An engaging new film, “Director’s Diary”, debuted at the 82nd Venice International Film Festival, offering a profound glimpse into both personal memories and collective history. Blending artistic expression with documentary elements, the film presents a compelling portrait of life through the eyes of its creator, capturing the essence of a turbulent era from 1957 to 1991. We met with the director Aleksandr Sokurov,  and the producer Alena Shumakova on the eve of the premiere at the Venice Festival.

“Director’s Diary” is based on a handwritten journal kept by the director over several decades, chronicling world events, social upheavals, and personal reflections. The decision to transform these pages into a film stemmed from a sense of necessity and artistic urgency. “I realized I needed to ‘bake’ this story,” the director explained, as the project was more than a personal endeavor—it aimed to resonate with a wider audience seeking understanding of a complex period. The film serves as a visual “sculpture of time,” thoughtfully selecting a range of pivotal moments. It is not a documentary in the traditional sense but an artistic exploration that leaves room for interpretation, avoiding didacticism or polemics. Instead, “it silently presents the most painful and significant aspects of human life,” the director added, inviting viewers to reflect rather than be pressed for a specific viewpoint.

“Director’s Diary” delves into themes that extend beyond the Russian experience, touching on broader European and global histories. The film weaves archival footage—primarily Russian—capturing social movements, political upheavals, and milestones in cinema history. “I wanted to include images that matter, not just for Russia but for everyone,” the filmmaker shared. The selection process was guided by emotional resonance and significance. Sokurov aimed to portray the faces of everyday people—workers, farmers, individuals living simple yet dignified lives. “I love my compatriots,” he states. The film captures moments of daily life—people traveling on the metro, street vendors—showcasing their inner strength and unique dignity.

“Director’s Diary” does not shy away from difficult topics but approaches them with a contemplative tone. The film avoids political condemnation or news-reporting style, favouring an emotional and artistic rendering of history. This approach allows the audience to engage deeply with the personal and collective stories presented, fostering empathy through visual storytelling. Sokurov points out that the film is an artistic exercise—not a commentary or critique but a poetic reflection of life’s ebb and flow. “From a multiplicity of things, we try to form a sculpture of time as it unfolds,” he explained, blending personal memory with societal observations.

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Nidhi Saxena is the director of the film “Secret of a Mountain Serpent”, one of the four films of the Biennale College program,  a compelling reflection on the themes of confinement, cultural identity, and the transformative power of dreams. Premiering at the 82nd Venice Film Festival and starring Adil Hussain, this introspective piece captures the stark realities faced by women living in mountainous regions, juxtaposed with their aspirations and inner strength.

“Secret of a Mountain Serpent” delves into the lives of women in isolated mountain communities, where the landscape often feels like a prison. The filmmaker emphasises the importance of change and perseverance. She reflects on how women in these areas dream of transformation — not just individual growth, but societal shifts as well. “It’s fascinating how women can change, how dreams can finally materialise,” she notes. The narrative explores their journeys of self-discovery, underlying that change often begins with a resolute desire to pursue one’s passions.

Set against the backdrop of Rajasthan and the northeastern regions of India, including Sikkim, “Secret of a Mountain Serpent” authentically portrays the diverse tribal cultures. “I want to show the essence of their dreams, their hopes, without necessarily highlighting conflict,” she explains.

Throughout the movie, the theme of transformation is palpable. Nidhi Saxena speaks about a long-held vision, rooted in her passion for storytelling and her cultural heritage. She believes that storytelling can be a catalyst for change, reflecting her conviction that dreams hold the power to reshape realities. “Change is a principle we follow,” she states. Whether addressing gender roles or societal expectations, the film underscores that even in the most remote corners, aspirations persist. The characters’ journeys symbolise a broader universal struggle to break free from constraints and realize their true potential.

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Nel panorama del cinema contemporaneo, “Il rapimento di Arabella” di Carolina Cavalli si distingue per il suo stile surreale, unendo elementi di giallo, thriller e un tocco di sperimentazione estetica. Durante un’intervista a Venezia, Marco Bonadei, co-protagonista del film,  ha condiviso le sue impressioni sull’opera, offrendo una prospettiva approfondita sul processo creativo e sul significato più profondo del film.

