Deux voyages hors de France dans le Pont des Arts de mars : la pionnière suédoise de l’art abstrait Hilma af Klint est exposée à Bruxelles au Bozar, tandis que les 90 estampes montées sur éventails de l’artiste Hiroshige nous plongent dans le Japon du 19e siècle dans l’écrin du musée Guimet sur la colline des musées de Paris.   

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Sur les routes de Samarcande.

Placé au cœur de la Route de la Soie, l’Ouzbékistan recèle des trésors : cette exposition magnifie les splendeurs artisanales du XIXè et début du XXè siècles. Le textile joue un rôle capital, que ce soit pour les costumes d’apparat de la cour brodés d’or par les hommes, ou les tissus du cadre familial brodés de soie par les femmes. 

Tous ces textiles resplendissants de couleurs offrent de nombreux symboles que l’on retrouve aussi dans d’autres artisanats comme l’orfèvrerie.

Yaffa Assouline, commissaire de l’exposition « Sur les routes de Samarcande, merveilles de soie et d’or » présentée à l’Institut du Monde arabe jusqu’au 4 juin 2023.

Arts et préhistoire.

Cette exposition offre une opportunité unique de voyager dans le passé à la rencontre des merveilleux artistes que furent nos lointains ancêtres.

Une première partie présente 94 pièces originales exceptionnelles, dont les fameuses Vénus sculptées. 

La deuxième partie nous propose, par l’intermédiaire de vidéos, d’admirer des peintures et gravures sur roche, non seulement dans les célèbres grottes de Lascaux ou Chauvet, mais dans toutes les régions du monde, c’est un beau voyage.

Riches d’une grande diversité de formes et d’expression, ces objets et ces images illustrent le pouvoir de l’imagination et de la créativité humaine depuis la nuit des temps.

Marie Merlin, commissaire de l’exposition « Arts et Préhistoire », présentée au Musée de l’Homme jusqu’au 22 mai 2023.

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Deux femmes, deux destins sont à l’honneur dans le Pont des Arts de janvier : Helena Maria Vieira da Silva, peintre portugaise, célèbre figure de la Nouvelle École de Paris d’après-guerre, soutenue par le couple de collectionneurs amis Kathleen et Pierre Granville, et Fernande Olivier, premier amour et muse de Pablo Picasso avec qui elle vécut au Bateau-Lavoir sur la butte Montmartre. 

Helena Maria Vieira da Silva (1908-1992) décide en 1929 de se consacrer à la peinture après un enseignement chez Matisse et Roger Bissière. Elle se lie d’amitié avec le couple Granville qui donne plus tard une partie de sa collection au musée des Beaux-arts de Dijon, dont l’imposante toile « Urbi et orbi » de 1972 (3m x 4m). Son vocabulaire pictural est construit sur la grille, le damier, la spirale et elle crée des espaces ondulants et mouvants dans des tons qui s’éclaircissent de plus en plus avec le temps.

Fernande Olivier et Pablo Picasso, nés la même année (1881), ont 23 ans quand ils se rencontrent et tombent amoureux. La « belle Fernande », modèle professionnelle en vogue, devient sa muse de 1904 à 1912, et ils vivent ensemble au Bateau-Lavoir jusqu’en 1909. Période bleue, rose, début du cubisme, Fernande assiste à la naissance de cette avant-garde artistique, tient son journal et publie en 1933 « Picasso et ses amis ». L’exposition est aussi une chronique vivante de la vie de bohème à Montmartre.

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Louis Boulanger est, de tous les peintres du cénacle romantique, le plus proche de Victor Hugo. Dans ce cénacle se réunissent écrivains, poètes et peintres qui veulent renouveler la vie artistique et croiser les arts, que ce soit peinture, théâtre et littérature. Boulanger aborde toutes les techniques, la peinture bien sûr, et donne ses lettres de noblesse à la lithographie, de la puissance à l’aquarelle. Il est le premier à dessiner des costumes de théâtre et contribue ainsi à créer l’identité visuelle du drame romantique.

