Durante la ventesima edizione della Festa del Cinema di Roma, abbiamo parlato con Manlio Castagna, regista del film “I Love Luca Comics & Games“: un’opera distribuita da I Wonder Pictures, che riesce a raccontare straordinariamente bene l’essenza di uno degli eventi più affascinanti e coinvolgenti del panorama culturale italiano.

Se, infatti, potrebbe apparentemente essere difficile cercare di creare un tributo visivo alla magia che avviene ogni anno a Lucca Comics & Games, questo film ne riesce a celebrare l’enorme universo che lo popola attraverso un focus sulla grande molteplicità di tasselli che ne fanno parte, dagli artisti ai visitatori, andando oltre i pregiudizi e offrendo una prospettiva vicina a chi lo vive intensamente ogni anno… Ma anche adatta a far capire cosa sia questo evento anche a chi non ci è mai stato.

Come ci ha raccontato il regista di “I Love Lucca Comics & Games“, Manlio Castagna, l’obiettivo principale è stato il cercare di far percepire (anche a chi non ci ha mai partecipato) cosa rappresenti Lucca Comics & Games: un evento che riesce a creare un’atmosfera atemporale e senza confini nazionali, in cui le barriere tra passioni diverse si dissolvono creando una sorta di mondo parallelo ricco di creatività e di entusiasmo.

Ma interessante sottolineare come il film si rivolga anche a un pubblico internazionale, offrendo una panoramica che può attrarre spettatori dall’estero, grazie a un’immagine che supera i confini geografici e culturali dell’Italia. Questo perché un aspetto centrale riguarda anche l’importanza di preservare, oggi più che mai, gli spazi di ritrovo fisici come Lucca Comics & Games.

La “community” di Lucca Comics & Games si nutre dopotutto di incontri reali, di file, di conversazioni spontanee che rendono davvero speciale questo evento. Questa pellicola, dunque, non diviene solo un freddo ritratto di questo rito collettivo fatto di passioni e di arte che viene reiterato anno dopo anno, ma un omaggio cruciale dell’importanza del contatto umano nel mondo della cultura pop, e di come Lucca Comics & Games ne sia sempre di più, anno dopo anno, baluardo e celebrazione.

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Presentato nella sezione Grand Public alla 20esima edizione della Festa del Cinema di Roma, Io sono Rosa Ricci, la origin story di uno dei personaggi più affascinanti dell’amatissima serie Mare Fuori, sarà al cinema dal 30 ottobre con 01 Distribution.

Prodotto da Picomedia con Rai Cinema in collaborazione con Netflix, il film, diretto da Lyda Patitucci, affianca alla protagonista Maria Esposito ed a Raiz nel ruolo di Don Salvatore Ricci, la new entry Andrea Arcangeli, qui nel ruolo di Victor, giovane narcos al soldo di Agustin, il narcotrafficante  che rapisce Rosa per colpire suo padre.

Inizialmente suo carceriere, il giovane diventerà presto un suo grande alleato e contribuirà alla crescita emotiva di Rosa che non aspetterà di essere salvata ma proverà a salvarsi da sola.

“L’obiettivo era raccontare il percorso di formazione di Rosa, ampliandone l’universo con uno stile nuovo, in continuità con ciò che tutti conoscono da Mare Fuori” racconta Lyda Patitucci descrivendo il suo approccio all’universo di una serie molto seguita e molto amata.

Con una colonna sonora composta del brano inedito Vattelo scritto da Silvia Uras e Raiz con la musica di Paolo Baldini, il film, per citare la sua regista, “è una storia di vita, morte e amore: sentimenti forti e universali”.

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In anteprima alla ventesima edizione della Festa del Cinema di Roma nella sezione Special Screening, arriva “Brunori Sas – Il tempo delle noci“, viaggio cinematografico, intimo e profondo, nell’universo creativo e personale di Dario Brunori, intrapreso da Giacomo Triglia.

Il regista, il cui rapporto con Brunori Sas attraversa quasi due decenni, segue l’artista in un momento cruciale della sua carriera e della sua vita: la lavorazione de L’albero delle noci.

