EXPOD Le Podcast des expositions

Ce nouveau podcast est dédié à un grand marchand et collectionneur de la seconde moitié du XXe siècle : Heinz Berggruen (1914-2007). A travers une sélection d’oeuvres de Pablo Picasso, de Paul Klee, d'Henri Matisse et d'Alberto Giacometti, l’exposition du musée de l'Orangerie retrace l’incroyable parcours de cet homme passionné et généreux, qui, parti de rien, a réussi à devenir une figure incontournable du monde de l’art.

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Dans ce nouveau podcast, je vous fais découvrir comment Scipion Borghèse (1577-1633), collectionneur et mécène hors-norme, neveu du pape Paul V, devenu cardinal sous le règne de son oncle, a réussi, en outrepassant souvent les règles de la bienséance, à constituer l’une des plus belles et plus célèbres collections d’antiques, de peintures et de sculptures des XVI et XVIIe siècles dans sa villa Pinciana à Rome.

Le musée Jacquemart-André présente, dans une exposition intitulée « Chefs-d’oeuvre de la Galerie Borghèse », quarante-trois oeuvres, et non des moindres comme le souligne son titre, issues de cette incroyable collection.

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Pour le dernier podcast de la saison, je vous propose de découvrir l'exposition consacrée à Théodore Géricault (1791-1824) au musée de la Vie romantique, intitulée Les chevaux de Géricault. Une centaine de tableaux ayant trait à l’animal retrace la brève carrière de cet artiste talentueux, considéré comme l’un des pères du romantisme politique et révolutionnaire. Surtout connu pour avoir peint Le Radeau de la Méduse, Géricault se passionne pour le cheval, dès son plus jeune âge. Omniprésent dans ses oeuvres, il explore aussi bien l’anatomie, le mouvement que les émotions de l’animal. Du cheval militaire, antique, ou anglais, aux courses de chevaux, aux portraits équestres, de croupes ou de têtes, les multiples visages du cheval lui permettent de montrer sa dextérité dans l’emploi de médiums différents et d’affirmer certains choix politiques.

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Avec En jeu ! Les artistes et le sport 1870-1930, le musée Marmottan Monet participe aux célébrations des jeux olympiques et paralympiques 2024, avec plus de 160 oeuvres. L’exposition raconte comment de nombreux sports venus d’Angleterre, d’abord pratiqués par l’aristocratie et la bourgeoisie, se démocratisent grâce au temps libre, et comment les artistes s’emparent de ces nouvelles activités sportives pour en faire des sujets de la vie moderne, témoignant ainsi de l’évolution de la société en pleine mutation.

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L’exposition, Duels. L’art du combat, en lien avec les futurs Jeux olympiques prévus à Paris en juillet 2024, retrace l’origine historique du duel et permet de comprendre comment l’escrime, qui en découle, est devenue une discipline olympique, dont les épreuves se dérouleront cet été au Grand Palais, non loin du musée de l’Armée Invalides.

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Pour les 150 ans de l’impressionnisme, le musée des impressionnismes Giverny présente une exposition intitulée L’Impressionnisme et la mer. Si le sujet a surtout été traité du point de vue des loisirs balnéaires, avec ces scènes de plage et ces portraits d’estivants, d’autres thématiques sont proposées : la vie des ports, la marée basse, les tempêtes et naufrages, la fuite vers l’ailleurs…

81 oeuvres viennent raconter la fascination des peintres, en quête d’inspirations nouvelles, attirés par la beauté et la lumière des côtes normandes ou bretonnes, parmi lesquels Claude Monet, Camille Pissarro, Paul Signac, Johan Barthold Jongkind, Camille Corot, Charles-François Daubigny, Gustave Courbet, Edouard Manet… ou encore Eugène Boudin, mis à l’honneur pour le bicentenaire de sa naissance, avec 28 oeuvres.

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Dans ce nouveau podcast, je vous propose de découvrir comment à partir d’une exposition, aujourd’hui légendaire, réunissant des artistes d’horizons divers, mais désireux de s’affranchir des règles du Salon officiel, l’impressionnisme voit le jour.

Pour les 150 ans de l’impressionnisme, le musée d’Orsay présente Paris 1874. Inventer l’impressionnisme, qui retrace la naissance de ce mouvement artistique, l’un des plus célèbres de l’histoire de l’art.

Plus de 160 oeuvres sont mises en regard, celles des futurs impressionnistes et celles des artistes académiques du Salon officiel de 1874, afin de rendre compte du choc visuel, pour le public et la critique de l’époque, provoqué par le décalage entre une peinture léchée et une peinture où l’impression prédomine.

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Théodore Rousseau (1812-1867) représente une des figures majeures de ce que l’on appellera "l’école de Barbizon". Artiste rebelle, il s’insurge très tôt contre les règles académiques inhérentes à la peinture de paysage. Il estime que la peinture de paysage doit être considérée pour elle-même, sans qu’il soit nécessaire de la sublimer. La forêt devient son sujet de prédilection. C’est dans cet atelier grandeur nature qu’il trouve l’inspiration et qu’il révolutionne le genre pictural, une génération avant les impressionnistes.

Témoin de la dévastation des forêts, cet amoureux de la nature - qui « entend les voix des arbres » et qui comprend « le langage des forêts » -, cet écologiste avant l’heure, se révolte auprès de l’administration pour sauvegarder ce patrimoine national, fragilisé par l’abattage massif des arbres dû l’industrialisation.

L'exposition « Théodore Rousseau. La Voix de la forêt » retrace, à travers une centaine d'oeuvres, l'incroyable parcours de cet artiste engagé et passionné.

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L’exposition « Dans l’appartement de Léonce Rosenberg » au musée Picasso, retrace l’histoire d’un décor mythique réalisé durant l’entre-deux-guerres, entre mars 1928 et mai 1929, par une douzaine d’artistes, parmi lesquels Giorgio de Chirico, Francis Picabia, Fernand Léger, Jean Metzinger, Max Ernst, Auguste Herbin, Gino Severini, Albert Gleize… pour l’appartement du marchand et galeriste parisien Léonce Rosenberg, au 75 rue de Longchamp dans le XVIe arrondissement.

Ce décor, constitué de plus de quatre-vingt-dix oeuvres exécutées en à peine quinze mois, devait refléter un échantillon inédit de l’art moderne à Paris à la fin des années 1920, une forme d’art total, mêlant oeuvres abstraites et figuratives mises en dialogue avec le mobilier de l’appartement, en grande partie du XIXe siècle. Une quarantaine de ces oeuvres ont été prêtées pour l’exposition.

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La rétrospective dédiée à Mark Rothko (1903-1970), à la Fondation Louis Vuitton, retrace l’ensemble de la carrière du peintre, depuis ses premières oeuvres figuratives jusqu’à son passage à l’abstraction.

Artiste incontournable de la scène artistique américaine du XXe siècle, associé à l’expressionnisme abstrait, Mark Rothko oeuvre toute sa vie pour mettre au point un langage universel capable de dépeindre la condition humaine. Aussi après avoir expérimenté la figuration, mais face aux limites de la représentation, se tourne-t-il naturellement et définitivement vers l’abstraction qui l’exprime le mieux.

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