamos a la versión que más me gusta: la de Siniestro Total. Esta reinterpretación se incluyó en su segundo álbum en directo, Cultura Popular, lanzado en 1997. El disco reúne versiones de grandes canciones de grupos españoles, abarcando desde los años sesenta hasta los noventa. En "Soy un macarra", los arreglos destacan especialmente por la incorporación del saxo de Jorge Beltrán, que aporta un toque fresco y diferente al clásico de Los Ilegales. CONCLUSIONES "Soy un macarra" no es solo una canción; es una actitud, un himno a la transgresión y una obra maestra de la ironía que ha dejado huella en la música y la cultura popular. Espero que hayáis disfrutado de este recorrido por las versiones de uno de los temas más icónicos de Los Ilegales. Nos vemos en el próximo capítulo.

Hola, quién tiene el gusto de conversar como ustedes, Pedro A. Luis, en un nuevo capítulo de "Explorando versiones". Hoy hablaremos de la canción "The Letter" y de sus versiones. THE VENTURES: https://www.youtube.com/watch?v=vvhuEjFYGXg Es muy importante resaltar la estrecha vinculación de la música con la emergente revolución social del momento. A fin de ponerlo en un contexto histórico, la canción se hizo muy popular en una entre la guerra de Vietnam. La revista Rolling Stone la situó en el puesto 363 de sus 500 mejores canciones de todos los tiempos. En el mismo año en que Jerry Rubin, junto con Abbie Hoffman, reconocidos líderes del movimiento hippie y quienes fundaron el Partido Internacional de Juventud cuyas siglas en inglés dan al nombre de los hippies, dan inicio a la cultura hippie, la contracultura, sacudiendo los cimientos de la sociedad, sea el parto revolucionario, algo que perturba a la clase media dominante conservadora blanca de aquella época. La moda no se quedó atrás e impulsó la minifalda, la cual llegó para quedarse, como símbolos de expresión de rebeldía de la mujer, ante la opresora sociedad conservadora de aquellos tiempos. Definitivamente, fueron épocas de oro, de momentos interesantes y de grandes cambios. THE BOX TOPS: https://www.youtube.com/watch?v=HIWY8UyW9bw Año 1967, "The Letter", una canción escrita por Wayne Carson Thompson, llevada a la fama por el grupo de Box Tops. Vocalizada por Alex Chilton, dentro del álbum del mismo nombre, alcanzando el número 1 de la revista Billboard Hot 100. "The Letter", la carta, sirvió como un lazo emocional entre dos almas que se aman. La insistente repetición de la frase "my baby just a-wrote me a letter", algo sí como que mi chica me escribió una carta, trasciende a la distancia y el tiempo, priorizando un vuelo de inmediato sobre otras alternativas de transporte más lentas, poniendo fin a los días de soledad con la frase "lonely days are gone". EVA CASSIDY: https://www.youtube.com/watch?v=RPITXIRwlv0 Iniciamos nuestras versiones de hoy con Eva Marie Cassidy, conocida como Eva Cassidy. Nacida en Oxon Hill, Washington DC, Estados Unidos de Norteamérica, un 2 de febrero de 1963. Fue cantante, guitarrista, dibujante, pintora y paisajista, definitivamente toda una gran artista. Eva nunca grabó composiciones propias, a pesar de todo su talento. Todo el material publicado son versiones de otros autores. Sin embargo era una mujer excepcional, mezclaba géneros como el jazz, el blues, el folk, y el soul de manera muy versátil, logrando que la versión "The Letter" destacara por su tono potente, pero manteniendo su melancólica voz. Aunque Eva no nos acompañó en este plano de vida por mucho tiempo, sí definitivamente su presencia quedó marcada como una de las mejores voces más dulces y sutiles de aquella generación de artistas. SUSAN TEDESCHI: https://www.youtube.com/watch?v=PG1_LAAL4w0 Otra gran artista es Susan Tedeschi, una cantante, guitarrista y compositora norteamericana conocida por su poderosa voz y su estilo musical y que fusiona el blues, el rock, el soul y el gospel, nace en 1970 en Massachusetts. Les puedo decir que aunque poco sabía de Susan, pues al oírla me cautivó y forma parte de mis preferidas en los playlist. Ha sido nominada varias veces a los premios Grammy, ha lanzado numerosos álbumes, tanto en solitario como en colaboración con su esposo Derek. Tanto Susan como Derek, han versionado "The Letter". La enérgica voz de Susan, ha sido un tributo potente a la canción original, la llena de emoción, fuerza y energía. JOE COCKER: https://www.youtube.com/watch?v=LlX5IWwizGg Y dejamos el cierre de este episodio al grande, hablamos de John Robert Cocker, o Joe Cocker como mejor lo conocemos. Nace un 20 de mayo de 1944 en Sheffield, Reino Unido. Fue un cantante y músico de rock y de blues, conocido por su voz, fuerte y áspera, centró parte de su carrera musical en versionar canciones de otros artistas. Cocker se entregaba por completo a la música, su gestualidad era genial y fue en el mejor festival musical de la historia, por lo menos a mi juicio, es decir, Woodstock del 69, en su última canción de su repertorio llamada "A Little Help from My Friends", donde nuestro querido Joe, por primera vez, tocó la guitarra imaginaria, sin colonizando el movimiento de sus manos y brazos, con la música. A partir de ese momento, y aunque ustedes no lo crean, se convirtió en el padre inventor de lo que se conoce como Air Guitar, le pregunto, ¿Quién de nosotros nos han tocado la guitarra imaginaria alguna vez en la vida? Cuando escuchamos sobre todo la canción de rock que tanto nos gusta, y ni hablar si vamos a un concierto. Yo lo hice en presencia a mis padres y hermanos, quienes reían a carcajada limpia, de seguro lo hacían con cariño, y admiraban la pasión que le ponía, hoy en día lo sigo haciendo y lo seguiré haciendo por el resto de mis días. Retomando la versión "The Letter", hecha por Joe Cocker, vamos a oirlo acompañado de Mad Dogs & Englishmen, Leon Russell, Don Preston, y quien luego sería una estrella, Rita Coolidge, nos brinda una presentación por demás épica en el concierto The Fillmore East 1970, Nueva York, Estados Unidos. De modo pues que disfrutemos de la interpretación de Cocker, en esos momentos de profundos cambios sociales, cuando su música no solo reflejaba su talento, sino también el espíritu de una época llena de reclamos y transformaciones. JOE COCKER: https://www.youtube.com/watch?v=CUwm4w0mp1k Y con esta última versión cerramos nuestro capítulo del día de hoy, espero que lo hayan disfrutado tanto como yo. Gracias por su compañía y atención, me despido de todas y todos ustedes, su seguro servidor, Pedro A. Luis, hasta la próxima.

