Prohibido contar ovejas

Para evitar una demanda de una aristócrata, el grupo de Jimmy Page tuvo que dar un concierto en 1970 bajo el pseudónimo de 'The Nobs'.

El programa de esRadio estrena una nueva sección itinerante de la mano de la colaboradora Alicia Parente, bautizada bajo el nombre de Bodevil Over Here. En este espacio, que promete llenar las madrugadas de anécdotas y humor, se propone un viaje por la historia de la música y del cine a través de dramatizaciones sonoras y un particular teatro improvisado. Para inaugurar esta andadura, la sección nos traslada a un insólito enfrentamiento acontecido en el norte de Europa a principios de la década de los setenta, donde se cruzaron los destinos de la aristocracia y una de las bandas más grandes de la historia del rock.

La historia central se sitúa en la mañana del viernes 27 de febrero de 1970, en los estudios de la televisión pública de Dinamarca, en Copenhague. Allí se produjo el esperado cara a cara entre la condesa Eva von Zeppelin y los integrantes de la mítica formación británica de hard rock Led Zeppelin. La aristócrata, supuesta descendiente del famoso inventor del dirigible Ferdinand von Zeppelin, se encontraba profundamente disgustada por el uso que los músicos hacían de su ilustre apellido familiar, el cual consideraba que estaba siendo manoseado sin su consentimiento por un grupo de —según sus propias palabras— "monos chillones".

Desde el cambio de nombre de la banda en 1968 —anteriormente conocidos como los New Yardbirds— la condesa había iniciado una cruzada telefónica constante contra las oficinas de la representación del grupo, la compañía RAC. Ante la persistencia de las protestas y el temor a que la situación pudiera derivar en problemas legales graves, el mánager del grupo, Peter Grant, instó a los miembros de la banda a buscar una solución amistosa para calmar los ánimos de la noble.

Fue el guitarrista Jimmy Page, que por aquel entonces contaba con veintiséis años, quien propuso una idea para resolver el conflicto: invitar a la condesa a tomar el té con ellos para charlar amigablemente y convencerla de sus buenas intenciones. A pesar del escepticismo inicial del vocalista Robert Plant, quien no entendía la relevancia de las quejas de la mujer argumentando que la banda ya era famosa en todo el mundo, el grupo accedió a organizar el encuentro amistoso en la capital danesa.

Durante la cita en los estudios de televisión, la tensión inicial en la sala era casi palpable, pero gracias a la diplomacia de Jimmy Page, que actuó como portavoz de la banda, la condesa comenzó a suavizar su postura. Eva von Zeppelin llegó incluso a mostrarse cordial con los músicos mientras disfrutaban de una taza de té, lo que hizo pensar a los presentes que el conflicto familiar estaba totalmente en vías de solución y que la demanda judicial quedaría en el olvido.

Sin embargo, la paz duraría muy poco. Al término de la reunión, mientras el mánager Peter Grant mostraba las instalaciones a la invitada, un miembro del equipo tuvo la ocurrencia de enseñarle la portada del primer álbum de la banda. En dicha portada aparecía una ilustración del famoso dirigible Hindenburg devorado por las llamas durante su trágico accidente en 1937. Al ver la imagen de la catástrofe asociada a su apellido, la condesa entró en cólera de forma inmediata, insultando a los músicos y prometiendo llevarlos ante los tribunales.

Para evitar una costosa demanda civil y poder realizar el concierto programado para el día siguiente, el sábado 28 de febrero de 1970 en Copenhague, los músicos se vieron obligados a tomar una decisión de urgencia: cambiar temporalmente el nombre del grupo. De este modo, Led Zeppelin se presentó ante el público danés bajo el seudónimo de The Nobs, ofreciendo un recital memorable que concluyó con una enérgica versión del clásico Long Tall Sally. Gracias a esta rápida maniobra de distracción, la banda logró eludir el conflicto legal y continuar con su exitosa gira europea.

El divertido relato sirve de pretexto para que el equipo de esRadio comente, entre risas, los detalles de la grabación de las voces que han dado vida a los personajes de la condesa, sus ayudantes y los propios músicos de la banda. Los colaboradores bromean sobre la interpretación de los distintos papeles y celebran el éxito de esta primera entrega de la sección, la cual promete seguir trayendo a las ondas las historias más curiosas del panorama musical.

La cita malagueña de cultura popular reúne a los actores de Los Serrano, al director Kevin Smith y celebra el éxito de la serie One Piece.

La segunda edición de la Málaga Comic Con se presenta como uno de los grandes acontecimientos de la temporada para los amantes de la cultura popular en España. Durante la tertulia en esRadio, los colaboradores comentan con humor la llegada de esta fusión de la prestigiosa marca estadounidense con la provincia andaluza. El certamen promete ampliar su oferta respecto al año anterior, reuniendo a una impresionante lista de autores, dibujantes de cómics y celebridades que atraerán a miles de aficionados durante las jornadas del evento.

Uno de los contenidos más comentados del programa es el universo de la serie de Netflix One Piece. Tras el lanzamiento del tráiler de su segunda temporada en imagen real, los tertulianos elogian cómo la plataforma ha sabido trasladar con éxito el carismático espíritu del manga de Eiichiro Oda. En particular, se resalta la participación del actor con raíces españolas Taz Skylar, muy popular entre el público joven, y el excelente papel del mexicano Iñaki Godoy como Luffy, cuya expresividad corporal y simpatía logran recrear casi a la perfección al icónico protagonista animado.

