O Drops do Rock N´Bola é uma parceria da Rádio Mutante com o canal Ribeiro Neto trazendo dicas de álbuns clássicos da história da música. Nesta edição o álbum é:

Breakfast in America é o sexto álbum da banda de rock britânica Supertramp, lançado em 29 de março de 1979 pela A&M Records. Ele foi gravado em 1978 no The Village Recorder em Los Angeles.

O álbum ganhou dois Grammy em 1980 e possui a certificação de platina quádrupla pela RIAA. Breakfast in America se tornou o álbum mais vendido do Supertramp, com mais de seis milhões de cópias vendidas apenas nos EUA, ficando em primeiro lugar da Billboard 200 por seis semanas em 1979.

Ele também chegou ao primeiro lugar na Noruega, no Canadá, na Austrália e na França, onde é um dos cinco álbuns mais vendidos da história.

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Poucas pessoas conseguiram se tornar relevantes dentro cenário musical, tendo uma obra pequena. Agenor de Miranda Araújo Neto, eternizado como Cazuza foi uma delas.

Acompanhado de Roberto Frejat, na guitarra, Maurício Barros nos

Barão Vermelho 2 chegou ao mercado em 1983, trazendo ótimas músicas como “Menina Mimada”, “Largado no Mundo” e “Carne de Pescoço”.

Cazuza e o Barão Vermelho lançaram em 1984 o terceiro disco, Maior Abandonado, recheado de clássicos, a começar pela faixa-título, seguido de “Por que a Gente é Assim” e “Bete Balanço”, que havia feito parte da trilha sonora do filme de mesmo nome. O sucesso do disco credenciou a banda a se apresentar na primeira edição do Rock in Rio, em janeiro de 1985. Cazuza encerra o show com uma a célebre fala “Pro Dia Nascer Feliz:  Que o dia nasça lindo pra todo mundo amanhã. Um Brasil novo, com essa rapaziada esperta”.

Durante as gravações do quarto disco do Barão Vermelho, Cazuza

Só se for a Dois é o disco menos lembrado pelo público. A música título do disco traz uma das melhores letras de Cazuza. No disco também temos o clássico “O Nosso Amor a Gente Inventa”, além de “Solidão que Nada”. Outras duas canções desse disco que valem muito a pena serem ouvidas é "Completamente Blue” e “Vai a Luta”.

Ciente de que estava doente, Cazuza produz o seu testamente

Durante a turnê do álbum Ideologia, nasce o disco ao vivo O Tempo Não Para. Nele se encontram sucessos da carreira solo de Cazuza, uma versão intimista para “Todo Amor que Houver Nesta Vida”, a regravação de “Vida Louca Vida”, de Bernardo Vilhena e Lobão, além da música que dá nome ao título, musicada por Arnaldo Brandão.

Já de cadeira de rodas, Cazuza dá a sua cartada final com o disco Burguesia, lançado em 1989. Como quem sabe que não lhe restava muito tempo de vida, Cazuza grava um disco duplo, tendo a participação de praticamente todos os seus parceiros musicais ao longo da vida, como Frejat Leoni, Ezqueiel Neves, além de gravar músicas de Herbert Vianna, Caetano Veloso, Rita Lee e Paulo Coelho, destaque para “Como Já Dizia Djavan”, mais uma parceria de Cazuza com Frejat.

Cazuza saiu de cena no dia 7 de julho de 1990. Um ano antes, num ato de muita coragem para a época, assumiu publicamente que era portador do vírus HIV. Já em 1991, um disco póstumo intitulado Por Aí… foi lançado, trazendo sobras de estúdio, entre elas, uma parceria inédita com o ex-titã Arnaldo Antunes, chamada “Não Há Perdão Para o Chato”, além de versões para músicas de Raul Seixas, da banda gaúcha Nenhum de Nós e da cantora Janis Joplin.

Cazuza dedicou os seus 32 anos de existência à subverter o que

Cazuza falou pouco, mas disse tudo. O poeta está vivo.

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Let's Dance é o décimo quinto álbum de estúdio do cantor e compositor britânico ⁠David Bowie⁠. Co-produzido por ⁠Nile Rodgers⁠, do ⁠Chic⁠, o álbum contém três dos singles mas célebres de Bowie: a faixa-título, ⁠"Let's Dance"⁠, que alcançou o número 1 nas paradas britânicas, americanas e em vários outros países, assim como "Modern Love" e "China Girl", que chegaram ao segundo lugar no Reino Unido. "China Girl" é uma nova versão de uma canção que Bowie escrevera em parceria com o cantor ⁠Iggy Pop⁠ para o álbum ⁠The Idiot⁠, em ⁠1977⁠.