JOHN DENVER - TAKE ME HOME, COUNTRY ROADS (OFFICIAL AUDIO): https://www.youtube.com/watch?v=1vrEljMfXYo EDDY ARNOLD - TAKE ME HOME, COUNTRY ROADS: https://www.youtube.com/watch?v=MIH10gTutzI Versión de 1971 que sale en Reader´s Digest, cuyo autor es Eddy Arnold. TOOTS AND THE MAYTALS - TAKE ME HOME COUNTRY ROADS: https://www.youtube.com/watch?v=lQFKMar4x-w Versión del grupo reggae Toots and the Maytals, cuya versión sustitute a "Virginia Occidental" por "casi cielo, Jamaica Occidental". Esta versión describe Jamaica. También esta versión fue utilizada y reversionada en una película alemana del año 2005 dirigida por Ed Herzog. HEIKE MAKATSCH & THE JOLLY BOYS - COUNTRY ROADS: https://www.youtube.com/watch?v=rsdkbXuuRk0 La trama de la película es una chica alemana con una enfermedad terminal que sueña con ser cantante de country. LANA DEL REY - TAKE ME HOME, COUNTRY ROADS: https://www.youtube.com/watch?v=muWEOXE5zeQ En 2023 Lana del Rey homenajea a John Denver con su propia versión de "Take me Home, Country Roads" que fue lanzada a todas las plataformas digitales. KINGSMAN - MERLIN'S LAST SONG - TAKE ME HOME, COUNTRY ROAD: https://www.youtube.com/watch?v=Ag8mgowTHPE Versión de 2017 de la película Kingsman, el círculo dorado que se convierte en la canción de una de las escenas finales, reversionada por el actor Mark Strong. OLIVIA NEWTON-JOHN - TAKE ME HOME, COUNTRY ROADS: https://www.youtube.com/watch?v=uHOTmMpux9E YUJI NOMI (SUSURROS DEL CORAZÓN) - COUNTRY ROAD: https://www.youtube.com/watch?v=JuoTo5dFISo Versión japonesa derivada de la versión de Olivia Newton-John que sale en el anime del Estudio Ghibli YUJI NOMI (Susurros del corazón) en el año 1995. VERSIÓN EN ESPAÑOL DE LA CANCIÓN DE SUSURROS DEL CORAZÓN: https://www.youtube.com/watch?v=5pcz4mpbzM0

Hola, ¿Qué tal? Amigos, amigas. Soy Vicente Almodóvar de Sonido de Valencia Radio y hoy en este nuevo episodio de Explorando Versiones os vengo a presentar una canción que a mí realmente me marcó muchísimo. Es el "Sultans of Swing" de los Dire Straits. DIRE STRAITS - SULTANS OF SWING: https://www.youtube.com/watch?v=0fAQhSRLQnM De esta canción en particular tengo muy buenos recuerdos. Corría el año 1988 y en el sorteo de la vida me tocó hacer la mili en Madrid y el servicio militar era una mezcla de rutina y descubrimientos. Y en medio de este caos organizado, mi mejor aliado no llevaba uniforme, sino eran unos auriculares, un walkman. Sí, un walkman siempre listo para transportar mi mente pues lejos de los barracones. Y la cinta que más giró en su interior fue el "Alchemy" de los "Dire straits" y esta gloriosa canción. Fue la banda sonora de mi escape mental. En aquellos tiempos pues había que ser ingenioso pues las pilas del walkman era un bien muy preciado. La verdad es que había pocos recursos económicos, y así que cuando se terminaba la cinta, pues no quedaba otra que sacar un boli Bic y así con movimientos de la mano, pues rebobinabas la cinta manualmente. Y así aprovechaba cada giro como si estuvieras ajustando las manillas del tiempo. Pues en un ritual, vuelta tras vuelta, pues imaginaba a Mark Knopfler rasgando su guitarra, mientras yo intentaba ahorrar la energía para la siguiente escucha de la cinta. Y así pasaban los días, entre marchas y maniobras, el "Sultans of Swing" sonaba a mi cabeza como si el mismo Knopfler me acompañara en cada paso. ¿Y quién necesita un escuadrón cuando tienes un solo de guitarra como compañía? Pues a día de hoy cada vez que escucho esta canción, me llega el eco de aquel boli girando y es un vídeo del walkman al arrancar de nuevo. Es curioso cómo algo tan sencillo como rebobinar una cinta se puede convertir en el símbolo de una época. Y la habilidad que debería incluirse en cualquier currículum sobre todo si has vivido en los 80, que es rebobinar una cinta de cassette con un boli Bic. "Sultans of Swing" es una de las canciones más emblemáticas los Dire Straits, lanzado en su álbum debut, en 1978, está compuesta por Mark Knopfler y esta pizza se adentra en el mundo de una banda amateur que toca en un bar casi desierto, capturando la esencia de la pasión por la música y sin preocuparse por el éxito comercial. La mezcla de rock clásico con toques de blues y jazz se siente en cada acorde, y la letra refleja una autenticidad que resuena con muchos músicos que luchan por ser escuchados en un entorno tan competitivo. "Dire Straits" es considerada una de las bandas más influyentes del rock destacando por su autenticidad y su habilidad para mezclar géneros. Su música sigue resonando en nuevas generaciones gracias a su calidad atemporal y a la maestría de Mark Knopfler como compositor y guitarrista. El origen de la banda se formó en Londres en 1977 y estaban entre sus miembros originales pues los hermanos Knopfler, Mark y David con guitarra y luego estaba John Illsley como bajista y Pick Withers como batería. Y el nombre de "Dire Straits" viene a decir aquello como "Duras penas", y fue sugerido por un amigo, reflejando las dificultades económicas que se enfrentaban los miembros en sus inicios. Y su estilo musical "Dire Straits" pues destaca por su enfoque minimalista, en un momento en el punk, el disco y el rock progresivo dominaban la escena. Su sonido combina elementos del rock clásico, del blues, del jazz y del folk y esta canción aparece en su primer álbum en 1978. DIRE STRAITS - SULTANS OF SWING (LIVE AID): https://www.youtube.com/watch?v=JVZTP_kX5BE Y lo que podemos escuchar en primer lugar es una versión ya en sí, porque el álbum original es del año 1978, es donde aparece ya esta canción. Pero la versión en vivo más famosa está en el álbum "Alchemy" de "Dire Straits live" en 1984, donde la canción se extiende a más de 10 minutos con unos solos de guitarra que son increíbles. Se convierten una de las piezas más esperadas de los conciertos de la banda, mostrando la habilidad de Knopfler como guitarrista. Hay que decir que Mark Knopfler tenía una manera muy peculiar de tocar la guitarra. Prácticamente la acariciaba punteando con la yema de los dedos. Y sin duda alguna dejó una huella después del concierto donde se grabó el "Alchemy" en 1985 en el "Live Aid". LEO MORACCHIOLI Y MARY SPENDER: https://www.youtube.com/watch?v=x0RV0kgdqJU Y esta versión que os presento, esta primera versión, es muy metalera, es muy heavy metal, la verdad que sorprende mucho. Esto es un cover producido por Leo Moracchioli con Mary Spender que es la cantante. La verdad es que es alucinante también como tocan la guitarra. Disfrutadlo. 40 FINGERS: https://www.youtube.com/watch?v=yJnZh6pOLXs Y esta siguiente versión que os ponemos ahora está realizada por los 40 fingers. Esto es un grupo, un cuarteto de guitarristas italianos, que desde luego también tienen la esencia de lo que tenía esta canción originalmente. Disfrutadla también. VINTAGE CAFÉ: https://www.youtube.com/watch?v=EmwjlVft7Hs Y esta versión que os presentamos a continuación es también maravillosa, es un blues. Esto está en un álbum del año 2010 que se llamó "Vintage Cafe" y está producido por uno de los que fue componentes de los "Modern Talking" un grupo de allá, alemán, de los años 80. CONCLUSIONES Y con esta canción ya me despido. La verdad es que ha sido una maravilla poder estar aquí, poder haber contado lo que fue para mí esta canción de los "Dire Straits" y todo lo que ha significado este grupo a lo largo de la historia. No solo los grupos, sino también el propio Mark Knopfler en solitario. La verdad es que sigue cosechando muchísimos éxitos y eso es lo que esperamos también en un futuro. Así que nada, muchas gracias y escuchar esta última canción. Así que un abrazo muy fuerte de vuestro amigo Vicente Almodóvar. Nos escuchamos.