Quel disco è il risultato d’una crisi profonda attraversata da Dario Brunori, la cui fragilità ha poi portato ad una rigenerazione.

Con Brunori nel film, si racconta anche Riccardo Sinigallia, fondamentale per la realizzazione del disco, di cui è produttore artistico ma anche compagno nella riflessione che Brunori fa con se stesso, su temi come la famiglia, la genitorialità, le radici, la creatività.

La forza del racconto di “Brunori Sas – Il tempo delle noci” sta nell’aver mostrato la semplicità e l’autenticità di Brunori, evidente anche nella scelta di riprese improvvisate, dal cellulare, alle sessioni in studio, fino alle situazioni quotidiane come le interviste in vigneto o i momenti in auto. Brunori stesso sottolinea come tutto sia stato costruito con spontaneità, riflettendo il suo desiderio di mostrare un’immagine più reale e meno artificiosa del personaggio pubblico.

Tra i temi affrontati nel documentario c’è anche il ruolo delle radici, simbolizzate dall’albero delle noci, che rappresenta il concetto di radicamento come fonte di nutrimento per la crescita personale e artistica. Brunori Sas mette in evidenza come la vita in Calabria, il rapporto con la famiglia e il senso di comunità siano elementi fondamentali per la sua creatività, sfatando l’idea che vivere in un contesto ordinario possa essere una zavorra.

“Brunori Sas – Il tempo delle noci“, una produzione Mompracem in collaborazione con Calabria Film Commission, andrà in onda prossimamente sulle reti Rai.

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Celebrano un sodalizio giunto al quinto film e iniziato nel 2006 con N (Io e Napoleone), Paolo Virzì e Valerio Mastandrea, presentando Cinque secondi.

Presentato alla 20esima edizione della Festa del Cinema di Roma nella sezione Grand Public e in sala dal 30 ottobre con Vision Distribution, il film è quello che nella storia della collaborazione tra i due li ha emozionati di più, arrivando in un particolare momento di vita.

Cinque secondi racconta infatti di Adriano (Mastandrea), un uomo che si è ritirato a vita solitaria in un casale con solo una villa abbandonata nei dintorni, fermo nel suo isolamento per ragioni che scopriremo solo nello scorrere della pellicola.

Ad irrompere in questo esilio, la contessina Matilde (Galatea Bellugi), giovane nipote del Conte, un tempo proprietario della vigna e della villa ormai in disuso e decisa, insieme ad una comunità di ragazze e ragazzi con cui vive, a rilavorare la terra e riabilitare quella campagna abbandonata.

Ad un iniziale burbera resistenza, seguiranno relazioni, confidenza, accudimento e forse una possibilità che si possa riparare alle ferite della vita.

Cinque secondi è un film che riflette sull’essere padri, genitori, sul rapporto padri-figli e pur essendo un film che racconta il dolore di un uomo, è anche film di fiducia nel potere riparare, e nelle nuove generazioni.

Secondo Mastandrea, Cinque secondi “è un film che ci indica come, per curare se stessi, è importante stare con gli altri, fare percorsi insieme, contaminarsi”.

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Paolo Virzì torna alla Festa del Cinema di Roma, la 20esima edizione, per presentare nella sezione Grand Public, la sua ultima fatica, Cinque secondi, in attesa di vederlo in sala dal 30 ottobre con Vision Distribution.

In Cinque secondi, Virzì ritrova protagonista Valerio Mastandrea, per una storia che il regista livornese ha scritto in una notte e per cui ha pensato subito all’attore, con cui ha lavorato in ben 4 film.

Mastandrea interpreta Adriano, un uomo che si è ritirato a vita solitaria in un casale con solo una villa abbandonata nei dintorni, fermo nel suo isolamento per ragioni che scopriremo solo nello scorrere della pellicola.

Ad irrompere in questo esilio, la contessina Matilde (Galatea Bellugi), giovane nipote del Conte, un tempo proprietario della vigna e della villa ormai in disuso e decisa, insieme ad una comunità di ragazze e ragazzi con cui vive, a rilavorare la terra e riabilitare quella campagna abbandonata. Ad un iniziale burbera resistenza, seguiranno relazioni, confidenza, accudimento e forse una possibilità che si possa riparare alle ferite della vita.

