Et si une voiture devenait une œuvre d'art ?

Dans ce premier épisode consacré à Astre Mobile, je vous invite à découvrir la genèse d'un projet hors du commun imaginé par Antoine Tauvel, directeur artistique de Maison Lacmé.

Tout commence par une découverte inattendue : une carrosserie transparente. À partir de cette matière singulière naît une vision nouvelle de l'automobile. La voiture ne dissimule plus sa mécanique ; elle révèle son intérieur, expose sa structure et devient un territoire d'exploration artistique.

À la croisée de l'art, du design et de l'artisanat d'art, Astre Mobile est pensée comme une œuvre totale. Sculpture roulante, cabinet de curiosités contemporain et espace de narration, elle rassemble une dizaine d'artisans d'art français autour d'un même récit.

Dans cet épisode, découvrez les coulisses de cette création collective :

• Un compteur de vitesse en marqueterie de plumes réalisé par la Maison Vermeulen
• Une sellerie brodée de coquillages, de perles et de sequins par Aurélie Lanoiselée
• Un pommeau de vitesse en porcelaine façonné par les Ateliers Arquié
• Une héliogravure inspirée d'une météorite réalisée par Fanny Boucher et dorée par Lise Richardot
• Un volant sculpté en bois flotté par Claude Prautois
• Des pièces en cuir de Russie réalisées par Élise Blouet-Ménard
• Des enjoliveurs lumineux en onyx sculptés par Hervé Obligi
• Un logo-broche et une clé sculpturale imaginés par Antoine Tauvel

À travers les thèmes du temps, du mouvement, du jeu et des astres, Astre Mobile compose un dialogue entre patrimoine, savoir-faire et imaginaire.

L'œuvre sera dévoilée pour la première fois du 9 au 27 septembre 2026 à la Cour de l'Intendant de l'Hôtel de la Marine à Paris, dans le cadre des Journées Européennes du Patrimoine et de la Paris Design Week.

Dans le prochain épisode, Antoine Tauvel reviendra sur sa démarche créative, son processus de conception et la direction artistique d'Astre Mobile.

Abonnez-vous à Pop in ! pour suivre cette aventure.

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Je suis Cécile Tauvel, entrepreneure, podcasteuse et cofondatrice de Maison Lacmé, un projet qui fait dialoguer artisans d’art, designers et créateurs à travers des œuvres et des projets collaboratifs autour de la matière et du geste.

Après plus de dix ans d’entrepreneuriat et la vente de ma première entreprise en 2024, je poursuis aujourd’hui un engagement fort pour la transmission, la création collective et la valorisation des métiers d’art.

Depuis 2021, j’anime le podcast Pop in !, qui compte plus de 130 épisodes. J’y explore les coulisses des projets créatifs : comment une passion devient un métier, comment naissent les collaborations entre art, design et artisanat, et comment la création peut transformer notre manière de regarder le monde.

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Un mot, parfois, suffit à changer une expérience.
Un bouton rassure, une phrase hésite, une notification guide.

Dans les interfaces numériques, les mots deviennent des repères. Ils accompagnent les gestes, influencent les décisions, et façonnent la relation entre l’utilisateur et le produit. Gladys Diandoki nous invite à regarder autrement ces micro-interactions invisibles et à comprendre comment le content design transforme l’expérience.

Cet épisode s’inscrit dans la série Dialogues littéraires, réalisée en partenariat avec Women in Design, qui met en lumière des autrices qui écrivent le design et contribuent à en renouveler les récits. Merci à Fabienne Lemoine, Eva Rielland, Johanna Rowe Calvi et Camille Vigouroux pour leur aide dans la préparation de cette série.

Dans cet épisode, nous parlons :

• du rôle des mots dans l’expérience utilisateur

• de la différence entre UX writing et content design

• du parcours de Gladys Diandoki, de la communication au design

• du pouvoir discret des micro-contenus dans les interfaces

• d’inclusion et d’accessibilité dans les produits digitaux

• de responsabilité dans la conception des expériences

• du livre UX Writing : Quand le contenu transforme l’expérience

• de la place de l’écriture dans la conception produit

• du book club design et de l’apprentissage collectif

Son livre : UX Writing : Quand le contenu transforme l’expérience

Pour rejoindre le club où on aime les livres et le design  : https://www.beyondthecover.eu

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Un objet que l’on utilise sans y penser.

Une matière que l’on mobilise sans toujours en mesurer l’origine.

