Piero Pelù. Rumore dentro è un viaggio tra musica, sofferenza e rinascita con protagonista il cantautore fiorentino, 63 anni. Diretto da Francesco Fei e presentato fuori concorso alla 82esima Mostra del Cinema di Venezia, il documentario arriverà nelle sale il 10, l’11 e il 12 novembre con Nexo Studios.

Il film nasce dal desiderio di Piero Pelù di condividere un episodio cruciale della sua vita, un incidente alle orecchie che gli ha creato degli acufeni, un disturbo che accompagnerà il cantante per sempre. Attraverso il documentario, l’artista si apre su un tema purtroppo trascurato dalla ricerca scientifica.

Pelù rivela come abbia deciso di trasformare la propria sofferenza in un’opportunità di crescita. La narrazione si intreccia con il suo album “Deserti” e il racconto delle sue prossime iniziative, come il concerto per la Palestina. Il film non si limita a parlare di musica, ma si trasforma in una vera e propria testimonianza umana. Pelù e Francesco Fei evidenzia che il suo percorso musicale, sempre contraddistinto da uno spirito libero, ha avuto si momenti di crisi, ma anche di forte innovazione e rinnovamento.

Il documentario “Piero Pelù. Rumore dentro” è un invito a confrontarsi con le proprie paure, a non arrendersi di fronte alle difficoltà e a trovare nella propria vulnerabilità una forza per andare avanti. Pelù stesso si definisce uno spirito libero, che guarda avanti e non si lascia condizionare dalle mutate logiche del mercato musicale. La sua testimonianza si rivela un esempio di come la vita possa essere un continuo ciclo di sfide, ripartenze e rinascite, rese ancora più autentiche dall’onestà con cui vengono affrontate.

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Macedonian director Teona Strugar Mitevska is back at the Venice Film Festival with her new film, “Mother“, to open the Orizzonti section.

The film starring Noomi Rapace in the role of 37 years old Mother Teresa portrays the future saint in the seven days before she was given permission to found her order , the Missionaries of Charity.

The idea of directing Mother came to Teona Strugar Mitevska more than 15 years ago when she directed the documentary “Teresa and I“, shot in Kolkata.

The director reveals: “I discovered so many aspects about her character that I could not, as a woman filmmaker and a creator and an artist, not take the opportunity and the responsibility to  show to the world the woman behind the myth”.

Noomi Rapace shared Mitevska’s vision on how to approach this very important role and journey: “We shared the the same beliefs of undressing the, the myth and kind of going under the skin of Mother Teresa and investigate the human. And I think most humans will struggle with the same questions about ego, about motives, about, also, motherhood”

“Mother” isn’t aiming at celebrating the saint as it also shows the internal struggles and the pain and how much darkness she was expressing through her letters, her crisis, her manners.

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Luca Severi, figura di riferimento nel settore del cinema indipendente, condivide con FRED le strategie che stanno guidando la crescita della sua Luca Severi Production Group, nata nel 2010 a Los Angeles e successivamente ampliata in Italia nel 2019. Tra i vari sviluppi, spicca l’apertura di LSPG Popcorn Distribution, una divisione dedicata alla distribuzione internazionale di film indipendenti, che debutta alla 82ª edizione della Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia.

La strategia di Severi si concentra su nicchie e segmenti di spettatori molto specifici, dando modo a film indipendenti di trovare una propria collocazione nel mercato. Questa strategia nasce dall’esperienza di Severi, testimoniata dal suo passato da regista e dalla sua immersione nella scena del cinema indipendente americano.

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A heartfelt exploration of grief and fatherhood, “Remake” unveils director Ross McElwee‘s intimate relationship with his late son, Adrian, blending personal footage and universal themes. This poignant documentary delves into the complex process of mourning, memory, and the effort to find hope amid loss.

“Remake” stands out for its raw honesty, as Ross McElwee reconstructs his bond with Adrian through a combination of personal footage and cinematic reflection. The film invites viewers into an emotional landscape where grief is intertwined with humor and resilience. McElwee hopes that his story resonates with parents and families who’ve experienced tragedy, providing a sense of companionship in shared human suffering.

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Filmmaker Aboozar Amini’s “Kabul, Between Prayers” offers a profound look into the life of a young Afghan man torn between violence and daily survival, illustrating the complex social fabric of Afghanistan today. Debuting at the Venice Film Festival, this documentary-style film delves beyond the headlines of war and political chaos, shining a light on the intimate realities of ordinary Afghan lives.

Jia Zhao, producer for Silk Road Film Salon, recounted her commitment to supporting films like “Kabul, Between Prayers,” which are part of a planned trilogy exploring Afghan lives affected by war. She highlighted that this project aims to reveal the layers of Afghan society often obscured by mainstream narratives focused solely on political conflict.

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The film “Sermon to the Void” marks the concluding chapter of a thought-provoking trilogy that delves into the essence of life, existence, and the infinite. Directed by Hilal Baydarov, this film distinguishes itself from its predecessors by emphasizing the power of cinematography, sound, and the spoken word, steering away from traditional landscape-driven narratives to focus on inner truths and spiritual exploration.

In a landscape dominated by narrative-driven cinema, Baydarov’s work is an ode to surrealism and abstract expression. He criticizes mainstream storytelling for its reliance on logic and sentimentality, advocating instead for films that probe into the darker, less visible facets of human nature.

