Explorando Versiones

Kia ora (hola en maorí) amigos, y bienvenidos a una nueva edición de Explorando Versiones. Yo soy Jesus, batería de “Friki Martin” y de “Traficante” y ex batería de “Los Fraguels” (gran grupo y mejores personas). En el programa de hoy, la versión a analizar será: Tequila. THE CHAMPS: https://www.youtube.com/watch?v=q3sJVbHlcdQ El tema fue grabado originalmente por el grupo “The Champs” como cara B de su primer single, en enero del 58. El single no tuvo mucho éxito pero la cara B... ¡esa cara B explotó! El compositor del tema y componente de the champs, Danny Flores era un multi instrumentista y músico de estudio que tuvo que cambiarse el nombre a Chuck del Río ya que tenía contrato discográfico con una compañía diferente. El tema original es instrumental, con la palabra tequila cantada por el propio Chuck tres veces. Pero ya veremos que esta no es la única manera de interpretar esta canción, ni mucho menos. THE CHAMPS EN EL SHOW DE ED SULLIVAN https://www.youtube.com/watch?v=MJtzD-eQMWA Así suena la versión original tocada en directo por “The champs” en el famoso programa de televisión Ed Sullivan y os recomiendo que veáis el vídeo de la actuación cuando podáis porque tiene una coreografía impresionante. La canción tequila tiene más de a00 grabaciones registradas, y al igual que sucede con la bebida, estas versiones van desde lo muy cutre, hasta lo muy glamuroso. Van desde el chupito de tequila que te tomas en el cutre bar a las 3 de la mañana antes de vomitar por fin todo lo que te has metido desde que saliste a las 8, hasta el tequila reposado que te tomas con el pañuelo al cuello mientras ves zarpar el yate de tu amigo Jacobo desde la terraza del club náutico. O lo que es lo mismo, desde el punk más sucio o el ska más sudoroso, hasta refinadas versiones con orquesta y coros de senoritas de color. LENNINGRAD COWBOYS: https://www.youtube.com/watch?v=YFMSKw2vDtI Comencemos por esta versión de Lenningrad cowboys del año 89. Aquí se canta y se dice tequila, pero ojo a la pronunciación en finlandés (¿o es finés?). HENRY MANCINI: https://www.youtube.com/watch?v=Ywywl0TxJFQ Cambiamos el paso por completo y vamos a escuchar la versión de Henry Mancini del año 61. Aquí ni siquiera se canta nada, pero podemos imaginarnos perfectamente esta canción sonando en una fiesta privada en una casa de lujo y con Peter Sellers de invitado sorpresa. CORN HEAD: https://www.youtube.com/watch?v=b-NNYM04Xxg Y ahora pasamos de no cantar la palabra tequila, a cantar, y mucho… Y en Japonés. Aquí tenemos al amigo Corn Head, o en andalú, “cabesa de maís” y su regueton en japones del año 2000. Ahí lo tenéis: Tequila en japonés. ANSAMBL ISKRE: https://www.youtube.com/watch?v=HkOVexNeH2I La siguiente versión es mi favorita, sin duda. El grupo yugoslavo “Ansambl Iskre” del año 65. Aquí tampoco se canta la palabra tequila, pero no importa, hay risas, y hay una percusión que ya quisieran muchos grupos de rock occidentales. LOS BITCHOS: https://www.youtube.com/watch?v=nqIsrap4Xdg La siguiente versión es muy muy reciente, del año pasado, del grupo indie inglés Los Bitchos. Cantan algunos temas en español y aquí cantan… Tequila. AZUCAR MORENO: https://www.youtube.com/watch?v=WAWvqBpnm4Y Y después de haber viajado por Estados Unidos, Finlandia, Yugoslavia, Japón e Inglaterra, no me puedo despedir sin poner algo de la tierra. Como pasa con otros licores, el tequila también se puede hacer y cantar en España. Quizá no sea la mejor versión pero si al tequila le ponemos azúcar, Encarni y Toni lo dan todo. Gracias y un abrazo.

Hola soy José Miguel Carrasco, el plumilla del Diario de Sevilla que ya anduvo por aquí con una canción de las "Three Degrees". ROBERTA FLACK: https://www.youtube.com/watch?v=uSrKff0w6CU Y hoy vuelvo con otro gran clasicazo con el que seguramente os vais a llevar alguna que otra sorpresa. Os hablo de "The First Time Ever I Saw Your Face". Esa "primera vez que vi tu cara" que tantas veces le habréis escuchado a Roberta Flack. Os tengo que poner en situación con una historia de amor. Charles Parker era un extravagante excomandante de un submarino durante la Segunda Guerra Mundial convertido ahora en productor de la BBC y se puso en contacto con un actor radical, un compositor y cantante, Ewan McColl y con Peggy Seeger, una joven americana que tocaba el baño con Ewan en sus viajes a través de Europa. Llamó a los dos para que colaborasen en un documental radiofónico. Ewan escribió y adaptó canciones conmovedoras para ese documental y Peggy Seeger hacía los arreglos de las canciones y Charles Parker lo hilvanó todo de manera laboriosa mezclando la potente música que hacían estos dos. Así estuvieron durante seis años y claro, pasó lo que tenía que pasar. Ewan McColl, que ya estaba casado, terminó por enamorarse de Peggy Seger, aunque era veinte años mayor que ella y la dejó embarazada. Charles Parker, que era un señor de orden, no aprobaba esa relación y así se lo hacía saber a ambos, sobre todo a ella, a Peggy. Pero es que a la vez que a Peggy, Ewan McColl también dejó embarazada a su mujer, Joan Littlewood. La hija que tuvieron era Kirsty, que seguro que os suena también de haber habido muchas veces, Kirsty MacColl (la que cantó el Fairytale of New York con Shane MacGowan y The Pogues). Bueno que los problemas conyugales de Ewan McColl pues eran agobiantes pero no resultaron ser los peores. Resulta que Peggy se encontró con el problema añadido de que estaba trabajando en Inglaterra sin permiso de trabajo, y cuando la descubrieron pasó una noche en un calabozo de una comisaría y a la mañana siguiente la deportaron a París. Sin ese permiso de trabajo la BBC no podía hacerle un contrato a Peggy y como no tenía contrato pues el gobierno no le daba permiso de trabajo. En fin, la típica pescadilla que se muerde la cola, y que en realidad tenía su origen en los archivos de la CIA ya que tanto a Peggy como Ewan los tenía fichados en la lista negra de comunistas. En este caso con razón, porque en realidad ellos dos eran comunistas y lo demostraron palpablemente porque estuvieron actuando en Moscú y en Pekín desoyendo el aviso del gobierno americano y eso fue antes de empezar con este trabajo en Inglaterra. Peggy y Ewan eran un equipo. Sin Peggy, Ewan decía que tampoco participaba en los programas y aquí viene otro rocambolesco giro de la historia. No fue necesario que el gobierno inglés finalmente le hiciese a Peggy un permiso de trabajo porque Ewan quería a Peggy a su lado por encima de todas las cosas, y lo que hizo fue convencer y enviar a Alex Campbell, un cantante de folk escocés amigo suyo, a París para que se