La nostalgia nacional tendrá un espacio fundamental en el festival gracias al reencuentro del elenco de Los Serrano. Esta emblemática serie de televisión, que marcó a toda una generación de espectadores en la década de los dos mil, contará con la participación de figuras de su reparto original como Antonio Resines y Fran Perea. Los colaboradores de esRadio rememoran con humor el enorme impacto social de la ficción y la enorme expectación que genera volver a ver juntos a los miembros de la familia televisiva más famosa de España.

El cine independiente norteamericano también brillará con luz propia gracias a la reunión especial de la comedia de culto Mallrats. El propio director de la cinta, Kevin Smith, junto a los actores principales Jason Lee y Michael Rooker, desembarcará en el festival para conmemorar esta obra clave del panorama cinematográfico de los noventa. Los comentaristas reivindican la trascendencia de la comedia de Smith, conocida por sus agudos diálogos sobre cómics y relaciones sentimentales, la cual anticipó la actual era del fenómeno fan de masas.

Para completar el menú nostálgico, el programa repasa la trayectoria de Christopher Lambert, célebre protagonista de la saga fantástica Los inmortales. Los colaboradores hacen un viaje por la filmografía de este carismático actor, rescatando títulos muy queridos de los videoclubs de los años ochenta y noventa como Presa de la secta o Jaque al asesino, antes de recordar cómo la historia de Connor MacLeod se convirtió en un fenómeno global imprescindible para comprender el cine de entretenimiento de la época.

El cierre de esta sección cultural viene marcado por la icónica sintonía de MacGyver, la mítica serie de televisión de acción protagonizada por Richard Dean Anderson. Los locutores bromean sobre las ingeniosas habilidades del célebre héroe antes de despedir el programa con el clásico himno de la banda británica Oasis, Champagne Supernova, un broche final lleno de energía que resume el espíritu desenfadado y melómano de esta completa crónica sobre el panorama del entretenimiento contemporáneo.

De los latidos de Matthew Herbert al tecno de Kraftwerk, esRadio repasa los ritmos orgánicos que revolucionaron la historia de las canciones.

En esta nueva entrega musical en esRadio, los colaboradores nos sumergen en un fascinante recorrido por la historia de la música corporal, aquella que utiliza el propio cuerpo humano como el instrumento principal para generar ritmos, melodías y texturas sonoras sorprendentes.

El punto de partida de este análisis es el polifacético artista británico Matthew Herbert, de quien se destaca su vigencia y su próxima visita a Madrid. Se analiza su aclamado tema Foreign Bodies, perteneciente al álbum Bodily Functions, una obra maestra donde las percusiones no provienen de cajas de ritmos tradicionales, sino de ingeniosos sampleos del cuerpo humano como el bombeo de la sangre, los latidos del corazón o suaves golpes en las mejillas.

El programa continúa rememorando uno de los grandes hitos de la música vocal: el popular tema Don't Worry, Be Happy de Bobby McFerrin, lanzado en el año 1988. Los locutores detallan la inmensa dificultad técnica que supuso su proceso de grabación, ya que cada línea de bajo, cada percusión y cada melodía fue ejecutada en exclusiva por la voz y el torso de McFerrin mediante una compleja técnica de superposición de pistas.

A continuación, el foco se desplaza hacia Brasil con el grupo Barbatuques y su célebre composición Baianá. Este tema, que destaca por su potente combinación de cantos corales y palmas sobre el cuerpo, está viviendo una auténtica segunda juventud gracias a remezclas contemporáneas que lo han reintroducido con gran éxito en las pistas de baile de todo el mundo.

Los sonidos de raíces folclóricas norteamericanas también tienen cabida en esta selección de la mano de The Lumineers y su archiconocido éxito Ho Hey. Además de analizar sus característicos pisotones y golpes en el pecho, se desvela una curiosa anécdota que vincula esta canción con el prestigioso pódcast deportivo Brazalete Negro, especializado en contar historias de crímenes reales en el mundo del fútbol.

La vertiente más transgresora y humorística llega con la audición de Our Song, una pieza de 1970 extraída del disco experimental Music from the Body, compuesto por Ron Geesin y el célebre miembro de Pink Floyd, Roger Waters. En este corte se emplean de forma rítmica diversas flatulencias y sonidos escatológicos que, según los autores, fueron simulados en el estudio para crear una divertida pieza de biomúsica experimental.

Este tipo de grabaciones pioneras ejercieron una influencia directa en el desarrollo de la música electrónica, inspirando a bandas capitales como los alemanes Kraftwerk. En su álbum de homenaje al ciclismo, destaca el tema Elektro Kardiogramm, donde consiguen estructurar una base rítmica sirviéndose únicamente de la simulación de la respiración fatigada y el latido acelerado de un ciclista subiendo el mítico puerto del Tourmalet.

La estela de Kraftwerk se hace evidente también en el pop electrónico británico, concretamente en el clásico Personal Jesus de la icónica banda Depeche Mode. El tema incorpora como elemento percusivo principal una serie de jadeos y respiraciones rítmicas acompasadas que sirven de base para uno de los mayores himnos de la música de los ochenta.

