Nel bel mezzo del Grande Fratello Show, un'apocalisse zombie devasta Londra e forse il mondo intero, mentre quelli che sembrano gli unici sopravvissuti alla catastrofe sono proprio gli inquilini della casa più popolare del Regno Unito, raggiunti da una giovane assistente di produzione che li mette al corrente di quanto sarà difficile non essere divorati vivi.

Secondo me, questa miniserie horror rimane una delle migliori opere zombesche prodotte negli ultimi quindici anni: cosparsa di sangue e frattaglie, Dead Set raffigura sì degli zombie veloci e famelici, ma è anche una pesantissima critica alla società dell'epoca (e di oggi) superficiale, meschina e tutta televisione spazzatura. Cinque episodi al cardiopalma che non danno alcuna tregua allo spettatore, mentre gli attori sono bravissimi a impersonare lo stereotipo più becero dell'inquilino tipo del GF.

Fotografia malata, colonna sonora inquietante e un finale amarissimo e cattivissimo, che è rimasto nella storia delle serie tv e nel mio cuore, giustamente.

Nell'ultima notte di lavoro, prima della pensione, l'assistente capo di polizia di Stato Franco Amore, dovrà risolvere l'ultimo caso prima di mettere la parola fine alla sua carriera. Torbidi misteri, complotti e tradimenti che si muovono in una Milano buia e ostile, metteranno alla prova l'integrità e l'esperienza del protagonista, che sarà costretto a prendere decisioni dalle quali non potrà tornare indietro e che metteranno a rischio la sua stessa famiglia.

Uno straordinario noir italiano come non se ne vedevano da troppo tempo. Sia dal lato tecnico che artistico, L'ultima notte di Amore rappresenta una vera e propria boccata d'ossigeno, che dona linfa al cinema italiano di genere e ricorda piacevolmente i toni di Di Leo, Bava e Lenzi. Una storia al cardiopalma che il regista Di Stefano mette in scena splendidamente, sostenuta da un Pierfrancesco Favino in stato di grazia.

Un film da non perdere, assolutamente in sala, mi raccomando! L'ultima notte di Amore è una storia che non si dimentica e spiazza in più di una scena, nella quale l'atmosfera circonda il pubblico e lo fa emozionare incondizionatamente, facendolo temere assieme al protagonista.

Reduce dalla 95 edizione degli Oscar, non potevo non iniziare la settimana podcast con la pellicola che ha fatto incetta di statuette, aggiudicandosi i riconoscimenti più importanti tra i quali miglior film e miglior regia.

Non ho amato particolarmente questo film, l'ho già detto più di una volta e lo dirò anche nella recensione. E' pur vero che non ho nemmeno intenzione di puntare il dito con odio incondizionato ed esagerato come hanno fatto in molti, a proposito di Everything... Personalmente, l'ho trovato troppo lungo, poco equilibrato e con recitazioni nella norma, se escludiamo quella di Jamie Lee Curtis, anche lei vincitrice dell'Oscar, che è stata davvero fenomenale.

Tuttavia, pur essendo abbastanza stanco di questa faccenda multiversale e dando in parte la colpa a Feige e soci per avermi ammorbato le palle in tal senso, riconosco la valenza di questa pellicola che in ogni caso intrattiene e rappresenta una evoluzione per il cinema di genere. Lo riguarderò sicuramente in sala e spero di cambiare idea su molte cose dette in questa puntata, ma se anche non fosse così, sono contento per i Daniels e per chi ha lavorato a questa pellicola, rimarcando il fatto che, proprio perché così divisiva, sia anche estremamente interessante per gli spunti di discussione che offre e i diversi punti di vista e opinioni che sono nate ovunque, ma che non devono mai essere rabbiose senza motivo.

Charles Shyer dirige il rischioso remake del film omonino con un gigantesco Spencer Tracy, dando il ruolo del protagonista ad un azzeccatissimo Steve Martin, attore che stradoro!

Questo Il padre della sposa funziona benché sia di tono molto più leggero dell'originale, ma gli attori sono tutti in parte e la coppia Martin/Keaton funziona a meraviglia. Una pellicola dove si ride senza alcuna volgarità e dove non mancano momenti di profonda tenerezza. Un film nel quale l'amore da generazione a generazione non è mai trattato banalmente e nel quale il matrimonio, con relativi preparativi è descritto con intelligente ironia.

Un gradevole commedia per tutta la famiglia, molto più intelligente di quanto non possa apparire in prima battuta. Carino anche il seguito, seppur non all'altezza del primo capitolo.

Il giovane e spocchioso Tyler, assieme all'accompagnatrice Margot ed un piccolo gruppo di selezionatissimi ricconi snob, vengono invitati per una raffinata cena su un isola nella quale ha sede il prestigioso ristorante dello chef Julian Slowik, famoso per tentare di raggiungere la perfezione in ogni sua portata.

Mentre i clienti gustano le elaborate portate presentate loro in quello che sarà forse il menu perfetto, qualcosa di sempre più inquietante serpeggia nel clima della serata, fino a quando i commensali non si renderanno conto che il lauto e originale pasto sarà, forse, l'ultimo delle loro vite.

The Menu non è solamente un ottimo thriller di alta classe che contiene momenti di pura tensione costruiti in modo impeccabile, ma è anche lo spaccato di una società dedita all'estetica a tutti i costi, alla frivolezza e all'arte commercializzata e snaturata. Messaggi che non solo mettono alla berlina il modo di oggi di fare e mettere in scena la cucina, ma che si possono applicare praticamente a tutti i settori artistici e lavorativi.