Buenas, soy Sergio Serrato y estoy de vuelta en nuestro podcast favorito, pero me vais a permitir que me salte un poco la filosofía de Explorando Versiones y hoy me marque un Explorando Canciones. KIKO VENENO - JOSELITO: https://www.youtube.com/watch?v=5JeTnZi2wek Hoy os voy a hablar de la canción “Joselito” de Kiko Veneno. Kiko Veneno de nombre artístico y José María López Sanfeliú en el DNI es un musico español nacido en Figueras Gerona y como diría mi padre Criao y engordao entre Sevilla y Cádiz, bético para más inri y eso se nos nota... El disco que contiene “Joselito” se llama “Échate un cantecito” de 1992. Se puede decir que era el último intento de Kiko de hacer algo en la música, ya que el artista llevaba tiempo retirado del mundo de arte incluso ya tenía un empleo fijo en la diputación de Sevilla. En una visita de su amigo Santiago Auserón, de Radio Futura, le comento a este que iba a hacer un disco y si no triunfaba dejaba la música. Auserón tenía que ayudar a su amigo y le propuso ser algo así como su coach en la creación y grabación del disco. Incluso participó en algunos coros del mismo y vaya si consigo reflotar la carrera de su amigo Kiko. El temazo que nos ocupa hoy no debe su nombre al niño prodigio conocido como el pequeño ruiseñor, aunque bien podría ser, sino que debe su inspiración a José Marín Rodríguez. Os cuento quien es José Marín. José Marín era un vecino de Conil de la Frontera, jornalero del Mar, aficionado al cante y gran bebedor mollatoso…. Kiko Veneno y Joselito se conocieron en los años 80 cuando, cuando, tras la disolución del grupo Veneno, que juntó para la historia a Kiko y los hermanos Amador, Kiko apartó su carrera musical y se afincó en la localidad gaditana de Conil de la frontera donde montó algo así como un chiringuito/Pub, el Adán se llamaba. Fue allí donde conoció a Joselito al que el propio Kiko definía de esta manera:“ Era un marinero temporero muy golfo, se levantaba para ir a la mar, se tomaba dos copas y ya no iba a pescar ni ná”. Eso sí Joselito manejaba unas frases y expresiones muy particulares que gustaron tanto a Kiko que se las apunto. El Adán era el último bar de la ronda de Joselito ya que estaba a dos casas de la suya, allí se tomaba la última antes de irse a su casa a dormir la tajá... y así lo inmortalizó Kiko en su canción. En otra estrofa de la canción se nombran las botellas de Coca-cola llena de vino de Chiclana y es que así se servía este mollate en el bar ligero que también era parada obligatoria de Joselito donde se bebía siempre unas pocas. Según cuentan los tabernáculos coincidentes de Joselito, tenía mala bebida y si fresco era un tío educadísimo con la papa era faltón y metepatas. pero eso sí, tenía la suerte de que su primo era el jefe de los municipales y no fueron pocas las veces que los guardias lo metían en el calabozo a dormirla para evitarle broncas. El Adán era el sitio donde le dejaban cantar y allí entonaba La Zarzamora, eso sí con una letra inventada por el llena de chistes, cargas e ironía. Cuentan que tenía una gran voz por eso lo de “el de la voz de oro”. Estás ocurrencias de Joselito se hicieron canción pasadas por la pluma de un poeta de bar y cronista de barrio como Kiko Veneno. Soltero de por vida, tuvo siete novias, más novias que un moro como reza la canción, porque como dice su sobrina Paqui, que mujer iba a aguantar la vida de Joselito. Dejo Joselito de subir con los ojos brillantitos por la calle peñón y empezó a dejarse ver por el hogar del jubilado vendió su casa y se mudo con sus sobrinas, el Adán sigue existiendo pero Kiko no es su dueño y la vida siguió su ritmo impasible hasta que el 30 de Septiembre de 2008 Joselito nos dejó, el tabaco paso factura y el cáncer reclamo el pago. Cuenta su sobrina que lo cuidó que hasta sus últimos días canturreó “Yo soy Joselito, el de la voz de oro”.