El arte del beatboxing contemporáneo se analiza a través del virtuoso australiano Tom Thum y su asombrosa recreación de la canción Human. Esta demostración de agilidad vocal sirve de preámbulo para ensalzar la audacia de la cantante islandesa Björk, quien en su álbum conceptual Medúla prescindió de cualquier instrumento convencional para construir ricas atmósferas pop utilizando únicamente coros, voces y efectos guturales.

Finalmente, los colaboradores desafían al oyente con la endiablada rítmica en 7/4 de Unsquare Dance, interpretada por el célebre Dave Brubeck Quartet, donde las palmas juegan a descolocar deliberadamente el tempo tradicional. El espacio concluye rindiendo tributo al minimalismo de Steve Reich y su célebre composición Clapping Music, un exigente ejercicio donde dos intérpretes palmotean desfasando progresivamente sus patrones rítmicos hasta crear un efecto hipnótico.

Obras maestras de la televisión como 'The Wire' apenas lograron nominaciones por el incómodo realismo de creadores como David Simon.

En esta entrega de esRadio, los colaboradores analizan aquellas producciones televisivas que, a pesar de contar con el aplauso unánime de la crítica y del público, han sido sistemáticamente ignoradas por los grandes premios de la industria, como los Premios Emmy o los Globos de Oro. El programa comienza centrándose en el sangrante caso de Better Call Saul, la aclamada precuela de Breaking Bad. A lo largo de sus seis temporadas, la serie acumuló la espectacular cifra de cincuenta y tres nominaciones a los Premios Emmy y, de manera casi inexplicable, terminó su andadura con cero galardones en las categorías principales.

Los locutores repasan cómo tanto su protagonista, Bob Odenkirk, como la coprotagonista, Rhea Seehorn, se quedaron siempre a las puertas del reconocimiento. Odenkirk perdió en diversas ocasiones frente a actores de otras series de éxito como Succession o Squid Game, mientras que Seehorn corrió la misma suerte ante rivales de Ozark o The White Lotus. Aunque Seehorn logró ganar un pequeño premio de formato corto por la serie web Cooper's Bar, la serie principal se despidió como la producción más ignorada de la historia de la televisión en los certámenes de la academia norteamericana.

Otro de los grandes focos de la conversación es The Wire, considerada por muchos críticos como la mejor serie de televisión jamás realizada. El equipo de esRadio señala con asombro que esta obra maestra ambientada en Baltimore solo obtuvo dos nominaciones al Emmy en toda su historia, ambas en la categoría de mejor guion, y ninguna victoria. Se analiza la figura de su creador, David Simon, un autor incómodo para la industria debido a su estilo realista y su ácida crítica hacia las instituciones estadounidenses. Simon siempre se mostró indiferente ante los gustos del espectador medio, lo que dificultó que su compleja narrativa en forma de puzle encajara en los circuitos comerciales de premios de la época.

La conversación se traslada luego a Hannibal, una serie de tres temporadas protagonizada por Mads Mikkelsen y Hugh Dancy que cautivó a una legión de seguidores pero fue ignorada por los certámenes tradicionales. Su única nominación al Emmy fue en una categoría técnica sumamente específica: mejores efectos visuales especiales secundarios, la cual además perdió frente a Sherlock. A pesar de este vacío institucional, la serie encontró su revancha en los Saturn Awards, unos galardones especializados en ciencia ficción, fantasía y terror, donde acumuló un total de veintisiete victorias y casi sesenta nominaciones.

El siguiente título analizado es la serie de animación BoJack Horseman. A pesar de ser elogiada por abordar con maestría temas complejos y delicados como la depresión, la adicción y la autodestrucción, la academia solo la nominó en tres ocasiones. Perdió en la categoría de mejor programa de animación frente a gigantes históricos como The Simpsons o éxitos contemporáneos como Rick and Morty. Los colaboradores destacan que, aunque no consiguió ganar un Emmy, la serie se alzó con varios Annie Awards y Critics' Choice Awards, demostrando que su valor iba mucho más allá de los premios comerciales.

Finalmente, se debate sobre The Leftovers, la joya de Damon Lindelof que tampoco tuvo suerte en los Premios Emmy, obteniendo únicamente una nominación para la actriz Ann Dowd. No obstante, el programa celebra que la serie fuera galardonada con el prestigioso Peabody Award, un premio otorgado por la Universidad de Georgia que valora la excelencia narrativa y la calidad humana por encima del éxito comercial. Para cerrar, los locutores dedican un espacio a Supernatural, una serie de culto que, si bien nunca aspiró a los grandes dramas de la crítica, logró construir un imperio de premios alternativos, destacando sus numerosas victorias en los People's Choice Awards y galardones de ciencia ficción en Canadá.