casase en un matrimonio de conveniencia con Peggy y así ella podía volver a Gran Bretaña con los papeles perfectamente en reglas. Obviamente se separaron poco después. PEGGY SEEGER: https://www.youtube.com/watch?v=VP8qXnnn4tc Por fin Ewan McColl se separó también de su esposa para casarse con Peggy Seeger, con la que tuvo una larga vida personal y profesional. Y del amor que Ewan profesaba por ella, nos queda como testigo esta, una de las canciones más maravillosas de la historia “The First Time Ever I Saw Your Face” (la primera vez que vi tu cara) que sin duda conoces como dije al principio por la interpretación que hizo de ella Roberta Flack e incluso por otra magistral interpretación que hizo después Johnny Cash, pero seguro que nunca has oído la versión original en la propia voz de la chica para la que Ewan compuso la canción Peggy Seeger. JOHNNY CASH: https://www.youtube.com/watch?v=Bi3wCeHPbQI Oye y aunque no sea relevante en nuestra historia, seguro que os habéis estado preguntando todo el rato si esta Peggy Seeger tiene algo que ver con el famosísimo cantante Pete Seeger. Pues en realidad sí. Los dos eran hijos del mismo padre, Charles Seeger, que tuvo tres hijos con su primera esposa, Constance, de los que el más pequeño era Pete Seeger y después se volvió a casar con Ruth Crawford con la que tuvo tres hijos más y Peggy Seeger fue la segunda hija de ese nuevo matrimonio, por lo tanto Peggy Seeger y Pete Seeger eran hermanastros. La versión de Roberta Flack fue bastante casual, porque la grabó llena de dudas ya que a ella le parecía una canción muy lenta y que no iba con ella. Y en realidad la hizo porque fue un encargo de Clint Eastwood para la película “Escalofrío en la noche”. Y menos mal que lo hizo, porque así conocimos todos una canción que fue un puntazo tal que seguro seguro que todos nos hemos sentido identificados con ella: La primera vez que vi tu cara pensé que el sol salía en tus ojos la primera vez que besé tu boca sentí tu corazón latir junto al mío, la primera vez que me acosté contigo supe que nuestra alegría llenaría el mundo Como dato curioso os puedo decir que el propio Ewan McColl, el autor de la canción, no ocultó nunca el hecho de que no le gustaban prácticamente ninguna de las versiones de la canción. Se refería a ellas llamando colectivamente a todas las versiones como “la cámara de los horrores” ELVIS PRESLEY: https://www.youtube.com/watch?v=oZ3tYI5csBc Y la verdad es que no le falta razón porque muchas de las versiones tenían telita incluyendo la que Elvis Presley solía hacer en directo en sus últimos años. Pero bueno yo de esa cámara de los horrores sacarías sin duda ninguna la versión de Johnny Cash. CONCLUSIONES Y esto ha sido todo por hoy, supongo que volveré por aquí en algún otro momento. Que hasta entonces lo paséis bien. Adiós.

Hola soy Sergio Serrato y hoy vengo a explorando versiones para sumergiros en una canción de la Creedence Clearwater Revival, vamos a hablar de Bad Moon Rising CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL - BAD MOON RISING: https://youtu.be/zUQiUFZ5RDw?si=s90IkoC4jl-7wPQL Corría 1969 cuando la banda liderada por Jhon Fogerthy publicaba su tercer disco dos años titulado Green River. El tema Bad Moon Rising es lanzado como sencillo de este disco y es tal el impacto causado que va directo al número 2 de la lista Billboard y al 1 de la UK singels chart . Compuesta completamente por Jhon Fogerthy es un rock and roll alegre con guiños countrys lo que hace un fuerte contraste con una letra melancólica y triste que parece anunciar un Apocalipsis cercano. En definitiva una canción que habla del fin del mundo como indicó el propio Fogerthy en una entrevista a la revista Rolling Stones. Es posiblemente una de las canciones más versionadas de la Creedence aunque hoy os traigo algunas de las que a mí parecer son más destacadas. BO DIDDLEY: https://youtu.be/ZtvNmrhkh9c?si=JU6KAqS6MWiwUArl Solo dos años después de su lanzamiento, en 1971 el gurú que guío la transición entre el blues y el rock and Roll Bob Diddley sacaba esta versión en su disco “Another Dimension”. JERRY LEE LEWIS: https://youtu.be/-WTrIP1Bj0o?si=KGKHzlceQ3zuSWGT En el 73 uno de los pioneros del Rock and Roll The Killer Jerry lee Lewis hizo esta versión bastante country y casi rozando el Blue grass LARRY MORRIS: https://youtu.be/obS-GqdbP5s?si=ECO3RjChfm-LXfhC Larry Morris fue un músico neozelandés líder de la banda Larry’s Rebels que evolucionó del Rock al Beat teniendo como espejo al quinteto de Liverpool…también nos dejaron esta versión HEART ANN WILSON: https://youtu.be/kdF_vKsj5bE?si=aABX_H8ajmjsgLq4 Voy a dar un salto en el tiempo, en 2007 la cantante de la banda Heart Ann Wilson público está versión en su disco Hope & Glory NIRVANA: https://youtu.be/LaVVQOcwJ9o?si=-35IjL_IrKWDJKEW En los incipientes inicios en directo de Nirvana tocaban canciones versionadas y Bad Moon Rissing fue una de sus favoritas, esta es una grabación de Marzo de 1988 en una actuación en Tacoma LAGWAGON: https://youtu.be/2a22lE-hwu8?si=ncG8QJrBla7MoMK1 Pero también hay versiones muy diferente como la del grupo californiano de Punk Lagwagon que sacaron está versión algo más acelerada STAGE FRITE: https://youtu.be/dL-H0qZB1hg?si=emH9Bk9Ja-bX5YAo A finales de los 80, más concretamente en 1989 nació esta divertida versión de la mano del grupo de Psichobilly canadiense Stage Frite OZOMATLI: https://youtu.be/rML9wyzy4Vs?si=GeJVhn_i_lsuB-Yl Pero otros géneros más lejanos al Rock también sintieron la necesidad de versionar este clásico y existe un disco de covers donde está por ejemplo está versión digamos Reggae Rap de Ozomatli HAYSEED DIXIE: https://youtu.be/yIZhDupX0sc?si=4RlHIg0kize60_7B Peto vaquero, pies descalzos y una gorra de Jhon Dere mientras tocan el banjo….está puede ser la imagen que acompañe a esta versión del grupo estadounidense de Blue grass Hayseed Dixie HINCHAS ARGENTINOS EN BRASIL: https://www.youtube.com/watch?v=QOFTnepHofM Hay cientos de intentos de versión pero esto no es explorando perversiones…. Eso sí por último la más friki o extraña la entona la afición de Argentina contra la brasileña en los partidos de la albiceleste donde se mofan de la afición de Brasil, nació de manera oportunista tras la derrota de la canarinha contra Alemania en el mundial donde eran anfitriones… Papá decime qué se siente… CONCLUSIONES La Creedence Clearwater Revival es una banda que marcó el rock su tiempo y a sus coetáneos pero a su vez tiene una enorme vigencia e influencia en el presente del género. Bad Moon Rissing es tan solo una gota de agua en el océano creativo de Fogerthy pero amigo …. Que goterón.