Hola a todos. Un saludo de Ruben. Normalmente podéis escucharme en el podcast Diskobox, que podéis encontrar en iVoox, buscando por el nombre del programa, Diskobox (con K y con B). Pero el programa de hoy es un especial para el podcast “Explorando Versiones”, y el especial de hoy va a estar dedicado a la canción “Train Kept a Rollin’ ”. Una canción que tiene múltiples y variadas versiones, y de las que he seleccionado para el programa de hoy las que considero las más interesantes. JOHNNY BURNETTE & THE ROCK AND ROLL TRIO: https://www.youtube.com/watch?v=VuwEaxdsonc Si he de empezar por la versión más representativa de este tema, tengo claro que debo empezar por el grupo que popularizó la canción en la década de los años 50. Johnny Burnette and the Rock and Roll Trio. Que en 1956 publicaron uno de los discos más importantes en la génesis del Rockabilly, titulado como ellos “Johnny Burnette and the Rock and Roll Trio”. A mediados de los 50, nace el Rock and Roll. Dentro de las corrientes paralelas que surgieron de la mezcla del Rhythm and blues con diversos estilos, el Rockabilly fue aquella que mezcló el Rhythm and Blues con el country, adoptando una formación, en su formato más clásico, de guitarra eléctrica, contrabajo y caja. Dentro de este disco se encuentra la que es la versión de referencia del “Train Kept a rollin’ ”, que fue publicada como single también ese mismo año. El disco, y la propia canción, son considerados como el arquetipo del rockabilly más primitivo, y una de las piezas clave del nacimiento del Rock and Roll. La voz de Johnny Burnette, es afilada, casi violenta, y la guitarra eléctrica de Paul Burlison tiene un sonido absolutamente inaudito para la época en la que se grabó la canción. Un sonido que ha sido una influencia para guitarristas como Jimmy Page o Jeff Beck, y que nació de casualidad. En el amplificador de Burlison había dos válvulas que no estaban bien instaladas. Se habían desencajado debido a un golpe que se había llevado el amplificador. Eso provocó una vibración en la membrana del altavoz que producía una especie de saturación muy particular. Un efecto de Fuzz, pero ojo, porque el pedal Fuzz aún no se había inventado. Así que este sonido se convirtió en algo innovador, y que por supuesto le dio personalidad al sonido del grupo. El grupo se separó poco después, y Johnny Burnette paso a un estilo más melódico, alejado de este rockabilly salvaje, con el que interpretan este “Train Kept a Rollin’ ”. TONY BRADSHAW: https://www.youtube.com/watch?v=eiScL3wIUwI Pero esta versión, aunque es la versión de referencia, no es la original. Fue Tony Bradshaw, quien compuso y grabó esta canción en 1951. Tony Bradshaw fue pianista, batería, cantante y director de orquesta, y comenzó su carrera en los años 30 haciendo Swing, y derivó en los años 40 hacia el jump blues, la forma primigenia del Rhythm and Blues, La canción pasó completamente desapercibida cuando se publicó. Ni siquiera llego a entrar en las listas de Rhythm and Blues. Curioso, porque luego se ha convertido en un clásico, gracias a la versión de Johnny Burnette and the Rock and Roll Trio. Es impresionante ver hasta qué punto estos modificaron la canción, haciéndola sonar completamente diferente, alejada del estilo Rhythm and Blues de la original. THE YARDBIRDS: https://www.youtube.com/watch?v=5axZNnnDPWY Como ya os he comentado antes, la versión de “Train Kept a Rollin’ ” de Johnny Burnette influyó de una manera decisiva en guitarristas como Jeff Beck o Jimmy Page. Hasta el punto de que éstos grabarían una versión con su grupo. Y éste no era otro que uno de los grupos más importantes de la escena del Rhythm and Blues británico de los 60. El grupo del que formaron parte Eric Clapton, Jeff Beck y Jimmy Page, aunque no todos al mismo tiempo. Por supuesto, estoy hablando de los Yardbirds. Cuando Eric Clapton dejó el grupo, un tal Jeff Beck le sustituyó, dotando al sonido del grupo de una personalidad única. Mostrando que iba a convertirse en una leyenda de la guitarra, por su técnica y su habilidad para experimentar con el sonido. Fue él quien quiso hacer una versión del “Train Kept a Rollin’ ”, y la grabaron para su segundo disco publicado en Estados Unidos, “Having a Rave up”, de 1965. THE YARDBIRDS - STROLL ON: https://www.youtube.com/watch?v=AhHRWNT7Zqo Pero los Yardbirds, no contentos con hacer una versión, hicieron también una versión de la versión. Esto ocurrió en la época en la que se había incorporado también al grupo un tal Jimmy Page. El director de cine Michenagelo Antonioni se fijó en el grupo para su película de 1966 “Blow-up”. En una de las escenas aparecía un grupo de rock tocando en directo, en lo que se llamó una “rave-up”, una especie de jam en las que el grupo creaba pasajes instrumentales, solos, y comenzaba a desbarrar con sus instrumentos. Y aquí nace una de las escenas musicales en el cine más míticas de la historia, cuando Jeff Beck pierde el control, y destroza su guitarra. Lo que grabaron para esta película fue una canción llamada “Stroll On”, que no es sino una nueva versión del “Train Kept a Rollin’ ”. Debido a problemas de derechos de autor, tocaron la canción, pero con un nuevo título, la letra cambiada, y un toque algo más salvaje. La canción se incluyó en algunas versiones de la banda sonora de la película, pero lo más aconsejable por supuesto en ver la escena de la película que os he comentado, en la que también vais a poder apreciar en el escenario a Jimmy Page, ya que la película se rodó en ese corto periodo de tiempo en el que coincidieron los dos guitarristas en el grupo. Aquí os dejo el enlace a la Escena de “Blow up”: https://www.youtube.com/watch?v=R18qCKNLQdM LOS SIREX – TREN DE LA COSTA: https://www.youtube.com/watch?v=VPdWjxSdZRs Esta canción a la que estoy dedicando este especial “Explorando Versiones”, tuvo también una influencia decisiva en uno de los grupos de rock más importantes en la historia de nuestro país. Estoy hablando de los Sirex. Uno de los grandes grupos de la historia del rock en España. Y unos de los grupos más importantes de la década de los 60. Leslie, su cantante, cuenta cómo esta canción tuvo un verdadero impacto en su vida, hasta el punto de que reconoce que algo pasó dentro de él al escucharla. Lo cierto es que esta canción le cambió la vida, ya que se convirtió en uno de los grandes éxitos de la carrera de los Sirex. Leslie cuenta como quedó impactado cuando un DJ puso esta canción en un local de Barcelona. El DJ era uno de los muchos militares americanos que en ese momento estaban en Barcelona, y que eran el punto de entrada de mucha de la música de Estados Unidos. Fue tal el impacto de esta canción que Leslie se acercó al DJ para comprarle el disco. Pero no hubo suerte. Fue tal la cara de desprecio que el militar le puso a Leslie que éste acabo robándole el disco. Y acabó felizmente adaptando este tema al español. Aunque hay que decir que la letra no es una adaptación de la letra original. Es una nueva