Beppe Tufarulo, regista e Luigi Lo Cascio e Riccardo Maiello, interpreti, parlano de Il mestiere, un film che nasce da una sceneggiatura vincitrice del Premio Solinas del 2011. Presentato alla Giornate degli Autori alla Mostra di Venezia, il progetto rappresenta un esempio di come un’opera prima possa fondere realtà e surreale attraverso un lavoro di ricerca e autenticità. La conversazione approfondisce il percorso di creazione del film, dall’ispirazione alla realizzazione, passando per le scelte estetiche e interpretative.

Il regista Beppe Tufarulo spiega come il film sia nato da una sceneggiatura che, nonostante il suo carattere complesso e surreale, si basava su elementi di verità. La volontà di partire da luoghi autentici e reali, scelti attraverso sopralluoghi in Calabria e Marche, ha rappresentato la prima fase del processo creativo. La ricerca di ambienti che sembrassero fuori dal tempo ha permesso di creare un mondo credibile, anche se immerso nel surreale, mantenendo un forte legame con la realtà. La collaborazione con il direttore della fotografia Johan Florez e la scenografa Ilaria Sadun è stata fondamentale per tradurre questa visione in immagini.

Luigi Lo Cascio e Riccardo Maiello raccontano come il lavoro con il regista abbia portato alla costruzione di due personaggi molto diversi tra loro, ma entrambi ricchi di sfumature. Luigi ha lavorato sui dettagli estetici, come baffi e vestiti, per rendere Sauro Cantafame un personaggio riconoscibile e simbolico, quasi un supereroe. Riccardo, invece, ha descritto come il suo personaggio, Giocondo Infelice, sia diventato quasi una persona reale, al punto da sentirsi parte integrante di lui. La relazione tra attori e regista è stata fondamentale per creare interpretazioni autentiche e profonde, in un film che si distingue per il suo segno visivo preciso e il suo linguaggio poetico.

Il film si caratterizza per una fotografia che unisce luminosità e oscurità, con colori saturi e luci fredde e calde che contribuiscono a creare un’atmosfera di estraniamento. La scelta di girare quasi esclusivamente in luce naturale e di utilizzare un formato fotografico molto particolare ha permesso di concentrare l’attenzione sui personaggi e sui luoghi, rendendo il mondo del film sia realistico sia surreale. La collaborazione con il direttore della fotografia ha portato a un risultato che valorizza il segno visivo come elemento portante del racconto, dando vita a un’immagine che si distingue per la sua intensità e profondità.

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Mare Mosso di Roberto Cimpanelli, con Eduardo Scarpetta e Beatrice Fiorentini è un film noir presentato alla sezione Giornate degli Autori alla Mostra di Venezia che si distingue per il suo tono e per il forte legame con il territorio laziale.

Il film di Cimpanelli è un noir ambientato nel litorale laziale, un territorio che l’autore conosce profondamente. La narrazione trae ispirazione dalla sua esperienza personale e dalla memoria di Ostia, un luogo che ha visto crescere e che ha conservato nel tempo un’identità forte e riconoscibile. La scelta di ambientare il film in questa realtà nasce dalla volontà di rappresentare un’umanità complessa, lontana dai cliché e più vicina alla realtà di un territorio segnato da contrasti e ombre.

Uno dei temi principali affrontati  in “Mare Mosso” riguarda la gestione del passato, che si manifesta come una presenza ingombrante e spesso come una minaccia. I personaggi sono tormentati da ricordi e scelte passate, che influenzano le loro azioni e le loro relazioni. La famiglia Selci, protagonista nel film, incarna questa resistenza a lasciar andare un passato fatto di malavita e orgoglio, resistendo alle pressioni delle organizzazioni criminali che si stanno espandendo sul territorio. La narrazione si sviluppa attraverso un confronto tra le generazioni e le loro diverse visioni del passato e della redenzione.