"Hotel California” casi no necesita presentación. Es la canción más conocida de la banda estadounidense, Eagles. Incluida en el álbum homónimo de 1976, fue compuesta por Don Felder (música), Don Henley y Glenn Frey (letras). EAGLES - HOTEL CALIFORNIA: https://youtu.be/BciS5krYL80 Lanzada como sencillo en 1977, se mantuvo número uno del Billboard top 100 Estadounidense durante una semana. A los tres meses, se convirtió en disco de oro al llevar vendidas 1.000.000 de copias. Y ganó el Grammy en 1978. 41 años después, en 2009, se convirtió en platino, tras la venta de 1.000.000 de copias por descargas digitales. En 2017, se estimó que las ventas de la cancion superaba los 150 millones de copias. *Es tan popular, que un estudio realizado por emisoras de radio de E.E.U.U. Concluye que cada 11 minutos, un Estadounidense oye Hotel Califonia. La revista Rolling Stone la sitúa en el 49 puesto de las 500 mejores canciones de todos los tiempos. Sus solos de guitarra incluyendo los armonizados, ocupan el 8° puesto en la lista de los 100 mejores, en una encuesta realizada por la revista. *Te ponen los pelos de punta. EAGLES - HOTEL CALIFORNIA LIVE' 1977 https://youtu.be/09839DpTctU?si=MrQBvMrMdyWCMW3U Solo existe una versión tan popular como la original. Es la de los propios Egles en vivo en 1977 en "Capital centre largo Arena" Maryland U.S.A. ya que fue esa la actuación que se utilizo como videoclip para promocionar la canción. Es tan popular que es la version elegida por la productora de videojuegos "Activision"para sonar como pista jugable, en Guitar Hero World tour. ¡Y vaya si es jugable!, ¡La hostia de jugable! Yo mismo le he echado horas como para haberme sacado una carrera de ciencias puras. Hotel California fue blanco de teorías y rumores dignos de gorrito de papel de plata en la cabeza. Con el tiempo lo desmintiendo todo. Don Henley afirmó que la letra va de la experiencia de la pérdida de la inocencia en la vida. Y sobre la inspiración de Don Felder, ahora os enseño de donde le vino. JETHRO TULL - WE USED TO KNOW: https://youtu.be/oGvux7w1Ea4?si=7FCljWk7IVlJoBED Ahora vais a entender a qué me refería… Esta canción que suena se llama We used to Know, de la banda británica de Rock Folk progresivo Jethro tull. ¿No se nos hace familiar? El tema compuesto en por el lider, guitarrista, cantante y virtuoso de la flauta travesera "Ian Anderson" en 1969 (7 años antes que Hotel California) era una canción fija en sus giras compartidas con Eagles a principios de los 70's... veis por donde voy? La banda británica nunca pensó en demandar. Cuando le preguntaron por qué no existe demanda por plagio, El bueno de "Ian" responde: "No nos relacionabamos mucho en las giras, ellos hacían Rock suave y eran educados. Y creían que éramos unos ingleses chiflados que hacían música rara. ¡Pero no es razón para demandarlos! Supongo que habían disfrutado tantas veces la canción en las giras... que su subconsciente les obligó a meter nuestra secuencia de acordes en otro "tempo", para hacernos un homenaje. ¡Sólo puedo darles las gracias!... Ian Anderson, inglés chiflado. Y por cosas como esta, porque el Rock va de empaparse de influencias, hacerlas tuyas y transmitirlas a otras generaciones, por eso mismo, sabemos que el Rock, nunca jamás morirá. Larga vida al Rock n' Roll. GIPSY KINGS: https://youtu.be/3l436MSlivQ?si=xXfV1smLcgJiqWJP En 1999 el grupo hispano francés de rumba catalana Gipsy Kings, versionó la canción en su disco Volare: The Very Best of the Gipsy Kings Esta versión fue incluida en la banda sonora de la película de culto de los Hermanos Cohen: El gran Lebowski (1999). Vendió 1.000.000 de copias. Un éxito! Para una banda sonora no original. La versión de Gipsy Kings aparece en la escena donde "Jesús Quintero" un chulo de bolera, con el equipamiento más puntero para bolos, combinado con el gusto más chabacano en accesorios, abalorios y joyas de oro. Se hace uno con la bola en un ritual de lo más bizarro. Si os interesa ver esa escena histórica del cine de culto, os dejaré el enlace en la descripción. The Big Lebowski - JESUS - Hotel California https://youtu.be/lribEONhqSI?si=emDpP40Cx7uIR_tE SKA DADDYZ https://youtu.be/8DEzTW5VhQI?si=EUxFVph1UUN-oHqH Si una cosa tiene Hotel California, son versiones a cholón.Así que para no hacerlo eterno, traigo una versión que representa a dos estilos musicales. Ska Daddyz es una banda de ska estadounidense de Oxnard, California . Fueron fundados en 1993. Y giraron con grupos como No Doubt o Save Ferris. Lograron un éxito con su versión de Eagles , " Hotel California ". El estribillo es Ska, y las estrofas Reggae. La mezcla perfecta. Estos dos estilos son hermanos gemelos en lo musical. El Ska sería el Hiperactivo y el Reggae el de la pachorra. Además están unidos por fuertes lazos en lo social, económico, político y cultural. Aunque como diría Michael Ende: "Eso es una historia que debe ser contada en otro momento". AKELARRE https://youtu.be/KUubDFj0tto?si=xNzUApWnot_myiRO Así que vamos con una lengua oficial del estado Español. Esta es la versión de Akelarre. Está interpretada en la lengua más antigua que se conoce en Europa, el Euskara. La formación Vasca, es la banda de Verbenas más longeva que se conoce. Fundados entre 1970-71, han sido unos clásicos en fiestas, plazas de pueblo, festivales y frontones. En sus comienzos, llegaban a tocar hasta 6 días seguidos en la misma localidad. En 1982, con su segundo disco, nos mostraron su versión de Hotel California, en esta lengua milenaria. El álbum en cuestión, se titula "Gau Pasa" que en castellano, viene a ser : Trasnochar. Título muy apropiado para una banda de fiestas de pueblo.* TANGERINE DREAM https://youtu.be/X3RpDb4hgBA?si=lKaGMR2OC2P6E4n- Tangerine Dream es un grupo alemán de ROCK electrónico fundado en 1967 por Edgar Froese.Tangerine Dream, tuvo un papel fundamental en la escena del Krautrock. Que es una corriente musical surgida a finales de los años 1960 que engloba bandas de rock progresivo, rock psicodélico o rock experimental surgidos en la Alemania del lado Occidental del telón de acero. Han sido 5 veces nominados a los Grammy como mejor banda de sintetizadores. Son más conocidos por sus trabajos en bandas sonoras de películas como, "Legend, Risky Business..." Series como Tarot, o videojuegos como GTA 5. Han publicado más de 100 álbumes y en 2010, sacaron un álbum de versiones titulado "Under cover" donde incluyeron su versión de Hotel California. JORN https://youtu.be/grrUddfZFFk?si=xbx9olHRTzW_qhYE Jorn es la aventura en solitario del cantante noruego Jørn Lande (Masterplan, Vagabond, Ark, etc.), cuyo notable talento en la voz le ha permitido ser comparado con el gran Ronnie James Dio. Y sobresalir en todo, desde power metal hasta blues hard rock y pop. En 2016 sacó el álbum de versiones: "Heavy Rock Radio" donde está incluida esta versión tan potente de Hotel California. Y esto ha sido el Explorando Versiones de Hotel California. Soy Raulillo y una te digo: Pon el oído, y sube el volumen so friki.