letra que no tiene nada que ver. Está inspirada en el tren que tenían que coger los Sirex desde la Estación de Francia, en Barcelona, hasta Calella, para ir a ensayar. La canción fue cara B de un EP que supuso el mayor éxito comercial del grupo. Año 1965. Vendieron más de 100.000 discos. Una auténtica barbaridad, aunque, a decir verdad, mucha de la culpa del éxito la tuvo una de las canciones más conocidas del grupo, incluida en la cara A: “La escoba”. Pero sin duda, yo personalmente me quedo con esta canción: “El tren de la costa”, su versión del “Train Kept a Rollin’ “. LOQUILLO & NU NILES: https://www.youtube.com/watch?v=DdOMjj-lfH0 Un músico español que siempre ha declarado su admiración por los Sirex ha sido Loquillo. En el año 2015, Loquillo publicó, junto al grupo Nu Niles, el disco “Código Rocker”. Un disco en el que quiso volver a sus raíces de “rocker”, y volvió a grabar algunas de las canciones de toda su carrera, y también alguna canción nueva. Precisamente aprovechó este disco para grabar su versión del “Tren de la costa”, haciendo así un homenaje a su admirado grupo. Como decía el propio Loquillo, “Los Sirex, el primer grupo en vestirse de cuero sobre un escenario”. MOTORHEAD: https://www.youtube.com/watch?v=TqF6TEwBtoo Termino este especial “Explorando Versiones”, dedicado al tema “Train Kept a Rollin’ “, con un Bonus track muy especial. El primer disco de Motorhead contenía también una versión de este tema. Y es que, a alguien que no conozca bien a Lemmy, su cantante, le puede sorprender que haya elegido este clásico del Rockabilly para hacer una versión. Pero Lemmy, además de idolatrar a los Beatles, era un admirador del rock and roll de los años 50, como demostró cuando se juntó, a principios de los años 2000, con Slim Jim Phantom, batería de los Stray Cats, y el guitarrista Danny B, para formar un grupo de versiones de rock and roll de los años 50. Pero ya en el primer disco de Motohead, Lemmy acudió a Johnny Burnette y su Rock and Roll Trio para realizar esta versión, aunque esta vez llevada al terreno más eléctrico y pesado de Motorhead. En su disco homónimo de 1977 incluyeron esta versión. En lo que fue el primer disco publicado en la carrera de Motohead, aunque no es el primer disco que grabaron. Su primer disco en realidad se grabó en 1976, aunque la discográfica no se decidió a publicarlo hasta 3 años mas tarde, cuando ya Motorhead tenía ya cierto renombre en la escena inglesa, y se publicó con el nombre de “On Parole”. Pero eso ya es otra historia. Espero que hayáis disfrutado de este especial “Explorando Versiones”. Un saludo de Ruben, y hasta un próximo programa. Enlace a Ivoox del podcast Diskobox: https://www.ivoox.com/podcast-diskobox_sq_f11248636_1.html

Hola soy Laly y he sido invitada a participar en Explorando Versiones. Yo os voy ha hablar de una de mis canciones favoritas…..¿Os acordáis de aquel videoclip a finales de los 80 donde un gato de plastilina intenta colarse en un club para ver a una gatita cantar? NINA SIMONE - MY BABY JUST CARES FOR ME: https://www.youtube.com/watch?v=3ZS7iKdRo5Q Si, exacto! MY BABY JUST CARE FOR ME de Nina Simone. No recuerdo exactamente cuando vi el video por primera vez, que fue el que me descubrió la canción, sería en casa de mis padres en Torreblanca, o como dicen por aquí: White Tower o Torre White. Me encantó esa voz, esa manera de cantar, el piano… Recuerdo hablar de esta canción con mi amigo Ción en el autobús de Alcalá (de vuelta del Instituto). Hablamos de esta y de otras canciones de Nina Simone, y de otras canciones y de otros grupos. Buenos ratitos hablando de música, así se hacía más corto el camino de vuelta… EDDIE CANTOR: https://www.youtube.com/watch?v=oaNStTkU-cA La canción no es original de Nina Simone. Había sido compuesta en 1930 por Walter Donalson (la música) y Gus Kahn (letra) como tema para la película WHOOPEE!, dirigida por Thorntor Freeland, interpretada por Eddie Cantor, el primer black face, esto es que sale primero con la cara pintada de negro y luego sin pintar. La canción tuvo cierta popularidad y fue grabada por artistas como Harry James, Natking Cole, Count Basie… Suenan muy diferentes a la versión de Nina. Las hay instrumentales, big band… y todas tienen su punto. HARRY JAMES (instrumental): https://www.youtube.com/watch?v=V0Yz87_VbGM Nina la grabó en 1958 para su primer álbum: «Little girl blue» y la canción pasó desapercibida. NINA SIMONE - I LOVE YOU POGGY: https://www.youtube.com/watch?v=tq5A0YadWKs El éxito del disco fue “I Love You Poggy” de George Gershwin. COUNT BASIE: https://www.youtube.com/watch?v=NVXxohDstyw “My baby just care for me” se publicó como single en 1962. La versión de Nina es muy especial. Comienza con una característica introducción a piano con una sucesión de escala descendente que cuando la oyes ya sabes que canción es. Entra luego la batería y la voz cálida y característica e inconfundible de Nina y después de la segunda frase un característico break que se repite al final de otra frase. La instrumentación se limita o se reduce a la sección rítmica: piano, bajo y batería, tocada con escobilla, que le da un toque íntimo pero con swing. HADA BROOKS - CHOP CHOP BOGGIE: https://www.youtube.com/watch?v=5pHEEX259qY Las versiones anteriores como ya hemos dicho tenían un toque de jazz y big band. La introducción es similar a la del tema de 1958 “Chop Chop Boggie”, de Hada Brooks, que es instrumental. Hada Brooks recordamos que es la reina del boggie, también pianista, vocalista y compositora como Nina. ANUNCIO DE CHANEL Nº 5: https://www.youtube.com/watch?v=Jo1QN812S6g Pero tenemos que esperar hasta 1987 cuando un fragmento de medio minuto de esta canción aparece en un anuncio de Chanel Nº 5… Y entonces recibió el reconocimiento popular con 30 años de retraso y se convierte en un gran éxito, se vuelve a grabar el single, llegando al número 5 de las listas británicas, y con ella se popularizó el videoclip de animación donde Nina aparece como una gatita de plastilina cantando la canción en un club nocturno y un gato enamorado va a verla. Lo echan varias veces y vuelve a entrar por una claraboya del techo, cayendo en los brazos de ella y besándose. ¡Una monada! FRANK SINATRA: https://www.youtube.com/watch?v=zxCdLthupeM La letra nos habla de Baby, su bebé, su amor, que solo tiene ojitos para ella, ni actrices famosas, ni ropa, ni coches… Ella se pregunta si él no ve lo que ven los demás, ni lo que piensen de ella ni de su amor, lo que explicaría un poco el video clip. Ella trabaja en un club nocturno, no tiene buena reputación, pero a él no le importa nada lo que digan los demás. Él está enamorado. Posteriormente la versionarían: Frank Sinatra, George Michael, Michael Buble, Natalie Cole, Sophia Milman y otros. BANDA SONORA DE “EVERYONE SAYS I LOVE YOU” DE EDWARD NORTON): https://www.youtube.com/watch?v=WsiIPY_vzFU También se ha incluido en películas como “Todos dicen I Love You“ de Woody Allen de 1996 en una bonita escena de baile de