L’exposition Rêve d’Égypte révèle la remarquable collection égyptienne de Rodin, et montre la résonnance de l’art égyptien dans les recherches de Rodin sur la représentation du corps humain. Ce sculpteur majeur de l’histoire de l’art n’a cessé de rechercher la simplification des formes, et de travailler sur le fragment ou la monumentalité : ainsi le monument à Balzac dont il disait «Le Balzac est le Sphinx de la France ».

Exposition Louis Boulanger, peintre rêveur, présentée au musée Victor Hugo de Paris jusqu’au 5 mars 2023.

Exposition Rêve d’Égypte, présentée au musée Rodin de Paris jusqu’au 5 mars 2023.

Avec : 

Olivia Voisin, directrice des musées d’Orléans.

Bénédicte Garnier, responsable de la collection d’antiques du musée Rodin.

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Le Pont des Arts met à l’honneur deux genres picturaux : la nature morte et l’art animalier avec deux expositions phares de la rentrée d’automne. Le Louvre déroule une histoire revisitée de la nature morte avec « Les Choses » et le musée d’Orsay célèbre le bicentenaire de la naissance de Rosa Bonheur, une artiste « vachement » gonflée pour son époque.

« Les Choses » présente un chassé-croisé des époques sur un genre longtemps considéré mineur comme la nature morte qui raconte pourtant sur l’homme et sa représentation du monde grâce à l’objet. Cette épopée riche part des haches gravées de la sépulture néolithique de l’île de Gavrinis, des mosaïques antiques avec des représentations de gibiers, de cranes, tandis qu’à partir du 16e siècle, le genre se décline en vanités et groupes d’objets organisés en une unité plastique de la vie simple avec Chardin, ou morceaux de peinture pure avec les asperges de Manet jusqu’aux objets surréalistes de Meret Oppenheim.

Rosa Bonheur a marqué le 19e siècle par sa personnalité de femme et artiste émancipée et son engagement pour la reconnaissance des animaux. Adoubée dès la Seconde République, son succès lui permet une indépendance financièree et elle va au-delà de la peinture animalière en réalisant des portraits d’animaux  à part entière : lions, vaches, chats, lapins, chevaux, cerfs, moutons en transhumance … L’étude reste au cœur de son œuvre peinte d’après nature, que ce soit dans le Nivernais, les Pyrénées, en Ecosse ou au château de By à Thomery, un domaine de parfaite amitié au sein d’une arche de Noé.

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Exposition qui mêle arts visuels et sciences sur la problématique de la réduction de la biodiversité, sur la disparition progressive des animaux, des oiseaux et des insectes.

L'exposition montre à travers un parcours de 150 œuvres et d'objets d'art anciens et contemporains combien ces animaux inspirent les artistes et combien ils suscitent de poésies visuelles et sonores.

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Le Pont des Arts présente deux artistes forts et engagés, chacun dans leur siècle : William Morris, artiste anglais, ancré dans le Moyen-Age et pourtant grand visionnaire du 19e siècle, et Oskar Kokoschka, peintre autrichien, figure de l’art dégénéré pour le Nazisme, combattant sans relâche au 20e siècle pour une Europe de paix unifiée.

William Morris (1834 - 1896), tel St Georges combattant le dragon, lutte contre les effets de l’industrialisation massive de l’Angleterre victorienne en puisant dans le Moyen-Age un idéal incarné par le mouvement Arts & Crafts. Cet artiste polyforme proche des Préraphaélithes, notamment de Edward Burne-Jones, est un touche à tout aux mille visages : traducteur, poète, architecte, dessinateur, entrepreneur social, fondateur de la ligue socialiste anglaise. Il est surtout connu pour avoir conçu des papiers peints aux décors floraux somptueux témoignant d’un imaginaire riche et d’une conviction de créer du beau, même dans les objets usuels, pour le plus grand nombre.

