Nous vous proposons aujourd’hui de revenir sur un moment marquant de l’épisode consacré à Lucile Viaud, artiste-chercheure verrière.
Dans cet extrait, elle raconte un basculement décisif dans son parcours : celui où une fascination pour une matière laisse place à une réflexion plus large sur l’éthique, la ressource et le sens du geste.

À travers cette prise de conscience, Lucile éclaire sa démarche globale. Une manière d’exercer son métier sans le prendre à la légère, en interrogeant l’origine des matériaux, leur statut et le regard que nous portons sur ce que l’on nomme trop vite des déchets.
Nous avons choisi de faire la lumière sur ce passage parce qu’il dit avec une grande clarté la vision qu’elle porte sur l’artisanat aujourd’hui : un espace de responsabilité, de recherche et de transformation du regard autant que de la matière.

Dans ce moment d’échange, la notion de coproduit devient centrale. Elle ouvre une réflexion essentielle sur la valeur des choses, sur le temps long contenu dans chaque fragment de matière, et sur notre capacité à changer de point de vue.
Ce passage raconte bien plus qu’un choix de matériau : il révèle une posture. Celle d’une artisane-chercheure pour qui créer suppose de comprendre, de respecter et de relier — la matière à son origine, l’objet à son paysage, le geste à une forme de responsabilité.

Un rappel précieux que l’artisanat n’est pas seulement affaire de technique, mais aussi de regard, de conscience et de choix.
Un instant fort, qui résume avec justesse ce que signifie créer aujourd’hui… par la main.

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Dans cet épisode bonus, Lucile Viaud répond à une série de questions!

L'occasion de découvrir autrement son histoire !

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Au cœur de la Bretagne, dans un atelier-laboratoire installé en pleine nature, Lucile

Viaud explore le verre autrement.

Artiste et chercheure, elle développe une démarche singulière qu’elle nomme la géoverrerie® : une pratique où le paysage devient matière première, où les

"coproduits" locaux et ressources délaissées sont transformés en verres naturels.

Chez Lucile, le geste verrier commence bien avant le four. Il passe par la collecte, l’observation, le broyage, la compréhension chimique et géologique des matériaux.

Chaque verre raconte alors une provenance, un sol, une côte, une histoire humaine et territoriale.

Son travail interroge notre rapport à la matière, à ce que l’on appelle trop vite des déchets, et à la responsabilité qu’implique le fait de créer aujourd’hui.

Dans cet épisode, il est question de recherche-création, d’éthique, de transmission des savoirs et de cette exigence rare qui consiste à aller au bout du processus, sans

jamais trahir la matière.

Une conversation qui éclaire une autre vision de l’artisanat : consciente, engagée, profondément reliée au monde.

#Matière – Comment redonner de la valeur à ce que l’on croyait délaissé ?

#Artisanat – En quoi créer engage-t-il une responsabilité envers les ressources ?

#RechercheCréation – Comment faire dialoguer art, science et territoire ?

Pour découvrir le travail de Lucile Viaud, c’est par ici

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Nous vous proposons aujourd’hui de revenir sur un moment fort de notre entretien avec Éric Leblanc, plâtrier, staffeur, stucateur, maître dans l’art d’orner, de restaurer et de transmettre.
Dans cet extrait, il revient sur ses années de compagnonnage, cette période fondatrice où l’on apprend en marchant, en voyageant, en observant les maîtres, et où l’on comprend qu’un artisan accompli est aussi celui qui, à son tour, enseigne.

Éric raconte la richesse de ces années d’apprentissage, de rencontres et de transmission, mais surtout cette conviction née sur les routes du Tour de France : transmettre, c’est continuer d’apprendre.
Car enseigner oblige à réviser, à démontrer, à se remettre en mouvement. Et c’est précisément ce va-et-vient entre celui qui sait et celui qui apprend qui permet au geste de rester vivant.

Dans ce récit, la transmission apparaît comme la véritable mesure d’un métier. Non pas seulement dans les décors restaurés ou les chantiers prestigieux, mais dans les mains formées, les erreurs accompagnées, les savoirs prolongés.
Le compagnonnage se révèle alors comme une école de vie, un passage de témoin, la promesse que rien ne s’éteint tant que quelqu’un prend le temps de montrer, de guider, d’expliquer.

C’est ainsi que l’artisanat continue de s’écrire, de génération en génération… par la main.

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Dans cet épisode bonus, Eric Leblanc répond à une série de questions!

L'occasion de découvrir autrement son histoire !