Eduard Norton y Natasha Lyonne siguiendo el estilo clásico de los musicales de Hollywood. GEORGE MICHAEL: https://www.youtube.com/watch?v=Vjp3Wu4qny0 Nina nació el 21 de febrero de 1933 en Tyron, Carolina del Norte, como Eunice Katheen Waymon y conocida como “La Alta Sacerdotisa Del Soul”.. Ella, como otras estrellas de la canción, empezó cantando y tocando el piano en la iglesia metodista de Carolina del Norte y junto a su madre recorría todo el condado. Ella, Mary Kate, era una piadosa y reconocida predicadora metodista y ama de llaves. Su padre John Divine Waymon era un artista reconvertido en empresario. Fue gracias a la familia Miller, donde trabajaba su madre como ama de llaves a finales de los años 30, que pagarían las clases de piano y a la señora Mazzy, su profesora de piano, que hizo una colecta por su ciudad en lo que hoy llamaríamos un Crowdfunding. Fue como la pequeña obtuvo el dinero para sus estudios de secundaria y piano. Se trasladaron a Filadelfia para que pudiera ingresar en el prestigioso “Curtis Institute Of Music” pero fue rechazada por puro racismo… “Nunca me pude recuperar de aquello”, dijo Nina en alguna ocasión. SOPHIE MILMAN: https://www.youtube.com/watch?v=pqLa6u6_TBo Tras una época de desaliento, en los 50 comenzó a trabajar acompañando a su profesora de piano y a los con los que tocaba clásicos de jazz y del momento. También empezó a tocar el piano en locales de Atlantic City, como no quería que su madre viera su nombre en los carteles, se puso de nombre artístico NINA por un novio latino que tuvo que la llamaba niña, y SIMONE por SIMONE SIGNORET, actriz francesa a la que admiraba. Y así comenzó a tocar el piano. La primera noche tras 7 horas de recital-actuación, el dueño le preguntó porqué no cantaba y ella contestó que era pianista, no cantante y él le dijo “mañana serás cantante o no vuelvas“ y así comenzó a cantar y a tocar el piano. MICHAEL BUBLÉ: https://www.youtube.com/watch?v=KgmFXye1FLc Fue Sid Nathan quién viendo el talento de aquella pianista le ofreció su primer contrato discográfico en 1958. Grabó durante 14 horas temas de jazz, góspel y varias canciones propias que arregló sobre la marcha y este le pidió que añadiera algo más animado para el final y ella eligió «My Baby Just Care For Me». Este primer disco se llamó «Little Baby Blue» y aunque pasó sin pena ni gloria, la hizo despuntar como cantante entre el jazz, el soul, el pop. Le dió un nombre, una reputación y bastante trabajo en los 60 y los 70. En el 61 se casa con Andy Stroud, quien se convertiría en su manager y que la explotó y la maltrató. En él tuvo a su única hija. En los 80 ya era una vieja gloria en algún cartel de jazz, hasta que 1987 llegaron noticias del triunfo de esta canción en Europa. Ella llamó a su representante y comprobó que no tenía derecho a un solo céntimo de los royalties después de 30 años. Nina reconoció que allá por 1958, y tras 14 horas de grabación, Nathan le dio a firmar unos papeles y lo hizo sin leerlo. Había renunciado a prácticamente todo lo generaron sus grabaciones. Llegó a grabar unos 50 discos. NATALIE COLE: https://www.youtube.com/watch?v=bVQjEWHW1_0 Con una vida marcada por el racismo, la explotación musical y el maltrato, Nina a partir de los 60 se involucró mucho en el movimiento por los derechos civiles. Fue una gran activista de los derechos de las mujeres afroamericanas grabando algunas canciones de carácter político y de injusticia social. NINA SIMONE - MY BABY JUST CARES FOR ME: https://www.youtube.com/watch?v=3ZS7iKdRo5Q Decepcionada por los políticos de su país del momento y tras la muerte de Martin Luther King vivió en diferentes países, estableciéndose definitivamente en el sur de Francia, donde moriría de cáncer de mama el 21 de abril de 2003. Dos días antes de su muerte, el 19 de Abril, le fue concedido el diploma Honorio en el “Curtis Institute Of Music” de Filadelfia, el instituto que la rechazó por ser negra. ¿Creéis que lo hubiera recibido? Ahí lo dejo… yo pienso que no… ¡Aparcao! He dicho.

Hola, les habla Pedro A. Luis en un episodio más de Explorando Versiones. THE BEATLES - WHILE MY GUITAR GENTLY WEEPS: https://www.youtube.com/watch?v=rp7dMLeSTT0 Iniciaremos el programa con una frase que extraje de la canción que va a ser objeto de este episodio. Se llama así “I'm sitting here doing nothing but aging”, que significa “Mientras estoy sentado aquí, haciendo nada más que envejecer”. Es como que va pasando el tiempo sin poder hacer algo significativo. sentimiento común en momentos de introspección o desilusión, cuando las personas sienten que sus vidas se están desperdiciando o que no están alcanzando su pleno potencial. While My Guitar Gently Weeps, a mi juicio toda una obra de arte musical y casi celestial, es una de las composiciones más hermosas que he oído a lo largo de mis 61 años de vida. Mientras las luchas por los derechos civiles, la igualdad racial y la oposición a la explotación laboral, ocurrían con rotunda fuerza, George Harrison nos entregaba esta excepcional canción. George, lanza al mundo esta hermosa pieza musical llena de arte en el año 1968 como parte del Álbum Blanco (The White Album) de los BEATLES. Esta joya musical destaca y atrapa la atención colectiva de inmediato por su profundidad lírica como por su melodía eternamente conmovedora, constituyéndose así en una inigualable irreverente referencia histórica universal. Harrison, inspirado por el concepto oriental de interconexión, sobre el impacto del azar en las cosas cotidianas, lo llevó a escribir y a componer esta pieza musical que reflexiona sobre la falta de amor y de conexión en el mundo, utilizando la guitarra como una metáfora emocional. Para los Beatles no era habitual incorporar músicos externos en sus grabaciones, sin embargo sin lugar a dudas fue una tenaz y gran decisión de Harrison, convenciendo a Clapton para que colaborara, lo que añadió una capa emotiva y distintiva a la pieza. Musicalmente, combina elementos del rock, blues y psicodelia, destacando tanto la expresividad de la guitarra como la sensibilidad de las letras. Es una obra que ha trascendido generaciones, consolidándose como un himno atemporal de extraordinaria belleza. PRINCE, TOM PETTY, JEFF LYNNE AND STEVE WINWOOD: https://www.youtube.com/watch?v=dWRCooFKk3c La primera de las versiones que escucharemos pertenece a Prince Rogers Nelson, mejor conocido como Prince. Con una actuación magistral de su carrera durante la ceremonia del Salón de la Fama del Rock & Roll en 2004, interpretando "While My Guitar Gently Weeps". Acompañado por Tom Petty, Jeff Lynne, Steve Winwood y Dhani Harrison, transformó un homenaje que se le hacía a George Harrison en un espectáculo legendario. Los ensayos estuvieron marcados por tensiones y problemas de coordinación. Jeff Lynne, quien reprodujo traste por traste el solo de guitarra de Clapton, no permitió la entrada a Prince a la pieza musical, quien pacientemente se mantuvo al margen, hasta que el productor por fin