Hoy en "Explorando Versiones" hablaremos de «Mi Agüita Amarilla», posiblemente la canción más famosa de Los Toreros Muertos. Y para aquellos incautos que aún no conocen a Los Toreros Muertos, diremos que es una banda española creada en 1984 y formada por Pablo Carbonell, Guillermo Piccolini y Many Moure. LOS TOREROS MUERTOS - MI AGÜITA AMARILLA https://www.youtube.com/watch?v=FoMbwn5iXkI Nos tenemos que remontar al año 1986, cuando el grupo publicó su primer LP titulado “Los Toreros Muertos: 30 años de éxitos”, en el que aparecía la canción «Mi Agüita Amarilla». Este grupo es conocido por su estilo humorístico y satírico, características que los definen desde sus inicios. Una muestra de ello es el título de este disco, que daba a entender que el grupo contaba con una larga trayectoria cuando en realidad era su primer disco. La letra de «Mi Agüita Amarilla», escrita por Pablo Carbonell, cuenta la historia de alguien que ha bebido demasiada cerveza y ahora tiene una necesidad urgente de ir a evacuar. Es entonces cuando la canción juega con la idea de la eterna circulación del agua en la naturaleza, siguiendo el recorrido que hace el “Agüita Amarilla” por el mundo durante el ciclo del agua. MOLOTOV https://www.youtube.com/watch?v=il_hCk5-Xhg En mayo de 2004, el grupo mexicano Molotov publica un álbum de versiones titulado “Con Todo Respeto” donde se incluyó esta versión de «Mi Agüita Amarilla» pasada por el tamiz del grupo. LA BANDA DEL CAPITÁN CANALLA https://www.youtube.com/watch?v=VNB_hJeuOgQ Alfonso Aguado, ex líder de Los Inhumanos forma “La Banda del Capitán Canalla” y en 2015, junto con Bernardo de “The Refrescos”, Alberto Comesaña de “Amistades Peligrosas”, Pepe Begines de “No me pises que llevo chanclas” y Miguel Costas antiguo cantante de “Siniestro Total” hacen esta versión polifónica cantada a coro por todos ellos. ALBERTUCHO https://www.youtube.com/watch?v=1NoYGD8PgyI Albertucho, cantante y compositor español conocido por su estilo de rock urbano y letras directas y sinceras, hace esta versión rumbera de «Mi Agüita Amarilla» para el disco publicado en 2004 para la revista El Jueves titulado “Versión Imposible II”. HERMANOS CALATRAVA https://www.youtube.com/watch?v=nrt4C1ZmVHQ Y es que esta canción también tiene un reverso tenebroso. Los Hermanos Calatrava, conocidos humoristas que iniciaron su andadura en los años 70, también hacen una versión más sui generis de esta Agüita Amarilla que va acompañada con “abono orgánico”. ALFREDO GUTIERREZ https://www.youtube.com/watch?v=ZxJaAyLlLzw Para el que no lo sepa, los Toreros Muertos siempre tuvieron mucho éxito en Latinoamérica, tanto es así que el acordeonista colombiano Alfredo Gutiérrez hizo su propia versión acompañado de su acordeón en el año 2014. NO ME PISES QUE LLEVO CHANCLAS Y PABLO CARBONEL https://www.youtube.com/watch?v=el5KuwQhkwA En el año 2017 el grupo “No me pises que llevo chanclas” celebró los “25 años de agropop”, en el que reunieron a distintos músicos y entre los que participaba Pablo Carbonell. Juntos grabaron esta versión. TOREROS CON CHANCLAS - AGÜITA AGROPO https://www.youtube.com/watch?v=l1zyK1KnGEc Y es que esta reunión aún dura hasta nuestros días con la creación de un grupo mixto entre “Los Toreros Muertos” y “No me pises que llevo chanclas” llamado “Toreros Con Chanclas”, y claro está, fusionan ambos estilos en una canción titulada “Agüita Agropop” RAREZAS / VERSIONES DE TOREROS MUERTOS MY LITTLE YELLOW WATER https://www.youtube.com/watch?v=yn8WSBiad_8 En el año 2007 se publica un disco recopilatorio. Este álbum doble contiene los mayores éxitos del grupo así como singles promocionales que no estaban incluidos en los álbumes de estudio. En este disco aparece también una curiosa versión en Inglés de su clásico «Mi Agüita Amarilla». GUILLERMO PICCOLINI https://www.youtube.com/watch?v=yFvz1BD1Oaw Y es que «Mi Agüita Amarilla» ha sufrido mutaciones a lo largo del tiempo, no solo por grupos que versionan la canción original, sino también por los propios componentes del grupo. Tras la disolución de los Toreros Muertos en 1993, Guillermo Piccolini regresa a Argentina para continuar su trabajo como músico y compositor. En el año 2023 publica el álbum titulado “Café Berlín”, grabado en vivo en la sala de conciertos del mismo nombre, en Buenos Aires, y en el que se incluye esta versión al piano de «Mi Agüita Amarilla». PABLO CARBONELL https://www.youtube.com/watch?v=R6nGBot9EAo Así mismo, y tras la disolución del grupo, Pablo Carbonell continuó desarrollando su carrera multifacética en el mundo del entretenimiento, trabajando como presentador de televisión, o participando en numerosas películas, series de televisión y obras de teatro. Además de la actuación, Pablo Carbonell también continuó con la música y en el año 2003 grabó en solitario el disco “Rock and Roll Alimaña“. En este disco interpreta su propia versión de «Mi Agüita Amarilla» VERSIÓN SINFÓNICA https://www.youtube.com/watch?v=0vke5ZNwRqs Como colofón en este viaje del ciclo del agua os dejo la versión sinfónica grabada en directo por Pablo Carbonell desde el Auditorio Nacional de Madrid, acompañado por más de 200 músicos en el escenario. CONCLUSIONES A modo de conclusión diremos que Los Toreros Muertos es una banda española que surgió en los años 80 dejando una huella imborrable en la música con esta canción. Tanto es así que esta canción ha traspasado el ámbito musical y muy recientemente se ha convertido en un cuento infantil para enseñar a las nuevas generaciones a abandonar el pañal, riéndose de una necesidad tan humana como la de ir al wáter y ver ante sus propios ojos el inicio del ciclo del agua. Espero y deseo que como a mí os haya asomado una sonrisa en éste Explorando Versiones de hoy. Nos vemos en la próxima.