Oskar Kokoschka (1886 - 1980) est un artiste expressionniste dans l’âme et aussi de l’époque troublée qu’il traverse. Dès l’âge de 22 ans, le crane rasé, il choque à Vienne : dramaturge, poète, écrivain et peintre. Après sa rupture amoureuse avec Alma Mahler, il conçoit une poupée à taille humaine comme un instrument thérapeutique et performatif avant-gardiste avec lequel il se met en scène. Il voyage beaucoup en Europe, y peint les vues de villes avec différents points de perspective, et dès l’arrivée d’Hitler au pouvoir, s’engage contre le nazisme. En 1937, victime du Nazisme, il peint son « autoportrait en artiste dégénéré » et toute sa vie se bat pour une Europe réconciliée.

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André Devambez (1867 – 1944)

Artiste de la Belle Époque, à la personnalité attachante et à l’humour débridé, Devambez est à la fois peintre, graveur et illustrateur. Il oscille entre sujets graves et légers, historiques ou contemporains. Son imagination est débordante et il témoigne à la fois d’un goût pour la modernité et d’une grande fantaisie créative.

Hyperréalisme. Ceci n’est pas un corps.

L’hyperréalisme cherche à imiter les formes et les textures du corps humain afin d’en offrir une illusion parfaite, donnant le sentiment de se trouver face à une réplique exacte de la réalité .Ce mouvement émerge aux Etats-Unis dans les années 1960 (Duane Hanson, John DeAndrea, Geoorge Segal) et s’est développé jusqu’à nos jours avec des artistes comme Maurizio Catelan, Roono Mueck ou le Français Fabien Mérelle.  Une exposition à la fois inattendue et saisissante.

Invités : 

Annick Lemoine, directrice du Petit Palais pour l’exposition André Devambez, Vertiges de l’imagination.

Alexandre Lorquin, historien de l’art, pour l’exposition Hyperréalisme. Ceci n’est pas un corps présentée au musée Maillol.

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Il est question de paysage marin et d’art monumental avec Jean-Francis Auburtin (1866-1930), peintre marqué par Puvis de Chavannes et la mer avec ses vues de Porquerolles et de Belle-Ile, et Jules-Eugène Lenepveu (1819-1898), grande figure académique du second empire avec ses prestigieux décors pour les édifices publics à Angers, sa ville natale, et en France.

Souvent qualifié de peintre symboliste de la mer, Jean-Francis Auburtin a sillonné les côtes françaises : Belle-Île, Etretat, Porquerolles, Banyuls... L'exposition de Pontoise se concentre sur ces paysages marins. Aquarelles et gouaches au cadrage moderne (et aussi inspiré du japonisme de l'époque) déclinent des paysages aux couleurs subtiles traduisant une vision idéalisée de la nature. Et pourtant ces compositions restent réalistes car l'artiste est un fin observateur. Rochers, vagues, flots, nuages, pins parasols élégants : on reconnaît vite la pâte du peintre qui a été inhumé au cimetière marin de Varengeville. La mer toujours...

Angers, la ville natale du peintre Jules Eugène Lenepveu, célèbre la gloire d’un peintre qui a brillé au second empire pour tomber dans l’oubli, à l’inverse de son ainé le sculpteur David d’Angers ou de son contemporain Gustave Courbet. Cet oubli est un comble pour un artiste certes académique mais qui a décoré de nombreux lieux publics et contribué au renouveau de la peinture religieuse à Paris. Une de ses oeuvres phares n’est même plus visible : le plafond du nouvel opéra de Charles Garnier recouvert en 1964 sur l’initiative d’André Malraux, par Marc Chagall. L’exposition révèle surtout un dessinateur hors pair, amoureux de l’Italie et un fin portraitiste.

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 Le Palais des Beaux-Arts de Lille possède deux chefs d’œuvre du peintre  Francisco de Goya y Lucientes « La lettre » dit Les Jeunes et « le Temps  » dit Les Vieilles, et propose autour d’elles une expérience immersive  pour voir, comprendre et ressentir. Au final 80 œuvres originales (dont  la moitié de Goya) dans un écrin virtuel et coloré pour éclairer un  artiste qui inaugure la peinture moderne selon Malraux. « Les caprices »  et ses « peintures noires », sont le fruit des visions hallucinatoires  d’une œuvre sans concession qui connaît une immense postérité chez les  artistes.

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