Per quanto riguarda l’aspetto visivo, Cimpanelli ha scelto una fotografia molto livida e cupa, che riflette l’animo tormentato dei personaggi e l’atmosfera noir del film. La scelta di un’immagine quasi monocromatica, con luci fredde e ambienti spesso notturni, contribuisce a creare un senso di oppressione e di mare mosso che avvolge la storia. La direzione della fotografia ha coinvolto il maestro Maurizio Calvesi, con un mix di movimenti classici e sequenze più dinamiche, per sottolineare la tensione emotiva e il clima di incertezza che permea il film. La volontà è di immergere lo spettatore in un mondo oscuro, ma con un barlume di speranza che si affaccia nel finale.

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Presentato fuori concorso all’83ª Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia 2026, Scherzetto racconta la sfida tra Daniele Mallarico (Toni Servillo), illustratore settantenne rimasto vedovo, e il nipotino di cinque anni Mario (Lorenzo Perrotta), lasciato a lui in custodia per qualche giorno nella casa di famiglia a Napoli. Tra quattro mura e un balcone, il film di Mario Martone, tratto da un romanzo di Domenico Starnone, mette il protagonista davanti ai propri fantasmi. Il regista, insieme agli interpreti Serena Rossi e Toni Servillo, racconta come sono riusciti a dare forma cinematografica alla stratificazione di generi del romanzo, il rapporto di entrambi con Napoli tra il restare e il partire, e il senso più ampio che il film affida al suo piccolo protagonista.

Alla domanda su come siano riusciti a costruire, oltre alla storia di un nonno e un nipote, anche il gioco, i ricordi e le sfumature da horror e thriller del film, Toni Servillo rimanda scherzosamente la parola a Mario Martone, che parte dal romanzo di partenza: “È chiaro che tutto questo è nel romanzo, cioè il romanzo dà tutti questi stimoli. Il punto per noi era naturalmente come dare sostanza visiva e di recitazione a tutto questo”. Racconta un lavoro di scrittura e montaggio lungo e continuo: “È stato un lavoro complesso: c’è la sceneggiatura che abbiamo scritto con Ippolita di Majo, in cui il libro ha trovato la sua composizione cinematografica. Poi c’è stato un lavoro continuo fatto con Toni, scavando a mani nude nel romanzo di Starnone, inserendo delle voci off, tirando fuori pezzi, montandoli e rimontandoli”, racconta, finito all’ultimo momento utile: “Ho consegnato il film a Venezia venerdì scorso. Dalla mostra un altro po’ stavano mandando qualcuno a Roma per strapparmi il DCP dalle mani, perché è un film così complesso da mettere insieme che aveva bisogno di questa continua attenzione”. Riprendendo un’espressione usata da Starnone in conferenza stampa, Martone descrive la stratificazione di generi che attraversa il film: “È la stratificazione di cui parlava in conferenza stampa Starnone, che caratterizza un po’ tutti i suoi romanzi composti di generi diversi: comico, drammatico e qualche volta tragico. Questo informa anche il film, che ha la levità del titolo o di un momento musicale , uno scherzo,  ma tratta argomenti molto seri, profondi e commoventi con leggerezza. È un film in cui si ride molto, ma ci si può anche commuovere”.

