Dans ce Pas de côté de Les Sens de la Danse, je vous propose de remonter à l’une des racines du parcours de Amala Dianor : le sabar, danse et tradition rythmique majeure du Sénégal.

Bien plus qu’une danse, le sabar est un espace de dialogue entre le danseur et les tambours, entre l’individu et le collectif. Une pratique vivante, sociale et festive, où l’écoute, la précision et l’énergie du cercle façonnent le mouvement.

À travers cet éclairage, on comprend autrement certaines forces qui traversent le travail d’Amala Dianor aujourd’hui : la relation au rythme, le dialogue entre les cultures et cette idée de faire société par la danse, notamment dans sa pièce DUB.

Je suis Myriam Sellam, journaliste et danseuse, et avec Les Sens de la Danse, j’explore le pouvoir du mouvement : ce que la danse révèle de nos corps, de nos histoires et du monde qui nous entoure.

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« Mon ADN est purement hip hop. Ma structure, ma colonne vertébrale. »

Dans cet épisode des Sens de la Danse, je reçois Amala Dianor, danseur et chorégraphe majeur de la scène française et internationale.

Je suis Myriam Sellam, journaliste et créatrice du podcast Les Sens de la Danse, et je vous propose ici une conversation profonde, intime et politique autour du pouvoir du mouvement.

Né à Dakar, arrivé en France à 7 ans, Amala grandit entre sabar sénégalais, culture hip-hop, Michael Jackson et arts martiaux. Très tôt, la danse devient pour lui un langage, un refuge, un espace de liberté.

De la télévision des années 80 à l’émission de Sidney, des battles en Haute-Savoie et à Angers, jusqu’au Centre national de danse contemporaine (CNDC), il traverse les esthétiques.

Hip-hop, contemporain, néo-classique. Il refuse de choisir. Il refuse de s’enfermer.

« Comment rester libre dans ma danse ? »

Dans cette conversation, Amala revient sur :

– Son enfance au Sénégal et la puissance du sabar

– Son arrivée en France et le choc culturel

– Le racisme et la prise de conscience dans le monde du travail

– Son passage audacieux vers la danse contemporaine

– Son désir de casser les frontières esthétiques

– La naissance de sa compagnie en 2012

– Et la création de DUB, pièce manifeste réunissant 11 danseurs venus de communautés urbaines du monde entier

Avec DUB, Amala cherche à « recréer l’utopie du vivre ensemble sur scène ». Un spectacle lumineux, puissant, profondément politique.

🎟️ Vous pourrez retrouver Amala Dianor au festival Groove'N' Move le 7 mars, où il sera présent avec son travail — une occasion précieuse de voir cette énergie contagieuse sur scène.

🎧 Les Sens de la Danse est un podcast qui explore le pouvoir du mouvement à travers des conversations approfondies avec des artistes, danseurs et chorégraphes, et questionne ce que la danse transforme dans les corps et les trajectoires. Il est partenaire média du festival Groove’N’Move.

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Dans ce Pas de côté, on s’arrête un instant pour approfondir ce que la conversation avec Raïssa Lei a ouvert.

Danseuse amazighe, elle nous a parlé de transmission, de deuil, d’identité.
Mais au-delà de son parcours personnel, une question plus large apparaît :

Que transmet-on quand tout vacille ? Comment le corps devient-il un lieu de mémoire ?

À travers son récit, c’est toute la notion d’héritage culturel qui se dessine — non pas comme folklore figé, mais comme mouvement vivant.

Ce Pas de côté propose une réflexion sur :
– la mémoire incarnée
– la transmission intergénérationnelle
– le rôle du corps dans la construction identitaire

Parce que la danse n’est pas seulement un art.
Elle est aussi un langage. Et parfois, un refuge.

🎧 À écouter en complément de l’épisode avec Raïssa Lei, disponible sur toutes les plateformes.

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Dans cet épisode des Sens de la Danse, je reçois Raïssa Leï, danseuse et chorégraphe qui fusionne le waacking, né dans les clubs queer afro-américains de Los Angeles, avec les danses amazighes traditionnelles du Maroc.

Née à Paris, dans le 20ᵉ arrondissement, entre conservatoire, culture hip-hop et héritage nord-africain, elle crée un langage chorégraphique profondément identitaire.

En 2017, elle fonde la compagnie Kif-Kif Bledi.

En 2022, elle lance Timazighin, un projet dédié au matrimoine amazigh.

Son travail interroge la transmission, la mémoire corporelle et la responsabilité de ne pas laisser disparaître une culture.