Inizialmente, il protagonista ha espresso un forte entusiasmo per il progetto, definendo il film “straordinario” sin dalle prime stesure della sceneggiatura. Ha evidenziato come la narrazione interpreti una realtà deformata, un mondo che sembra sfidare le convenzioni del racconto tradizionale, attraverso un’immagine stilistica fortemente distintiva. La ricchezza visiva e tematica del film si riflette anche nel suo approccio alla recitazione, che ha richiesto un livello di impegno e di introspezione molto elevato.

Il film investe molto sul personaggio di Benedetta Porcaroli, che interpreta l’amante disperato Arabella, un personaggio con caratteristiche molto sfaccettate. Bonadei ha sottolineato come il ruolo richieda una grande introspezione, poiché il personaggio impiega quasi tutto il film a darsi spiegazioni, a cercare di capire se stesso e la propria identità. Questa lunga ricerca di auto-conoscenza si traduce in una rappresentazione molto autentica della mancanza di strumenti emotivi, di capacità relazionali e di consapevolezza di sé.

Per l’intervistato, il tema della mancanza di empatia e di strumenti per relazionarsi è centrale, e diventa un spunto di riflessione sulla società odierna. “Parlare di intelligenza emotiva“, ha detto, “è fondamentale per capire come si possa migliorare il nostro modo di rapportarci“. La complessità dei rapporti e la difficoltà di esprimere i propri sentimenti sono aspetti che emergono con forza in questo film, rendendolo non solo una storia di fantasia, ma anche un’esplorazione delle fragilità umane.

L’atmosfera durante le riprese, secondo quanto raccontato, è stata molto positiva. Il cast e la troupe hanno lavorato con entusiasmo e approccio collaborativo. La regista Carolina Cavalli – definita come una professionista capace di gestire con maestria un set spesso surreale – ha creato un ambiente di lavoro energico e stimolante. La capacità di Carolina di mantenere una posizione equilibrata tra determinazione e insicurezza si traduce in un team motivato, capace di dar vita a un film che unisce leggerezza e profondità.

Marco Bonadei ha anche condiviso la sua esperienza tra teatro e cinema, sottolineando come il teatro rappresenti ancora il suo principale campo di formazione, pur affacciandosi con crescente interesse anche alla regia cinematografica. La sua avventura nella regia ha portato alla creazione di “Io sono il vento”, tratto da un testo di Jon Fosse, uno dei lavori più sofisticati e astratti del drammaturgo norvegese. La sfida più grande, ha detto, è stata adattare il testo a un linguaggio scenico innovativo, caratterizzato da una forte componente minimalista e simbolica, come la scena realizzata su una grande piscina d’acqua.

Infine, Marco Bonadei ha riflettuto sull’importanza di trovare un equilibrio tra il progetto artistico e la fruibilità da parte del pubblico. “Ogni opera d’arte ha un suo pubblico“, ha affermato, “non tutti apprezzano tutto, ma la coerenza e la comunicazione onesta sono fondamentali“. La sfida di un autore, dunque, è quella di proporre qualcosa che possa stimolare e coinvolgere, anche se in modo più ristretto, un pubblico disposto a immergersi in esperienze artistiche complesse e coinvolgenti.

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Francesca Andreoli è uno dei membri della giuria delle Giornate degli Autori, alla 82 Mostra del Cinema di Venezia. Ma è soprattutto la produttrice del film italiano che lo scorso anno ha più stupito e vinto in tutto il mondo, “Vermiglio” di Maura Delpero. Abbiamo parlato di questo successo con lei e anche di come si vive un festival dall’altra parte della barricata, non come giudicato ma come giurato che deve valutare. Il film “Vermiglio” si è affermato come uno dei protagonisti della recente edizione della Mostra del Cinema di Venezia, ricevendo riconoscimenti e suscitando grande interesse tra critica e pubblico. L’intervista a una prolifica produttrice con alle spalle successi internazionali rivela come il progetto abbia catturato l’attenzione non solo per il suo contenuto, ma anche per la cura e la passione investite nel suo sviluppo.

