En este episodio, se habla del tiempo que requieren las películas para decantarse y encontrar su forma adecuada.

Milagros Mumenthaler es una directora y guionista argentina cuya vida ha transcurrido desde muy joven entre Ginebra y Buenos Aires. Su ópera prima, Abrir puertas y ventanas, se estrenó en 2011 en el Festival de Locarno, donde obtuvo el Leopardo de Oro a Mejor Película, el Premio a la Mejor Actriz y el Premio de la Crítica FIPRESCI, catapultándola así como una de las voces más interesantes del cine argentino más reciente.  

En 2016 regresó a Locarno con su segundo largometraje La idea de un lago. En 2025 estrenó Las corrientes, seleccionado en los festivales de Toronto, Nueva York y la Competencia Oficial de San Sebastián, donde obtuvo el premio Otra mirada RTVE. Sus ficciones se han caracterizado por un tono intimista e inquietantes atmósferas emocionales. 

Por otro lado, Jonás Trueba es un director español que ha cosechado en 15 años una filmografía de ocho largometrajes. Mediante el trabajo con un crew y un reparto más o menos constantes, ha creado un cálido universo de personajes y escenarios en los que las relaciones humanas, la literatura, la filosofía y el cine mismo ocupan un lugar central.

Ha dirigido películas como Todas las canciones hablan de mí, La reconquista, La virgen de agosto, el documental Quién lo impide y más recientemente Volveréis, obras seleccionadas en festivales como San Sebastián, Gijón, Karlovy Vary y la Quincena de Cineastas de Cannes, donde obtuvo el Premio a la Mejor Película Europea. 

Milagros y Jonás se reúnen aquí para hablar de la posibilidad de rebelarse contra los antagonismos y los conflictos como imperativos de la ficción.

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En este episodio, se habla de la manera en que el cine puede representar las dinámicas digitales y señalar las violencias que en ocasiones estas reproducen.

Valeria Hofmann es una directora y guionista de Chile. Su trayectoria comienza como miembro del colectivo documental Mapa Fílmico de un País-MAFI, con el cual realizó los largometrajes Propaganda, Dios y Oasis, presentados en Visions du Réel y la Berlinale.

En 2017 se une como guionista al proyecto Volver a casa, de Catalina Alarcón, cuyo componente de realidad virtual se estrenó en la competencia inmersiva del IDFA. En 2023 estrena como directora su cortometraje Alien0089 en el Festival de Sundance, donde obtiene el Premio Especial del Jurado de la sección Midnight. Desde entonces, este trabajo, en el que explora la violencia y el hostigamiento en la comunidad gamer, ha conseguido importantes reconocimientos en festivales como Clermont-Ferrand, Montréal, Guanajuato y Praga.

Por otro lado, Gala Hernández López es una artista, investigadora y directora de cine de España. A través de cortometrajes, performances y publicaciones ha examinado los imaginarios y las narrativas que circulan en las comunidades virtuales, así como las ficciones compartidas que el entorno digital ha inspirado en nuestro inconsciente colectivo. Entre 2022 y 2025 realizó una trilogía de obras experimentales y documentales alrededor de las subjetividades masculinas inmersas y permeadas por las ideas de la comunidad incel y las criptomonedas. "La mecánica de los fluidos", "For here am i sitting in a tin can far above the world" y "+10K" han sido seleccionados en escenarios como la Quincena de Cineastas de Cannes, la Berlinale, DOk Leipzig, IDFA y Clermont-Ferrand.

Valeria y Gala se reúnen aquí para hablar de sus trabajos como ensayos en los que el cine dialoga con la contemporaneidad tecnológica y las posibilidades expresivas del lenguaje y los medios virtuales. 

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En este episodio, se habla de la urgencia y la alegría como motivaciones esenciales para hacer cine.

Iván Fund es un cineasta argentino cuya obra abarca cerca de diez largometrajes como director, pero también otros más como montajista y director de fotografía. En sus ficciones más recientes se ha propuesto explorar dramas con tintes fantásticos a partir de esquemas narrativos y de producción acotados, en los que los vínculos familiares y la infancia ocupan un lugar central. Codirigió con Santiago Loza el largometraje Los labios, estrenado en 2010 en la sección Una cierta mirada del Festival de Cannes y ganador del Premio a la Mejor Actriz. Recientemente, obtuvo el Premio del Jurado de la Competencia Oficial de la Berlinale con El mensaje, película seleccionada en los festivales de San Sebastián, Jeonju y Beijing.