Un viaje sonoro por la percusión corporal, las series más minusváloradas por los grandes premios y las novedades de las Comic Con

En este nuevo episodio de Prohibido Contar Ovejas en esRadio, el presentador Felipe Couselo y sus colaboradores habituales, entre ellos Juanma, Dani Palacios, Alma Espinosa y Miriam García, ofrecen un vibrante recorrido por la música experimental, la literatura melómana y las injusticias históricas de los premios de televisión. Felipe abre el programa compartiendo su experiencia en el concierto de Billy Corgan en el Palacio de Vistalegre de Madrid, donde interpretó el emblemático disco Mellon Collie and the Infinite Sadness. Frente a las críticas negativas en redes sociales de algunos sectores, Couselo defiende con pasión la propuesta, destacando el valor emocional de escuchar estas canciones en un formato orquestal y coral, ejecutado magistralmente por músicos españoles.

La sección literaria se centra en el libro Cómo dirigir un sello indie de Alan McGee, fundador de la mítica discográfica Creation Records. Traducido al español por Ibon Errazkin y editado por Libruak, el texto repasa de forma muy directa y honesta las andanzas de bandas legendarias como Oasis, Primal Scream o The Jesus and Mary Chain. Felipe destaca el estilo directo de la narración, que evoca otros grandes relatos de la escena musical británica, como los libros de Peter Hook o las crónicas sobre el club Haçienda.

El núcleo del programa se articula en torno a la música corporal o el uso del propio cuerpo como instrumento de percusión y ritmo. El recorrido se inicia con Matthew Herbert y su célebre álbum Bodily Functions, anunciando su próxima visita a Madrid. Esto da pie a analizar el clásico de Bobby McFerrin Don't Worry, Be Happy, donde se resalta la extrema dificultad de grabación que supone superponer capas de sonido utilizando exclusivamente la voz humana. Además, se rescata una divertida anécdota del arquitecto y músico Jaime Izaguirre, quien coincidió con McFerrin en el festival de jazz de Montreux mientras este realizaba extraños ejercicios vocales de calentamiento.

La percusión corporal continúa con el grupo brasileño Barbatuques y su célebre tema Baianá, que ha vivido una segunda juventud gracias a diversas remezclas de música electrónica. También se analiza el éxito de Ho Hey, de la banda estadounidense The Lumineers, donde las pisadas y los gritos del público forman parte de la estructura rítmica. A raíz de este análisis, Felipe Couselo confiesa su adicción al podcast de fútbol y crónica negra titulado Brazalete Negro, un programa que mezcla el género del verdadero crimen con el deporte rey.

El espacio explora las propuestas más radicales de esta corriente, como el disco Music from the Body de Ron Geesin y Roger Waters de 1970, un trabajo experimental dedicado a los sonidos del cuerpo humano que incluye el polémico tema Our Song, célebre por incorporar sonidos simulados de flatulencias. En una línea similar, los colaboradores analizan la pieza Elektro Kardiogramm, perteneciente al álbum Tour de France de los alemanes Kraftwerk, en la que se recrea el esfuerzo físico del ciclista, así como el clásico de Depeche Mode Personal Jesus, cuyo ritmo principal se sostiene sobre fuertes pisotones.

En el terreno del beatboxing, se destaca la figura del australiano Tom Thum con su versión del tema Human, originalmente de Rag'n'Bone Man. Asimismo, se comenta el disco Medúlla de Björk, concebido casi en su totalidad con voces humanas. La exploración de este género concluye con Clapping Music del compositor minimalista Steve Reich, una pieza basada en el desfase de las palmas que el productor James Murphy sampleó para su conocida remezcla de la canción Love Is Lost de David Bowie.

En la sección televisiva, Miriam García repasa las grandes producciones que han sido ignoradas de forma sistemática en los premios Emmy. El caso más flagrante es el de Better Call Saul, que acumuló un total de cincuenta y tres nominaciones sin lograr un solo galardón. García también pone el foco en The Wire, considerada unánimemente una de las mejores series de la historia de la televisión, que apenas obtuvo dos nominaciones menores de guion —perdiendo frente a House y Mad Men— debido a la tensa relación de su creador, David Simon, con la Academia de la Televisión.

La lista de olvidadas incluye a Hannibal, que solo recibió una nominación técnica por sus efectos visuales; la serie de animación BoJack Horseman, que perdió sus escasas nominaciones ante gigantes de la cultura popular como The Simpsons o Rick and Morty; y la aclamada The Leftovers, de Damon Lindelof, que solo rascó una candidatura para la actriz invitada Ann Dowd. A pesar del desprecio de los Emmy, la serie fue reconocida con el prestigioso premio Peabody. En contraste, se analiza el fenómeno de la serie de televisión Supernatural, que a falta de Emmys cuenta con una legión de seguidores que le han otorgado numerosos People's Choice Awards.

Finalmente, los integrantes del programa comentan las novedades de la próxima Comic-Con de Málaga, un evento que aspira a ser la San Diego de la Costa del Sol y que contará con invitados de primera línea como los dibujantes John Romita Jr. y Pepe Larraz. El certamen acogerá una reunión especial del reparto de la película de ciencia ficción Starship Troopers, un reencuentro de los actores de la serie española Los Serrano, y una mesa redonda de la película de culto Mallrats con Michael Rooker y Jason Lee. Para terminar, los presentadores repasan el tráiler de la segunda temporada de la adaptación en imagen real de One Piece para la plataforma Netflix.

Un recorrido sonoro por el misticismo y el rock de la mano de Felipe Couselo en esRadio, con temas de Joni Mitchell, Led Zeppelin o Incubus.