“Vermiglio” è un film ambientato durante la Seconda Guerra Mondiale in un remoto paesino montano, con una narrazione che riflette l’importanza della verità storica e dell’uso del dialetto per rendere ogni scena più autentica. La produttrice ha spiegato come il suo investimento di tempo e risorse sia stato guidato dall’intuizione di un grande talento, ma anche dall’attenta analisi di come il regista avesse messo in campo una cura notevole nel realizzare il progetto.

Per questa professionista esperta, il produttore è un collaboratore indispensabile nel percorso di realizzazione di un film. Investe non solo capitale, ma anche sensibilità creativa, garantendo che l’autore possa esprimere la sua visione con i mezzi necessari. “La bravura del produttore sta nel raccogliere fondi e gestire le risorse, ma anche nel mantenere un equilibrio tra l’aspetto creativo e le esigenze pratiche”, ha dichiarato.

“Vermiglio” ha beneficiato di una strategia di coproduzione internazionale, che permette di unire talenti e idee provenienti da vari paesi. Questa apertura favorisce una maggiore potenzialità di successo e di distribuzione globale. La produttrice ha ricordato come l’importanza di lavorare con partner stranieri abbia permesso al progetto di espandersi oltre i confini italiani, ascoltando anche un pubblico più esteso.

Nella sua strategia, la produttrice sottolinea come l’audacia di investire in progetti complessi e rischiosi possa, a volte, portare a risultati eccezionali. “Chi osa, molto spesso vincе”, afferma Francesca Andreoli. La combinazione di talento, perseveranza e un pizzico di fortuna ha permesso a “Vermiglio” di emergere in modo inaspettato, grazie anche all’attenzione internazionale e alle selezioni ufficiali di Venezia.

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The documentary “Kim Novak’s Vertigo” offers an intimate portrait of the Hollywood star renowned for her role in Alfred Hitchcock’s masterpiece, Vertigo. Filmmaker Alexander O. Philippe sheds new light on Kim Novak‘s extraordinary life, revealing personal insights and emphasising her often-overlooked filmography. We have an interesting talk before the Premiere at the Venice Film Festival.

The documentary delves into Novak’s personal life, highlighting her deep connection with director Alexander O. Philippe. According to the filmmaker, their bond evolved quickly, allowing Novak to share candid reflections about her experiences in Hollywood. The director describes her not merely as the star of Vertigo but as a “wonderful person” who profoundly impacted his life.

Throughout the film, Novak openly discusses her feelings about Hollywood’s manipulative nature and her resistance to it. She recounts how the industry often manipulated her image and choices, emphasizing her desire to remain true to herself. Such honesty offers viewers a rare glimpse into the actress’s internal struggles—elements that are often glossed over in Hollywood portrayals.

A significant aspect of the documentary is its emphasis on Novak’s diverse and underrated filmography. While most audiences associate her with Vertigo, O. Philippe advocates for a broader appreciation of her work. He highlights films like “Stranger when we meet”, “Lylah Claire”, “Kiss me stupid”, and “Middle of the night”. “Her films are astonishing”, he remarks. “We need to bring her back into the spotlight and reevaluate her contributions to cinema”. The documentary suggests that Novak’s lesser-known works are ripe for rediscovery and deserve recognition on the same level as Vertigo.

One of the film’s intriguing elements is its narrative structure, which mirrors Vertigo’s spiral motif. Novak’s reasons for leaving Hollywood remain elusive, presented as a series of revelations that change with each retelling. Alexander O. Philippe emphasizes that life, much like Novak’s story, is complex and full of convoluted, non-linear truths.

This approach underscores Novak’s core belief in staying true to herself. She left Hollywood because she felt she could no longer remain authentic within its confines, a decision driven by her desire for integrity rather than external pressures.

“Kim Novak’s Vertigo” is more than a tribute; it’s an invitation to reevaluate one of Hollywood’s most enigmatic actresses.

For cinephiles and newcomers alike, “Kim Novak’s Vertigo” is a compelling portrait of a talented actress whose influence continues to resonate within cinema history. A must-watch for anyone interested in Hollywood’s golden age and the stories seldom told behind the camera.