È proprio questo lo spirito del film, dichiara Virzì, la fiducia che si possa riparare, rammendare per quel che è possibile, concedersi una seconda possibilità. Cinque secondi è il film che più di ogni altro, nella cinematografia del regista di La Prima cosa bella, conserva una fiducia, anche nelle nuove generazioni.

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Approda al concorso Progressive Cinema della 20° Festa del Cinema diRoma, “40 secondi“, quinto lavoro da regista di Vincenzo Alfieri dopo il recente “Il Corpo“.

In uscita il 19 novembre con Eagle pictures, il film che vede la partecipazione di Francesco Gheghi, Enrico Borello e Beatrice Puccilli, racconta le ore dei protagonisti della vicenda che ha portato all’omicidio del giovane Willy Monteiro Duarte, nello spazio tempo dei secondi del titolo.

Prodotto da Eagle Pictures, il film segue le vite di questi ragazzi per provare a indagare alle ragioni dietro quello che è diventato un gravissimo fatto di cronaca.

Gheghi, Borello e Puccilli parlano del lavoro fatto a mostrare i loro personaggi come persone normali, qualunque, non dei criminali ma persone come tutti noi. Era fondamentale per rendere il film anche un monito.

Francesco Gheghi crede nel Dio del cinema e, dando per assodata al sua esistenza, con Enrico Borello e Beatrice Puccilli parla del potere dei sogni e del cinema per scuotere le coscienze e salvare vite, almeno mostrando altri mondi possibili.

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In concorso Progressive Cinema, alla 20esima edizione della Festa del Cinema di Roma, Vincenzo Alfieri presenta la sua quinta regia, “40 secondi“, in uscita nelle sale italiane con Eagle Pictures il 19 novembre.

Il film si ispira al fatto realmente accaduto di Willy Monteiro Duarte, ucciso durante un pestaggio il 6 settembre 2020 a Colleferro nel tentativo di difendere un amico in difficoltà ed è tratto dall’omonimo romanzo di Federica Angeli.

Fondamentale per raccontare questo assurdo fatto di cronaca, consumatosi in soli 40 secondi, quelli in cui Duarte ha perso la vita, è stato l’approccio di Alfieri: andare a ritroso, ad indagare chi sono stati i protagonisti di questa vicenda, da dove venivano, cosa li muoveva, che vite facevano.

“Perché questa storia parla soprattutto di ragazzi qualunque – ricorda Alfieri. Non è una storia criminale, ma di dolore. Una storia di persone come tutti noi”.

Con il protagonista e attore esordiente Justin De Vivo e il navigato Francesco Di Leva, qui nel ruolo del poliziotto, dell’uomo di giustizia, Alfieri spiega la necessità della scelta di raccontare il prima di queste persone.

Di Leva poi, conferma che con Alfieri ha condiviso l’atteggiamento paterno con cui ha approcciato a questa storia ed anche ai compagni di set, soprattutto i più giovani come Justin De Vivo.

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Presentato alla 20° edizione della Festa del Cinema di Roma, “Deux Pianos” di Arnaud Desplechin è un film sul rapporto tra arte e vita, che parte dall’innesco dei due pianoforti per allargarsi a una costellazione di “doppi” nei rapporti affettivi e familiari. Nel cast: François Civil, Nadia Tereszkiewicz, Charlotte Rampling.

«All’inizio i due pianoforti sono l’intrigo: Mathias torna dal Giappone per suonare concerti a due pianoforti con Charlotte Rampling», spiega Desplechin. Da quell’innesco si apre un campo di forze: «Tutti i personaggi si ritrovano a scegliere: Nadia ha due uomini nella sua vita; un bambino si ritrova con due padri; Mathias ha due madri — la mentore e la madre biologica». E il conflitto non è aggirabile: «Nadia sa che Mathias un giorno partirà, perché la musica lo chiamerà sempre».