En esta nueva entrega del programa nocturno de esRadio, Prohibido Contar Ovejas, el presentador Felipe Couselo nos invita a sumergirnos en un viaje musical articulado en torno a un elemento de la naturaleza cargado de simbolismo: los ríos. A lo largo de la noche, el programa explora la música inspirada por las corrientes fluviales, utilizándolas como una potente metáfora de la existencia humana, desde el nacimiento hasta la muerte, pasando por la espiritualidad y el misticismo del bautismo. La velada comienza con la sobrecogedora interpretación de Alison Krauss del tema tradicional Down in the River to Pray, popularizado por la banda sonora de la película de los hermanos Coen, O Brother, Where Art Thou?.

A continuación, el programa se traslada hacia sonidos más contemporáneos de la mano de la banda estadounidense de folk rock The Decemberists y su canción Down by the Water. Extraído de su exitoso álbum The King Is Dead, este tema destaca por su energía acústica y cuenta con colaboraciones de lujo, como el guitarrista Peter Buck, miembro de la mítica banda R.E.M., y la cantante Gillian Welch. Couselo aprovecha para destacar la riqueza de este trabajo discográfico, que ofrece una visión muy particular de la América rural y de las comunidades mineras de principios del siglo pasado.

El ritmo se acelera con uno de los grandes clásicos de la historia del rock: Proud Mary, interpretado originalmente por la Creedence Clearwater Revival. John Fogerty compuso esta célebre pieza justo después de obtener su licenciamiento del ejército de los Estados Unidos, convirtiéndose en un canto a la liberación personal y el optimismo. La andadura fluvial continúa con la vibrante y potente versión que Ike & Tina Turner realizaron de River Deep - Mountain High, una joya de la producción musical firmada por Phil Spector que desborda fuerza y pasión en cada nota.

El tono del programa se torna más oscuro con la llegada de Neil Young y su desgarrador tema de 1969, Down by the River, incluido en el álbum Everybody Knows This Is Nowhere. Acompañado por su fiel banda Crazy Horse, el músico canadiense teje una atmósfera densa y asfixiante para narrar un crimen pasional a orillas del río. Couselo analiza la maestría de Young a la hora de improvisar largas y viscerales secciones de guitarra, una de las señas de identidad más reconocibles de su dilatada trayectoria musical.

La siguiente parada en este recorrido fluvial nos lleva a finales de la década de los setenta con Talking Heads y su emblemática versión de Take Me to the River, tema original de Al Green. Bajo la producción del innovador Brian Eno, la banda liderada por David Byrne transformó esta pieza de soul en un corte de post-punk nervioso y bailable, marcando el inicio de su consagración en las listas de éxitos mundiales y demostrando cómo la espiritualidad de la música negra podía fusionarse con la vanguardia neoyorquina.

El viaje musical cruza el Atlántico para recalar en la vibrante escena del Liverpool de los años sesenta con Gerry and the Pacemakers y su melódico himno Ferry Cross the Mersey. Esta canción no solo rinde homenaje al río Mersey, arteria vital de la ciudad inglesa, sino que se convirtió en un símbolo de la identidad colectiva y el orgullo local del movimiento musical conocido como Merseybeat, que definió a toda una generación de jóvenes británicos.

El misticismo y la reflexión vuelven a cobrar protagonismo con Billy Joel y su éxito de 1993, The River of Dreams. A través de este enérgico tema de tintes gospel, el compositor neoyorquino explora los laberintos del subconsciente y la búsqueda de la paz espiritual a través de un viaje nocturno hacia un río simbólico que representa la redención y el autodescubrimiento en la madurez de su vida.

La delicadeza y la melancolía se adueñan del estudio de esRadio con la inconfundible voz de Joni Mitchell y su obra maestra River, perteneciente al legendario álbum de 1971, Blue. En esta intimista pieza a piano, Mitchell expresa el profundo anhelo de disponer de un río helado sobre el cual poder patinar para escapar de la tristeza navideña y de los errores del pasado en sus relaciones afectivas, en una de las confesiones más descarnadas de la música popular contemporánea.

Hacia el tramo final, el programa recupera la influencia del blues más primitivo con Led Zeppelin y su potente Travelling Riverside Blues, un tema que bebe directamente del legado del legendario Robert Johnson. La noche continúa su curso con el dramatismo de Bruce Springsteen en su clásico The River, una desgarradora crónica social sobre la pérdida de la inocencia y el impacto de la crisis económica en las familias trabajadoras de la América desindustrializada.

Finalmente, Couselo despide esta travesía radiofónica con una propuesta atmosférica y relajante: Aqueous Transmission de la banda de rock alternativo Incubus, perteneciente a su aclamado disco Morning View. Con casi ocho minutos de duración y una instrumentación de inspiración oriental que incluye el uso del koto, la canción evoca una flotación meditativa por un río en calma, cerrando el programa con una sensación de absoluta paz y desconexión.

De la tensión en la Antártida al coche asesino de Stephen King, viajamos a la década dorada de John Carpenter con sus títulos más recordados.

En esta nueva entrega del programa Prohibido Contar Ovejas de esRadio, el presentador Felipe Couselo, junto a Juanma González y los críticos cinematográficos Jorge Loser y Vicky Carras, continúan con la segunda parte del especial dedicado a la filmografía de los años ochenta del célebre director de cine John Carpenter. A lo largo del espacio, se analizan minuciosamente cuatro de sus producciones más destacadas de aquella década, abordando desde sus aspectos técnicos y bandas sonoras hasta su recepción en taquilla y su trascendencia cultural.