Dans cet épisode, nous parlons :

– de danse et d’identité

– de waacking et de réappropriation culturelle

– de matrimoine amazigh

– de transmission intergénérationnelle

– de mémoire inscrite dans le corps

Une conversation intime et politique sur ce que signifie continuer.

🎧 Les Sens de la Danse est un podcast animé par Myriam Sellam, journaliste et passionnée de danse, qui explore le pouvoir du mouvement à travers des artistes aux parcours singuliers.

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Dans ce Pas de côté du podcast Les Sens de la Danse, Myriam Sellam explore une question essentielle : le hip-hop est-il vraiment une culture réservée à la jeunesse ?

Né en 1973 dans le Bronx à New York avec les block parties de DJ Kool Herc et d’Afrika Bambaataa, le hip-hop a aujourd’hui plus de cinquante ans. Des pionniers du breaking, du popping et du locking aux juges de battles contemporains, une génération entière continue d’influencer la scène internationale.

À travers des repères historiques — de l’émission H.I.P H.O.P en France dans les années 1980 à l’entrée du breaking aux Jeux Olympiques de Paris 2024 — cet épisode analyse l’évolution d’une culture née dans la rue et devenue patrimoine vivant.

Que devient le corps hip-hop avec l’âge ? Comment la transmission s’organise-t-elle entre générations ?
Le hip-hop est-il une culture “jeune” ou une culture du renouvellement ?

Un éclairage historique et culturel pour mieux comprendre l’épisode consacré à Sébastien Boucher, danseur, chorégraphe et fondateur du festival Groove’N’Move à Genève.

🎙 Les Sens de la Danse explore le pouvoir du mouvement comme outil de transformation, de transmission et de dialogue entre les mondes.

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Ça commence par un cercle.

Un cercle de danse hip-hop, au milieu d’un club de boxe.
Des corps différents, des styles, des identités. Une énergie brute, instinctive.
Et la sensation qu’à l’intérieur de ce cercle, quelque chose peut changer.

Dans cet épisode de Les Sens de la Danse, je reçois Sébastien Boucher — danseur, chorégraphe, programmateur et fondateur Groove’N’Move, festival des danses urbaines à Genève.

Figure de la scène underground depuis les années 90, il a vu le hip-hop évoluer des cercles et des battles vers les scènes institutionnelles, les musées et les grandes salles de spectacle.

Son parcours raconte cette traversée : de la rue aux institutions, de l’énergie brute à la programmation culturelle,
du collectif spontané à la transmission organisée.

Avec lui, on parle :

– des premiers cercles et de la culture hip-hop
– de la différence entre battle et rituel
– de la place du hip-hop dans les institutions culturelles
– de transmission intergénérationnelle
– et de la naissance d’un festival devenu une véritable plateforme internationale : Groove’N’Move, qui célèbre en 2026 sa 16e édition et se tiendra du 4 au 15 mars à Genève.

Un épisode sur le pouvoir de la danse à relier les mondes, à décloisonner les territoires et à faire vibrer une ville entière.

🎧 Les Sens de la Danse est un podcast qui explore le pouvoir du mouvement à travers des conversations approfondies avec des artistes, danseurs et chorégraphes, et questionne ce que la danse transforme dans les corps et les trajectoires. Il est partenaire média du festival Groove’N’Move.

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Dans ce Pas de côté des Sens de la Danse, retour sur une histoire souvent méconnue : celle de la danse auprès des corps fragilisés.

Danser à l’hôpital, au chevet, auprès de personnes malades ou âgées… Cette pratique n’est pas née d’hier.

Dès les années 1960–70, des artistes comme Anna Halprin remettent en question l’idée du corps idéal et ouvrent la danse à des corps réels, vulnérables, traversés par la vie.

Dans les années 1990, la community dance au Royaume-Uni affirme une autre vision : la danse comme lien social, comme espace de présence et de participation, loin de la seule performance.

Comment ces mouvements ont-ils transformé notre regard sur le corps dansant ?
En quoi la danse peut-elle devenir un espace relationnel, sans se substituer au soin médical ?

Ce Pas de côté propose des repères historiques et internationaux pour mieux comprendre comment la danse a progressivement quitté les scènes traditionnelles pour rejoindre tous les corps — quels qu’ils soient.

🎙 Un éclairage complémentaire à l’épisode avec Aude Michon.

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Dans cet épisode des Sens de la Danse, Aude Michon raconte comment la danse a progressivement quitté les scènes traditionnelles pour s’inscrire dans des lieux inattendus, notamment à l’hôpital, auprès de personnes touchées par le cancer.

