Dopo l’anteprima all’ultima Festa del Cinema di Roma in Grand Public, l’opera prima di Stefano Casertano, “Elena del Ghetto” arriva nelle sale con Adler Entertainment dal 29 gennaio.

Prodotto da Titanus Production e Masi Film, M74, Sound Art 23, Titanus SpA con Rai Cinema, il film racconta le vicende di vita di Elena Di Porto, detta “Elena la matta di Piazza Giudia”, colei che ha  segnato la storia del ghetto ebraico di Roma durante il fascismo e l’occupazione nazista. Ad interpretarla per il grande schermo, Micaela Ramazzotti.

Stefano Casertano l’ha definita una ribelle come Cassandra poiché Elena si guadagnò questo nome nel tentativo di avvertire la sua comunità sulla soffiata che aveva avuto: la notte prima del rastrellamento del ghetto,  il 16 ottobre del 1943, disperata sotto la pioggia battente, provò a farsi ascoltare, a mettere in salvo pià famiglie possibili ma non venne ascoltata. Non le credettero perché nessuno crede ad una matta, anticonformista.

Micaela Ramazzotti che le ha dato volto e corpo, la racconta come “una donna di grande intelligenza, considerata matta solo perché riusciva a all’epoca a fare quello che voleva“. Separata dal marito con due figli piccoli a carico, indossava i pantaloni, fumava, beveva, tirava di boxe e giocava a stecca.

I produttori di “Elena del Ghetto” hanno più volte sottolineato che raccontare la storia di Elena Di Porto significa restituire dignità a quelle donne bollate come matte per essere zittite solo perché ribelli e non conformi ad una società che le voleva soggiogate e sottomesse alle regole del patriarcato. “Elena del Ghetto” trasforma lo stigma in un atto di resistenza.

Ricorda Micaela Ramazzotti: “Lei è andata al confino, più di due volte, e aveva una grande capacità di affrontare le ingiustizie, difendendo il suo spazio e le sue convinzioni”. “Elena del Ghetto” trasmette un potente messaggio di autostima e di coraggio di essere se stessi, anche di fronte alle avversità. La sua capacità di non lasciarsi travolgere dalla paura e di accettarsi per quello che era, rappresenta un esempio ispiratore per tutte le donne. La storia di Elena ci insegna che la vera forza nasce dall’amore per sé e dalla volontà di combattere per i propri ideali.

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Il Trieste Film Festival si conferma come uno degli eventi culturali più significativi del Nord Italia e del Centro Est Europa, grazie a una lunga storia di oltre 37 anni. La manifestazione, frutto dell’impegno di associazioni locali come Alpe Adria Cinema, rappresenta un punto di riferimento per gli amanti del cinema indipendente e internazionale, rafforzando il legame tra la città e la sua vocazione culturale. Abbiamo incontrato Monica Goti, presidente della associazione Alpe Adria Cinema e del Trieste Film Festival.

Il successo del Trieste Film Festival si basa sulla sua forte connessione con la comunità locale. Come sottolineato durante l’intervista, il pubblico di Trieste si identifica profondamente con il festival, che nasce e cresce nella stessa città. La partecipazione di giovani e di veterani del festival crea un’atmosfera di festa autentica, quasi da stadio, che esprime l’amore e l’orgoglio per questa manifestazione. Le sinergie con partner locali, dall’imprenditoria alle istituzioni culturali, sono cresciute nel tempo, rafforzando il ruolo strategico del festival nel panorama regionale.

Il Trieste Film Festival si distingue anche per una pianificazione a lungo termine, grazie ai finanziamenti pubblici triennali che permettono di sviluppare nuove idee, come masterclass di registi internazionali e eventi più strutturati. La continuità di questo supporto pubblico facilita l’attrazione di sponsorship private, sia grandi che di piccolo taglio, consolidando il festival come un’occasione di crescita culturale e imprenditoriale. Collaborazioni con realtà esterne, come il mercato cinematografico When East Meets West, arricchiscono ulteriormente l’offerta.

Guardando al futuro, la volontà condivisa è quella di coinvolgere giovani professionisti e appassionati, affinché trasmettano la passione per il cinema e la cultura, contribuendo a mantenere vivo il patrimonio culturale del Trieste Film Festival. Questo festival rimane quindi un esempio di come passione, collaborazione e radicamento territoriale possano dar vita a un evento culturale di grande impatto, destinato a crescere ancora negli anni a venire.