El primer gran título sobre la mesa es La Cosa (1982), un clásico indiscutible de la ciencia ficción y el terror que supuso una versión muy personal de la obra literaria de John W. Campbell y de la película de 1951 de Howard Hawks. Los colaboradores elogian el extraordinario trabajo en los efectos especiales prácticos de Rob Bottin, quien llegó a sufrir problemas de salud por el agotamiento físico extremo que le supuso la filmación. El filme destaca por su atmósfera opresiva y su estructura de whodunit en una base de la Antártida. A pesar de contar con una inolvidable banda sonora de Ennio Morricone —quien imitó de forma brillante el estilo sintético del propio Carpenter—, la cinta fracasó comercialmente en su día debido a la competencia directa con películas de tono más amable como E.T. El Extraterrestre, consolidándose con los años como un hito del cine de culto y del subgénero del body horror.

Posteriormente, el programa se adentra en Christine (1983), la célebre adaptación de la novela homónima de Stephen King. Esta historia de un Plymouth Fury de 1957 poseído y obsesionado con su joven dueño, Arnie Cunningham, sirve para reflexionar sobre la compleja relación del ciudadano estadounidense con el automóvil y la cultura del consumo de la época. Los participantes destacan el dinamismo de la narración, la inolvidable escena en la que el vehículo se regenera por sí mismo a través de trucos de cámara invertida y cables, y la icónica partitura de sintetizadores que Carpenter compuso junto a Alan Howarth. Aunque es considerada por algunos críticos como una obra menor en comparación con otros hitos de su filmografía, se reivindica su enorme valor estético y su capacidad para generar tensión sin necesidad de abusar de la exposición digital.

El viaje ochentero prosigue con Starman (1984), una propuesta atípica dentro del catálogo de Carpenter que se aleja de la oscuridad habitual para ofrecer una emotiva road movie romántica de ciencia ficción. Protagonizada por un espléndido Jeff Bridges —nominado al premio Oscar por este papel— y por Karen Allen, la historia narra el viaje de un ser extraterrestre que adopta la forma humana del difunto esposo de una viuda. Los colaboradores subrayan cómo el director logró manejar el melodrama y la sensibilidad de manera magistral, apoyado en una conmovedora partitura de Jack Nitzsche. Este largometraje supuso un rotundo éxito comercial y demostró la versatilidad de Carpenter para trabajar dentro de las demandas y presupuestos de los grandes estudios de Hollywood.

Finalmente, el análisis se detiene en Están Vivos (1988), una ácida e irreverente sátira social y política dirigida contra el consumismo, la publicidad subliminal y las políticas neoliberales de la administración de Ronald Reagan. Con el carismático luchador profesional Roddy Piper en el papel principal, la película utiliza la premisa de unas gafas de sol que permiten ver la cruda realidad de una invasión alienígena que domina las élites del planeta. Además de su contundente mensaje ideológico, los tertulianos celebran la mítica y desmesurada escena de la pelea entre Piper y Keith David, así como la magnífica banda sonora instrumental y el espíritu puramente anarquista y contracultural que impregna cada fotograma de esta obra maestra de la serie B.

Lola Herrera en el teatro y la secuela de 'Prácticamente magia' protagonizan una entrega del magacín de esRadio cargada de novedades.

Una nueva entrega de Prohibido Contar Ovejas en esRadio arranca rindiendo un sentido homenaje a la legendaria intérprete de jazz Cassandra Wilson. A través de la escucha de su mística versión de Harvest Moon, el clásico de Neil Young, el equipo del programa reflexiona sobre la capacidad de la música para evocar emociones profundas y conectar con el recuerdo y la sensibilidad del oyente.

En el plano de las novedades musicales, Dani Palacios introduce la propuesta de la banda de rock neopsicodélico australiana Druid Fluids con su canción Needles in Strawberries. Este corte sirve como adelanto de su próximo trabajo discográfico, titulado Paraidolia, que verá la luz a finales de año. Palacios elogia la impecable producción de este combo liderado por Milo Green, cuyo sonido combina texturas clásicas de los sesenta con sintetizadores contemporáneos.

Por su parte, Juanma González trae al estudio el sonido de la formación sueca De Magnolia, originarios de Gotemburgo, a través de su tema Who Are You. González incide en el marcado estilo norteamericano de este numeroso colectivo musical, que destila influencias del soul clásico de los años sesenta y setenta, recordando a figuras de la talla de Al Green, y demostrando una solvencia instrumental sobresaliente.

El repaso a la actualidad musical se completa con la intervención de Isaac Ibáñez, quien presenta Blood Oath, el nuevo sencillo de la veterana banda de metal sureño Down, capitaneada por Phil Anselmo. Ibáñez analiza el esperado regreso de la formación de Nueva Orleans con su próximo volumen de estudio y desvela una llamativa colaboración con el legendario King Diamond, lo que promete hacer las delicias de los aficionados al género.