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À Angers, dans un vaste atelier partagé où résonnent les voix et les outils, Éric Leblanc transmet chaque semaine ce qu’une vie entière lui a offert : un savoir-faire, mais surtout une

façon d’habiter son métier.

Plâtrier, staffeur, stucateur, compagnon du Tour de France, il a passé dix années à voyager, observer, apprendre auprès de maîtres qui voulaient qu’il les dépasse.
Dix années denses, exigeantes, fondatrices — où l’on comprend que le geste ne survit que s’il circule.
Et de ces dix années il a écrit ensuite toute une vie d’atelier ponctués de projets d’une variété hors du

commun.

Aujourd’hui, Éric montre, corrige, encourage. Il raconte comment une place trouvée par hasard en plâtrerie a déclenché sa vocation, comment les châteaux, les églises, les décors en stuc ou en staff sont devenus son terrain d’expression, et surtout comment la transmission est devenue sa ligne de conduite : enseigner pour maintenir le geste vivant, le comprendre encore mieux, et élever à son tour les plus jeunes au-delà de son niveau.

Dans cet épisode, il est question de passion, de compagnonnage, de responsabilité et de cette conviction profonde qui guide Éric Leblanc depuis toujours : un savoir-faire n’existe que tant qu’on le partage.

#Transmission – Comment un métier se perpétue-t-il vraiment ?

#Compagnonnage – Que transmet un maître lorsqu’il veut que son élève le dépasse ?

#SavoirFaire – Qu’est-ce qui fait la singularité d’un artisan d’ornement aujourd’hui ?

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Dans cet épisode best of, nous revenons sur un moment à part de notre échange avec Maxime Bellaunay, ébéniste et sculpteur.
Un passage où il ne parle ni de bois, ni de pierre, ni de matière, mais de ce qui se joue derrière le geste : la réalité économique de l’artisanat.

Maxime y raconte les mois pleins, les mois vides, l’incertitude, les charges qui tombent… et pourtant, loin d’y voir un obstacle, il y lit une philosophie.
Car pour lui, devenir artisan, ce n’est pas choisir une voie de richesse :
c’est apprendre à apprivoiser l’instabilité, à trouver son rythme, à préserver un équilibre entre la vie et l’atelier.

Travailler moins, gagner moins… mais vivre mieux.
Créer seulement si le cœur suit, et veiller à ce que la main ne s’épuise jamais plus vite que l’esprit.
Un regard rare et apaisé sur ce qu’être artisan veut dire aujourd’hui.

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Dans cet épisode bonus, Maxime Bellaunay répond à une série de questions!

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Dans un atelier perché du 11ᵉ arrondissement de Paris, baigné de lumière et suspendu au-dessus du tumulte de la ville, Maxime Bellaunay sculpte la nature.

Ici, le bois côtoie la pierre, le métal répond à la lumière. Des branches collectées au détour d’un chemin deviennent installations lumineuses, fragments de paysage, morceaux de ciel posés sur les murs.

Dans ce lieu à l’atmosphère presque japonaise, chaque matière lui parle. Il observe, prélève, écoute ses irrégularités, ses aspérités. Ce sont elles qui guident la forme, qui dictent le geste. Son parcours, pourtant, n’a rien d’un long fleuve tranquille. L’accident de moto qui l’a forcé à s’arrêter a bouleversé son rapport au temps et à la création. Il a appris la lenteur, la patience, le silence. Il a compris que le geste juste vient souvent après le repos, après l’écoute.

Depuis, Maxime Bellaunay avance autrement. Entre la France et le Japon, entre l’enseignement et la création, il cherche ce point d’équilibre où la main, la matière et le

paysage ne font plus qu’un.

Ses œuvres racontent ce dialogue intime entre l’homme et la nature, entre la force brute et la lumière.

Dans cet épisode, il est question de rythme, de rencontres et de cette manière si singulière qu’a Maxime Bellaunay de sculpter le monde pour mieux le comprendre.

#Matière – Comment laisser la nature guider la main sans la contraindre ?

#Patience – Qu’apprend-on quand le corps est à l’arrêt et que le temps s’étire ?

#Évidence – Quand la création devient-elle un prolongement du paysage ?

Pour découvrir le travail de Maxime Bellaunay c'est par ici !

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Dans cet épisode best of, nous revenons sur la rencontre entre Annie Bocel, graveuse et typographe, et Nelly Gable, dernière graveuse de poinçons typographiques en activité en France.
De cette transmission rare est né un livre, Dessins de gestes, qui préserve la mémoire d’un savoir-faire menacé.
Un hommage à la main, à l’élève qui devient passeuse, et à ces gestes fragiles qui perdurent, grâce à elles.

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