Por otro lado, Fernanda Valadez es una cineasta mexicana con experiencia en la dirección y producción de ficciones y documentales. Es reconocida internacionalmente por su exitosa ópera prima, Sin señas particulares, galardonada en el festival de Sundance con el Premio del Público y Mejor Guion, así como el Premio Horizontes Latinoas de San Sebastián. Asimismo, con esta película consiguió nueve estatuillas en los Premios Ariel 2021. Su más reciente largometraje, Sujo, codirigido con Astrid Rondero, obtuvo el Gran Premio del Jurado de Sundance, se presentó en los festivales de Berlín y San Sebastián, y obtuvo el Ariel a Mejor Película en 2025. Su obra se ha caracterizado por un fuerte compromiso político que la ha llevado a hablar con gran realismo de la violencia en su país, sin dejar de ofrecer un horizonte de esperanza para los personajes y las comunidades que retrata.

Iván y Fernanda se reúnen aquí para hablar de la importancia de conservar en cualquier esquema de producción la capacidad necesaria para observar atentamente la vida y hacer que esta pueda emerger en sus películas.

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En este episodio, se habla de la literatura y el cine como maneras de fagocitar la vida y poner en escena la realidad. 

Isabel Coixet es una directora y guionista española, la más prolífica de su país actualmente. Su filmografía, desarrollada a lo largo de tres décadas y compuesta por casi una treintena de títulos, ha comprendido desde el comienzo distintos géneros cinematográficos, guiones propios y adaptaciones de numerosas novelas, así como lenguas y geografías muy diversas. Con frecuencia, complejos personajes femeninos ocupan el centro de sus historias y algunos han sido interpretados por reconocidas actrices como Patricia Clarkson, Juliette Binoche, Laia Costa y Alba Rohrwacher. Coixet ha rodado en países como Italia, Francia, Estados Unidos, Japón, Irlanda del Norte, Noruega y Bulgaria. Sus películas se han presentado en los festivales de Cannes, Berlín, Toronto, San Sebastián y Tokio, entre muchos otros, y hoy es la directora más galardonada en la historia de los Premios Goya. Su más reciente largometraje, Three Goodbyes, se estrenó en el Festival de Toronto. 

Por otro lado, Ariana Harwicz es una escritora argentina radicada en Francia hace dos décadas. Desde allí ha desarrollado una obra literaria que comenzó con la exitosa recepción de su primera novela Mátate amor, por la cual ha recibido grandes reconocimientos y nominaciones internacionales como el Premio Konex de Argentina en 2024, el Internationaler Literaturpreis de Alemania en 2019 y ser finalista del Man Booker International en 2018. Es autora de dos libros de ensayos y cinco novelas, tres de las cuales fueron reunidas por Anagrama en un mismo libro con el título Trilogía de la pasión. En ellas sobresalen protagonistas impredecibles, muchas veces insatisfechas con las normas sociales y de temperamento volátil, así como un lenguaje poético y visceral con el que ha abordado temas como la depresión postparto, la pedofilia y el incesto. Recientemente, su primera novela fue adaptada al cine por la directora escocesa Lynne Ramsay: Die, My Love es protagonizada por Jennifer Lawrence y Robert Pattinson y se estrenó en la Competencia Oficial del Festival de Cannes 2025.

Isabel y Ariana se reúnen aquí para cuestionar las formas en que públicamente se vincula a un autor con su obra y para hablar de la necesidad de sustraerse de la vida para crear.

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En este episodio, se habla de un cine lleno de gestos y memorias personales: una relación plástica y experimental con la imagen y el sonido. 