En la sección dedicada a las artes escénicas, Alma Espinosa nos acerca a la representación de Camino a la Meca en el Teatro Bellas Artes de Madrid. La obra, protagonizada por la gran Lola Herrera bajo la dirección de Claudio Tolcachir, narra la historia real de la escultora Helen Martins en Sudáfrica. Espinosa destaca el reencuentro sobre las tablas de Herrera con su hija Natalia Dicenta, aportando un extra de emotividad a una función que aborda con maestría la vejez y la toma de decisiones personales.

En el ámbito cinematográfico, se debate la futura secuela de la comedia fantástica Prácticamente magia, que volverá a contar con Sandra Bullock y Nicole Kidman como protagonistas. Los colaboradores analizan las luces y sombras de esta continuación, dirigida por Susan Bier, cuestionando si logrará recuperar el tono gótico y la acidez de la cinta original de finales de los noventa o si se perderá en la sensiblería habitual de las producciones actuales.

Para cerrar el programa, el equipo analiza los estrenos más recientes del cine español, centrando su atención en El nido, un intrigante thriller de suspense protagonizado por Michelle Jenner. Asimismo, recomiendan con entusiasmo la película Forastera, dirigida por Lucía Alenar y rodada en Mallorca, ensalzando su magnética atmósfera de misterio y su cuidada propuesta estética como una de las sorpresas de la temporada.

Felipe Couselo y sus colaboradores analizan el fin del cine romántico clásico y repasan la evolución del agente 007 en la gran pantalla.

En una nueva edición del programa Prohibido Contar Ovejas de esRadio, conducido por Felipe Couselo, se inicia la velada con una distendida charla de reincorporación tras las vacaciones junto a Daniel Palacios. Entre bromas sobre pulseras, el "glamour campechano" y las galletas Campurrianas, los colaboradores analizan las excentricidades del verano antes de adentrarse en el bloque musical, dedicado al grupo británico The Zombies y su mítico álbum Odessey and Oracle.

El núcleo del programa se centra en analizar cómo las películas románticas tradicionales, tanto comedias como dramas, han ido desapareciendo de las salas de cine en las últimas décadas. Para ilustrar esta transformación, se recurre a un célebre fragmento de la película Sesión Continua de José Luis Garci, donde grandes actores como José Bódalo y Jesús Puente debaten sobre la pérdida del romanticismo clásico en el cine y pronuncian la icónica frase sobre cómo los besos de tornillo se han perdido en favor de relaciones más explícitas y vacías.

El equipo disecciona varios títulos del siglo XXI que demuestran este cambio de paradigma. Se comienza analizando Embriagada de Amor (Punch-Drunk Love), una obra de Paul Thomas Anderson protagonizada por Adam Sandler que desafía las convenciones del género a través de la ansiedad y la inestabilidad emocional de su protagonista. Asimismo, se comenta Two Lovers, dirigida por James Gray, un drama melancólico en el que Joaquin Phoenix encarna a un hombre atormentado, alejándose por completo de los finales felices tradicionales.

El análisis avanza hacia dos títulos fundamentales: 500 Días Juntos (500 Days of Summer) y La La Land. La primera deconstruye el mito del amor idealizado mostrando la incompatibilidad y las expectativas frustradas de una pareja que nunca llega a consolidarse, mientras que la oscarizada película de Damien Chazelle presenta un bellísimo musical clásico que, sin embargo, culmina con un desgarrador final realista donde el éxito profesional y las ambiciones personales de los protagonistas terminan por separar sus caminos de forma inevitable.

La distopía también tiene cabida en esta lista con La Langosta (The Lobster), de Yorgos Lanthimos, donde la soltería se castiga con la transformación en animales, y la célebre Her, de Spike Jonze, en la que Joaquin Phoenix se enamora de un sistema operativo. Ambas películas exploran la soledad contemporánea y la imposibilidad de conectar humanamente. En una línea similar, ¡Olvídate de Mí! (Eternal Sunshine of the Spotless Mind) aborda el dolor de la ruptura mediante la eliminación selectiva de recuerdos, mostrando un romance profundamente doloroso y surrealista.

Para cerrar el bloque cinematográfico, se comentan Lars y una Chica de Verdad (Lars and the Real Girl), donde Ryan Gosling interpreta a un hombre con graves problemas de socialización que inicia una relación con una muñeca, y la extrema Audición (Audition), del director japonés Takashi Miike, que comienza como una aparente comedia de búsqueda de esposa y deriva en un perturbador e impactante thriller de tortura y sadismo, culminando la subversión total de las expectativas de una historia de amor.

En el tramo final del espacio, Juanma González lidera el análisis de la saga cinematográfica de James Bond, partiendo de unas recientes declaraciones de Gary Oldman que podrían haber revelado detalles sobre el futuro del personaje. Los colaboradores repasan la evolución del agente 007 a través de las diferentes eras, destacando el intento de realismo y violencia literaria de Timothy Dalton, la sofisticación de Pierce Brosnan (que introdujo a Judi Dench como M) y la brutalidad física de Daniel Craig, rememorando la icónica escena de tortura de Casino Royale.

Un recorrido por obras como 'Her' o '¡Olvídate de mí!' muestra la evolución de las historias de pareja hacia la distopía y la fobia social.

