Als Galerist mit einem Programm, das eben gerade nicht einer klassischen Galerie entspricht.Als Galerist mit einem Programm, das eben gerade nicht einer klassischen Galerie entspricht.

Als Kurator mit verschiedenen Projekten im öffentlichen Raum wie Art Public Chur, der Gründung der Biennale Arte Bregaglia, der Erfindung der Sala Viaggiatori in Castasegna oder als Impulsgeber für den biennalen Kunstanlass Aux Losanges in Tschiertschen.

Zudem haben der umtriebige Organisator und seine Mitstreiter:innen in Chur wichtige kreative Freiräume erschlossen, wie das Areal der alten Tony Molkerei oder das Gast- und Kulturhaus Marsoel.

Fasciati erzählt, wie er dazu gekommen ist, 1991 «völlig naiv» und als Quereinsteiger eine Galerie in Chur zu gründen und diese – gegen alle Widerstände – über Jahre zu behaupten.

Und er führt aus, warum er nun, nach 35 Jahren aufhört und warum Galerien wie seine mittlerweile Auslaufmodelle sind. Er sagt aber auch klar, ihn habe der Inhalt der Kunst immer viel mehr interessiert als der kommerzielle Aspekt.

Der Galerist und Kurator war über all diese Jahre für zahlreiche Künstlerinnen und Künstler ein wichtiger Mentor. «Kunst machen oder Kunst zeigen sind eben zwei völlig verschiedene Dinge.»

Warum er seiner Heimat zeitlebens treu geblieben ist, was es braucht, um in der Peripherie Kunstprojekte nachhaltig aufzubauen und was seine Zukunftspläne als Kurator sind, erzählt er bei uns im Podcast.

«Ich habe die Rolle der Mutter so ernst genommen wie meine Rolle als Künstlerin», sagt Eugénie Rebetez und erzählt, was die Folgen dieser Doppelrolle waren.

Sieben Jahre hat es gedauert, bis sie mit «Comeback» endlich wieder solo auf der Bühne steht und durch die Schweiz  tourt. Sie fühle sich mittlerweile wie eine andere Person, wenn sie auftritt. «Das Stück handelt genau davon, vom Suchen und Versuchen», sagt sie.

Der Weg zum «Comeback» war geprägt vom Verlangen nach einer neuen künstlerischen Handschrift, nach einem andersartigen Produktionsmodell, in das sie viele andere Künstler:innen eingebunden hat.

Die Künstlerin erklärt, wie sie und ihr Partner, der Artist Martin Zimmermann, die Balance zwischen Künstlerleben und Familie wiederfinden mussten. Und wie sie gelernt hat, ihre eigenen Ideen neu wahrzunehmen und zu respektieren. «Selbstliebe ist wichtig.»

Eugénie Rebetez erzählt uns aber auch, wie sie als Kind in einem kleinen Dorf im Jura mit den Künsten in Berührung gekommen ist und warum sie bereits als Vierjährige Tänzerin, Sängerin und Rockerin werden wollte.

Tourplan «Comeback»

6./7. Dezember Saignelégie

Vor Publikum zu stehen und zu merken, dass die Vorstellung nicht funktioniert und – nach eigenen Massstäben – richtig schlecht wird, sei ein brutales Erlebnis, erzählt Lisa Christ. Und sie sagt auch, dass Nervosität und Angst vor den Auftritten nicht unbedingt abnehmen. «Aber ich brauche diesen Dopamin-Kick.»

Sie hat uns auch erzählt, wie ihr neustes Stück «Ideal» entstanden ist, was denn ihre ganz persönlichen Ideale sind und wie sich bei ihr Bühnenleben und Privates vermischen – oder eben gerade nicht.

Sie hat uns den Unterschied zwischen Comedy, Kabarett und Poetry-Slam erklärt und auch, warum es sie total nervt, wenn Dinge zu kompliziert erzählt werden – beispielsweise in Texten über Kunst.

Und wir haben mit ihr auch über die Fehler des Feminismus gesprochen und darüber, warum Franz Kafka kein Käfer sein musste, um über Gregor Samsa zu schreiben. 

Im Laufe von zwanzig Jahren künstlerischer Arbeit hat Mats Staub ganz eigene Arbeitsweisen entwickelt und Formate geschaffen, die sich zwischen Theater und bildender Kunst, Journalismus und Literatur verorten. Im Zentrum seiner Arbeit stehen die Erinnerungen von Menschen.

Der «Porträtist» – wie er sich selbst einmal bezeichnete – hat seine Werke an zahllosen Festivals und Theaterhäusern weltweit gezeigt. Seine Langzeitprojekte sind sogar in Kooperation mit diesen Institutionen entstanden und teilweise über Jahre hinweg gewachsen. Nun blicken er und seine Mitarbeiterin Simone von Büren in einem Buch auf dieses Werk zurück – ebenfalls in Form von Gesprächen.