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All’82ª Mostra del Cinema di Venezia, FRED Film Radio ha intervistato la regista Julia Jackman per parlare di “100 Nights of Hero”, film di chiusura della Settimana della Critica.

“100 Nights of Hero” è l’adattamento cinematografico dell’omonima graphic novel di Isabel Greenberg. Il risultato è un film visivamente meraviglioso, estremamente attento ai dettagli della messa in scena e ai costumi. “Sono una fan enorme della graphic novel che mi ha ispirato per l’uso della luce, tra candele e ombre”, ammette Julia Jackman. “C’era tanto blu, bianco, nero e un po’ di rosso, tutti colori forti. Invece, quando ho immaginato il mondo del film, pensavo a maggiori sfumature. Ho preso ispirazione da pellicole come Orlando e Povere Creature! e a dai titoli degli anni 90 che mostrano un mondo più tattile”.

In “100 Nights of Hero”, la regista ci ricorda l’importanza delle storie. Di scriverle, raccontarle, tramandarle. Quando è stato importante per Julia Jackman realizzare un film ambientato in un mondo apparentemente irreale, ma che ha un legame profondo con l’attualità parlando dell’importanza del femminile di rivendicare la propria voce? “È stato interessante perché sulla superficie il mondo che racconto è assurdo”, spiega la regista. “E questa assurdità mi ha dato molta libertà nell’esplorare le cose che sono molto presenti nell’oggi. Tutti nel film giocano un ruolo molto fisso, dal ricco alla guardia. Con quell’assurdità un po’ comica introdurre temi un po’ più scuri in un contesto iperteatrale”.

“100 Nights of Hero” è un film audace e coraggioso. Ma potrebbe esserci chi, nel vederlo, faticherà ad entrane nel mondo che racconta. “Credo molto nello sfidare me stessa, perché non voglio solo incontrare persone con cui sono d’accordo”, confessa Julia Jackman. “Uno dei motivi per cui l’ho scritto è perché quando ne parlavo con le persone tante volte sentivo dire: ‘Ma che cos’è?’. C’erano tanti dubbi su chi sarebbe stato interessato al film. Ho dovuto trovare e ritrovare l’abilità di credere in questo racconto e in me stessa. Ho sentito sin dall’inizio che non sarebbe stato capito facilmente da tutti. Ma l’ho mostrato a delle persone e sono stata soprattutto commossa dal fatto che tante persone da background diversi erano colpiti”.

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From Oscar®-winning filmmaker Guillermo del Toro comes “Frankenstein”, in competition at the 82nd Venice Film Festival.

It is the definitive retelling of Mary Shelley’s genre-defining novel of life and death — an epic drama about what it means to be human, to crave love, and seek understanding.

Golden Globe-winner Oscar Isaac plays the brilliant but tortured scientist Victor Frankenstein, who embarks on an ego-driven quest to bring new life into this world, resulting in the Creature (BAFTA-nominee Jacob Elordi), whose very existence provokes questions about what it means to be a human and what it really means to be a monster.

Then film also stars Mia Goth as the luminous Elizabeth, the only one who’s able to understand the creature’s true nature, identity and heart.

As Guillermo Del Toro stated in his director’s notes: “ Frankenstein is a reminder of how, at heart, we are all creatures, lost and found”.

Oscar Isaac, Jacob Elordi and Mia Goth comment on this aspect and introduce us on their journey into Guillermo Del Toro’s universe, connecting to people’s heart and souls.

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Directed by Lana Daher, “Do You Love Me” was presented at Giornate degli Autori at the 82nd Venice Film Festival. It is a mesmerizing documentary that delves into Lebanon’s rich and complex cultural history through a deeply personal and artistic lens.

Directed by Lana Daher, “Do You Love Me” is an evocative exploration of Lebanon’s audiovisual landscape. The film is crafted solely from archival materials, home videos, photographs, music, podcasts, and independent cinema spanning from the 1950s to today. Daher explains that her initial intent was to fill gaps left by Lebanon’s underrepresented history books, which tend to overlook events beyond the country’s independence in 1945. However, as the project evolved, it became more of an intimate reflection on her relationship with Lebanon and Beirut that captivates the audience for its hybrid style, a seamless blend of documentary and personal essay.

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Presented at Giornate degli Autori at the 82nd Venice Film Festival, “Vainilla” strikes for its profound exploration of family, intimacy, and personal identity. Directed by Mayra Hermosillo, the film portrays Roberta, an eight-year-old girl navigating the complexities of her family of seven women as they fight to keep their home. Through this emotionally rich narrative, “Vainilla” delves into themes of emotional vulnerability, societal expectations, and authentic human connections.

“Vainilla” shines in its portrayal of familial relationships, capturing the authentic chaos, love, and conflicts within a family unit. Actors Natalia Plascencia and María Castellá portrayed characters Limbania and Alicia, childhood friends navigating their own paths amid family complexities. They described their acting experience as “free and natural,” thanks in part to the detailed costume design and the supportive environment created by Hermosillo. “We played with a lot of freedom. The characters reflect our own friendships, sometimes loving, sometimes fighting, but always genuine,” Plascencia shared.

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