En este episodio, se habla de la actuación como un espacio donde las identidades se disuelven y las palabras pueden cobrar un nuevo sentido.

Ernesto Alterio nació en Argentina, pero tuvo que migrar a España con su familia siendo niño. Entre estos dos países ha desarrollado una robusta filmografía que navega por géneros tan diversos como el thriller, el drama histórico y la comedia familiar. Fue nominado por primera vez al Goya en 1998 por su actuación en Los años bárbaros, de Fernando Colomo, y cinco años después fue nominado de nuevo por la comedia Días de fútbol, de David Serrano. Ha trabajado con importantes directores de Argentina y España como Marcelo Piñeyro, Mariano Barroso, Emilio Martínez-Lázaro, Carlso Saura, Benjamín Ávila y Álex de la Iglesia.

Por otro lado, Cecilia Suárez es una actriz mexicana con una larga trayectoria, nominada en tres ocasiones a los Premios Ariel y ganadora de dos Premios Platino. Debutó en la gran pantalla en Sexo, pudor y lágrimas, de Antonio Serrando, una exitosa comedia que se convirtió en una película de culto del cine mexicano, y en 2007, protagonizó el drama Párpados azules, de Ernesto Contreras, estrenado en la Semana de la Crítica de Cannes. Desde hace 10 años trabaja con el director y guionista mexicano Manolo Caro en proyectos para cine y plataformas, una colaboración con la que ha explorado la comedia romántica y el melodrama desde códigos que han renovado estos mismos géneros. En los últimos años, ha trabajado en España en películas de Fernando Colomo y Violeta Salama.

Ernesto y Cecilia se reúnen para hablar frente al público de su interés por la actuación y del valor y los riesgos de la comedia en el cine.

Éste, es un episodio especial de MUBI Encuentros realizado con público en la Casa de México en Madrid en el marco del Festival Estación Podcast.

Por primera vez MUBI Encuentros tendrá una versión en audio y en video.

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En este episodio, nuestros invitados se rebelan contra las expectativas formales y temáticas que desde Europa se han impuesto sobre el cine hecho en Latinoamérica. 

Nelson Carlo de Los Santos es un director dominicano reconocido internacionalmente por su segundo largometraje, Cocote, película ganadora de la sección Signs of Life del Festival de Locarno en 2017. En su cine se conjugan la materialidad y la plasticidad del lenguaje cinematográfico con intereses literarios y la oralidad propia de la cultura de su país. Sus películas mezclan con especial libertad recursos de la ficción y el documental, logrando obras casi inclasificables que se han presentado en escenarios como Toronto, Marsella y San Sebastián. 

Por otro lado, Affonso Uchôa es un cineasta brasileño en cuya obra también es muy difusa la frontera entre ficción y documental. En el rodaje y la escritura de sus películas, ha trabajado muy estrechamente con los mismos protagonistas para dar cuenta de problemáticas como el clasismo y el abuso policial y construir una memoria de la clase proletaria. Sus largometrajes y mediometrajes, rodados todos en su natal Mina Gerais, se han presentado en los festivales de Tiradentes, Rotterdam, y Visions du Réel. 

Nelson y Affonso debaten aquí cierta idea de “lo latinoamericano” construida por una tradición eurocéntrica y defienden con vehemencia la pluralidad, libertad y universalidad de las cinematografías de la región.

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En este episodio, se habla de las licencias que el cine y el teatro independientes brindan para la creación desde distintos roles. 

Laura Paredes es una actriz argentina, reconocida en la escena teatral por ser parte de Piel de Lava, uno de los grupos más destacados dentro y fuera de su país por un fuerte carácter experimental. Paredes ha trabajado en cine con directores argentinos como Martín Rejtman, Santiago Mitre y Matías Piñeiro. Ha protagonizado los dos largometrajes de Laura Citarella: Ostende y Trenque Lauquen, este último estrenado en la más reciente edición del Festival de Venecia. Con Piel de Lava filmó la película de 14 horas dirigida por Mariano Llinás, La Flor, un ambicioso proyecto estrenado en la Competencia Internacional de Locarno que combina distintos géneros y estilos cinematográficos.   

Por otro lado, Manuela Martelli es una actriz y directora chilena cuya carrera comenzó con destacadas interpretaciones en películas de su país dirigidas por Andrés Wood y Gonzalo Justiniano. Desde entonces, ha participado en películas de importantes directores latinoamericanos como Sebastián Lelio, Martín Rejtman y Alicia Scherson, así como en proyectos en Italia, España y Bélgica.  Tras debutar en 2015 en la dirección con el cortometraje Marea de tierra,  seleccionado en la Quincena de Realizadores de Cannes, en 2022 regresó a esta misma sección con su largometraje 1976, un aplaudido thriller de época protagonizado por Aline Kuppenheim. 

A partir de sus más recientes experiencias, Laura y Manuela comparten algunas ideas sobre la actuación y la provechosa relación que se ha establecido entre el cine y el teatro. 