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O “Hino ao Senhor do Bonfim” é uma composição com letra de Arthur de Salles e música de João Antonio Wanderley. Ela foi escrita em 1923 por meio de pedido oficial para as comemorações do centenário da independência da Bahia.

A letra evoca uma passagem da história da Bahia em que a imagem do Senhor do Bonfim, tomada pelas tropas portuguesas durante as batalhas, fora restituída ao seu templo original em cortejo popular.

A música teve o seu alcance ampliado pela gravação realizada pelo movimento musical da Tropicália no disco Tropicália ou Panis Et Circensis (1968).

Conta o historiador Ordep Serra que um soldado prometeu ao Senhor do Bonfim lavar sua igreja caso sobrevivesse à Guerra do Paraguai. Por ter sobrevivido ele convocou então ajudantes e assim iniciou um costume que sempre acaba em festa com cantos, dança, comida e bebida.

Historicamente o rito foi associado à figura das baianas, adeptas do candomblé que sincretizaram o rito da lavagem com as Águas de Oxalá. Em seus jarros elas levam a água de cheiro que será utilizada na limpeza das escadaria – ponto alto desta festa popular.

Desde 1989, a Igreja Católica proibiu a lavagem da parte interna do templo.

5ª MOSTRA DO NOVO ROCK GAÚCHO

Em 2023 uma nova leva de artistas e bandas se apresentaram para revelar a atual produção local da música independente no Rio Grande do Sul. A 5ª MOSTRA DO NOVO ROCK GAÚCHO ocorreu no Teatro de Arena no centro de Porto Alegre. Apresentando nomes como Will Vieira, Cabeça de Lata, Eletroacordes, Xulé de Omem e Calabouço do Androide. A produção do evento foi realizada pela StudioOneArtes - A expressão autoral pelas vertentes do Rock avança e ganha novos adeptos – ouvintes e bandas – neste movimento que segue da união de bandas em destaque desde abril de 2022, no pós-pandemia.

A 5ª MOSTRA DO NOVO ROCK GAÚCHO resgata também, a pluralidade sonora e variantes do gênero, abrindo o cenário e diversificando a expressão de novas produções na Capital e Região Metropolitana. O evento também teve o apoio da Rádio Mutante, que na abertura e intervalos cuidou da cortina sonora com sons ecléticos e de bandas independentes. Confira as bandas participantes.

A música é tão essencial quanto a linguagem. A maioria de nós ouve música, não importa o momento da vida. Todos nós somos capazes de sentir seu poder estimulante e prazeroso, todos nós sentimos como se ela tivesse algo de mágico e transcendente. Não existe uma cultura que não possua suas músicas características, não existe um povo que não tenha algum deus ou algum tipo de representação mitológica ligada à música, não há quem não goste. A música é de natureza arquetípica, ou seja, algo intrínseco à história do ser humano sobre a Terra e uma de suas manifestações mais importantes.

Uma das facetas mais significativas da música na história da humanidade é como meio de cura. Na China antiga, por exemplo, uma das principais funções da música era para curar. Veja que interessante: a palavra chinesa, ou caractere, para medicina vem do mesmo caractere para música. Os antepassados chineses acreditavam que a música tinha o poder de harmonizar a alma das pessoas de uma forma que a medicina não podia. Atualmente, no Ocidente, essa associação entre música e cura está sendo novamente considerada, principalmente em relação a perda de memória e no resgate de um senso profundo de si mesmo para aqueles que sofrem com isso, como as pessoas portadoras da doença de Alzheimer.

A música pode ser um meio de expressão da totalidade do nosso ser. Ela tem a capacidade de tocar mais rápido e mais profundamente as nossas emoções de uma forma que a linguagem verbal não consegue. É como se fosse uma espécie de linguagem emocional, pois através dos sons, consegue traduzir afetos, emoções e conteúdos que nós, por vários motivos, não conseguimos acessar. Através dos sons, a música tem a capacidade de criar uma ponte, ou um

A música nos toca e produz em todos nós reações instintivas e emocionais, que independem da razão. Podemos rir, chorar, ficar tristes, sentir saudades ou comover-nos, pois ela expressa o movimento dos sentimentos mais profundos. E, por ser assim, permite uma espécie de reconhecimento ou de reencontro com nós mesmos, despertando a nossa mais profunda segurança.

A música nos transforma!!!