Paula Gaitán es poeta, artista visual, fotógrafa y cineasta. Nació en París, pero su vida y su obra se han desarrollado principalmente entre Colombia y Brasil, país donde reside desde hace casi cincuenta años. Fue directora de arte de La edad de la Tierra, última película dirigida por Glauber Rocha antes de su muerte en 1981. En 1987 dirigió su primer largometraje, Uaka, y desde entonces como autora ha cultivado una filmografía que transita entre el documental, la ficción y el ensayo, y que hoy comprende más de una decena de títulos. Sus películas se han presentado en los festivales de Viena, Berlín, Tribeca, Lisboa y Curitiba, y en los últimos años el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, la Cinemateca de Bogotá, la Doc Alliance y el FICUNAM han organizado amplias retrospectivas de su trabajo.

Por otro lado, Ximena Cuevas es una artista y montajista mexicana, pionera y principal referente del videoarte en su país. Parte de su videografía forma parte de las colecciones permanentes del MoMA de Nueva York y el Centro Pompidou de París. En su obra —de carácter performático, contestatario y profundamente personal— ha explorado las relaciones entre la ficción y la realidad, así como el consumo de imágenes mediáticas, televisivas y cinematográficas. Colaboró inicialmente con directores como Arturo Ripstein y John Houston, y más recientemente ha sido montajista de películas como Bellas de noche, de María José Cuevas, y Esto no es Berlín, de Hari Sama, estrenadas en los festivales de Toronto y Sundance, respectivamente. 

Paula y Ximena se reúnen aquí para hablar de sus herencias artísticas y de sus procesos creativos como una aproximación física y personal al material con que trabajan. 

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En este episodio, se habla de dos posibilidades poéticas en la creación cinematográfica contemporánea: una mirada contemplativa y otra explosiva. 

Lisandro Alonso es una de las figuras más relevantes del llamado Nuevo Cine Argentino. Con una impronta naturalista que echa mano de recursos del lenguaje documental, su filmografía ha retratado de manera intimista paisajes rurales y urbanos, así como personajes con una presencia inquietante envueltos en atmósferas llenas de misterio.

Todos sus largometrajes han sido seleccionados en diferentes apartados del Festival de Cannes. Su ópera prima, La libertad, se presentó en Una cierta mirada en 2001, y a esta misma sección regresó en 2014 con su quinto largometraje, Jauja, protagonizado por Viggo Mortensen y con el cual obtuvo el premio principal de esta competencia. En la Quincena de Cineastas presentó Los muertos, Fantasma y Liverpool, y más recientemente estrenó Eureka en la sección Cannes Premieres, un tríptico con tintes fantásticos en torno a distintas representaciones de las comunidades indígenas en el cine

Por otro lado, Luis Ortega también es un director y guionista de Argentina, cuya filmografía se ha caracterizado por un decidido interés en retratar personajes al margen de las normas sociales y un estilo indócil, que lo han llevado a crear ficciones con imágenes y situaciones pesadillescas, fantásticas, absurdas y surrealistas. A la edad de 19 años dirigió su ópera prima Caja negra y desde entonces ha sido un prolífico director que ha presentado sus películas en escenarios como la Semana de la Crítica de Cannes, Locarno, Toronto y San Sebastián. En los últimos años, presentó con gran éxito El ángel como parte de la sección Una cierta mirada de Cannes y El jockey como parte de la Competencia Oficial de Venecia. Recientemente, estrenó el mediometraje Siempre es de noche, en la sección Tabakalera del Festival de San Sebastián. 

Lisandro y Luis se reúnen aquí para hablar del ruido que hoy perturba sus propios procesos creativos, pero también de las motivaciones que aún los siguen inspirando.

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Voces destacadas del cine y la cultura en Latinoamérica se reúnen en este espacio para pensar sus propios métodos y procesos para abordar el oficio, hablar sobre sus experiencias personales e íntimas y reflexionar sobre películas y cineastas que han influenciado o inspirado su trabajo.

Conversaciones profundas entre colegas, en un espacio donde se habla con total libertad.

Es la invitación a ser parte de un encuentro entre dos personas que comparten su amor por el cine.

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En este episodio, se habla del cine como un ritual. 

Oliver Laxe es un director, guionista y actor español, nacido en París. En 2011, su ópera prima Todos vosotros sois capitanes se estrenó en la Quincena de Realizadores y desde entonces todos sus trabajos han sido estrenados y premiados en Cannes: Mimosas obtuvo el Gran Premio de la Semana de la Crítica, Lo que arde ganó el Premio del Jurado de la sección Una cierta mirada y, en la más reciente edición del festival, consiguió el Premio del Jurado de la competencia oficial por su cuarto largometraje, Sirāt.

