With “Bugonia”, released in Italian theaters by Universal Pictures on October 23, Emma Stone returns to Venice competition with Yorgos Lanthimos, alongside another actor from the director’s “family,” Jesse Plemons, in a claustrophobic, semi-dystopian story about the CEO of a multinational corporation who is kidnapped by two young men obsessed with conspiracies, convinced that she is an alien bent on destroying planet Earth.

A remake of Jang Joon-hwan’s 2003 South Korean film “Save the Green Planet!”, the film, Lanthimos explains, “speaks about the present and how we are disconnected from reality.”

“Bugonia” marks the 4th collaboration between Emma Stone and Yorgos Lanthimos and the third film project to be produced by the actress.

Emma Stone speaks about her work with Lanthimos and their trust in each other: “every character brings their own set of challenges and things to uncover  but I trust Lanthimos’ barometer so much that when we’re doing these things, I know I can rely on him to tell me when it’s off or when I’m going in the wrong direction”.

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Per il suo settimo film con Toni Servillo, “La Grazia”, Paolo Sorrentino apre l’82esima Mostra d’Arte Cinematografica di Venezia.

Terza volta in concorso al Lido per il regista premio Oscar, se si esclude la serie “The Young Pope”, con un film che vede Toni Servillo nei panni di Mariano De Santis, ex giudice e Presidente della Repubblica giunto al semestre bianco del suo mandato.

“La Grazia” racconta il protagonista di fronte a due dilemmi morali e politici che richiedono il suo intervento prima di chiudere quel capitolo istituzionale di vita: concedere la grazia a due richiedenti e firmare la legge sul diritto alla eutanasia in Italia.

Accanto ad un caposaldo come Toni Servillo, Paolo Sorrentino sceglie di affiancargli Anna Ferzetti, per la prima volta da lui diretta, nel ruolo della figlia del Presidente e sua collaboratrice.

Nel film si dice che la leggerezza della gioventù, in vecchiaia, si trasforma in grazia, che poi non è altro che la bellezza del dubbio. Di questo traguardo raggiunto dal suo personaggio che infonde speranza nella possibilità che ci si possa “alleggerire” nella vita, Toni Servillo dice: “Mi fa piacere che il personaggio politico, frutto della fantasia di Paolo, sia un personaggio che animi sentimenti anche di leggerezza , di positività” .

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Gianfranco Rosi torna in concorso per la terza volta alla Mostra del cinema di Venezia, dopo aver vinto il Leone d’oro nel 2013 con “Sacro GRA“, con un film che ritrae una Napoli poco conosciuta e meno turistica. Una Napoli in bianco e nero all’ombra del Vesuvio.

“Sotto le nuvole“, una produzione 21Uno Film, Stemal Entertainment con Rai Cinema, nelle sale dal 18 settembre con 01 Distribution, è un racconto della memoria, “tra quello che è, quello che è stato e quello che potrebbe essere”, che si è sviluppato in tre anni di lavoro.

“È stata quasi un’intuizione, una necessità – spiega il regista – Era come cercare di proteggermi anche da tutto quello che sono un po’ le idee su Napoli ormai stereotipata. La sfida del film era un po’ sradicare questi luoghi, trovare una città che avesse un’altra voce, meno conosciuta, che scopriamo proprio attraverso tanti personaggi diversi”. 

Ci sono un maestro di strada che dedica il suo tempo al doposcuola per bambini e adolescenti, i vigili del fuoco che ascoltano le richieste di aiuto dei cittadini, le forze dell’ordine che inseguono i tombaroli, una nave siriana, nel porto di Torre Annunziata, che scarica il grano ucraino. “Ogni volta cerco un linguaggio diverso che trasformi la realtà in qualcos’altro. Questo per me è fondamentale. Non basta osservare qualcosa, ma far sì che questa osservazione si trasformi in qualcosa anche di universale”, ha spiegato ancora Rosi.

“Jean Cocteau diceva che dice il Vesuvio fabbrica tutte le nuvole del mondo. Per me Napoli è il mondo,  ha un contatto universale col mondo“, conclude il documentarista.

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Kinótico es el programa de cine y series dirigido por David Martos para kinotico.es  y Onda Cero, una de las cadenas de radio más importantes de España.

David Martos, colaborador de FRED Film Radio, analiza cada semana la actualidad de la industria audiovisual y entrevista a sus protagonistas. Durante la Mostra de Venecia, repasa con su equipo las principales películas que compiten por el León de Oro.

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Interview during the 82nd edition of Venice International Film Festival with Noah Baumbach, director of the film “Jay Kelly”, and actors Laura Dern and Adam Sandler. The production, in competition in Venice Film Festival 2025, tells the story of Jay Kelly, a movie star in the style of the protagonist: George Clooney.

During their interview with FRED Film Radio, our guests told us about how fun it was to reflect in a film many aspects of their everyday life. Noah Baumbach talked about the script, written by actress Emily Mortimer and himself, and Adam Sandler underlined how wonderful it was to work with George Clooney.