En esta nueva edición del espacio de cine de esRadio, los colaboradores comienzan con una distendida charla sobre las secuelas físicas del verano antes de adentrarse en el tema principal de la noche: la evolución y aparente desaparición de las películas románticas convencionales en los últimos veinticinco años. Para ilustrar esta transformación, recuerdan una mítica escena de la película Sesión Continua, dirigida por José Luis Garci en 1984, donde los personajes interpretados por Jesús Puente y Adolfo Marsillach debaten sobre cómo deconstruir las historias de amor en el cine, vaticinando de algún modo el rumbo amargo y complejo que tomaría el género en el siglo XXI.

La primera parada de este recorrido por el antirromance contemporáneo es Punch-Drunk Love, conocida en España como Embriagada de Amor y dirigida por Paul Thomas Anderson en 2002. Los colaboradores explican que, lejos de ser una comedia romántica al uso, esta cinta es un retrato incómodo de la ansiedad y el colapso emocional de su protagonista, interpretado por un sorprendente Adam Sandler. Sometido a la asfixiante presión de sus siete hermanas y extorsionado a través de una línea de teléfono erótica, el personaje transita por una atmósfera de tensión constante, acentuada por un diseño sonoro frenético y una banda sonora que recuerda a la de la aclamada Magnolia, alejando al espectador de cualquier atisbo de romanticismo tradicional.

A continuación, se analiza Two Lovers, drama de 2008 dirigido por James Gray. La película sitúa a Joaquin Phoenix en el papel de Leonard, un hombre con graves problemas de estabilidad mental que, tras una dolorosa ruptura, regresa a vivir con sus padres. La trama se sumerge en un angustioso triángulo amoroso donde el protagonista debe elegir entre la estabilidad que le ofrece Sandra, una joven formal apoyada por su familia, y la caótica fascinación que ejerce Michelle, su misteriosa vecina interpretada por Gwyneth Paltrow. Los colaboradores destacan que la cinta destaca por mostrar cómo la sobreprotección familiar puede anular por completo al individuo, convirtiendo la búsqueda del amor en un proceso profundamente doloroso y melancólico.

El análisis continúa con la aclamada La La Land de Damien Chazelle, estrenada en 2016. Aunque la producción se presenta inicialmente como un deslumbrante homenaje a los musicales clásicos de la época dorada de Hollywood, los ponentes remarcan que su desenlace supone un auténtico golpe de realidad para el espectador. Al priorizar el desarrollo de sus respectivas carreras profesionales frente a su relación de pareja, los personajes de Sebastian y Mia encarnan el individualismo de nuestra era. El recurso de mostrar una secuencia de ensueño con el final feliz que nunca ocurrió no hace sino acentuar la inevitable desconexión entre las fantasías artísticas y la vida real.

La vertiente más distópica y extrema del género llega de la mano del director griego Yorgos Lanthimos con The Lobster, traducida como Langosta en 2015. En este perturbador universo, la soltería es perseguida por la ley, obligando a los ciudadanos sin pareja a recluirse en un hotel donde disponen de cuarenta y cinco días para encontrar a su media naranja. De lo contrario, el castigo consiste en ser transformados en un animal de su propia elección. El protagonista, encarnado por Colin Farrell, opta por la langosta en caso de fracasar, en una durísima metáfora que critica las convenciones sociales sobre el matrimonio y la vida en pareja.

Otra de las obras cumbre de la ciencia ficción romántica analizada es Her, el largometraje de Spike Jonze estrenado en 2013. Theodore, interpretado de nuevo por Joaquin Phoenix, es un hombre solitario que se gana la vida escribiendo cartas para terceros y que termina enamorándose de Samantha, una inteligencia artificial con la voz de Scarlett Johansson. El programa de esRadio analiza cómo la cinta aborda de manera brillante la alienación tecnológica y la simulación de la empatía en una sociedad donde los de por sí aislados individuos viven incomunicados tras sus auriculares, culminando en un desenlace devastador que rompe cualquier ilusión de correspondencia real.

En la lista de recomendaciones no podía faltar Eternal Sunshine of the Spotless Mind, titulada en España ¡Olvídate de mí! y dirigida en 2004 por Michel Gondry. En este clásico moderno de culto, Joel descubre que su exnovia Clementine se ha sometido a un proceso clínico para borrar de su mente todos los recuerdos de su relación, lo que le lleva a tomar la misma drástica decisión. Los colaboradores elogian el derroche de creatividad visual de Gondry, repleto de efectos prácticos analógicos y juegos de perspectiva, que dan forma a una de las historias más trágicas, caóticas y bellas sobre la memoria amorosa y el dolor de la pérdida.

Finalmente, se abordan dos películas que llevan la necesidad de afecto a extremos insospechados. Por un lado, Lars y una chica de verdad presenta a Ryan Gosling como un joven con fobia social que entabla una relación con una muñeca de plástico, Bianca, obligando a todo su pueblo a participar en una terapia de aceptación colectiva. Por otro lado, la ácida e inesperada recomendación de Audition, la célebre película de terror japonesa dirigida por Takashi Miike en 1999, cierra el programa. Lo que comienza como una aparente búsqueda de esposa mediante un falso casting cinematográfico se transforma de golpe en una de las mayores pesadillas del cine contemporáneo, demostrando que la deconstrucción del amor en el cine puede terminar, literalmente, en una carnicería.