Hola, me llamo José Miguel Carrasco, suelo escribir sobre música en el Diario de Sevilla y soy asiduo de los recintos y salas de concierto donde seguro que me habréis visto muchas veces. Al fin y al cabo yo hago lo mismo que los jubiletas típicos, como soy también yo, solo que ellos se pasan el día mirando albañiles y yo lo hago mirando músicos. Me estreno hoy en este podcast con una canción de las “Three Degrees” que se llama “When Will I See You Again”. THE THREE DEGREES: https://www.youtube.com/watch?v=5OpuZzsPBhQ Fayette Pinkney, Sheila Ferguson y Valerie Holiday fue la formación más conocida de las “Three Degrees”, la que duró entre los años 67 y 76. Y Fayette Pinkney, fue la única miembro fijo en este trío desde que se iniciaron allá por 1963. Con ellas, con las “Three Degrees”, los grupos femeninos a los que hasta ahora se les consideraba prácticamente solo como Barbies negras, pasaron a ser cantantes reales que hablaban a una generación de mujeres que tenían su propia tradición cultural dentro del pop. La primera canción que grabaron en el sello del sonido Filadelfia hablaba de hombres casados que se dedican a perseguir jovencitas con la única intención de echarles un polvo sin tomarselas mucho más en serio. No era “Dirty Ol' Man” (el viejo verde) una canción que a ellas las confirmaban como mujeres que podían progresar en la vida sin necesidad de rendir tributo sexuales. Quizá porque esa canción fue prohibida en muchos sitios, como la acartonada BBC por ejemplo, sus siguientes grabaciones se orientaron más hacia el mercado de las jovencitas. Y allí es donde está esta “When Will I See You Again” (¿cuando te volveré a ver?). Una canción que expresaba la vulnerabilidad femenina en un momento en que la revolución sexual de los 60 se había filtrado ya en todos los estamentos sociales y ya no era un estilo de vida alternativo. La excepción se había convertido en la regla y las “Three Degrees” empujaban a las chicas a armarse de valor y preguntarle a su pareja sexual, cuando ésta se marchaba con aire satisfecho y como si nada: - eh tú, Killo. ¿Qué pasa contigo? ¿Cuándo voy a volverte a ver? ¿Estamos enamorados, o solo somos amigos? ¿Este polvo ha sido el principio, o el final?. La historia que cuentan es tan vieja como el mundo. Aunque me temo que hoy en día sería bastante demodé ver a tres mujeres adultas sufriendo por saber si volverán a ver a su hombre. Incluso los años 70 en los que el radicalismo sexual era lo más guay, ya estaba muy pasado de moda esta necesidad de reafirmación de la seguridad emocional que era tener eso que se llamaba “novio fijo”. Pero ellas, las “Three Degrees”, le aconsejaban a sus oyentes que se dejasen de rollos y no se sintiesen violentas poniendo al tío en la alternativa de que se explicara claramente. BILLY BRAGG: https://www.youtube.com/watch?v=kFPGpzyLOTM De este tema debe haber como un millón o un trillón de versiones en muchísimas recopilaciones, incluidas todas las que hicieron posteriormente las “Three Degrees” en sucesivas formaciones y sellos discográficos, porque la canción es un buen material para versiones. Una de ellas, ciertamente inesperada, fue la que hizo Billy Bragg, un cantautor activista de la Inglaterra de Tatcher y John Major, que demostró aquí tener buen gusto y oído para adaptar esta canción, este clásico, elegido personalmente por él en un recopilatorio que la revista New Musical Expréss sacó en 1993, dedicado a canciones que hubiesen llegado al número uno, como fue el caso de esta. ERASURE: https://www.youtube.com/watch?v=pJUvBqei6WY Hay otra versión, la de Erasure, que sin embargo se ajusta mucho más a los cánones de lo que consideraríamos una apropiada revisión de la canción, sin que ello signifique que a mí me guste más, claro, porque yo siempre he preferido las perversiones. BAD MANNERS: https://www.youtube.com/watch?v=QaN5mjFrDv8 Aunque la época de las grandes factorías musicales pasó más o menos a la historia, la fórmula “productora de talento” + “grupo de chicas monas” siguió perpetuándose en el tiempo, todavía dura. Aunque el espíritu es radicalmente distinto. Os imagináis a las “Pussycat Dolls”, por ejemplo, suplicándole a su novio eso de “cuando volveré a verte”. En todo caso la pregunta se la harían gritándole a la cara, mientras lo tienen agarrado por los huevos. Pero en fin como ninguna banda de chica se ha decidido hacerlo así y todas las cantantes que la han recreado ha sido llenándola de azúcar, pues nos despedimos mejor con una versión así, con un poquito de cachondeo típico del ska. La que hicieron los Bad Manners. CONCLUSIONES: Habrá otra ocasión en que venga por aquí y no que no tenga yo que decir refiriéndome a ir a las salas de conciertos: ¿Cuándo volveré a veros?. Adiós

Hay canciones que se hicieron famosas siendo grandes Hits después de ser estrenadas y lanzadas por sus autores o intérpretes, antes de que éstas sonarán por todo el universo de las ondas radiofónicas en los años 60. Este fenómeno de sacar un aversión de algún autor desconocido y llevarlo a los más alto de la lista de éxitos es utilizada a menudo por solistas y grupos de éxito y se ha mantenido como un recurso que poder utilizar en caso de bajada de ventas o bien de popularidad de artistas más o menos consagrados en la industria discográfica hasta nuestros días. Este es el caso de la canción que hoy traemos a Explorando Versiones , se trata de "Twist and Shout", que se conocería universalmente por la versión que se incluyó en el primer LP de The Beatles "Please Please Me", allá por 1963. Please Please Me es el álbum debut de la banda británica de rock The Beatles, lanzado el 22 de marzo de 1963 en el Reino Unido. Su publicación acompaña el inicio de la Beatlemanía, después del éxito de los sencillos "Please Please Me" (n.º 1 en varias listas musicales inglesas, pero solo n.º 2 en el Record Retailer) y "Love Me Do" (n.