“Jay Kelly” shows us the life of a star that tries to reconnect with his family. He drops a shooting in order to travel to Europe and share some time with one of his daughters, but that trip won’t end up as he first expected.

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The 82nd Venice Film Festival is honored to present Jihan K, the director and producer of the compelling documentary “My Father and Qaddafi,” showcased in the out of competition section. More than just a film, it’s a profound exploration of family secrets, historical reckoning, and the search for identity against the backdrop of a nation scarred by dictatorship and civil war. In this exclusive interview, Jihan K delves into the emotional landscape that fueled the film’s creation, revealing the personal stakes that made this project a decade-long labor of love.

For Jihan K, debuting “My Father and Qaddafi” at the Venice Film Festival represents a dream realized. The director speaks passionately about Venice being the ideal stage for her film. She explained that this project took nearly a decade to complete. “During the application process, my heart was always in Venice,” she admitted.

The core of “My Father and Qaddafi” lies in its effort to humanize Libya, moving beyond the monolithic image shaped by decades of political turmoil and Gaddafi’s autocratic rule. Jihan K articulates a clear vision: to foster empathy and understanding for the Libyan people.

Through personal anecdotes and unearthed family history, Jihan K paints a vivid portrait of a nation yearning for recognition beyond its political struggles. “My hope would be that people can walk away from the film feeling a more human, empathetic connection to Libya, to Libyans, and to have a more personal connection to it, as opposed to always being monopolized by politics and a dictator,” she states.

Jihan K’s journey into the past was driven by an urgency to preserve not only the memory of her father but also her own connection to a rapidly changing Libya. She recalls the impact of finding her father’s body 19 years after his disappearance. When the country descended into civil war, the stakes became clear: “I realized there’s a chance that not only will I lose the memory of my father, but potentially my entire connection with Libya. This realization became the catalyst for “My Father and Qaddafi”.

The film delves into the complexities of knowing a person, especially one who has become a symbol. Jihan K reflects on the challenges of piecing together her father’s identity from fragmented memories, family stories, and historical accounts.

Jihan K wanted to know the man behind the myth. That’s why, despite the difficulties, she tried to find the deeper forces that drove her father because “when someone becomes immortalized as a martyr, you also come up with new barriers, different kinds of barriers, where people don’t want to actually… The truth can also be hidden because of wanting to keep him as a perfect being.”

When asked about the most rewarding aspect of completing “My Father and Qaddafi,” Jihan K speaks of creating a portrait of her father that she finds peace in. It allowed her to step out of the role of a “passive spectator” and become an active agent. It’s a film that has changed the director’s life.

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The Soup of The Day il programma quotidiano di FRED Film Radio che ti porta ogni giorno nel cuore della 82esima Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica direttamente dal Lido di Venezia.

Condotto da Federico Spoletti e Angela Prudenzi, ogni giorno approfondimenti sui film di questa edizione, i commenti ai titoli in Concorso, Fuori Concorso e Orizzonti, così come delle sezioni parallele e indipendenti di Giornate degli Autori e Settimana Internazionale della Critica, con tanti ospiti del mondo del cinema, critici, interviste esclusive e curiosità dietro le quinte.

Ascolta The Soup of the Day e ogni giorno riceverai tutti gli aggiornamenti e le novità dal Lido, vivendo così la Mostra a 360 gradi! Da non perdere…

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Global Critics Venice Voice, hosted by internationally renowned film critic Rita Di Santo, is the daily podcast of the 82nd Venice International Film Festival, produced by FRED Film Radio directly from the Lido di Venezia.

Each episode takes listeners inside the Festival with exclusive and thoughtful conversations with leading international film critics, and in-depth analysis of the year’s most anticipated films.

Rita Di Santo and her guests bring to life the unique atmosphere of Venice, offering a rare insider’s view of the stories, talent, and cinematic moments that make the Mostra one of the world’s most celebrated cultural events.

In this episode of Global Critics Venice Voice Rita Di Santo hosts:

Kerem Akca (Post, Turchia), Oraz Kereibayev (98mag, Kazakhstan) and Peter Bradshaw (The Guardian, UK).

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“Stereo Girls“, di Caroline Deruas Peano, presentato alla Settimana della Critica, è un viaggio tra amicizia, emozioni e ricordi, un profondo viaggio nel tema dell’adolescenza e dei legami veri e sinceri. Diretto da una regista che ha radici sia francesi che italiane, il film si propone di  immergere lo spettatore nelle intense emozioni dell’età dell’adolescenza.

Il film apre con un disclaimer forte e chiaro, che invita a riflettere sulla natura delle amicizie vere e profonde. Se chi guarda sospetta di non aver mai vissuto un legame autentico, forse questo film non è il film adatto. Proprio questa introduzione serve a creare un’atmosfera di immediata partecipazione, coinvolgendo lo spettatore nel racconto di due ragazze che attraversano il passaggio dall’adolescenza all’età adulta.