Et des systèmes de production qui, peu à peu, nous obligent à regarder autrement ce que signifie “concevoir”.

Dans cet épisode de Pop in !, je reçois Camille Bosqué, chercheuse et autrice, qui explore depuis plusieurs années les pratiques des makers, des fablabs et des formes de design plus collectives. Son travail interroge une idée centrale : que devient le design dans un monde où les ressources ne sont plus infinies ?

À partir de son livre Design pour un monde fini, nous explorons une autre manière de penser la création : plus attentive aux limites, aux usages réels, et aux pratiques qui émergent en dehors des cadres traditionnels.

Un échange qui relie recherche, terrain et transmission, pour ouvrir des pistes concrètes sur ce que “faire avec moins” peut produire en design.

Cet épisode s’inscrit dans la série Dialogues littéraires, réalisée en partenariat avec Women in Design, qui met en lumière des autrices qui écrivent le design et contribuent à en renouveler les récits. Merci à Fabienne Lemoine, Eva Rielland, Johanna Rowe Calvi et Camille Vigouroux pour leur aide dans la préparation de cette série.

Dans cet épisode, nous parlons de :

• Design et limites des ressources

• Makers, fablabs et pratiques alternatives

• Sobriété et écoconception

• Remise en question du designer expert

• Design collectif et transmission

• Rôle du designer dans un monde fini

• Apprendre à faire autrement plutôt qu’à faire plus

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Prendre la parole, publier, affirmer une position, envoyer ce projet... Ces gestes semblent simples, mais ils s’accompagnent souvent du doute : suis-je vraiment légitime ?

Dans son livre J’ai peur mais j’y vais, Lucie Lebaz explore cette zone fragile où la peur rencontre l’élan. Designer de marque devenue spécialiste de la marque personnelle, elle accompagne principalement des femmes à clarifier leur positionnement, assumer leur voix et rendre leur travail visible. Dans cet épisode, nous parlons de design, d’écriture et de cette légitimité qui ne précède pas l’action, mais qui se construit en avançant.

Cet épisode s’inscrit dans la série Dialogues littéraires, réalisée en partenariat avec Women in Design, qui met en lumière des autrices qui écrivent le design et contribuent à en renouveler les récits. Merci à Fabienne Lemoine, Eva Rielland, Johanna Rowe Calvi et Camille Vigouroux pour leur aide dans la préparation de cette série.

Dans cet épisode, nous abordons :

• la peur comme moteur plutôt que comme frein

• la construction de la légitimité dans les métiers du design

• le lien entre visibilité et prise de place

• la marque personnelle comme outil d’émancipation

• le syndrome de l’imposteur et la narration de soi

• la place des femmes dans un univers du design parfois codifié

• écrire un livre comme acte de design

• la promotion d’un ouvrage et le travail invisible de la visibilité

• les transformations observées chez les femmes accompagnées

• le design comme outil pour affirmer sa posture et sa voix

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Ressources :

https://www.lucielebaz.com/

https://www.lucielebaz.com/livre

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Je suis Cécile Tauvel, cofondatrice de Maison Lacmé, où j’imagine des projets qui rassemblent artisans d’art, créateurs et maisons de prestige autour d’un même objectif : faire dialoguer les savoir-faire à travers la matière. Après plus de dix ans d’entrepreneuriat, je poursuis un engagement fort pour la transmission et la valorisation des métiers d’art.

Depuis 2021, j’anime le podcast Pop in !, avec plus de 120 épisodes déjà en ligne. J’y explore comment un métier, une passion ou un geste créatif peut transformer et illuminer le quotidien.
Après une saison dédiée à l’entrepreneuriat en couple, la saison 3 s’attache à comprendre comment l’art éveille, émerveille et fait du bien.

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Mots clés : marque personnelle, design, création

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On parle souvent du design comme d’une affaire de formes, d’objets ou d’usages.
Mais le design peut aussi organiser nos gestes, influencer nos comportements, raconter une vision du monde.
Dans cet épisode, Alexandra Midal propose une autre lecture du design : une lecture critique, culturelle et engagée, qui interroge autant les promesses que les zones d’ombre de la discipline.

Cet épisode s’inscrit dans la série Dialogues littéraires, réalisée en partenariat avec Women in Design, qui met en lumière des autrices qui écrivent le design et contribuent à en renouveler les récits. Merci à Fabienne Lemoine, Eva Rielland, Johanna Rowe Calvi et Camille Vigouroux pour leur aide dans la préparation de cette série.