Alla domanda su come vivano il rapporto tra lasciare e tornare a Napoli raccontato nel film, Serena Rossi parte dal suo personaggio: “Il personaggio che interpreto ha deciso di restare a Napoli nella casa in cui è nata e cresciuta e in cui è cresciuto anche suo papà, che però ha preso una strada diversa ed è andato a Milano. Lei è una professionista, una matematica che magari si sarebbe potuta permettere una casa in un quartiere più alto, invece ha scelto di restare proprio lì”. Anche lei, racconta, si è interrogata su quella scelta: “Anch’io mi sono chiesta perché l’abbia fatto: lì ci sono i ricordi e ci ha vissuto la sua mamma che non c’è più. È una donna razionale, frenetica, veloce, ansiosa e maniaca del controllo, ma dall’altra parte ha questa grande emotività e un legame che la tira indietro verso le radici”. Un pensiero che lega al proprio rapporto personale con la città: “Penso che andar via fisicamente non significhi necessariamente andar via emotivamente con il cuore; puoi restare ed essere lontano oppure andar via e restare molto vicino. Io sono andata via fisicamente, ma la mia essenza e quella che sono sono prepotentemente legate a Napoli, anche se ho avuto un periodo di crisi. Nel tempo mi sono fatta portabandiera, anche musicalmente, del genere classico e tradizionale per rivalutare tutto quello che c’era prima”. Martone aggiunge che il tema del ritorno è per lui ricorrente, legato anche a un suo film precedente: “È un tema ricorrente per me, legato a L’amore molesto e a Nostalgia. Ha certamente a che fare con Napoli perché, come diceva Eduardo De Filippo, ‘A Napoli fuite, ‘a Napoli scappate, ma poi nessuno come lui è rimasto chiaramente legato fino in fondo a Napoli. Questo dimostra un meccanismo doloroso, sentimentale e profondo, una radice che non si può staccare”. Per lui, il ritorno è prima di tutto una forma di conoscenza di sé: “Credo che il tema del ritorno sia un tema per conoscere se stessi. Siamo in tempi di Odissea e, più di Ulisse, il tema del ritorno è il tema della conoscenza: ci si conosce nel momento in cui si torna, non nel momento in cui si va o si esplora”.

Alla riflessione secondo cui il protagonista, tornando a Napoli, capirebbe definitivamente chi poteva essere e chi è diventato, Toni Servillo allarga lo sguardo al senso più ampio del film: “Io penso che il protagonista, ritornando a Napoli, coltivi dentro di sé la convinzione sempre più forte che la vita sia un grande mistero, molto complicata, caotica e imprendibile. Tutto questo gli si materializza davanti a questo corpicino di un’irrequietezza straordinaria che ha tutta la vita davanti”. Un mistero che per lui coincide con l’incertezza sul futuro del nipote: “Il protagonista non sa cosa diventerà il bambino, quali siano i suoi geni o cromosomi, se gli avrà trasferito qualcosa, se diventerà un artista o crescerà a Napoli diventando un mariuolo, un delinquente o un ignorante: la vita è un mistero”.

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Durante la Mostra del cinema di Venezia 2026 abbiamo parlato con l’attrice, autrice e produttrice Emanuela Fanelli, e con il regista e autore Valerio Vestoso per la loro serie Peccato, presentata alla Mostra Internazionale del Cinema di Venezia nella sezione Venice Open – Fuori Concorso. In questa intervista, abbiamo approfondito con loro il processo creativo e le sfide di realizzare un progetto di questo tipo: un mockumentary futuristico ambientato nel 2049 che guarda al futuro ipotetico di Emanuela Fanelli stessa combinando satira, riflessione sociale e umorismo surreale.

Emanuela Fanelli e Valerio Vestoso hanno raccontato ai microfoni di FRED Film Radio come la serie Peccato si proponga come un ritratto satirico e iperrealista di un’Italia del 2049, attraverso un archivio di testimonianze e voci di attori e giornalisti. La sfida principale è stata infatti proprio quella di costruire un linguaggio che unisse tecnica e comicità senza perdere di vista la profondità emotiva dei personaggi, seguendo anche volontà era di creare un mondo che, pur essendo futuristico, risultasse tangibile e vicino, quasi come un’anticipazione del nostro presente. La serie, inoltre, stando a quanto è emerso dalle dichiarazioni di Emanuela Fanelli, si propone anche di essere un modo per esorcizzare le paure legate al futuro, affrontando con ironia le possibili derive di una società in evoluzione.