Uno degli aspetti più significativi di “Stereo Girls” è il suo approccio visivo. Caroline Deruas Peano spiega come abbia scelto consapevolmente di rappresentare il mondo adolescente con immagini e colori eccessivi, che riflettessero la percezione della vita durante quell’età: “Tutto in quell’età era troppo, i colori, le emozioni“, afferma. Questa esagerazione estetica è una leva emozionale per lo spettatore, per  trasportarlo con le protagoniste in quei momenti fondamentali di passaggio e di crescita. Le scelte di tecnica e stile cinematografico enfatizzano le parti più oniriche e sognanti, con dettagli di texture a grana più ruvida, che ricordano il cinema degli anni Settanta e Ottanta, provenienti anche dal cinema italiano e americano di quegli anni. La differenza tra le scene di realismo e quelle oniriche è evidente, valorizzando ulteriormente il viaggio emotivo delle protagoniste.

Il cast, in particolare le due attrici principali, rappresenta un elemento chiave per la riuscita del film. La regista sottolinea come la chimica tra le due ragazze sia stata spontanea e decisiva: “Sembrava un dono, un regalo“. Il lavoro delle attrici è stato così autentico che ha facilitato notevolmente il processo di recitazione, rendendo le loro interpretazioni naturali e profonde.

“Quando ripenso a noi adolescenti, provo una cosa che sta tra rabbia e tenerezza“, afferma la regista. Il film rappresenta non solo il dolore della perdita, ma anche un percorso di accettazione e di rivalutazione delle emozioni di allora. La scena finale mostra il desiderio di riconciliare il passato con il presente, di preservare quell’amicizia come un ricordo prezioso, senza rabbia ma con consapevolezza.

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Incontrando la regista Carolina Cavalli e l’interprete principale Benedetta Porcaroli, de “Il rapimento di Arabella” scopriamo il talento e la visione dietro  un’opera che unisce profondità emotiva, innovazione estetica e un sapiente equilibrio tra realtà e finzione. “Il rapimento di Arabella” si presenta come un’opera ricca di significato e stile, capace di coinvolgere lo spettatore in una riflessione sulla vita, le illusioni e il senso di sé, attraverso una narrazione elegante e un’estetica decisamente non convenzionale.

Carolina Cavalli ha spiegato come l’ispirazione per “Il rapimento di Arabella” sia nata dalla riflessione sulle infinite possibilità di vita che ognuno di noi può immaginare, e dall’idea che, finché si ha spazio e libertà, si possa vivere una sola realtà tra le tante possibili. La protagonista, interpretata magistralmente da Benedetta Porcaroli, si confronta con il senso di aver perso un’occasione, vivendo un’esistenza che non rispecchia la sua vera volontà. L’opera si svolge in scenari volutamente atipici, luoghi inventati ma dal forte senso di verosimiglianza, che contribuiscono a creare un’atmosfera onirica e privata. La scelta estetica di ambientazioni non geograficamente precise permette di sintetizzare l’emotività e le tensioni della narrazione senza perdere di vista la verità interna ai personaggi.

Benedetta Porcaroli dà vita a Holly, un personaggio sfaccettato che evolve e involve  nel corso del film. La sua interpretazione si distingue per la capacità di rendere naturale anche il tono più difficile, spesso spostato rispetto alla realtà convenzionale, ma mai fuori controllo. La sua bravura sta nel leggere e restituire la vitalità di personaggi non immediatamente simpatici, mostrandone la profondità emotiva e le contraddizioni. Questo approfondimento sui personaggi permette allo spettatore di entrare in un mondo fatto di sfumature umane, affrontando temi universali come l’identità, il rimpianto e la ricerca del senso di sé. La tecnica narrativa e interpretativa si amalgama perfettamente, creando un contenitore emotivamente coinvolgente, dove la realtà si mescola con un leggero tocco di surreale, senza sconfinare nell’assurdo.

La regista Carolina Cavalli ha adottato un approccio molto dettagliato nella creazione degli spazi, disegnando una mappa immaginaria che unisce elementi di realtà con un mondo inventato. Questa scelta permette di mantenere un tono autentico e intimo, anche se il setting non corrisponde a luoghi specifici del nostro pianeta. Attraverso questa strategia, il film riesce a trasmettere un senso di universalità, rendendo ogni scena e ogni luogo credibile nella loro suggestione.

Benedetta Porcaroli, interprete di Holly, ha condiviso la sua esperienza nel portare in scena un personaggio complesso. Ha sottolineato come il suo rapporto con la bambina che interpreta nel film abbia rappresentato una sfida e un’esperienza autentica, arricchita da un’intensa verità emotiva. La capacità di mescolare spontaneità e interpretazione composta ha permesso di rendere credibili le tante sfumature di Holly, creando un ponte tra il personaggio e l’attrice stessa.

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