Dans cet épisode, nous abordons :

• le design comme fait culturel, idéologique et politique

• une autre manière de raconter l’histoire du design

• la place des figures marginales et oubliées

• le quotidien de la recherche et de l’écriture

• comment entrer dans le design quand on n’est pas spécialiste

• un objet de design insolite

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Son livre : Design, introduction à l’histoire d’une discipline

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On parle souvent du design comme d’une question de style : une forme, une signature et une esthétique.

Mais le design peut aussi agir bien plus tôt dans le processus : au moment où une entreprise se demande quelle direction prendre, quels produits créer, quelle responsabilité assumer.

Dans cet épisode de Pop in !, je reçois Brigitte Borja de Mozota, chercheuse et autrice reconnue dans le domaine du Design Management.

Depuis plusieurs décennies, elle travaille à faire dialoguer deux univers qui se sont longtemps ignorés : le design et le management.
Son travail a contribué à montrer que le design peut devenir un outil stratégique pour les entreprises et un levier de transformation dans un monde confronté à de nombreux défis.

Dans son dernier livre, Strategic Design to a Responsible Future, elle explore une question centrale : comment le design peut-il participer à construire un futur plus responsable ?

Cet épisode s’inscrit pleinement dans la série réalisée avec Women in Design, qui met en lumière des femmes qui pensent le design comme une discipline intellectuelle, critique et engagée, et qui passent à l’action en écrivant, en formulant, en posant des cadres pour faire évoluer la discipline. Merci à Fabienne Lemoine, Eva Rielland, Johanna Rowe Calvi et Camille Vigouroux pour leur aide dans la préparation de cette série.

Dans cet épisode, nous parlons notamment :

– de ce qu’est réellement le design management
– de la place du design dans les décisions stratégiques
– de la manière dont les entreprises peuvent mesurer la valeur du design
– du rôle des designers face aux défis écologiques et sociaux
– du dialogue entre recherche académique et monde de l’entreprise
– de la transmission et de l’évolution de la discipline

Un épisode pour regarder le design autrement : non plus comme une étape finale, mais comme une manière de penser l’avenir.

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Dans nos vies quotidiennes, le design est partout. Dans les objets que nous utilisons, les espaces que nous habitons, les services que nous traversons sans même y penser. Pourtant, derrière ces formes familières se cachent des choix : des choix de normes, de valeurs et de récits. Qui raconte l’histoire du design ? Qui en écrit les références ? Et pourquoi certaines voix restent-elles encore trop peu visibles ?

Dans cet épisode spécial du Podcasthon, Pop in ! ouvre une série réalisée avec Women in Design, une association engagée pour une vision plus juste et plus représentative du design. À travers leurs actions, elles défendent l’idée que le design gagne en richesse lorsque les regards, les parcours et les expériences se croisent.

Pour poser les bases de cette série intitulée Dialogues littéraires, Cécile Tauvel reçoit Johanna Rowe Calvi, fondatrice de l'association Women in Design et Eva Rielland, designer et enseignante

Ensemble, elles reviennent sur la naissance de l’association, sur les récits dominants du design et sur la nécessité de rendre visibles celles qui l’écrivent, le pensent et le transmettent.

Un épisode pour comprendre comment les autrices du design contribuent à renouveler les perspectives, ouvrir le dialogue et déplacer les cadres établis.

Dans cet épisode, nous parlons notamment de :

– la naissance de Women in Design et du constat qui a mené à sa création
– la place des femmes dans l’histoire et les récits du design
– les mécanismes d’invisibilisation dans les disciplines créatives
– la pluralité des regards comme moteur du design
– les actions menées par l’association : informer, inspirer, connecter
– la place du livre et de la pensée écrite dans la transmission du design
– la série Dialogues littéraires et les autrices invitées
– la manière dont le design façonne nos usages, nos normes et nos imaginaires

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Que se passe-t-il lorsque l’amour rencontre la création ? Comment deux personnalités fortes parviennent-elles à collaborer, innover et laisser une empreinte durable dans le monde du design ?

À travers cinq duos emblématiques :

Nous évoquons d’abord Charles et Ray Eames, figures majeures du design moderne américain, connus pour la mythique Lounge Chair, mais aussi pour leur approche expérimentale mêlant architecture, mobilier, photographie et film.