In unserem Podcast erzählt der Künstler, wie er seine Gesprächspartner:innen dazu bringt, über persönliche Erlebnisse zu reden und was ein gutes Gespräch ausmacht. Und er erklärt auch, warum es beim Erinnern gar nicht um die faktische Wahrheit geht, sondern viel mehr darum, wie jemand auf seine Vergangenheit zurückblickt und wie diese in die Gegenwart fortwirkt.

Er hat uns aber auch erzählt, warum er den klassischen Journalismus bereits nach dem Studium hinter sich gelassen hat und wie er journalistische Erzählweisen ins Theater, respektive in Ausstellungsräume überführt hat. Und was sein Rezept in kreativen Krisen ist.

Nach zwanzig Jahren auf sein Schaffen zurückzublicken, habe seine Sichtweise darauf verändert. Nun stehe er an einem neuen Punkt, wo ihn neben dem Blick in die Vergangenheit, auch derjenige in die Zukunft interessiere. Und er erfüllt sich quasi einen Berufswunsch, den er bereits mit 21 Jahren gehabt habe: er nimmt sich Zeit, an einem Buch zu schreiben.

Die Kunst des Gesprächs wird er aber weiterentwickeln, denn – «Gespräche führen, kann durchaus süchtig machen.»

Die Galerie Stampa am Spalenberg 2 mitten in der Basler Altstadt ist seit Jahrzehnten eine wichtige Adresse für die Kunst und den Diskurs um sie. Gilli und Diego Stampa erzählen, wie sie – beide ursprünglich Naturwissenschaftler – bereits als Jugendliche zu Galeristen geworden sind. Und auch, wie sie damals, 1969, als vollständige Newcomer Zugang zur ersten Ausgabe der ART Basel erhalten haben.

Mittlerweile blicken die beiden kritisch auf die Entwicklung der Kunstmesse, obwohl sie immer noch daran teilnehmen. Das Wesen der Kunst und der Kultur bleibe inmitten des Kommerzes leider oft auf der Strecke.

Der Globalisierung des Kunstmarktes und der Galerien versuchen sie trotzdem eine eigene Handschrift entgegenzuhalten, durch ihre Treue zu Künstler:innen, experimentelle Formate und – auch nach 56 Jahren – durch Offenheit gegenüber noch unbekannten Positionen.

Und wir haben mit ihnen auch darüber geredet, was es aus ihrer Sicht braucht, um heute als Galerist:in oder als Künstler:in Erfolg zu haben.

Bis am 16. August 2025 sind in der Galerie Stampa Werke des schottischen Lyrikers, Schriftstellers und Künstlers Ian Hamilton Finlay zu sehen.

Das Bergdorf Soazza, an der A13 im bünderischen Misox gelegen, wird vom Nord-Süd-Verkehr meist kaum beachtet. Diesen Sommer gibt es aber einen guten Grund, einen Halt einzulegen: Ein Parcour aus zehn Kunstwerken lädt zum Spaziergang. Künstler:innen wie Roman Signer, Asi Föcker, Valentina Pini oder Peter Conradin Zumthor bespielen das Dorf mit ihren Werken, reflektieren seine Geschichte und Gegenwart.

Das Projekt Arte Soazza wurde von Zilla Leutenegger und Max Küng angeschoben. Das Paar und seine Familie sind dem Dorf schon lange verbunden. Sie haben uns erzählt, warum sie diesen Kunstsommer in der Peripherie lancieren, wie sie dabei vorgegangen sind und was das Publikum erwartet.

Zudem haben uns die renommierte Künstlerin und der viel gelesene Autor Einblick in ihren Arbeitsalltag gegeben. Sie (und ihre beiden Söhne) sind sich selbst die wertvollsten Kritiker:innen und schaffen es trotz Familienalltag, Freiräume für die Kunst zu öffnen. Dass Kinder einem vor einem selbst bewahren können – und dass dies gerade für kreative Personen sehr wertvoll sein kann, ist nur eine der Einsichten, die wir aus diesem wunderbar offenen Gespräch mitnehmen dürfen.

Arte Soazza

Die 34-jährige Bündnerin schreibt und spielt aber auch Songs für ihr Duo Strange Modes und schreibt als Hausautorin am Theater Luzern an ihrem neusten Stück. Dabei wollte sie eigentlich als Jugendliche Opernsängerin werden.

Sie hat uns erzählt, dass sie früher eigentlich eher selten ins Theater ging und welche Inszenierung für sie ein Schlüsselerlebnis war. Neben Theatertexten auch Songs zu schreiben, ist für sie Teil eines zusammenhängenden Prozesses. Sie sagt: «Viel schreiben macht mich zu einer besseren Musikerin, und Songs komponieren zu einer besseren Autorin.»