º 17 en el Record Retailer). Además de los cuatro títulos en los sencillos, el álbum contiene diez canciones grabadas el día 11 de febrero de 1963 en los estudios EMI de Abbey Road, durante una sesión de grabación de 585 minutos (nueve horas y 45 minutos). TOP NOTES: https://www.youtube.com/watch?v=LsDpc-8iR8g "Twist and Shout", es una canción compuesta por Phil Medley y Bert Berns. Nos vamos a centrar más en este último al ser el que probablemente provocará que un buen día su versión del tema que él mismo produjo tuviera la trascendencia que posteriormente ha tenido en la historia de la música moderna y en la que nos centramos en el día de hoy. Bertrand Russell Berns (Nueva York, 8 de noviembre de 1929 – 30 de diciembre de 1967) , autor que fallece joven con solo 38 años. Más conocido como Bert Berns. Fue un compositor y productor discográfico norteamericano. Autor de canciones igualmente conocidas y consideradas indispensables en la historia de la música Soul como "Everybody needs somebody to love", "Piece of My Heart", "Here Comes the Night", "Cry Baby, "I Want Candy" o "Cry to Me", piezas clave del repertorio musical de artistas como Janis Joplin, Van Morrison, Solomon Burke o The Exciters. Bert Berns, hijo de inmigrantes judíos rusos, nació en el Bronx Nueva York en medio de la Gran Depresión de 1929. De niño contrajo una fiebre reumática que lo mantuvo en cama durante una buena temporada y que dejó afectado su corazón de por vida. Durante su comparecencia escuchaba por la ventana de su habitación los ritmos latinos y afro caribeños que inundaban el barrio. De adolescente frecuentaba los clubes y discotecas de música latina y en 1958 se marchó a La Habana, justo antes de la Revolución Cubana. Tras regresar de Cuba, comienza a trabajar como compositor para compañías discográficas en el célebre “Brill Building” de Nueva York. Su primer éxito fue "A Little Bit of Soap", interpretada por The Jarmels en 1961. Un año más tarde, los Isley Brothers grabaron "Twist and Shout", escrita por Berns y Phil Medley. Ese mismo año compone “Tell Him” para The Exciters y “Cry to Me” para Solomon Burke en Atlantic Records y “Cry Baby” para Garnet Mimms. El trabajo de Berns con Solomon Burke llama la atención de los directivos de Atlantic Records, Ahmet Ertegün y Jerry Wexler, que en 1963 lo contratan como productor. Comienza entonces a escribir y producir temas para The Drifters ("Under the Boardwalk", "Saturday Night at the Movies"), Solomon Burke ("Everybody Needs Somebody to Love"), Barbara Lewis ("Baby I'm Yours" y "Make Me Your Baby"), Ben E. King o Wilson Pickett. A partir de 1964 algunas bandas de la llamada British Invasion comienzan a grabar temas de Bern, The Beatles ("Twist and Shout'), The Rolling Stones ("Cry to Me') o The Animals ("Baby Let Me Take You Home'). Por este motivo viaja varias veces a Londres donde trabaja para Decca Records con Them, la banda de Van Morrison, para quienes produce “Here Comes the Night” y “Baby Please Don’t Go”. En 1965, Berns funda su propio sello discográfico, Bang Records. Bang fue la plataforma de lanzamiento de artistas como The McCoys ("Hang on Sloopy"), The Strangeloves ("I Want Candy"), Van Morrison ("Brown Eyed Girl") o Neil Diamond ("Solitary Man" and "Cherry Cherry"). La primera versión que se grabó de "Twist and shout" fue producida por Phil Spector e interpretada por The Top Notes en 1961. El compositor Bert Berns odiaba la versión de Phil porque decía que “mataba el espíritu” de su canción y que esa fue la principal razón por la que fue un fracaso discográfico que pasó desapercibido. "Twist and Shout" es una canción compuesta por Phil Medley y Bert Russell. Fue titulada originalmente como "Shake It Up, Baby", y grabada originalmente por The Top Notes; luego fue versionada y conocida mundialmente por The Isley Brothers y The Beatles. En 1961, un año después de que Phil Spector se convirtiera en parte del equipo de productores de Atlantic Records, se le preguntó si podía producir un sencillo para un prometedor grupo vocal llamados los Top Notes (a veces llamados también "Topnotes"): "Shake It Up, Baby". Esto sucedió antes de que Spector perfeccionará su técnica conocida como Wall of Sound, por lo que la grabación careció de la energía demostrada por el grupo en sus actuaciones en directo. Cuando el compositor Bert Berns escuchó la mezcla final, le dijo a Spector que había arruinado la canción y predijo poco éxito para el sencillo. THE ISLEY BROTHERS: https://www.youtube.com/watch?v=cTaqn8_gMR0 Cuando los Isley Brothers decidieron grabar la canción en 1962, Berns optó por producirla él mismo y demostrarle así a Spector cuál era el sonido que él quería en la grabación La canción se convirtió en la primera del trío en llegar al Top 20 en el Billboard Hot 100. La versión de los Isley Brothers, con Ronald Isley en la voz principal, fue la primera grabación de mayor éxito de la canción, alcanzando el puesto número 17 en el top 40 del Billboard Hot 100 y el número 2 en la lista de R&B estadounidense, siendo frecuentemente versionada en los comienzos de los años 60. Según Ronald, la canción iba a ser la cara B de "Make It Easy on Yourself", compuesta por el artista Burt Bacharach y que había sido un éxito para el cantante Jerry Butler. Cuando el grupo la grabó, los hermanos no pensaron que la canción podría tener repercusión, ya que no habían tenido un éxito desde hacía tres años, cuando grabaron "Twist and Shout". Para su sorpresa, ocurrió exactamente lo contrario. CHAKA DEMUS AND PLIERS: https://www.youtube.com/watch?v=qun21p9-pF8 Más adelante, la versión de Chaka Demus and Pliers alcanzó en enero de 1994 el primer puesto en las listas del Reino Unido. THE BEATLES: https://www.youtube.com/watch?v=2RicaUqd9Hg Nos referimos ahora a la versión de The Beatles de"Twist and Shout" es una versión de la canción homónima de 1961 grabada por el grupo Top Notes. La versión fue incluida en su primer álbum, Please Please Me, y fue publicada como sencillo en los Estados Unidos el 2 de marzo de 1964. La sesión de grabación para este álbum fue la primera del grupo, con la notable particularidad de haber grabado diez canciones en sólo diez horas. "Twist and Shout" fue la última canción grabada; el productor George Martin sabía que la voz de John Lennon se vería afectada con la interpretación, así que la dejó para el final, faltando sólo 15 minutos para terminar la sesión de grabación. Lennon estaba resfriado en ese momento, por lo cual bebía leche y comía caramelos para suavizar su garganta. Los efectos de la tos en su voz puede escucharse en la grabación. Se grabaron dos tomas, de las cuales la primera fue la utilizada en el álbum. George Martin dijo: "Traté de hacer una segunda grabación (...) pero John se había quedado sin voz" “Twist and Shout” (EP) es el primer EP de The Beatles. Fue publicado el 12 de julio de 1963. Solo fue lanzado en mono como cualquier EP por The Beatles. Parlophone lo catalogó GEP 8882. Este EP alcanzó el puesto n.º 4 en ventas de discos comunes, es el primer EP de la historia que en Inglaterra alcanzara el Top 10. Y alcanzó el número uno en ventas de EP. El 13 de agosto de 1963, solo un mes después de su aparición en el mercado, el vinilo se convirtió en el primer EP británico que se hacía con un disco de plata tras sumar 250.000 ejemplares vendidos. Al cabo de los meses las copias despachadas sumaban 800.000, lo que convirtió a "Twist and shout" en el disco de duración extendida más vendido de la Historia en el Reino Unido. A lo largo de 1963 solo otros tres discos, todos ellos sencillos, vendieron más que “Twist and shout”, “She loves you” (cerca de millón y medio de ejemplares), “I want to hold your hand” (1.250.000) y “Glad all over”, de The Dave Clark Five (que rondó el millón). BRIAN POOLE AND THE TREMELOES: https://www.youtube.com/watch?v=HxoSL1HkFGA El éxito del EP Twist and shout, de The Beatles, supuso una cierta decepción para un grupo londinense con el que los de Liverpool tenían una cuenta pendiente: Brian Poole and the Tremeloes. La banda del sur de Inglaterra había sido fichada por Decca a principios de 1962 tras una audición que se celebró durante el mes de enero de aquel año, el mismo mes en el que Decca testó el sonido de los futuros Fab Four. Fue preferida a The Beatles por motivos ajenos a su potencial artístico: los músicos de este conjunto residían en el suburbio londinense de Dagenham y no en Liverpool, que al fin y al cabo era vista como una ciudad alejada y mal comunicada con la capital. Pero mientras que The Beatles habían cosechado desde entonces éxito tras éxito, Brian Poole and the Tremeloes no habían conseguido ninguno. Por fin, los miembros del grupo londinense parecieron encontrar la fórmula que habían buscado sin resultado durante meses: guiados por la inclusión de "Twist and shou