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After premiering at the Locarno Film Festival and participating at the Sarajevo Film Festival, Fantasy, Kukla’s debut feature after her critically acclaimed short film “Sisters“, is in competition at the 37° Trieste Film Festival.

The film features three girls, Mihrije, Sina and Jasna, outsiders in their little world, as they don’t conform to the conservative system they’re sort of forced to live in. Their world or their perception of it, especially Mihrije’s (Sarah Al Saleh) will definitely change after they meet Fantasy, a trans woman trying to live her life at her own rules.

Kukla comes from the music world as she directed many music videos in her career. The idea for Fantasy came to her 10 years ago when she was directing a music video and the protagonists were tomboy girls in grey sweats, riding motorbikes and training together. “That image of the “forgotten ones” in baggy clothes with ponytails low down by the hair line, who somehow remained prisoners of their family and their environment for not fitting the rigid rule lines of womanhood in patriarchal Balkans, got stuck in my head – writes Kukla –  and sparked a cascade of memories and visions, from sworn virgins (virdžinas), which is a big and complex part of Balkan history, to the legacy of turbo folk culture today”.

The director then discovered that, in a way, this story could also reflect her own experience growing up and living in the Balkans so that the film rapidly acquired a more universal tone becoming an exploration on ‘What is a Woman?’, ‘How is it to be a woman?’ today and here.

“Fantasy” explores complex themes of gender, desire, and self-discovery within the vibrant Balkan context. The movie weaves dreamlike visuals with social realism, creating an evocative portrayal of young women’s journeys.

By blending musical influences with magical realism, “Fantasy” captures the fluidity of identity and desire, making it both a local story and a universal reflection on human vulnerability and resilience.

The creative journey of “Fantasy“ was heavily influenced by the director’s background in music videos and her admiration for cinematic traditions like magical realism and social realism. The film visually emphasizes the poetics of concrete environments while exploring the dreamlike states of its characters. This stylistic choice underscores the tension between reality and fantasy, making “Fantasy” a visually bold and emotionally compelling film that resonates with audiences worldwide.

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After premiering at the latest Karloff Vary Film Festival, where it won the award for Best director, “The Visitor (Svečias)”, renowned cinematographer Vytautas Katkus’ debut feature, lands the 37th Trieste Film Festival’s competition.

Shot in 16 mm, “The Visitor” could be considered as a late coming of age of a 30 year old who recently became a father and finds himself in a situation where he’s forced to return to his hometown in Lithuania to sell his childhood flat.

“Sometimes, you need to return for a while just to understand that it’s no longer your place.” says Katkus in his director’s notes. “The Visitor”, indeed, explores the feeling of not really belonging to a place anymore while confronting memories of the past and experience a strange in between feeling.

The starting points for “The Visitor” were, for Katkus, three main topics he couldn’t explore enough with his short films: loneliness, the father-son relationship and the atmosphere, in terms of the environment a person lives in. The latter is treated by the director as a character itself, sharing the stage with the protagonist, Danielius.

“Danielius feels like an alien in this place he once grew up in and belonged to” says Vytautas Katkus, explaining the reason for the film’s international title, echoing those genre alien movies.

The film explores not just physical relocation but also the emotional journey of understanding oneself through the lens of past and present. It stands out for its unique approach to storytelling, blending documentary-style realism with emotional depth. Danielius is afraid of losing his roots yet yearns to let go of memories tied to his childhood environment. This duality invites viewers to reflect on their own feelings of belonging and the ways memories shape our identity. The film’s ability to establish a strong empathy for the main character makes it resonate on a deeply personal level.

“The Visitor – Svečias” employs a non-narrative, puzzle-like structure, divided into chapters that each depict different facets of loneliness and human experience. Katkus’ style incorporates various cinematic elements—absurdity, musical moments, and visual poetry—to mirror Danielius’ complex mental landscape. This stylistic approach allows the audience to piece together the story, making the experience immersive and introspective.

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Dopo aver presentato il suo Song of All Ends, alla scorsa edizione del Trieste Film Festival, Giovanni C. Lorusso torna al festival, all’edizione 37esima, per concorrere nuovamente al Premio Salani con “On Defiance”.

L’opera, girata in Gambia, segue il percorso di Mohammed, un rifugiato del Mali che, ogni giorno, con il suo fedele amico asino Shamu e la figlioletta Yama, cerca di combattere la disperazione e la povertà, raccogliendo rifiuti, in attesa della moglie dispersa all’estero e con solo la propria fede a sostenerlo.