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En este episodio, se habla de la íntima relación que puede existir entre las obras de arte y la vida misma cuando sus protagonistas ponen en escena sus propias experiencias.

Lola Arias es una artista argentina residente en Berlín. Su obra se ha desarrollado orgánicamente entre los campos del cine, el teatro, la literatura y las artes visuales. Sus proyectos se han caracterizado por reenactments que parten de fenómenos políticos y las biografías de sus protagonistas, con el fin de provocar importantes reflexiones sobre temas como la migración, la violencia estatal y el pasado histórico de Chile y Argentina. En 2018 estrenó en el Forum de la Berlinale su primer largometraje Teatro de guerra, una obra que forma parte de un proyecto artístico con el que suscitó el encuentro de antiguos enemigos argentinos e ingleses de la Guerra de las Malvinas.

Por otro lado, Valeria Luiselli es una reconocida escritora mexicana, cuya obra se ha inspirado en su propia biografía, las fronteras lingüísticas y una gran preocupación por las políticas migratorias de los Estados Unidos, país en el que reside actualmente. Además de hacer referencia a grandes autores de la literatura mundial, sus obras de ficción y no ficción se centran en reflexiones en torno a la lengua y a los procesos de escritura, evidenciando así la palabra como un dispositivo para documentar la realidad.

Lola y Valeria se reúnen para hablar del cine, el teatro y la literatura como medios para dar forma a relatos individuales y colectivos.

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En este episodio, se habla de la actuación como un acto creativo en el que no siempre es conveniente mantener el control. 

Verónica Llinás es una actriz argentina de teatro, cine y televisión, reconocida especialmente por su maestría en la comedia, dos veces ganadora del Premio Martín Fierro y un Cóndor de Plata. Fue integrante del mítico grupo teatral Gambas al Ajillo, parte del gran movimiento cultural que emergió tras la caída de la dictadura en su país.  En su larga trayectoria cinematográfica, ha trabajado con importantes realizadores argentinos como Martín Rejtman, Sebastián Borensztein y El Pampero Cine. En 2015, protagonizó y codirigió con Laura Citarella La mujer de los perros, un autorretrato ficcionado y contemplativo estrenado en el Festival de Rotterdam, en el que exploró de manera admirable las posibilidades del lenguaje no verbal.

Vladimir Durán es un actor y director colombiano radicado en Buenos Aires desde hace varios años. En 2011 compitió por la Palma de Oro de Cannes con su cortometraje Soy tan feliz y en 2018 estrenó en el Forum de la Berlinale su primer largometraje, Adiós entusiasmo. Ha actuado en películas de Franco Lolli, Alejo Moguillansky, Mariano Lllinás y Melisa Liebenthal. En su filmografía ha sido central el trabajo actoral como un proceso de investigación desde el cuerpo y un uso no informativo de la palabra, así como el examen de vínculos ambiguos, especialmente en contextos familiares. 

Tras colaborar en Adiós entusiasmo, Vladimir y Verónica se reúnen de nuevo aquí para hablar de la actuación como un misterioso oficio en el que la búsqueda de la verdad es esencial, pero sin temer al error o al fracaso.   

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En este episodio, se habla de la memoria y del cine como espacios propios de la imaginación.

Carla Simón es una directora española ganadora del Oso de Oro de la Berlinale por su segundo largometraje, Alcarràs. Cinco años atrás, Simón había conseguido en ese mismo festival el Premio a Mejor Ópera Prima por Verano 1993, posteriormente reconocida con tres premios Goya y otras cinco nominaciones. Su filmografía, compuesta también por cortometrajes de documental y ficción, se caracteriza por retratar delicados y entrañables dramas familiares inspirados en episodios de su propia vida y relacionados especialmente con la vida rural en Cataluña, la infancia, la muerte y el VIH.

Por su parte, Dominga Sotomayor es una directora y productora chilena. Tras haber conseguido el Tiger Award de Rotterdam con su ópera prima De jueves a domingo, en 2018 se convirtió en la primera directora de la historia en obtener el Premio a Mejor Dirección del Festival de Locarno por su tercer largometraje, Tarde para morir joven. En sus trabajos, la infancia y la adolescencia ocupan un lugar tan central como el paisaje, lo que produce exploraciones formales alejadas de cualquier convención narrativa. También es cofundadora de Cinestación, empresa con la que no solo ha desarrollado sus propios proyectos, sino los de otros realizadores de su país y de Latinoamérica como Manuela Martelli, Alejandro Fadel y Pablo Lamar.

Tras colaborar en 2020 en el cortometraje Correspondencia, Carla y Dominga se reúnen de nuevo para hablar de la íntima relación que existe entre su memoria personal y sus filmografías.

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En este episodio, se habla del cine como un medio para exponer la violencia que pueden generar las instituciones judiciales y de la masculinidad como origen de la violencia misma. 