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As happens very year, we are delighted to meet in Venice with Valentina Martelli, founder and CEO of ITTV International Forum & TechInEntertainment, to talk about the development of the event and the key moments to note of the forum that works like a bridge between finance and film industry, including the tech side of it that is  getting more and more substantial and important.

Valentina Martelli echoed the importance of quick, meaningful interactions. She highlighted how short, targeted encounters—sometimes only lasting two or three days—are crucial for fostering collaborations and maintaining industry momentum. These spontaneous networking moments often lead to new opportunities, emphasising the importance of face-to-face engagement in a digital age.

Discussing the creative process behind films, Valentina Martelli noted a significant shift in filmmaking approaches. Directors are increasingly using advanced tools, including AI, to enhance storytelling. Valentina pointed out that the integration of technology allows filmmakers to experiment more freely, blending traditional craft with innovative solutions. This approach not only broadens creative horizons but also opens doors for new forms of expression within the film industry.

The conversation touched on the ongoing influence of artificial intelligence in filmmaking. From training algorithms using extensive libraries to streamlining production workflows, AI offers a range of possibilities. Valentina Martelli emphasised that while AI can assist in various stages—such as location scouting with tools like Google Maps—it is ultimately human ingenuity that drives meaningful storytelling. Films like “Rainbow” serve as a testament to how technology and human creativity can coexist, pushing cinema toward exciting new frontiers.

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Meeting Mads Mikkelsen and Sofie Gråbøl at the Venice a international film Festival before the premiere of their film, we discover the compelling blend of humor and profundity in “The Last Viking”, a film that captivates audiences with its dark comedy and unexpected twists.

Mads Mikkelsen, portraying a character comparable to a six-year-old, brings innocence and clarity to the narrative, emphasizing the film’s themes of understanding and support amid chaos. His portrayal highlights the movie’s core message: even amidst madness, there is a persistent desire for connection and understanding. Sofie Gråbøl’s character complements this dynamic, contributing to the film’s multifaceted emotional landscape.

Directed by the acclaimed Anders Thomas Jansen, “The Last Viking” is celebrated for its ability to weave deep existential themes into a narrative filled with satire, horror, and humor. The film explores the internal multitudes within each character, portraying complex personalities that reveal the multiple layers of human psychology. The director’s talent for creating interest in even the smallest roles adds to the film’s richness, making the cast’s performances particularly engaging.

The film is praised for its ability to tackle large themes like life, death, and morality through an absurd lens, wrapping profound ideas in insanity and satire. It’s a surreal journey that demolishes straightforward storytelling, encouraging viewers to reflect on the human condition while entertained by its darkly comic edge.

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“Un prophète” est une des series présentées à la 82ème édition du Festival de Venise. Dirigée par Enrico Maria Artale, la série se base sur le film du même titre dirigé par Jacques Audiard en 2009. On a rencontré le réalisateur, et le deux acteur principaux, Sami Bouajila e Mamadou Sidibe, pour parler de développement en série d’un tel succès et des differences entre un film et une série autant que espace narratif et choix artistiques.

Enrico Maria Artale explique qu’il ya eu une volonté du groupe créatif derrière le film original à le transformer en série télé, mais il avaient du mal à trouver un réalisateur en France qui voulait se mettre en comparaison avec Audiard. Enrico avait si aimé le film qu’il a fait une proposition: on ne fait pas une série crime, mais on fonce sur les aspects plus personnels et mystiques qui étaient déjà dans le film, pour chercher un conte moral qui donne de l’universalité à la narration.

Mamadou Sidibe nous dit qu’il n’ya pas eu un rencontre des acteurs avant le tournage, parce que on voulait pas mélanger la vie réelle avec celle des personnages. Ce choix a fait si que sur le plateau les deux acteurs on connu l’autre personnage à travers l’observation, come vraiment il arrive dans une prison quand il ya un nouveau prisonnier, dans un onde qu’il ne connaît dont i doit s’adapter

Sami Bouajila nos dévoile qu’il a été séduit par la force interpretative de Mamadou, par sa présence physique puissante et sa sérénité, qu’il a utilisé pour devenir le personnage antagoniste. le respect que le personnage joué par Mamadou portait avec lui a aidé Sami à trouver une direction plus efficace pour devenir diabolique comme le scénario lui demandé.