Seguendo la stessa metodo dei lavori precedenti, “Americano!” e “Song of All ends”, Lorusso ha iniziato esplorando il Gambia senza avere un obiettivo preciso. L’intento era solo quello di seguire quanto già iniziato nei mesi precedenti alla sua partenza per il Gambia, analizzare un tema filosofico a cui caro: il rapporto tra la comprensione analitica e quella religiosa del mondo.

Dopo soli 10 giorni passati a vagare per le strade di Banjul in bicicletta, facendo innumerevoli incontri, Lo Russo incontra Mohammed Keïta, un netturbino di 30 anni immigrato dal Mali tre anni prima, dotato di un’energia e di un carisma entusiasti. Da lì inizia la collaborazione, da lì inizia “On Defiance”.

Il film affronta la tematica della sfida all’autorità divina con uno spirito esistenzialista, ispirandosi alle opere di Camus e “Timore e tremore” di Søren Kierkegaard. Attraverso scene intense e personaggi autentici come Keïta ma anche gli stessi Yama ( che nella realtà non è figlia del protagonista) e l’asino Shamu, “On Defiance” mostra come la ribellione possa diventare un atto di estrema libertà, capace di sfidare le convenzioni e di aprire spazi di riflessione.

Un’opera che esplora le tensioni tra fede, morale e libertà individuale, con un focus particolare sull’etica del sacrificio compiuto da Abramo, simbolo universale di sfida e fede.

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Si terrà dal 16 al 24 gennaio la 37a edizione del Trieste Film Festival, il più importante appuntamento italiano con il cinema dell’Europa centro orientale.

Diretto da Nicoletta Romeo, la rassegna prevede oltre 120 eventi tra film, documentari, corti, masterclass e incontri con i protagonisti, dai grandi maestri agli esordienti, registi e attori, e con le loro storie, capaci di creare ponti tra Est e Ovest.

Sottolinea Romeo come Trieste si trasformerà in un crocevia di culture, con una selezione di film e autori che offrono uno sguardo profondo sulla complessità umana e sociale europea. Il festival dunque si farà bussola per l’Europa Cinematografica, “con visioni capaci di  orientarci in una geografia umana sempre più complessa”.

L’attenzione è rivolta a autori che sussurrano piuttosto che urlare, valorizzando cinema meno mainstream, capace di parlare di intimità, memoria collettiva e critica sociale. Attraverso le opere presentate, il festival si propone di essere una piattaforma aperta a voci spesso marginalizzate, offrendo a queste storie una visibilità internazionale.

Aprirà il festival, nella giornata di venerdì 16 gennaio al Teatro Miela, “Franz” della regista polacca Agnieszka Holland (distribuito in Italia da Movies Inspired), che torna dopo il successo di “Green Border”.  Il 20 gennaio invece, al Politeama Rossetti, l’esordio nazionale, dopo l’anteprima mondiale alla sezione Cannes Premiere, di “The Disappearance of Josef Mengele” di Kirill Serebrennikov sulla fuga clandestina di Josef Mengele.

Tra le altre grandi anteprime, “Two Prosecutors” di Sergei Loznitsa, già in concorso a Cannes e anche questo titolo in shortlist agli EFA (poi in distribuzione italiana con Lucky Red), “Mirrors No. 3″ di Christian Petzold, nella sezione Quinzaine des Cinéastes a Cannes (in Italia con Wanted) e infine “In die Sonne schauen – Il suono di una caduta / Sound of Falling” (distribuito in Italia da I Wonder Pictures), opera seconda della regista tedesca Mascha Schilinski, Premio della giuria al festival di Cannes e candidato dalla Germania agli Oscar 2026 nella categoria Miglior film internazionale.

Il regista Kirill Serebrennikov terrà una masterclass la mattina il 21 gennaio, alle ore 11.30, al Rossetti), moderata da Joël Chapron, storico collaboratore del Festival di Cannes ed esperto di cinema russo e sovietico. La chiusura del festival, il 24 gennaio,  sarà invece dedicata a “Silent Friend” di Ildikó Enyedi (in Italia con Movies Inspired), già in concorso a Venezia  dove all’attrice Luna Wedler è andato il Premio Marcello Mastroianni e in shortlist per gli EFA. Quello stesso giorno, sempre al Politeama Rossetti alle 17.00, la regista ungherese incontrerà il pubblico in una masterclass.