Il personaggio della mentore, Elena, interpretato da Charlotte Rampling, nasce — spiega Desplechin — da un lavoro di estrema fiducia dell’attrice verso il regista. «La vulnerabilità lei l’ha incarnata con una tale magia… Rampling è una grandissima donna di cinema. A volte sembrava mettersi in scena da sola. C’è una scena in cui Elena dice: “Ho paura”. Charlotte, a proposito di questo passaggio, mi ha scritto una breve lettera chiedendomi: “Come faccio a dirla? Io sono Elena, ma non ho mai avuto paura nella mia vita. Il terrore lo conosco; la paura no”». Un gesto e un’ammissione che hanno colpito profondamente Desplechin.

Richiamato il confronto con La pianista di Michael Haneke e “TÁR” di Todd Field, Desplechin chiarisce la diversità di Deux Pianos a livello stilistico e d’intenzioni. «Non è particolarmente ispirato a film musicali. Ho un’ammirazione totale per TÁR, ma io ho girato con camera mobile, a spalla, un’energia diversa». Cambia anche il finale emotivo: «TÁR è cupo e porta alla perdizione. Io volevo che Mathias non scomparisse, ma andasse verso la luce, fuggendo in Italia: una sorta di benedizione».

A proposito dei personaggi del suo cinema — spesso tormentati dalle scelte sbagliate — e della volontà di tornare su questo tema, Desplechin spiega: «Non credo ci siano molte soluzioni agli errori del passato: sono più pessimista. Ho fatto molte sciocchezze e spero di continuare a farne».

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La 23esima edizione di Alice nella Città segna il ritorno alla regia di un lungometraggio di Matteo Oleotto con “Ultimo schiaffo”, dopo il suo ottimo esordio, alla Settimana della Critica di Venezia, “Zoran – il mio nipote scemo”, nel 2013.

Rimane nel territorio della commedia, questa volta però nera, malinconica e (quasi) natalizia, Oleotto che questa volta segue il Natale, tutt’altro che “classico” dei fratelli Petra e Jure, interpretati dai giovanissimi Adalgisa Manfrida e Massimiliano Motta.

Di “Ultimo Schiaffo” scrive Oleotto: “è la storia di un gruppo di perdenti che tentano, ogni giorno, di restare a galla, cercando di vincere il proprio senso di inadeguatezza: vorrebbero tutti qualcosa in più dalla vita, sì, ma nessuno sembra avere la forza necessaria per riuscirci. O, almeno, per crederci a sufficienza..”.

Per raccontarli e raccontare la ricerca di felicità, di accoglienza, di famiglia, Oleotto costruisce il film di tante scene cariche di tenerezza, compassione, senso di impotenza e tentativo di riscatto. Il Natale, a fare da sfondo, porta con sé un bagaglio emotivo non indifferente e un aggiuntivo e difficile da gestire carico emotivo per i protagonisti di Ultimo schiaffo.

Girato in Friuli nel villaggio minerario di Cave nel Predil, grazie alla Friuli Venezia Giulia Film Commission – PromoTurismoFVG e al Fondo per l’Audiovisivo del FVG, Ultimo schiaffo gioca con i riferimenti del grottesco e della black comedy tipica di un Fargo dei Coen ma ci aggiunge uno sguardo sul mondo, malinconico e tutto italiano, friulano.

Il film, distribuito da Tucker Film, arriverà nelle sale ad inizio 2026.

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Alla 20ª edizione della Festa del Cinema di Roma, FRED Film Radio ha intervistato il regista Alessio Maria Federici per parlare di “Libero – Sempre comunque mai”, film presentato nella sezione Proiezioni Speciali sull’attore Libero De Rienzo, detto “Picchio”.

Era il 2002 quando Libero De Rienzo vinse il David di Donatello per la sua interpretazione di Bart in “Santa Maradona” di Marco Ponti. Il suo discorso di accettazione quella sera non fu per ringraziare regista o produttori, ma per lanciare un messaggio dedicato alla Palestina. Come crede Alessio Maria Federici che l’attore avrebbe vissuto questi ultimi anni? Anche in relazione al silenzio di molti colleghi che hanno preferito non schierarsi. “Dei colleghi non gliene sarebbe fregato niente. Era anche per questo che non riuscivano a catalogarlo”, spiega il regista di “Libero – Sempre comunque mai”.