Laura Mora es una directora colombiana cuyo reconocimiento internacional comenzó con su largometraje Matar a Jesús, estrenado en el Festival de Toronto, y más recientemente obtuvo la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián por Los reyes del mundo, una película de carretera con episodios líricos aplaudida unánimemente por el jurado, el público y la prensa. En su filmografía, Mora ha expuesto la relación de los jóvenes con la violencia, como víctimas y victimarios, pero también se ha interesado en buscar allí las posibilidades poéticas del lenguaje audiovisual y un cariz luminoso y humanista que contrarreste la realidad.   

Por otro lado, el director chileno Fernando Guzzoni ha estrenado sus largometrajes en escenarios como Toronto, San Sebastián y Venecia, consiguiendo en este último el Premio a Mejor Guion de la sección Orizzonti por su más reciente película Blanquita. Inspirado en hechos y personajes reales que han sido mediáticos en su país, Guzzoni ha construido oscuras ficciones que se alejan del maniqueísmo para evidenciar un complejo entramado social que ha permitido la emergencia de una violencia soterrada y la juzga de formas disímiles e insospechadas.  

Laura y Fernando se encuentran aquí para hablar de sus contextos inmediatos y de un interés común: la violencia del Estado.

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Voces destacadas del cine y la cultura en Latinoamérica se reúnen en este espacio para pensar sus propios métodos y procesos para abordar el oficio, hablar sobre sus experiencias personales e íntimas y reflexionar sobre películas y cineastas que han influenciado o inspirado su trabajo.

La tercera temporada de Encuentros se compone de diálogos informales en episodios de aproximadamente 1 hora de duración. Conversaciones profundas entre dos colegas, en un espacio donde se habla con total libertad. 

Es la invitación a ser parte de un encuentro entre dos personas que comparten su amor por el cine. 

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This conversation touches on the creative process of two of film’s greatest names while working together on the film Memoria, an intimate collaboration founded on their long friendship.

Apichatpong Weerasethakul is a world-renowned Thai artist and film director. The topics of dreams and death are essential to his filmography. His style raises big questions about time and our relationship with the spiritual world. 

Winner of the Cannes Palme d'Or in 2012 for Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives, Weerasethakul returned to the main competition years later with Memoria, his first film shot outside of Thailand, which received the Jury Prize (ex-aequo).

Tilda Swinton is a Scottish artist, actress, and producer. She began her career performing and collaborating with experimental filmmaker Derek Jarman. She has worked with directors such as Jim Jarmusch, Wes Anderson, Luca Guadagnino, the Coen brothers, and Joanna Hogg. Her performances have been characterized by the subtlety of her gestures and her magnetic presence. In 2007 she won the Academy Award for Best Performance by an Actress in a Supporting Role for the movie Michael Clayton. 

She has combined her acting in major Hollywood productions with a wide range of characters created by contemporary filmmakers such as Bong Joon-ho, Pedro Almodóvar, Lynne Ramsay, and more recently Apichatpong Weerasethakul. 

Swinton and Weerasethakul reunited in Colombia for Memoria’s release and talked about the importance of understanding that you’re not in control and how cinema is an attempt to put what’s inside one’s head on screen, something they achieved through sound. 

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En esta ocasión presentamos un episodio especial de MUBI Podcast, el premiado podcast en inglés de MUBI que está estrenando su segunda temporada titulada "Only in Theaters", Solo en cines.

Para suscribirte al podcast de MUBI y ver todos los episodios de esta temporada, visita mubi.io/podcast

En 1970, un descuidado teatro de repertorio -dirigido por el visionario Ben Barenholtz- publicó discretamente un anuncio en el Village Voice anunciando proyecciones de medianoche de un western en español que, según ellos, era "demasiado intenso para ser proyectado de otra manera". La película era EL TOPO de Alejandro Jodorowsky y daría comienzo a la moda de "Midnite Movie" que cambió la forma de ver el cine.

Escucha la historia del Teatro Elgin y sus legendarias proyecciones de EL TOPO, llenas de humo de marihuana, con los comentarios del ex crítico del Village Voice J. Hoberman, Amy Nicholson del podcast "Unspooled", los ex programadores del Elgin, Chuck Zlatkin y Steve Gould... y el propio Jodorowsky.

La segunda temporada de MUBI Podcast, titulada "Sólo en los cines", cuenta historias sorprendentes de salas de cine que marcaron la historia del séptimo arte y, en algunos casos, la historia en general.

MUBI es un servicio global de streaming, productora y distribuidora de películas. Un lugar para descubrir y ver películas hermosas, interesantes e increíbles. Cada día llega a MUBI una nueva película seleccionada a mano. Cine de todo el mundo. Desde directores emblemáticos hasta autores emergentes. Todo ello cuidadosamente seleccionado por los curadores de MUBI.

Y con MUBI GO, los miembros de determinados países pueden obtener una entrada de cine seleccionada cada semana para ver las mejores películas nuevas en salas de cines. Para saber más, visita mubi.com/go

Y recuerda que la temporada 3 de Encuentros llegará muy pronto a este feed.

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