A banda Van Halen, que teve o seu auge nos anos 80 costumava ter um pedido muito específico para seus shows nos bastidores - uma tigela de M&Ms sem nenhum M&M na cor marrons. Embora isso possa parecer ridículo, o pedido na verdade fazia parte de uma tática maior. 

Em comparação com outras bandas da época, a banda teve uma produção de palco bastante impressionante o que fazia de seu show um espetáculo, para transporte do material para a turnê, além dos veículos de transporte de passageiros eram incluindo nove caminhões de 18 rodas cheios de equipamentos. 

Portanto, o pedido da M&Ms era na verdade para garantir que o promotor do show tivesse lido todos os requisitos da turnê, incluindo principalmente as medidas de segurança - como por exemplo a resistência do piso do local onde seria montado o palco afim de verificar se pode suportar o peso do

Em um show em uma universidade no Colorado em 1980, a banda encontrou um M&M marrom na tigela - então eles decidiram destruir seu camarim no verdadeiro estilo rockstar. Entretanto, acabou que o truque do M&M funcionou e de uma forma bastante custosa - o contrato claramente não foi lido corretamente e o piso do local não aguentou o cenário, U$80.000, na época, em danos. O que acabou sendo causado pelo colapso do palco, pois, o piso não resistiu e o palco desabou, destruindo os equipamentos. 

Tina Turner faleceu em sua casa na Suíça aos 83 anos. após uma longa doença com a qual batalhava. Tina Turner, cujo nome verdadeiro é Anna Mae Bullock, foi uma cantora, compositora e atriz norte-americana. Ela nasceu em 26 de novembro de 1939, em Nutbush, no estado do Tennessee, nos Estados Unidos

Tina Turner ganhou destaque como vocalista da dupla Ike & Tina Turner nos anos 60 e início dos anos 70. Juntos, eles lançaram vários sucessos, incluindo

Tina Turner viveu parte de sua trajetória ao lado seu ex-marido, Ike Turner, com quem ficou por 16 anos. Entretanto, o relacionamento foi marcado por uma série de abusos sofridos pela cantora, que destacou o budismo como sua salvação deste período conturbado. 

Após seu divórcio, o duo se separou ao final da década de 70, com Tina Turner optando por uma carreira solo. A artista orquestrou um dos maiores retornos à fama da história, atingindo novas proporções com os hits What’s Love Got to Do with It, We Don’t Need Another Hero e The Best.

Após o divórcio, Tina Turner embarcou em uma carreira solo bem-sucedida. Ela lançou álbuns aclamados, como "Private Dancer" (1984). Sua voz poderosa e

Turner veio a estrelar em Mad Max Além da Cúpula do Trovão ao lado de Mel Gibson, sendo inclusive premiada por seu papel. A artista foi a primeira mulher negra na capa da revista Rolling Stone e colecionou Grammys ao longo de sua carreira, incluindo o Grammy Lifetime Achievement Award. (um prêmio honorário do Grammy em reconhecimento à sua contribuição para a música.)

Apesar de ter se aposentado oficialmente dos palcos em 2009, Tina Turner continua sendo uma lenda da música e sua influência e legado perduram até os dias atuais. Ela é reconhecida por sua voz única, seu estilo icônico e sua força inspiradora.

O crítico musical Tárik de Souza​ conduziu magistral entrevista com Raul Seixas para o Pasquim (edição #228, Novembro de 1973). Ali, Tárik comenta de modo poético que Raul “canta ao ritmo da dúvida”: “nem exclamação, nem ponto final: reticências”. Transcendendo a demagogia e o dogmatismo, Raulzito teria fornecido à história da música popular brasileira uma das melhores encarnações do “espírito livre” que nos anuncia a filosofia de Friedrich Nietzsche​.

Na época da entrevista, Raul está envolvidão com aquele seu disco, hoje clássico, que envolve dois termos que hoje muita gente desconhece o contexto: “Krig-Ha!”, grito de guerra do Tarzan e que significa “cuidado!”, e “Bandolo”, que significa o inimigo, o adversário. O LP “Krig-Ha Bandolo” anuncia uma sociedade alternativa e traz em sua capa “o símbolo de Amon-Rá, acrescido de uma chave”. Segundo a piração do maluco beleza na época, esta sociedade “não surgiu imposta por nenhuma verdade, nenhum líder”, mas é um movimento internacionalista devotado à melhoria das coisas e que teria como membros ilustres John Lennon​ e Yoko Ono​. “Eles fazem parte da mesma sociedade, só que com outro nome”, conta Raul. “Nós mantemos uma correspondência constante com eles.” (In: “O Som do Pasquim”, p. 222)