Il progetto Peccato utilizza il formato del falso documentario per esplorare le fragilità umane e le contraddizioni di un’umanità in evoluzione. Ogni personaggio, da quello della Fanelli a quello più esagerato o caricaturale, rivela aspetti di debolezza e vulnerabilità, rendendo il tutto più autentico e coinvolgente e combinando momenti di comicità sottile con una vena tragica, con un equilibrio tra risate e riflessione. Peccato , che sarà disponibile su HBO Max a partire dal 2 Ottobre, si configura così come un esempio di come il cinema possa essere anche un mezzo di espressione e di critica, oltre che di intrattenimento.

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During the Venice Film Festival 2026 we spoke with the director Gábor Reisz, actor Ádám Tompa, discussing their film Ground Floor, which was presented here in the Spotlight Section of the Festival. The film explores themes of societal apathy and personal transformation within a Hungarian residential building, with a broader metaphor and character development in order to reflect broader political and social issues.

During our interview on FRED Film Radio, director Gábor Reisz explains how Ground Floor element of the black mould is a central issue, but was not conceived as a metaphor from the start originating from a real-life conversation about representing Hungarian society instead. The mould became a powerful symbol of invasion and decay, embodying the invasive nature of societal issues, emphasizing also how the film’s development was rooted in a desire to portray the Hungarian residential environment and its residents authentically.

Actor Ádám Tompa describes his Ground Floor character Kristóf as someone who withdraws from active participation, a trait that he believes is common in Hungary’s society over the past decades. He notes that Kristóf’s personal journey mirrors Hungary’s political evolution, where many citizens have remained silent or passive amid changes. The actor suggests that apathy can be more dangerous than ideological conflict because it allows issues to fester unnoticed, a theme that the film explores as a form of societal initiation into citizenship and democratic responsibility. With the political shift during production prompting a shift in the film’s tone as well, and introducing a glimmer of optimism, both Reisz and Tompa believe that Ground Floor’s core messages about societal participation and civic awareness remain relevant universally, regardless of Hungary’s specific political situation.

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During the Venice Film Festival 2026 we spoke with director Yves Montmayeur and producer Taku Kato for the documentary feature  Twist & Shoot Mister Suzuki, presented here in the Venice Open – Out of Competition section of the festival. Here, we explore the life and cinematic influence of Japanese filmmaker Seijun Suzuki, highlighting his rebellious spirit and unique style and sheding a light on his unconventional approach and his impact on artists worldwide

During our interview on FRED Film Radio, the director of Twist & Shoot Mister Suzuki Yves Montmayeur explains that his initial idea was to create a traditional documentary about Suzuki, but that he quickly realized that to truly honor his spirit, he needed to embrace his transgressive style also. He then incorporated fictional sequences to reflect Suzuki’s disruptive approach, ensuring that his film would remain faithful to the unconventional methods of this master of cinema. Suzuki’s love for playfulness and humor was also central to his approach, aiming to evoke his personality authentically.

The producer of the film, Taku Kato, adds also that Suzuki’s rebellious attitude extended way beyond Japan, inspiring artists across various disciplines, including manga, music, and film, both domestically and internationally. The documentary Twist & Shoot Mister Suzuki indeed emphasizes Suzuki’s aesthetic, often described as stylish and cool, which continues to influence artists today.

The filmmakers also discuss Suzuki’s lasting legacy, which they describe as a style that transcends traditional filmmaking, likened to a poetic or musical sensibility. Montmayeur notes that Suzuki’s influence is akin to that of legendary directors like Fellini or Wong Kar-wai, who are also seen as multi-disciplinary artists. He highlights that Suzuki’s aesthetic represents a method of beauty that resonates beyond cinema, inspiring poets, musicians, and visual artists. As Suzuki’s reputation grows, the documentary Twist & Shoot Mister Suzuki stands as a testament to his enduring legacy and the power of his rebellious aesthetic.

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In competition at the 83rd Venice International Film Festival, Company, directed by Casey Affleck, is a haunting fable told across three interconnected time periods, in which a mysterious young woman arriving at a 1975 Christmas gathering begins a chain of nested stories about grief, forgiveness and the unseen burdens people carry. Emily Alyn Lind and Catherine Caylee Cowan, actresses and, for Cowan, also a co-producer on the film, talk about the ensemble’s Russian-doll structure, a last-minute casting call that upended Lind’s plans, and the trust required to let Affleck direct scenes actors could not always see or hear each other in.