En su filmografía, rodada entre Galicia y Marruecos, ha explorado un carácter metafísico y espiritual del cine que invoca con frecuencia un vínculo sensible y profundo entre sus personajes y los elementos de la naturaleza que los rodean. 

En entrevista con la programadora italiana Eva Sangiorgi, Oliver habla de las experiencias musicales y vitales que inspiraron Sirāt, así como de su proceso de escritura con el guionista argentino Santiago Fillol.

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En este episodio, se habla del puente que representan para Latinoamérica y Europa las cinematografías de Brasil y Portugal.

Rui Poças es un director de fotografía portugués reconocido internacionalmente por su larga y estrecha colaboración con dos figuras esenciales del cine contemporáneo de su país: Miguel Gomes y João Pedro Rodrigues. Después de trabajar en sus óperas primas, La cara que mereces y El fantasma, Poças ha fotografiado películas como Aquel querido mes de agosto, Tabú, El ornitólogo, Fogo-fátuo y más recientemente Grand Tour, ganadora del Premio a Mejor Dirección en el Festival de Cannes 2024.  

Asimismo, ha colaborado en obras recientes de importantes autores de Latinoamérica, Europa y Estados Unidos como Zama, de Lucrecia Martel; As boãs maneiras, de Juliana Rojas y Marco Dutra; Frankie, de Ira Sachs, y O corno, de Jaione Camborda. 

Por otro lado, Rachel Daisy Ellis es una productora que nació en Inglaterra y migró a Brasil en 2004. Desde hace diez años ha cultivado una estrecha relación como productora y guionista con el director Gabriel Mascaro, con quien ha realizado los largometrajes Vientos de agosto, Boi neon y Divino amor, estrenados en festivales como Locarno, Venecia, Sundance, Toronto y Rotterdam. En los últimos años también ha coproducido otras importantes obras del cine latinoamericano como Noches de fuego, de Tatiana Huezo; Pornomelancolía, de Manuel Abramovich, y Rojo, de Benjamín Naishtat. En 2025 estrenó en la Berlinale O último azul, de Gabriel Mascaro, una fábula de ciencia ficción con la que obtuvieron el Gran Premio del Jurado y el Premio del Jurado Ecuménico de la Competencia Oficial. 

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En este episodio, se habla de las películas pequeñas como un espacio de libertad autoral y espontaneidad. 

Paz Fábrega es una directora y guionista de Costa Rica. Su reconocimiento internacional comenzó con su ópera prima Agua fría de mar, estrenada en 2010 en Rotterdam, con la que obtuvo el Tiger Award de la competencia oficial. Su filmografía se ha caracterizado por retratar los dilemas morales de personajes femeninos que se enfrentan con temas como la maternidad, la sexualidad y el amor fuera de cualquier convención. También dirigió los largometrajes Viaje y Aurora, ficciones seleccionadas en los festivales de Tribeca, San Sebastián, Karlovy Vary y Mar del Plata.

Por otro lado, Julio Hernández Cordón es un director que nació en Estados Unidos y creció entre Guatemala, Costa Rica y México. A lo largo de más de quince años ha desarrollado en estos tres países una filmografía ecléctica compuesta por casi una decena de largometrajes y algunos cortometrajes. En sus trabajos ha explorado, a través del realismo y la fantasía, temas como la juventud, la violencia y la paternidad. Su ópera prima, Gasolina, obtuvo el premio Horizontes Latinos del festival de San Sebastián en 2008, y desde entonces ha presentado sus películas en escenarios como Locarno, Toronto, Rotterdam, FIDMarseille y la Quincena de Cineastas de Cannes. Algunas de sus películas son Las marimbas del infierno, Te prometo anarquía, Cómprame un revólver y El día es largo y oscuro. 

Paz y Julio se reúnen aquí para hablar de los procesos creativos de sus óperas primas y del particular vínculo de solidaridad y entendimiento que han buscado cultivar con los actores no profesionales de cada una de sus películas.

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