A viagem de “Krig-Ha Bandolo” é descrita como uma encarnação tupiniquim das utopias culturais hippies, sincretizada com tradições populares brasileiras, tudo mesclado com um fino caldo liquidificado de Contracultura, Antipsiquiatria, Filosofia. Além de excelente cantor, compositor e artista performático, Raul Seixas desde cedo foi um magistral escritor. E se percebia como tal:

“Antes de eu vir pro Rio eu pensava em ser escritor. Sempre escrevi. Antes de cantar, eu pensei em escrever. Eu tenho alguma coisa escrita guardada no baú que eu penso em publicar alguma dia. Eu sou muito dado a filosofias, eu estudei muito filosofia, principalmente a metafísica, ontologia, essa coisa toda. Sempre gostei muito, me interessei. Minha infância foi formada por, vamos dizer, um pessimismo incrível, de Augusto dos Anjos, de Kafka, de Schopenhauer. Depois eu fui canalizando e divergindo, captando as outras coisas, abrindo mais e aceitando outras coisas. Estudei literatura. Comecei a ver a coisa sem verdades absolutas. Sempre aberto, abrindo portas para as verdades individuais. Assim, sabe? E escrevia muita poesia. Vim pra cá para publicar.” (p. 224)

Meditando na companhia de Paulo Coelho, Raul e seu parceiro começando a pirar em ufologia, a falar sobre a possibilidade da existência de ETs e OVNIs, a brincar com a noção de “profetas do apocalipse”, a mergulhar em Aleister Crowley​, e tudo isso acaba sendo explorado de maneira garrafal por jornais sensacionalistas. “O homem que viu disco voador dá Ibope, chamam ele pro Silvio Santos…”, brinca Raul, ao mesmo tempo admitindo que o faro para o sucesso – os hits de Raul, os best-sellers de Coelho – tem a ver com uma certa conexão com as mídias de massas e os conteúdos insólitos e excêntricos que elas julgam lucrativo disseminar.

O Pasquim questiona o músico: bem, você diz querer “abrir uma porta na cabeça de quem está ouvindo”, mas será que não acaba às vezes caindo num discurso esotérico e hermético, só para iniciados? “Há o perigo de você se fechar dentro do magicismo! Há esse perigo, você vê esse perigo?”

Em conversa com o Pasquim, Raul Seixas revela uma atitude, um ethos, que ainda tem muito a nos ensinar. Emana autonomia, independência de pensamento, inconformismo com as caretices sociais hegemônicas. Convida-nos a romper com os ratos e não mais comer o alpiste pop que a elite do atraso deseja que nos satisfaça. Com Raul Seixas, um icônico espírito livre, radicalmente anti-dogmático, emanando poesia por todos os poros, cantando no ritmo da dúvida, deixou-nos como legado uma obra tão magistral quanto salutar.

Com certeza você já assistiu ao filme dos Beatles Magical Mystery Tour. O disco é uma produção incrível, com canções que transbordam criatividade… Foi

Em setembro de 1967, os Beatles se reuniram para decidir o próximo trabalho, e acabam acatando a ideia de Paul McCartney para um novo

Paul McCartney havia pensado no projeto de um filme voltado para a TV: A ideia era colocar os Beatles dentro de um ônibus com várias outras pessoas desconhecidas, em uma viagem pelo interior da Inglaterra; enquanto tudo era filmado praticamente sem um roteiro. Durante esse passeio, considerado “mágico e misterioso” , algumas músicas dos Beatles seriam apresentadas.

O filme recebeu muitas críticas em sua estréia, o que fez com que a sua segunda exibição fosse adiada. A crítica e o público apontaram o exagero de piadas internas na produção, a falta de um enredo que ligasse o filme à trilha sonora também desagradou os fãs. Além disso, o filme foi exibido em branco e preto, apesar de ter sido filmado colorido. Era a primeira vez que os Beatles recebiam duras críticas.

Na época, ele foi considerado um fracasso, porém, a trilha sonora mantinha os Beatles em alta. A qualidade do som provava que a banda ainda era a mesma!

Para o filme, 6 músicas foram compostas, sendo 4 de Lennon e McCartney, 1 de George e o primeiro instrumental lançado pela banda, composto pelos quatro. As canções mostravam ainda uma continuação do experimentalismo de “Sgt. Pepper’s”, dando continuidade à fase psicodélica dos Beatles.

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