Asked about telling a story within a story, Cowan describes an ensemble built on the way stories are handed down across generations: “It’s definitely an ensemble and it feels like each character builds off of the other. And in a way that’s kind of how stories have been passed down by generations. Someone tells it and then they retell it. And we’re telling a story that’s from our perspective, from the female’s perspective”. Without giving too much away, she describes the effect that structure creates: “There is this Russian doll effect in the storytelling process. And there are some beautiful lines that accompany visuals that will be more powerful because there’s a lot of people just sitting in chairs and talking, but there’s also visual accompaniment”. Asked how she would describe the film itself, after co-star Scott McNairy called the script bizarre at the press conference, Cowan reframes it: “For me it was a meditation on forgiveness and grief, and how our relationships with the people in our lives can sometimes be very complicated and painful for each other, and the things that we want can be complicated, but time heals all wounds”. The shoot itself, she adds, mirrored that scale, spanning decades of story and a fractured schedule: “It is a period drama, but it goes from 1975 all the way back to the medieval section, so it spans generations and decades. […] We only had a few days of filming for those sections and they were also disconnected from the first part. We kind of went backwards when we were filming it”.

Asked whether Affleck, himself an actor, gives his cast room to find the scene, both actresses agree: “He’s really in there. Yeah, he’s definitely in there. He likes to craft it down to the period, but it’s somehow not annoying and it’s so helpful because respecting someone as an actor is another level. There is something inherently nice about the fact that he is an actor and he gets it”. Cowan illustrates that trust with the shooting of Alice’s cabin scenes, built around a real fire: “We drilled a hole into the roof for the smoke to go through because Casey really wanted it to be a real fire”. With her scene partner pulled out between takes for the heat, she found herself acting to a mark on the wall instead: “I would just do it to a point on the wall with Casey doing it. And so I didn’t actually have anything to respond to. So, I was completely reliant on Casey not only acting with me but directing me”.

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Kamel Laaridhi, the director of  The H@llow Man, discusses his latest film at Venice Critics Week, where it was showcased. The film explores themes of memory, technology, and societal control through a thought-provoking narrative set in a near future. This interview offers insight into his creative choices and the philosophical questions embedded within the film.

Laaridhi explains that although The H@llow Man is set in a future world, it is fundamentally a story about today’s society. He chose to incorporate hypnotherapy as a key element because he envisions a future where biochips in the brain could be manipulated or controlled. The film’s narrative deliberately blurs the line between past, present, and future to evoke a sense of uncertainty and to challenge viewers’ expectations of science fiction. He wanted the audience to feel suspended in a world that feels both familiar and unsettling, emphasizing that the real focus is on current societal fears about technology and control.

A striking aspect of  The H@llow Man is the use of poetry as a tool for resistance. Laaridhi highlights that poetry, often dismissed as a lesser art form, becomes a vital means of expression and defiance in her film. He believes that poetry can serve as a counterbalance to technological domination, offering a space for human emotion and individual voice. The film’s ending features a well-known poem, reinforcing his idea that art and poetry remain powerful in resisting oppressive systems. For him, poetry embodies the enduring human spirit amid technological evolution.

Visually, Laaridhi aimed to create an ethereal, almost otherworldly atmosphere that aligns with the film’s themes. He draws inspiration from video art of the 1970s and the surrealist works, emphasizing montage techniques that create a sense of distance and reflection. His approach involved using specific framing and editing styles to immerse viewers gradually into the film’s world, encouraging them to question the rationality of what they see. These aesthetic decisions serve to deepen the film’s philosophical core, making The H@llow Man a compelling blend of visual poetry and speculative storytelling.