logró un entendimiento entre los músicos. Particularmente respecto al protagonismo de Prince en el acto final. Sin embargo, el resultado fue un momento maravilloso, sublime y por demás épico. Destilando muchísima emoción, deslumbrando al público con su energía única y enorme talento y reafirmando su estatus como maestro de la música y del escenario. Esta descarga eléctrica, como se decía en mi época refiriéndome al solo de guitarra, lo describo como uno de los mejores de todos los tiempos, también simbolizó las luchas culturales y raciales dentro del rock. Prince brilló entre los demás músicos, Tom Petty y Harrison hijo quedaron maravillados dejando claro que el momento no solo fue un tributo a Harrison, sino una afirmación de su propio lugar en la historia de la música. CARLOS SANTANA: https://www.youtube.com/watch?v=L-5M1_DKvb0 La segunda de las versiones de la obra de arte de Harrison es de Carlos Santana, a quien he escuchado desde muy joven. Como un inciso anecdótico, los temas de Europa y Samba pa tí, clásicos inmortales de Santana que mi madre no dejaba de reproducir con bastante frecuencia. Recuerdo que ella tenía la costumbre de repetir una y otra vez la canción de su agrado, hasta que al final terminaba grabado en mi muy joven disco duro. Les puedo asegurar que no se me olvidarán jamás, ni las canciones, ni aquellos momentos!. No se imaginan lo mucho que disfruté de los comentarios hechos de los grandes conciertos que dio Carlos Santana en Maracaibo, Valencia y Caracas por allá en 1973. Entre porros, ácidos y anis "el mono”se construyeron historias de todo tipo, lo que sí es cierto fue el lamentable fallecimiento de dos jóvenes, uno de ellos se lanzó al vacío muriendo de manera instantánea y el otro murió por aplastamiento. Estos conciertos marcaron un hito en el rock venezolano. Es decir, un antes y un después. En fin aunque me salí un poco del tema, al fin de cuentas son historias que me encanta compartirlas y relatárlaselas a ustedes. Volviendo con la conversación, este grande del rock, nació Tijuana (Mexico), reimaginó "While My Guitar Gently Weeps" en su álbum "Guitar Heaven: The Greatest Guitar Classics of All Time" editado y lanzado a mercado en el año 2010, acompañado por dos artistas de gran calibre, a quien desconocía hasta el día de hoy, como es India Arie, cantante afroamericana, compositora y guitarrista, y Yo-Yo Ma, chelista Franco Americano de origen chino. India aportó una interpretación vocal conmovedora y llena de soul, mientras que Yo-Yo Ma añadió un toque clásico con su chelo. Santana, con su muy particular estilo fusionó el blues y rock con influencias latinas, creando una versión profundamente expresiva, ofreciendo un homenaje especial al legado de George Harrison. GEORGE HARRISON: https://www.youtube.com/watch?v=RdgXJ0jQtVw Y con esta última versión cerramos nuestro capítulo de hoy. Espero que lo hayan disfrutado tanto como yo. Gracias por su compañía y atención. Me despido de todas y todos ustedes, su servidor, Pedro A. Luis. ¡Hasta la próxima!

¡Hola amigos! Soy Francisco, y hoy en Explorando Versiones hablaremos de Siniestro Total, una de las bandas que marcó mi juventud y la de toda una generación y de su canción "Ayatollah". La primera que les hizo famosos a nivel nacional. ST: AYATOLLAH (MAQUETA): https://www.youtube.com/watch?v=NTICW_V62HA Y es que este tema les hizo dar el gran, gracias, en parte, al icónico programa de radio “Esto no es Hawai” que presentaba Jesús Ordovás en Radio 3. Por aquel entonces Julián Hernandez, creador de la canción, estudiaba en Madrid y contactó con Jesús para hacerle llegar esta maqueta para que la pusiera en el programa, y cuando Jesús la escuchó, ¡quedó tan impactado que no dejó de ponerla una y otra vez! Tal fue el impacto que el programa confeccionaba una lista de canciones que votaban los propios oyentes y «Ayatolah!» se alzó al número uno rápidamente. ST: AYATOLLAH (AYUDANDO A LOS ENFERMOS): https://www.youtube.com/watch?v=FuCHOVBunVw Pero, antes de entrar de lleno en la canción, un poco de contexto. Siniestro Total es un grupo gallego se formó en Vigo en 1981, en pleno auge de la denominada Movida Viguesa. La primera formación de la banda estaba compuesta por Germán Coppini, Miguel Costas, Alberto Torrado y Julián Hernández. Con esta alineación, lanzaron su primer EP llamado “Ayudando a los enfermos” en el que se incluye esta primera versión de Ayatollah. Vamos a la letra. A simple vista, "Ayatollah" puede parecer absurda, pero es la perfecta muestra del estilo irreverente del grupo usando mucha retranca y sorna gallega. Estamos en los años 80 y el Ayatolá Jomeini estaba en todos los titulares internacionales tras la revolución iraní. Éste había protagonizado una revolución que le llevaría al poder aupado por una población que había estado sometida a la tiranía de la monarquía del Sha de Persia Mohammad Reza Pahlevi. Pronto se convertiría en una nueva tiranía teocrática y fundamentalista de corte islámico con imágenes duras de gente colgada de los pies o con las manos cortadas. En el estribillo, "Ayatollah, no me toques la pirola", al igual que en la canción de Elvis y sus zapatos de gamuza azul, el protagonista de la canción pide que le pueden hacer cualquier cosa menos tocarle la pirola. Esta mezcla entre lo infantil y lo polémico era un sello distintivo del grupo, haciendo que lo que podría haber sido una crítica política pesada se transformara en algo ligero y memorable. Y en lugar de abordar este tema con solemnidad, Siniestro Total hizo todo lo contrario: usaron el humor más corrosivo y absurdo para denunciar tales abusos. Musicalmente, el tema es puro punk: directo, sencillo y con mucha actitud. Aunque la banda en ese momento no destacaba por su virtuosismo instrumental y pelo lo compensaban con una gran energía y desparpajo. ST: AYATOLLAH (¿CUANDO SE COME AQUÍ?): https://www.youtube.com/watch?v=wKartIt095E En este viaje por las versiones de Ayatollah empezaremos por la versión incluida en el primer álbum de larga duración de la banda llamado ¿Cuando se come aquí? grabado en octubre de 1982. En la portada de este disco aparecen los 4 siniestros originales caricaturizados como los hermanos Dalton (de los comics de Lucky Luke). Este fantástico dibujo es obra de Óscar Mariné sobre una idea del propio grupo y de Pepo Fuentes (amigo de Julián y road mánager del grupo). El título del disco también fue sacado del famoso cómic creado por Morris: se comenta que tras pasar tres días grabando el disco encerrados sin comer nada y muy lejos del bar más cercano, Pepo Fuentes recordó el cómic donde aparece Averell Dalton diciendo eso de "¿Cuándo se come aquí?" ST: AYATOLLAH Nº9 (MENOS MAL QUE NOS QUEDA PORTUGAL): https://www.youtube.com/watch?v=HoJL-7nXhSU La siguiente versión se llama “Ayatollah Number 9” y aparece como bonus track del tercer disco de estudio titulado “Menos mal que nos queda Portugal” publicado en 1984 y como cara B del single “Si yo canto” publicado un año más