Son muchas las canciones que han marcado nuestra vida, la que hoy nos ocupa fue Premio Princesa Asturias de las Artes 2024, y una de las más conocidas es, sin duda, Mediterráneo. El tema compuesto en 1971 se ha convertido en un himno intergeneracional y ostenta el honor de ser la mejor canción en español de la historia para la revista Rolling Stone. Hola, soy Nicolas Carmona, locutor de radio y estoy encantado de participar en este podcast. JOAN MANUEL SERRAT: https://www.youtube.com/watch?v=Cx5ENAFTLZg El protagonista de nuestro programa de hoy es Joan Manuel Serrat Teresa, el que nació en Barcelona, en diciembre del año 1943. Es un cantautor, compositor, actor, escritor, poeta y músico y fue premiado con la Gran Cruz de la Orden Civil de Alfonso X el Sabio «por su brillante carrera y su contribución a la cultura y el arte español». Su obra tiene influencias de otros poetas, como Mario Benedetti, Antonio Machado, Miguel Hernández, Rafael Alberti, Federico García Lorca, Pablo Neruda, así como de diversos géneros, como el folklore catalán, la copla española, el tango, el bolero, el barroco y el cancionero popular de Latinoamérica, pues ha versionado canciones de Violeta Parra y de Víctor Jara. Es uno de los pioneros de lo que se dio en llamar la nueva canción catalana. Joan Manuel Serrat ha sido reconocido con numerosos doctorados honoris causa por su contribución a la música y literatura española, además del Grammy Latino Persona del Año en 2014, entre otros importantes galardones. El tema que nos trae hoy a Explorando Versiones es su composición “Mediterráneo”, te contamos todo y sus diferentes versiones en la voces de artistas tan dispares como: Estopa, Niña Pastori, Gino Paoli, Manolo Garcia, Maribel La Canija, Ismael Serrano, Antonio Orozco, Santi Balmes... GINO PAOLI: https://www.youtube.com/watch?v=g7Oo7FnK868 Disfrutando hoy de las versiones que se han hecho de Mediterráneo ya un tema inmortal. Muy probablemente, esta versión sea de las primeras que se grabó de la canción de Serrat. Lo hizo el italiano Gino Paoli en el año 1974, el que nació en las mismas aguas del mediterraneo en un país distinto, el artista Gino Paoli que tenia muchos éxitos en los años 60 fue noticia por su intento de suicidio cuando estaba en lo mejor de su carrera, con temas tan conocidos como “Sapore di sale”, disparándose una bala en el pecho con una pistola que tenia en su poder, desde entonces vivio con el plomo en su cuerpo en la zona del pericardio ya que los médicos nunca pudieron extraerla, nos quedamos con esta versión muy fiel a la original en el idioma italiano en la voz de Gino Paoli. ESTOPA: https://www.youtube.com/watch?v=pTf9NL2HbSY Una de las versiones más curiosas que nunca nos podríamos imaginar, aunque realizada si, por la cercanía en la tierra catalana, los hermanos José Manuel Muñoz Calvo (cantante, guitarrista y compositor) y David (cantante) del dúo español de música rock y pop rock con toques de rumba catalana Estopa. NIÑA PASTORI: https://www.youtube.com/watch?v=kVObrI0s3ic Lo que suena ya de fondo es la versión de Niña Pastori en su álbum del año 2006 “Joyas prestadas” es un disco que fusiona canciones y estilos fuera del flamenco. “Joyas prestadas” es una colección de canciones recreadas por la artista de San Fernando que, diez años después de la publicación de su primer álbum, echa la vista atrás y recupera su memoria musical. Canción que ha marcado momentos y recuerdos. Temas como Mediterráneo. MARIBEL LA CANIJA: https://www.youtube.com/watch?v=RyOS8KYnwCM “Mediterráneo” es la versión de estudio grabado en directo en los estudios "La Luciérnaga". Producido por Gaizka Baena y las mezclas Ruben Garcia Motos en "Matilda estudio". La cantante, la increíble voz y la energía que derrocha Maribel Martin, “La Canija” que es Vocalista del grupo D'Callaos, mezclando sonidos del rock andaluz, cada uno de sus conciertos, los convierte en un viaje entre sentimientos, sonidos y bailes. Todo esto con una gracia innata, alegre y cariñosa, haciendo sentir a la gente partícipe del repertorio que presenta. MARÍA JOSÉ LLERGO: https://www.youtube.com/watch?v=O5qxP_mKNTY Nos encontramos ahora una versión muy especial y distinta, la lentitud de trazos sonoros nos transportan al oleaje tranquilo y apaciguado de las aguas del mediterraneo que van recalando en la orilla del mar que baña la arena de este lugar, la voz de María José Llergo ganó el Premio Goya a la mejor canción original 2022, por “Mediterráneo” y uno de los “Premios de la Academia de Música de España”, en la categoría “Mejor álbum folclórico”, en su primera canción. MIGUEL CAMPELLO: https://www.youtube.com/watch?v=N9NkVymRTks “Mediterráneo” es una de esas canciones que al cantarlas las sientes cercana, quizá porque mi niñez sigue jugando en la playa o porque aún sigues escondido entre cañaverales. Miguel Campello de la saga Chatarrera con más de 9 discos de estudio llenos de creatividad, pasión, fusión y mestizaje, ofrece sonidos nuevos, experimentales, diferentes como flamenco, rock, rumba, cumbia, techno, jazz, líneas de bajo distorsionadas..., pero mantiene su reconocible sello propio. Escuchando esta versión, un canto de viento fresco, como la brisa del mar que me vio nacer, realiza esta particular versión de mediterraneo. CONCLUSIONES Mediterráneo es una de las canciones clave en la carrera de Joan Manuel Serrat. Forma parte del disco homónimo que el cantautor lanzó en 1971, en el que también se encuentran temas tan icónicos como “Aquellas pequeñas cosas” y “Lucía”. Muchos de aquellos que nacieron muy lejos del mar, pero gracias a Serrat hacen suyo el Mediterráneo. Un mar, el de Serrat, puede estar en cualquier rincón del mundo donde sean amantes de bonitos ritmos. Ha sido un verdadero placer el pasar estos minutos con vosotros. Un fuerte abrazo. Mi nombre es Nicolás Carmona. Cuidate y nos vemos en próximas ediciones de Explorando Versiones.