Danseuse et chorégraphe, fondatrice de l’association Elles Dansent, Aude Michon revient sur son parcours personnel, ses choix professionnels, les renoncements nécessaires, et la manière dont son rapport à la danse s’est transformé au fil du temps.

Au cœur de cet échange d’une heure, il est question de danse à l’hôpital, de présence au chevet des patientes, mais aussi des enjeux éthiques liés à l’intervention artistique dans les contextes de soin.

Comment danser avec des corps fragilisés ? Que peut — ou ne peut pas — la danse face à la maladie ? Où se situe la frontière entre art, accompagnement et soin ?

Aude Michon partage également les réalités concrètes de son travail : l’adaptation aux lieux, la relation avec les équipes soignantes, la place du silence, et la nécessité de repenser la notion même de scène.

🔗 POUR ALLER PLUS LOIN

🎥 Découvrir le reportage Elles Dansent, réalisé auprès de femmes touchées par la maladie et mentionné dans cet épisode :

👉https://smartlink.ausha.co/lesensdeladanse/episode-special-octobre-rose-elles-dansent-quand-la-vie-fait-un-pas-de-cote

Un épisode qui interroge la danse hors des théâtres, la place du corps vulnérable dans l’histoire de la danse, et ce que le mouvement peut encore transmettre dans des contextes où rien n’est acquis.

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Créé en 1994 pour le Ballet de l’Opéra de Paris, Le Parc est l’une des œuvres les plus emblématiques du chorégraphe Angelin Preljocaj. Une pièce entrée au répertoire, régulièrement reprise depuis plus de trente ans, et qui sera à nouveau présentée à l’Opéra Garnier du 3 au 25 février 2026.

Dans ce pas de côté, nous prenons quelques minutes pour éclairer cette œuvre majeure : son contexte de création, ses thèmes, et les raisons pour lesquelles Le Parc continue de nous parler aujourd’hui.

Inspirée de l’imaginaire des jardins à la française et portée par la musique de Mozart, la pièce explore les jeux de séduction, le désir, le regard et la relation à l’autre.
Loin d’un récit amoureux idéalisé, Le Parc propose une véritable cartographie du désir : un désir observé, retenu, négocié, inscrit dans les corps et dans le temps.

À travers des scènes devenues iconiques — notamment celle du baiser suspendu — Le Parc interroge la confiance, le consentement et l’abandon, avec une écriture chorégraphique où la lenteur et la précision font émerger une tension rare.

Pourquoi cette œuvre traverse-t-elle les époques ? Parce que notre regard sur l’amour, sur les relations et sur les corps a changé — et que Le Parc change avec nous. Un éclairage sensible et accessible, pour mieux entrer dans l’univers d’Angelin Preljocaj et dans la conversation qui suit.

🎙️ Les Sens de la Danse — le podcast qui explore ce que la danse fait à nos vies.

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Dans cet épisode des Sens de la Danse, je reçois Angelin Preljocaj pour une conversation au long cours sur la danse comme langage du vivant, du temps et de la relation à l’autre.

Il revient sur son enfance, l’exil de ses parents albanais, et la manière dont ces histoires ont façonné son rapport au corps, à la rigueur et au cadre.

Au fil de l’entretien, il évoque sa formation — de Karin Waehner à Merce Cunningham — et la construction d’une écriture chorégraphique exigeante et profondément structurée. Une danse où la contrainte n’enferme jamais le geste, mais crée les conditions de son surgissement. Il parle de la danse comme d’un art « très puissant », capable de dire ce que les mots ne savent pas formuler, et de relier les corps à l’espace et au temps.

L’épisode explore son processus de création, la place du collectif, les collaborations artistiques, et la transmission de la danse dans des contextes variés : prisons, hôpitaux, écoles, espace public. Une conviction traverse tout l’échange : la danse est un acte de relation, profondément ancré dans le réel, et une manière d’aller vers l’autre.

Angelin Preljocaj aborde également le temps long, la finitude, et son rapport à la mort à travers Requiem(s), une pièce pensée non comme une représentation de la disparition, mais comme une manière de réaffirmer le vivant.

Alors que la pièce Le Parc, créée en 1994, sera reprise à l’Opéra Garnier du 3 au 25 février 2026, cet épisode propose un retour sur Angelin Preljocaj, en explorant l’origine du geste, la pensée du corps et ce que la danse permet de dire.

Un épisode dense pour entrer au cœur de l’œuvre d’un chorégraphe majeur — au plus près de ce qui le met en mouvement.

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Cet épisode a été enregistré au Théâtre des Champs-Élysées, que je remercie chaleureusement pour son accueil et la mise à disposition d’un espace de travail, propice à cet échange.

Photo: Julien Bengel

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