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In our meeting with Beatrice Borgia, president of the Film Commission Torino Piemonte, who was in Venice for the usual meetings and also for the opening film “La Grazia” by Paolo Sorrentino, which was shot in Torino and helped by the film commission in its production phase, we talked about the film and its importance and about how Torino and Piedmont area continue to be a fertile ground for new projects, talent development, and efficient filming processes.

Many industry insiders highlight Torino Piemonte as one of Italy’s most film-friendly regions. Its quick authorization processes and accommodating attitude make it an attractive location for directors and producers. The region’s ability to facilitate shooting schedules discreetly and efficiently is praised by filmmakers who appreciate working in an environment that balances professionalism with flexibility. This reputation not only benefits local productions but also attracts international projects seeking a smooth filming experience.

The Venice Film Festival serves as a major platform for unveiling cinematic excellence and fostering cross-cultural collaborations. With films like “La Grazia” and others in the recent past, the region’s close ties with the festival scene enhance its visibility and prestige. A notable aspect of the region’s film ecosystem is its focus on nurturing new talent. The Film Commission Torino Piemonte has launched initiatives aimed at supporting young directors and emerging voices in cinema. For the first time, a dedicated development program was launched to identify and boost up-and-coming filmmakers, allowing fresh ideas to take root in the region. Such efforts are viewed as crucial for maintaining a dynamic, innovative film landscape that evolves with broader industry trends.

From assisting renowned directors like Paolo Sorrentino to promoting local talents, the area’s infrastructure and community support play a vital role. The region balances its rich territory and discreet charm with the ambition of competing on an international level, making it a sought-after location for film projects that wish to combine scenic beauty with professional excellence.

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Lucia Mascino è a Venezia per ricevere il Premio Kineo, prestigioso riconoscimento che viene consegnato  in occasione della Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica al Biennale di Venezia, per la sua partecipazione alla serie televisiva “I delitti del Barlume“. Abbiamo parlato con lei del successo continuo della serie, del suo personaggio e del mestiere dell’attore.

L’attrice protagonista, Lucia Mascino, sottolinea come “I delitti del Barlume” sia stata una scoperta inattesa, una serie nata in un periodo in cui le produzioni TV di questo tipo erano ancora poco popolari. “È uscita nascosta, quasi in sordina, ma ha saputo creare un pubblico affezionato e trasversale, che apprezza la sua leggerezza e il suo stile sottile”, spiega Mascino. La serie si distingue per un casting di anziani che, tra giochi di carte e quotidianità, si ritrova a indagare su misteri locali con un tocco di ironia. Un punto chiave del successo di  sta nella sua capacità di trasfigurare il mondo originale da cui nasce, mantenendo allo stesso tempo i riferimenti e le atmosfere dell’ambiente narrativo. Mascino evidenzia come la serie, pur partendo da un universo di base molto specifico, si sia ampliata e trasformata grazie a nuovi personaggi e richieste del pubblico, grazie a un approccio che combina elementi serio-polizieschi con momenti di comicità tipicamente toscana.

Nello sviluppo della serie, la libertà di evitare strutture troppo convenzionali ha contribuito alla sua unicità. “La sua firma è la leggerezza e la possibilità di incrociare generi diversi, dal noir alla commedia. Questo permette a ogni spettatore di trovarvi qualcosa di suo”, afferma Mascino.  Oltre al valore narrativo, la serie ha dato anche un’occasione di crescita agli attori coinvolti. Mascino racconta come le riprese siano state dei momenti di improvvisazione, dove le scene venivano spesso riscritte sul set stesso con la partecipazione diretta di registi come Roan Johnson e nuovi componenti del team. “La leggerezza del progetto permette di lavorare con più libertà, evitando la pesantezza di un approccio troppo ‘alto’ o eccessivamente drammatico, mantenendo tutto molto naturale”, commenta.

Infine, l’attrice si sofferma sull’importanza dell’approccio personale al cinema e alla recitazione: “Mi piace essere attraversata dalle emozioni nel cinema, che siano lacrime o risate. La recitazione è un limite tra finzione e verità, e credo che la vera sfida sia quella di rimanere autentici, senza cadere nella spettacolarizzazione.”

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