tarde, en 1985. Esta versión es más sosegada, cantada con desgana y con una instrumentación más acústica y en la que destaca el acompañamiento de percusión. ST: AYATOLLAH (ANTE TODO MUCHA CALMA): https://www.youtube.com/watch?v=UKyJiethQaE En el año 1992, en su auge de popularidad, el grupo publica el doble álbum en directo titulado Ante Todo: Mucha Calma, y en el que para mí es el mejor disco de la banda, en el que aparece la versión que está sonando. Con un ritmo más rockero, esta versión destaca por los riff de guitarra de Javier Soto y la personalidad que le da Julian Hernandez y Miguel Costas cantando a dúo este tema. NINGOONIES + GERMAN COPPINI: https://www.youtube.com/watch?v=p_qLRIalDVM Pero hay más vida ahí afuera aparte de las propias versiones de Siniestro Total y en este repaso nos tenemos que detener en la versión que hicieron en junio de 2013 el grupo Ningoonies junto a Germán Coppini en el que interpretaron en directo esta versión con motivo del treinta aniversario de la publicación del álbum ¿Cuándo se come aquí?, el primer álbum de estudio de Siniestro Total. La colaboración de Germán junto a Ningoonies añadió un toque muy particular, ya que Coppini, como uno de los miembros fundadores, aportó una carga nostálgica y emocional a la ocasión, más si cabe con el fallecimiento meses después del propio German Coppini por una enfermedad hepática. LAGARTIJA NICK + JOSE MAROTO: https://www.youtube.com/watch?v=R71knmbEuMo Tras el fallecimiento de Germán Coppini en diciembre de 2013, su influencia y legado fueron reconocidos por varias bandas. Tanto es así que en abril de 2014, el grupo granadino Lagartija Nick, junto con José Maroto (ex-KGB), le rindieron un sentido homenaje interpretando “Ayatollah” en un concierto especial en la sala El Tren de Granada. Esta versión, con el estilo rock experimental de Lagartija Nick, añadió una identidad única al tema, destacando la fuerza emocional de la letra. La colaboración aportó un enfoque nostálgico y, a la vez, potente, con un sonido crudo y directo que capturaba perfectamente el espíritu de Coppini y el impacto que dejó en la música española. ILEGALES: https://www.youtube.com/watch?v=nl-A0d8WXpQ Nos tenemos que poner en pie ante esta versión de los Ilegales que grabaron para el disco “Sótano Total”, publicado en noviembre de 2022 y hacen un homenaje a Siniestro Total impulsado por el programa El Sótano de Radio 3 ya que esta interpretación va más allá de una simple adaptación. En esta versión, el grupo asturiano logra darle su propio sello. La música incorpora reminiscencias árabes que aportan un aire exótico y misterioso, mientras que la voz inconfundible de Jorge Ilegal aporta una nueva profundidad y gravedad, logrando que la canción adquiera una dimensión única y oscura. ANARQUÍA TROPICAL: https://www.youtube.com/watch?v=ZcB9SB6su08 Y como en este mundo tiene que haber de tó, en junio de 2024 se publica esta adaptación tropical de Ayatollah en un canal de youtube llamado “Anarquía Tropical”. Bajo el nombre de “Anarquía Tropical Vol 2” encontramos este tema salsero que lejos de perder la esencia punk, la lleva a un terreno inesperado, lleno de ritmos latinos y percusiones tropicales. En esta interpretación, los compases rápidos y enérgicos de Ayatollah se fusionan con la cadencia y el sabor caribeño, logrando que la crítica y el humor de la letra adquieran un tono juguetón, casi festivo. DEF CON DOS: https://www.youtube.com/watch?v=cl4HvRZozA0 La versión más reciente es la que ha lanzado el grupo Def con Dos en octubre de 2024 en la que se aporta un giro fresco y potente al clásico de Siniestro Total. Def Con Dos ha modernizado el tema, integrando su característico estilo de rap metal con una mayor carga de guitarras y una base rítmica más intensa. Esta versión no solo rinde homenaje a la original, sino que también la revitaliza para un público nuevo, introduciendo un sonido más agresivo y contemporáneo, fiel a la identidad de la banda. SINIESTRO TOTAL (40 AÑOS SIN PISAR LA AUDIENCIA NACIONAL): https://www.youtube.com/watch?v=DB435_hFGnw Para rematar este viaje por la canción de Ayatollah os dejo esta versión. Esta es la última vez que Siniestro Total ha tocado el tema y fue en su concierto de despedida de los escenarios en el concierto “40 Años Sin Pisar La Audiencia Nacional”, celebrado los días 6 y 7 de mayo de 2022. Para esa ocasión se volvieron a reunir todos los músicos que han pasado por la banda en esos 40 años de trayectoria. CONCLUSIÓN: Y aunque hoy día Siniestro Total ya no está en los escenarios, su legado sigue vivo y es tan relevante como en aquellos primeros años. A través de Ayatollah, esta canción que a priori parecía una broma punk de corta duración, el grupo logró condensar la ironía y el humor corrosivo que los caracterizaban, y ofreció una forma distinta de hacer crítica social y política. Al fin y al cabo Ayatollah se ha convertido en un tema que desafía el paso del tiempo, logrando que, 40 años después, siga siendo igual de provocador y relevante. Así que, ya sabéis, 'no me toquéis la pirola'... ¡y tampoco os perdáis el próximo episodio de Explorando Versiones! Nos vemos pronto.

Hola, aquí José Carlos, de los Bar-Kings. SLIM HARPO - I'VE GOT LOVE IF YOU WANT IT: https://www.youtube.com/watch?v=fXLhbwSHK30 Ni en sueños se podía imaginar el amigo James Moore, más conocido como Slim Harpo, que la cara B de su primer single, grabado años atrás en un destartalado estudio de los pantanos de Luisiana, iba a ser todo un éxito siete años después en la pista del Scene Club, un garito subterráneo de Londres donde un DJ llamado Guy Stevens parece que lo pinchaba anoche sí y noche también. THE YARDBIRDS - I GOT LOVE IF YOU WANT IT: https://www.youtube.com/watch?v=Ufia9nPmppo Entre los asiduos al Scene estaban los Yardbirds que hicieron una tremenda versión de este tema en su primer LP grabado en directo en el Marquee, aunque no es la que he escogido, sino otra adaptación un tanto más particular grabada casi al mismo tiempo. THE HIGH NUMBERS - I'M THE FACE: https://www.youtube.com/watch?v=bW9j_-zm_80 Como es natural, el disco original de Slim Harpo en una pieza imposible de encontrar en Londres por aquel entonces, pero un chico que andaba siempre merodeando por el Scene llamado Peter Meaden consiguió que Guy Stevens le prestara su copia. Este chaval, con todo el morro, le cambió la letra a su antojo. La llamó I’m the face, se atribuyó la autoría y le pasó el disco a un grupo a los que estaban intentando representar por aquellos días y que había bautizado como de The High Numbers. Los High Numbers la grabaron, recibieron su paga en anfetaminas, el disco se editó sin ninguna repercusión y poco más. Así que los chavales dejaron a Meaden, se fueron con otros managers, se cambiaron el nombre a The Who y el resto es historia. CONCLUSIONES: Como no, le tengo que dedicar este tema con todo mi cariño al Slim Harpo de Torreblanca, al face de la Caverna: el imprescindible Ción Cabana. Va por ti maestro.