“In un mondo egoriferito, Picchio si preoccupava di te sempre e comunque. Era un leader vero, buono. Una persona che non aveva mai cattiveria rispetto agli altri. Uno che se doveva fare del male lo faceva a se stesso, ma di certo non lo faceva agli altri. Oggi sarebbe stato al confine con l’Egitto a cercare in tutti i modi di far passare qualche cosa per non far morire di fame i ragazzini. E avrebbe preso posizione nel modo più netto, ma anche nel modo più logico. Avrebbe detto che intanto bisognava smettere di morire e poi ci sarebbe preoccupati del resto”. “Non avrebbe giudicato nessuno. Tendiamo a guardare sempre il bicchiere mezzo vuoto”, continua Federici. “A me basta pensare che i miei figli si sono staccati dalla Play e siano andati in piazza a manifestare. Così come che tanti colleghi hanno provato a fare il loro. Anche lavorando in realtà complicate. Perché ormai non abbiamo più una grandissima libertà, lavoriamo tutti per il mercato. Facciamo progetti che non vengono chiamati più film, ma servizi. Siamo su Amazon, in mezzo alle creme e allo shampoo. Penso, però, che qualcosa si è mosso e spesso ho pensato a picchio in questi giorni”.

La sceneggiatura di “Libero – Sempre comunque mai” è firmata a quattro mani da Riccardo Gentile e Laura Gobbetti. È stato proprio il giornalista di Sky a coinvolgere nel documentario Alessio Maria Federici. Un progetto emotivamente molto complesso. “Io e Picchio ci siamo scazzati per tante motivazioni”, ammette il regista. “Avevamo in comune questo essere disincantati rispetto a quello che facevamo, ma di farlo con tanta passione. Ci eravamo ritrovati. Ci aveva riavvicinato molto il fatto che fossimo diventati entrambi genitori e avevamo scoperto che si nasceva figli, ma non si diventa genitori così facilmente. Ridevamo delle cazzate che avevamo fatto rispetto all’educare i nostri figli”.

“Poi una mattina ero a Sky Sport a presentare ‘Imperfetti criminali’ e uno dei giornalisti era Riccardo Gentile. Mi ha coinvolto perché era un grande appassionato di cinema e un grande appassionato di Santa Maradona. Era una cosa che io avevo sempre rifiutato e messo da parte”, prosegue Alessio Maria Federici. “Anche perché io e Picchio siamo legati a doppio filo anche da un’altra cosa. A 17 anni ho fatto un incidente in motorino e la ragazza che stava dietro di me – una nostra compagna di classe a cui era molto legato – è morta. Il nostro percorso era stato un po’ sulle montagne russe essendo tutte e due un po’ borderline, sfiorandoci. Ma pensando ad Arturo e Lara, i suoi figli, ho creduto fosse giusto fare qualcosa per mostrare loro quanti papà avevano perso perdendo un papà solo”.

Nel 2005 Libero De Rienzo ha debuttato alla regia con “Sangue – La morte non esiste”. Un film dalla potenza rara che fa sfigurare moltissimi altri esordi di attori che in questi anni hanno deciso di passare dietro la macchina da presa. Un’opera che non risponde a nessuna regola, che non si può catalogare e che, come spesso accade, non è stata apprezzata fino in fondo nel nostro Paese venendo premiata, però, un po’ ovunque all’estero. “Questo è il problema del perché il nostro cinema fa ridere”, sottolinea Alessio Maria Federici. “Sangue è un film che nasce da un’esigenza di Picchio. Era un grande autore, un’artista. Non uno di quelli che, arrivato a 60 anni dopo aver passato molto tempo sul set, pensa per osmosi di aver imparato cos’è una lente, come si racconta una storia, quali sono i tempi di un racconto. Picchio aveva una necessità”.

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