Hola qué tal ¿cómo estáis?. Soy Serué, cantaor del grupo de rock “Analógicos” y hoy en “Explorando Versiones” quiero presentaros las distintas versiones de una canción de Bob Dylan. Ni más ni menos que “All along the watchtower”. BOB DYLAN: https://www.youtube.com/watch?v=bT7Hj-ea0VE Muchos ya conocéis a Bob Dylan, Robert Allen Zimmerman, el gran bardo de Minnesota tal vez junto a Lennon y alguno más puede ser considerado (yo también lo considero así) como el poeta y músico más influyente del siglo XX en lengua inglesa. Dylan escribió este tema, que aparece en su álbum “John Wesley Harding” del 67, tras el piñazo que se dio con su moto Triumph. Esto le valió y el estar unos cuantos de años sin dar giras, replantearse su trayectoria artística, incluido sus virajes al judaísmo primero, y el cristianismo después. “All along the watchtower” ha sido versionada por diferentes artistas y diferentes géneros musicales por la profunda y metafórica poesía en su letra. La temática del disco vuelve a las raíces folk con un tono rural y con letras influida por una conversión al cristianismo, posterior al trauma del accidente, que como ya hemos visto pues se dio en torno a finales del 66 tras el disco glorioso “Blonde on blonde”. Como nos tiene acostumbrado Dylan, no son letras de una sola lectura y la canción de “All along the watchtower” ha sido objeto de diversas interpretaciones. En líneas generales usa las parábolas bíblicas y las metáforas para denunciar al desmedido capitalismo, pero también usa su situación de agobio personal por el accidente. Habla sobre las explotaciones de las compañías discográficas, etc… todo ello con un lenguaje musical con referencia al cristianismo como tabla de salvación. JIMI HENDRIX: https://www.youtube.com/watch?v=wVLqFQ5QT7Y Sin embargo la más conocida fue la interpretada por el gran Jimi Hendrix que para muchos mejoró la canción original pero también fue versionada por otros artistas como veremos más adelante. ¿Qué le hizo a Jimi Hendrix versionar esta canción? “Jimi Allen Hendrix” (curioso esto de Allen, al igual que Dylan) siempre pensó que era más guitarrista que otra cosa. Pero escuchó a Bob Dylan cantar y pensó que él también lo podía hacer y tener éxito. Pues nada dicho y hecho. Efectivamente con respecto a esta canción, tras seis meses de salir el original de Dylan, Hendrix grabó una de las mejores versiones de “All along the watchtower”. Incluso probablemente superando la original. ¿Por qué? Bajo mi punto de vista, el de Seattle confiere al tema una fuerza inusitada en el que despliega su habilidad guitarrística en torno a los solo tres acordes de los que costaba la canción. El efecto sonoro de las cuerdas de Hendrix sustituye en los espacios instrumentales a la armónica de Dylan, para mi gusto una armónica demasiado machacona y monotónica, la voz de Hendrix va a la par y encaja como un guante en la canción. Dylan se rindió a esta versión, que adoptó en sus actuaciones, precisamente “All along the watchtower” sea una de las canciones que más haya tocado en directo. U2: https://www.youtube.com/watch?v=O2Fu8kSlmTw Hemos de recordar que se han hecho numerosas versiones de “All along the watchtower”, además de la de Hendrix, entre la que destacan la de U2 (canción recogida en el disco del año 88 “Rattle and Hum”). “Rattle and Hum” fue un disco que venía acompañado también un documental (yo tenía una copia en cinta de casete de ese disco… que de tiempo) Esta versión, más moderna, le confiere mayor contundencia en parte por su producción y también por la espectacular fuerza vocal de Bono. LOS SUAVES: https://www.youtube.com/watch?v=etDzmJB_aKk En nuestro país también Los Suaves versionaron este tema de Dylan que además fue incluido en el disco de 1993 “Malas noticias” y aunque lo interprete con su típica energía pues conserva la base original de la canción. CONCLUSIONES Como veis, esto de las versiones da para muchos libros y no es más que la punta de un iceberg. En realidad os he hablado de episodios muy sonados de la música de rock a nivel Dios, o si quieres, populares. Pero ¿cuántos casos hay a otros niveles? Canciones añejas cubiertas por un fino barniz de originalidad, que en realidad son versiones de originales, camufladas con otro título. Son canciones fake vendidas como originales creativos… Eso da para otro podcast, amigos. Me despido, no sin antes agradecer a los que hacen posible el programa de “Explorando Versiones” y a todos vosotros desearos mucha salud y rock and roll. Hasta la vista amigos.

Hola, soy Jorge Jorge Vongrej, miembro de bandas como Fricky Martin, Tyrannen Quartett o Peter Roster y hoy en Explorando Versiones os voy a hablar de “Hallelujah” de Leonard Cohen. LEONARD COHEN - HALLELUJAH: https://www.youtube.com/watch?v=ttEMYvpoR-k Esta canción realmente se ha convertido en un clásico y es una canción muy versionada. En cuanto a Leonard Cohen, siempre se ha hablado de su importancia como poeta, cuando realmente no conozco mucha gente que haya leído poesía de Leonard Cohen. Y también como músico considero que como cantante deja mucho que desear y sus producciones musicales y arreglos la verdad es que no me termina de convencer. Sin embargo cuando un buen cantante o músico versiona una canción de Leonard Cohen con sus acordes, su melodía, creo que la lleva a otra dimensión. De hecho es lo que pasó con este tema. JOHN CALE: https://www.youtube.com/watch?v=jdS9dJEtx3g Según la Wikipedia, que es donde acudimos todos para enterarnos de lo que ha ocurrido con las cosas y la historia, esta canción, el Hallelujah, se hizo famosa en 1991 gracias a una versión que hizo el famoso John Cale... Bueno no tan famoso, músico de culto que es más conocido por haber compartido junto a Lou Reed haber sido los líderes de Velvet Underground. Entonces esta canción, que luego utilizaron para la banda sonora de Shrek, hizo un versión en el 91 “John Cale”, así con su pianito y demás y la verdad que tuvo mucho éxito ya a partir de ahí se convirtió en un clásico. RUFUS WAINWRIGHT: https://www.youtube.com/watch?v=xR0DKOGco_o La canción, que a simple escucha puede parecer un tema religioso y tiene muchas referencias bíblicas, mi interpretación es que en realidad una canción de amor y se refiere a un acto de celebración de un amor que no terminó bien, pero que para Leonard Cohen fue especialmente importante. Y continuando con las versiones, y tras la versión de John Cale, destacaros la versión que hizo Rufus Wainwright, que es canadiense como era Leonard Cohen, que le da un tono melodramático y con un punto de emoción extra con esa voz que tiene Rufus… BONO: https://www.youtube.com/watch?v=R9ozN9WBJMY Y ahora vamos con una versión que en mi opinión es un destrozo. Esta versión no es muy afortunada, pero me parece muy interesante que escuchemos esta versión elaborada por un personaje tan famoso como Bono, el cantante de U2, para un disco de versiones o tributo a Leonard Cohen metió esta canción queriendo darle un toque trip-hopero muy en los 90 y yo no termino de entenderla, pero creo que es interesante escuchar otra manera de enfocar el tema. ENRIQUE MORENTE & LAGARTIJA NICK: https://www.youtube.com/watch?v=vfIcSb5oJY0 Y ahora nos venimos a España. Sí, en España también se han hecho versiones de esta canción. Quizás la más importante o que más repercusión ha tenido es la que incluyó Enrique Morente con Lagartija Nick en el famosísimo y muy respetado por la crítica disco Omega. Es una versión muy libre con un enfoque flamenco o flamenco rock, como le queramos llamar, y bueno creo que tenía que estar aquí. SURFIN' BICHOS: https://www.youtube.com/watch?v=7eHGwrCpWio Y seguimos en España con una traducción bastante fidedigna de la letra y realizada por Surfin' Bichos, con esa voz tan trágica y como de yonki desesperado de Fernando Alfaro. Esta también es interesante este Hallelujah de Surfin' Bichos. JEFF BUCKLEY: https://www.youtube.com/watch?v=y8AWFf7EAc4 Y terminamos con este repaso a las versiones de “Hallelujah” de Leonard Cohen con la versión que me ha motivado a elegir este tema que es la versión de Jeff Buckley. El tono trágico y emocional se acentúa al saber que un par de años después de grabar esta versión, el cantante murió ahogado en el Mississippi, siendo bastante joven. Así que cuando escucho esta canción, solo con guitarra y voz, de verdad que me cuesta no llorar porque me da la sensación de que me está llegando desde el más allá. El acorde secreto lo descubrió Jeff: rest in peace. CONCLUSIONES. Y hasta aquí el programa de hoy de” Explorando Versiones”. Os emplazo a escuchar los próximos programas, a seguir “Locos por Incordiar” y ser auténticos frikis de la música como nosotros. Muchas gracias por vuestra atención y hasta pronto.