Il concorso si concentra su opere prime e seconde, con otto film provenienti da diverse nazioni europee, spesso di giovani registi con storie di formazione tese a riflettere su identità e ingiustizie sociali. Il festival presenterà 8 lungometraggi in gara, 10 documentari, 14 cortometraggi, 6 titoli italiani (per il Premio Salani). Tra le altre sezioni, ci sarà ancora, dopo la novità dello scorso anno, Visioni Queer, dedicata alle storie che intendono aprire una finestra sul contributo dato dal cinema dell’Europa centrale e orientale ai diritti delle comunità Lgbtq+, in tanti Paesi dove la libertà di espressione è messa a rischio. Tra i focus presenti in programma al festival, non mancherà infine Wild Roses, la sezione dedicata alle registe europee, che quest’anno celebra le voci femminili del cinema sloveno. La sezione Fuori dagli sche(r)mi presenterà invece film meno convenzionali, tra cui commedie nere e docufiction che esplorano temi come la famiglia, la memoria e l’identità queer, sottolineando ancora una volta come il festival rappresenti un crocevia di nuovi linguaggi e visioni.

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Dal 9 gennaio,  in esclusiva su Sky e in streaming solo su NOW, arriva l’attesissimo prequel di “Gomorra – La serie”: “Gomorra – Le Origini”.

Con Marco D’Amore come supervisore artistico e regista dei primi quattro episodi, la origin story  sull’educazione criminale del futuro boss Pietro Savastano, incarnato nella serie “madre” da Fortunato Cerlino.

Marco D’Amore illustra il processo creativo dietro il suo approccio alla serie, ponendo l’accento sull’importanza del contesto storico del 1977 e la differenza nel modo in cui quest’anno di grande fermento viene vissuto nel mondo e in quel piccolo microcosmo che è Napoli e più nello specifico Secondigliano.

“Quelli sono anni di cambiamenti epocali – sottolinea –  dove arrivano dall’estero ma anche dal nostro Paese delle istanze che hanno stravolto il mondo: la rivoluzione femminista, la lotta operaia, gli anni di Piombo. Questa periferia in cui crescono i nostri personaggi viene semplicemente sfiorata da questi echi, poiché sono altre le preoccupazioni che agitano gli esseri umani che raccontiamo, alle prese con la fatica della vita, con la sopravvivenza quotidiana”.

“Gomorra – Le origini”, creata da Leonardo Fasoli, Maddalena Ravagli e Roberto Saviano e diretta, oltre che da Marco D’Amore, da Francesco Ghiaccio negli ultimi due episodi di sei totali, vede Luca Lubrano nel ruolo del giovane Pietro, qui ambizioso e inquieto ragazzo di strada di Secondigliano che insieme al suo inseparabile gruppo di amici sogna una vita migliore, per loro e per le loro famiglie.

Marco D’Amore rimarca che la serie dimostra come la povertà estrema e l’assenza di opportunità segnino il destino dei protagonisti, trasformando la loro ambizione in una strada verso il male. Le origini del male sono le stesse che possono dare vita al bene: “il discrimine non sta nell’attitudine, nel carattere, ma sta nelle possibilità” ricorda D’Amore.

Attraverso il genere del racconto di formazione, D’Amore esplora le radici sociali di Napoli, confrontando la propria educazione con la privazione vissuta dai suoi personaggi. Il regista descrive inoltre il suo ruolo paterno nei confronti del giovane cast, cercando di proteggerli dalle pressioni mediatiche che lui stesso ha affrontato in passato. Infine, l’opera si propone come una ricerca d’epoca che utilizza la memoria storica come strumento necessario per comprendere il presente e pianificare il futuro.

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En los cines italianos gracias a Mubi a partir del 8 de enero de 2026, para inaugurar el nuevo año cinematográfico, llega el ganador del Premio del Jurado en el Festival de Cannes 2025: “Sirât”.

Producida por Pedro Almodóvar, Agustín Almodóvar y Esther García para El Deseo, la película cuenta con Sergi López en el papel de un padre que, junto a su hijo, recorre los raves de Marruecos en busca de su hija, desaparecida meses antes. De fondo, quizá, un futuro despótico, tangible, de Tercera Guerra Mundial y de sufrimiento global.

“Sirât” es una película que enfrenta al espectador con las profundas heridas de la humanidad en un tiempo de incertidumbre global. En su creación, el director Oliver Laxe buscó confrontar el miedo que domina a la sociedad actual, retratando a una familia que simboliza a toda la humanidad herida. La obra invita a conectar con la vulnerabilidad, entendiendo que solo a través del reconocimiento de nuestras heridas y del colectivo podemos encontrar una salida.