Calörtschers erstes Stück ist eine Science-Fiction-Distopie, in der Menschen in Plastikpuppen verwandelt werden – wegen der vielen Mikroteilchen im Blut. Trotzdem gelingt es ihr, aus dem düsteren Stoff eine humorvolle Groteske zu machen.

Ihre neuste Arbeit für Luzern, «Die Rückkehr der Fährfrauen», wird das Sterben und Loslassen verhandeln. Wie sie an solch schwere Themen herangeht, trotzdem zum Humor findet, und warum sie Naturwissenschaften sehr inspirierend findet, ist in unserem Gespräch zu hören.

Im Mai ist Sarah Calörtscher mit dem Stück «Grounding» am Theater Chur zu Gast.

«Die Rückkehr der Fährfrauen» feiert am 13. November 2025 im Theater Luzern Uraufführung.

Wie sie das genau meint, und wie sie selbst zu einem so eigenwilligen künstlerischen Ausdruck gefunden hat, das hat sie uns in ihrem Atelier in Buus, einem Dorf in Baselland, erzählt.

Und wir haben natürlich über das Thema und die Werke in ihrer aktuellen Ausstellung gesprochen; darin geht es zwar vor allem um Heimat – aber der Tod ist ebenso präsent.

Sandra Knecht hat uns erzählt, was das Vanitas-Thema für sie bedeutet – und warum sie manchmal auch eine Art Kurator:innen-Schreck ist.

Vor ihrer Karriere als Künstlerin hat sie beinahe zwanzig Jahre als Sozialpädagogin Gassenarbeit in Zürich gemacht. Ihr Wechsel in die Kunstwelt war keineswegs einfach, sondern viel harte Arbeit und ein Wagnis. Wohl deshalb wünscht Sandra Knecht uns und unseren Hörer:innen vor allem eines: mehr Mut!

«Home Is a Foreign Place», Kulturstiftung Basel H. Geiger, bis 27. April 2025.

«The Dinner Party», Serpentine Galleries, London, 9. März 2025

Daniel Baumann ist ein Kurator der Reibung sucht und braucht. Mit sich selbst, aber auch mit den Künstler:innen und dem Publikum.

Seine ersten Ausstellungen machte er in einem Koffer und einer kleinen Wohnung. Als er vor zehn Jahren seine Tätigkeit in der Kunsthalle Zürich antrat, versprach er, diese einem Stresstest zu unterziehen.

Hat die Kunstinstitution diesen bestanden? Und er selbst auch?

Baumann wirft im Gespräch einen kritischen Blick auf seine Zeit in Zürich, spricht über die inflationäre Unübersichtlichkeit der Kunstwelt und über die Arroganz und die Machtposition von Institutionen. Und er sagt auch, warum Kunst nicht die Welt, aber sehr wohl unser Denken verändern soll.

Und wie immer bei «FRIDA trifft» gibt es auch Einblicke in den Werdegang des Gastes. Baumann erzählt zum Beispiel, welches Erlebnis ihn zur Kunst gebracht hat – und welches Erlebnis in davon abbrachte, Künstler zu werden.

Der Kurator arbeitet seit einigen Jahren auch im Team der Engadin Art Talks. Warum er, trotz anfänglicher Skepsis, von diesem Format begeistert ist, und wie dieses von Zuoz aus den Weg in die Metropolen der Kunstwelt fand, hat Baumann uns ebenfalls erzählt.

Die extremste Erfahrung sei das Durchleben von Abramovićs Langzeitperformance «House with the ocean view» in Bonn gewesen: Zwölf Tage und zwölf Nächte ohne Essen und ohne zu sprechen vor Publikum zu performen.

Lyn erzählt, warum Lyn danach für einen Moment kaum mehr klar kam, erklärt aber auch, warum Kontrollverlust sehr interessant und das Verlassen jeglicher Komfortzone spannend sein kann. Letztendlich gehe es um die Magie von Langzeitperformances.

Und Lyn erklärt auch, was es bedeutet, vom eigenen Körper zu lernen, anstatt ihn über den Kopf disziplinieren zu wollen.

Lyn wohnt gemeinsam mit Frau und Kindern in Winterthur. Um sich die künstlerische Freiheit zu bewahren, arbeitet Lyn lieber als Gärtnerin oder als Velokurierin, als in der Kunst Kompromisse einzugehen.

Im Wissen, mit Performance kaum viel Geld verdienen zu können, sagt Lyn: «Reichtum ist für mich nicht unbedingt an Geld gekoppelt. Es gibt ja auch sozialen oder seelischen Reichtum. Ich hab mich einfach sehr früh an einen Lebensstandard gewöhnt, der ultra-low-budget ist.»

Lyn Bentschik zeigt bei der Eröffnung der Dezemberausstellung im Kunst Museum Winterthur, am Freitag, 29. November 2024, die Performance «fragile».