Nous découvrons ensuite le tandem formé par Eero Saarinen et Aline Bernstein, où l’architecture audacieuse rencontre la critique d’art et le pouvoir du récit.

Cap sur l’avant-garde avec Jean Arp et Sophie Taeuber-Arp, pionniers de l’art abstrait et du mouvement Dada. Entre art, design textile et architecture intérieure, leur travail brouille les frontières disciplinaires.

Nous partons avec Charles Rennie Mackintosh et Margaret Macdonald, figures de l’Art nouveau et du mouvement Arts & Crafts.

Enfin, nous explorons l’héritage de Florence et Hans Knoll, acteurs majeurs du design d’intérieur et de l’aménagement des espaces de travail au XXe siècle.

La mini-série de Pop in ! consacrée aux couples d’artistes : https://podcast.ausha.co/pop-in/playlist/mini-serie-couple-d-artistes

Si vous vous intéressez à l’histoire du design, à l’architecture moderne, aux duos créatifs... cet épisode est pour vous

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Vivre de son art ne se résume pas à vendre des œuvres ou décrocher des expositions. Dans cet épisode de Pop in, je reçois Christelle Dupart, fondatrice du Collectif by Les Hang’ART, pour parler d’un sujet central : l’écosystème des artistes et la diversification des revenus.

Pourquoi tant d’artistes pensent-ils encore qu’une galerie ou un agent est l’unique voie possible ? Comment construire un modèle économique solide sans renier sa pratique artistique ? Expositions, droits d’auteur, collaborations avec des entreprises, ateliers, enseignement, collectif… nous explorons les différentes sources de revenus qui permettent de structurer une carrière artistique durable.

Christelle accompagne aujourd’hui plus de 300 artistes visuels en Europe. Elle partage son regard sur les erreurs fréquentes, les angles morts économiques, mais aussi les stratégies concrètes pour gagner en visibilité, sortir de l’isolement et passer à l’action.

Un épisode pour les artistes peintres, sculpteurs, illustrateurs, photographes ou plasticiens qui veulent comprendre comment mieux vivre de leur art, élargir leur modèle et construire un écosystème cohérent.

En fin d’épisode, Christelle vous invite au FAVE – Festival en ligne pour Artistes Visuel Entrepreneur (9 au 13 mars de 11h à 13h) : cinq jours pour clarifier votre modèle économique et amorcer des changements concrets.

Le lien pour l'inscription gratuite au FAVE : https://link.leshangart.com/l/-lQG42PE5n

Chaine Youtube : https://www.youtube.com/@christelle.dupart.leshangart

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Dans cet épisode, on ouvre un chapitre essentiel : celui où l’art rencontre la stratégie, le regard des autres et les écosystèmes qui permettent à une œuvre d’exister dans le monde. Car un artiste ne crée jamais dans le vide. Une œuvre prend vie grâce à celles et ceux qui la regardent, la comprennent, la soutiennent, l’achètent parfois, et lui donnent ainsi une place durable.

Pour éclairer cette relation souvent complexe entre création et diffusion, j’accueille Pierre Chandès, cofondateur de Doctor Pulse et expert en stratégie culturelle et marketing artistique. Depuis dix ans, il accompagne artistes, galeries, structures culturelles et territoires dans la structuration de leurs projets, leur positionnement et leur développement.

Dans cet échange, nous parlons d’acheteurs d’art, mais surtout de relation, de posture et de choix. Pierre partage son analyse de l’évolution des comportements d’achat, la diversité croissante des profils d’acquéreurs et les mutations actuelles du marché de l’art. Ensemble, nous explorons les grandes familles d’acheteurs, du collectionneur expérimenté à l’acheteur occasionnel, et ce qui les distingue au-delà des questions de budget.

Nous abordons aussi des questions clés pour les artistes : comment mieux comprendre son public sans renoncer à sa démarche ? Comment adapter son discours selon ses interlocuteurs tout en restant fidèle à son travail ? Quels signes montrent qu’une œuvre ne rencontre pas la bonne personne ? Et comment construire une relation sincère avec ses acheteurs, sans chercher à les retenir à tout prix ?

Cet épisode s’adresse à ceux qui souhaitent mieux comprendre les mécanismes du marché de l’art, clarifier leur positionnement et continuer à créer dans des conditions plus justes et plus sereines.

Pensez à laisser une note ou un commentaire.

Les œuvres citées :

juliettelamarca.fr

Guillaume.bresson

gabriel_froget

yexingqian.com

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