La película es un road movie apocalíptico que se transforma muchas veces a lo largo de su viaje, tanto literal como emocional, hasta el fin del mundo.

Inspirada en las historias de los libros sagrados y del cine de héroes, la obra presenta un viaje interior que cuestiona la existencia y la muerte. Según su director, “Sirât” reencanta el mundo, recordándonos que vivimos en un universo mágico y que la película actúa como una medicina amarga, pero necesaria, para afrontar la mortalidad y vivir con mayor intensidad y lucidez.

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Per il suo debutto alla regia cinematografica, “Primavera”, Damiano Michieletto sceglie di farsi ispirare dal dal romanzo “Stabat Mater” di Tiziano Scarpa che racconta il lungo inverno di due anime affini, quella del musicista Antonio Vivaldi e della sua allieva violinista Cecilia.

Ambientato nella Venezia dei primi del 1700, il film narra dell’incontro tra Vivaldi e l’ambiziosa violinista Cecilia, un’orfana all’Ospedale della Pietà di Venezia, un’istituzione che accoglieva bambini e bambine abbandonate e di come il loro rapporto sia destinato a cambiare i destini di entrambi.

“Tu non suoni per essere lodata” dice, colpito,  il Maestro Vivaldi a Cecilia. Quella è la frase che sancisce la loro differenza più grande: Cecilia è in cerca della propria identità mentre Vivaldi è preso dal costante desiderio di veder riconosciuto il proprio talento. Tecla Insolia e Michele Riondino, interpreti di Cecilia e Vivaldi, commentano questo aspetto dei loro personaggi e il loro essere disposti ad attraversare i tormenti della creatività e dell’ambizione pur di raggiungere i propri sogni.

Il film sottolinea anche l’importanza di essere riconosciuti e sostenuti nella propria espressione artistica. Tecla Insolia e Michele Riondino riflettono sul difficile equilibrio da raggiungere tra la sola soddisfazione di creare ed esprimere la propria arte e il bisogno che il prodotto della nostra creazione venga approvato dal consenso del pubblico.

La storia di Vivaldi e Cecilia si trasforma in un simbolo di come il successo possa arrivare solo se si ha il coraggio di rischiare, di sognare e di condividere il proprio talento, anche quando il mondo sembra non voler investire in noi.

In definitiva, “Primavera” celebra le stagioni della vita e l’importanza di coltivare i propri sogni, senza paura del giudizio o del fallimento.

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Tra i più visionari e rivoluzionari registi di opera lirica, in Italia e nel mondo, Damiano Michieletto approda alla regia cinematografica con “Primavera”, la sua opera prima.

Presentato in anteprima al Toronto Film Festival questo autunno, il film sarà nelle sale italiane, distribuito da Warner Bros, il 25 dicembre.

Liberamente tratto dal romanzo “Stabat Mater” di Tiziano Scarpa pubblicato in Italia da Einaudi, “Primavera” racconta, per usare le parole dello stesso Damiano Michieletto, dell’incontro e del risveglio di due anime dopo un lungo inverno: quella della giovane e talentuosa violinista Cecilia ( Tecla Insolia), orfana in cerca di una propria identità, e quella di Antonio Vivaldi (Michele Riondino), un uomo travolto dal proprio furore creativo ma anche infragilito dal bisogno costante di veder riconosciuto il proprio talento.

Il film si apre con un’atmosfera di rinnovamento, simbolo tipico della primavera, ma anche di un percorso interiore di riscoperta. La narrazione intreccia il mondo storico di Vivaldi, che ha dedicato quarant’anni alla docenza in un orfanotrofio, con le ambizioni artistiche di Cecilia, in cerca di libertà e riconoscimento. Il collegamento tra questa stagione e la crescita personale si riflette nella necessità di superare paura e limiti per trovare la propria voce.

Tra le frasi che colpiscono del film c’è “I tormenti peggiori sono quelli di chi sogna cose impossibili”. Primavera racconta chi sceglie di attraversarlo quel tormento pur di riuscire? creare?

Damiano Michieletto sottolinea come l’arte sia il risultato finale di un percorso tormentato, fatto di sofferenza, sogni impossibili e ambizioni. La musica diventa un veicolo potente per esprimere emozioni profonde, trasformando il dolore in bellezza e commozione. “Primavera” racconta quindi di due persone disposte a rischiare tutto per realizzare i propri desideri artistici, consapevoli che il tormento fa parte del processo creativo, ma che alla fine si traduce in pura bellezza.

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