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Presentato in concorso alla Settimana Internazionale della Critica nella sezione SIC@SIC durante la Mostra del Cinema di Venezia 2026, Se mai le cose è un cortometraggio di Giulia Cosentino che racconta la fine di una storia d’amore attraverso gli oggetti, in particolare un corredo nuziale. Questa dimensione è però solo quella più evidente della trama, perché attraverso questa simbologia Se mai le cose racconta riflette da una prospettiva femminista e autoconsapevole sui diversi modelli relazionali e la storia delle donne che ci hanno preceduto.

Se mai le cose si concentra sulla memoria e sul dolore legato alla fine di una storia d’amore, utilizzando gli oggetti come simboli di un passato condiviso. Cosentino spiega di essere molto attenta alla dimensione tattile e sensoriale delle cose, che per lei rappresentano un modo per ritrovare pezzi di sé e riflettere sulla propria crescita personale. La scelta di usare oggetti legati a traslochi e spostamenti nasce dalla sua esperienza di vita, fatta di continui cambiamenti e abbandoni, che l’ha portata a considerare gli oggetti come tracce di identità.

Se mai le cose si inserisce in un contesto più ampio, che mette in relazione le trasformazioni personali con le tensioni sociali e politiche di una generazione. La protagonista si trova a confrontarsi con le eredità di un passato patriarcale, cercando di riflettere sul ruolo delle donne e sulle pressioni sociali che ancora influenzano le scelte di vita. Cosentino sottolinea come il film voglia essere un momento di riflessione collettiva, un invito a interrogarsi sulle proprie radici e sulle possibilità di cambiamento.

La regista spiega che l’idea di integrare immagini d’archivio e suoni fuori campo è nata dall’esigenza di creare un contrappunto tra passato e presente. La sua esperienza come autrice e il lavoro sull’archivio sono strumenti che utilizza da anni per riscrivere storie e dare voce a figure femminili spesso invisibili. In questo caso, l’archivio serve a riflettere sulla genealogia dei gesti di cura e di resistenza, reinterpretando le proprie radici in modo più contemporaneo. Cosentino evidenzia come il cinema femminile e femminista stia portando avanti questa riflessione, rendendo più consapevoli le nuove generazioni di scelte e eredità. Tra i progetti futuri, la regista sta lavorando su un tema di eredità politica e generazionale, focalizzandosi su giovani donne figlie di attivisti, per approfondire il rapporto tra identità e impegno politico.

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Mykyta Gibalenko, the director of the film Camouflage, and actor Arthur Aliiev discuss their latest project, which was selected for the Giornata degli Autori at the Venice Film Festival. The film is a semi-autobiographical story that explores themes of migration, identity, and collective memory through the lens of personal and historical upheaval. This conversation sheds light on how Gibalenko’s own experiences and research shaped a film that aims to resonate universally.

Gibalenko explains that the story draws heavily from her own life, particularly her migration from Ukraine to Germany in 2013 and her involvement in the German theatre scene. She emphasizes that her personal experiences serve as a starting point, but the film expands into a broader narrative about collective migration and the impact of war on identity. The film’s core revolves around Vitali, a character navigating his roots amid the chaos of conflict, illustrating how individual stories are intertwined with collective histories.

Creating an ensemble cast was a deliberate choice to reflect diverse experiences of migration and war. Gibalenko highlights the challenge of maintaining a balance between the main character’s personal journey and the parallel stories of other characters. He notes that careful editing and a focus on each character’s unique experience allowed the film to portray a layered, collective picture, pointing out that the film’s title symbolizes the theme of identity and the ways people adapt or hide their true selves in unfamiliar environments.

Arthur Aliiev discusses how his character Vitaly’s stutter was a conscious choice to emphasize themes of self-acceptance and language as a marker of identity. He explains that Vitaly’s difficulty in speaking reflects broader issues of social pressure and the struggle to find one’s voice. The film explores how language and speech relate to personal roots, with Vitali’s lessening stutter in German symbolizing a desire to reinvent oneself in a new context. Both Gibalenko and Aliiev agree that the film ultimately advocates for embracing one’s true self amid external pressures.

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