Bravissimo il cast, guidato da un istrionico e gigantesco Ralph Fiennes, The Menu è una pellicola che cattura e sorprende dall'inizio alla fine, accompagnato dal vigoroso battito di mani dello chef e da un'ottima colonna sonora, composta e diretta da Colin Stetson. Da non perdere, su Disney Plus.

Stanlio e Ollio giungono in Italia, decisi a ritirarsi a vita privata e godendosi i sudati risparmi di tutta una vita. Vengono però rapinati da alcuni banditi di strada, che li lasceranno completamente a secco. I nostri, si imbatteranno poi nel famigerato Fra Diavolo, brigante eccellente e terrore dei ricchi dei dintorni, che li costringerà a lavorare per lui, al fine di portare a termine un furto ai danni di un ricco signorotto, che alloggia assieme alla moglie in una locanda nella quale si terrà a breve un matrimonio combinato. Inutile dire che i nostri ne combineranno di tutti i colori.

Tra le pellicole più citate e più note del duo comico Laurel e Hardy, Fra Diavolo è una vera e propria ossigenata per tutti gli amanti del cinema "Old Style", da cui ancora tantissimi attingono e si ispirano. Spassoso, irriverente e ottimamente messo in scena (tratto da una pièce teatrale omonima), Fra Diavolo è un film irrinunciabile per qualsiasi amante della coppia comica che ha gettato le basi per la risata più genuina e sincera che il mondo possa ricordare.

Un film che scivola via in maniera spensierata, per il quale meritano tantissimo anche i momenti cantati, nella versione italiana, dal tenore Tito Gobbi (Beniamino Gigli nella prima edizione nostrana).

Nel sottobosco torbido e corrotto della Hollywood degli anni 50, alcuni poliziotti cercano di portare alla luce i legami tra malavita e politica, mentre qualcuno trama nell'ombra.

Per il sottoscritto, Curtis Hanson realizza uno dei noir più belli e potenti degli ultimi vent'anni, omaggiando il genere e prendendo ispirazione da capolavori della vecchia Hollywood. Una ricostruzione minuziosa e perfetta dell'America di quell'epoca, mentre un cast all star coinvolge lo spettatore in un turbinio di sesso, droga, potere e corruzione. Kim Basinger splendida come sempre (e Oscar meritatissimo, insieme a quello della sceneggiatura non originale), nei panni della sosia di Veronica Lake, contesa da un rigoroso Guy Pierce ed un violento ma leale Russell Crowe. Un film ricco di sorprese e momenti di tensione, fatto anche da dialoghi incalzanti, nei quali ammiriamo anche un Danny De Vito in un ruolo insolito e negativo.

Un film che non può mancare nella collezione di qualsiasi appassionato di cinema. Una vera e propria lezione di alta qualità della Settima Arte, con la colonna sonora indimenticabile di Jerry Goldsmith e la ricostruzione dei tragici avvenimenti del Natale di sangue del 1951, narrati anche nel romanzo di Ellroy da cui è stato tratto il film. Imperdibile, così come non dimenticherete facilmente il nome Rollo Tomasi.

Dopo un incidente durante un trasporto, due detenuti ammanettati fra loro riescono a fuggire, tentando il tutto per tutto pur di riguadagnare la libertà, ma dalla salvezza li separa una strada difficile e fangosa e soprattutto la diffidenza, l'ostilità e il razzismo.

Mentre lo sceriffo ed una nutrita squadra danno loro la caccia, i due fuggiaschi inizieranno a conoscersi e, dalla semplice collaborazione, scaturirà il rispetto reciproco, la conoscenza di due vite sfortunate e forse un'amicizia. Tony Curtis e Sidney Poitier danno vita a due personaggi memorabili e complessi, in una pellicola "carceraria" che contiene molto di più al suo interno e che in pochi ricordano. Stanley Kramer dirige i due attori in uno splendido bianco e nero e ricorda allo spettatore come diversi possa significare anche simili, ma soprattutto come l'amicizia non conosca razza o colore della pelle.

Muscolare, drammatico e con un profondo senso di libertà e paura di sognare al suo interno, La parete di fango è un titolo della vecchia Hollywood che merita assolutamente di essere recuperato.

Nella sua ultima opera, Aronofsky racconta la storia di Charlie, professore universitario di corsi online che, affetto da sovrappeso desidera ricostruire il difficile rapporto con la figlia Ellie, che ha abbandonato per seguire i propri sogni d'amore.

Una settimana che sarà la più decisiva nella vita di un uomo che ha sofferto tantissimo.

Dio, l'amore, la famiglia, omosessualità e tantissimo altro, per una pellicola che sicuramente dividerà pubblico e critica, interpretata da un gigantesco Brendan Fraser e da un contorno di caratteristi altrettanto memorabili. Aronofsky ci regala, ancora una volta, il suo cinema...elevandosi, spiazzando e lasciando ben più di una semplice visione, dopo i titoli di coda.

Appuntamento special delle Recensioni CaRfatiche che, come accade ogni tanto, vede la partecipazione di un ospite gradito, che interagisce direttamente nella recensione della pellicola proposta dal sottoscritto.

Questa volta, ho il piacere di scambiare quattro chiacchiere con Simone Hebara, regista del bello e sorprendente Cattivo Sangue, lungometraggio d'esordio del giovane regista romano. Una storia di amicizia, mafia e vendetta semplice, eppure raccontata e messa in scena con professionalità, estro e realtà, mostrando una capitale decadente, sporca, quasi distopica, nella quale i personaggi si muovono come anime perse, cercando una redenzione ed una giustizia che forse non raggiungeranno mai.

Ottimo dal punto di vista tecnico e con una fotografia davvero degna di nota, Hebara racconta la genesi di questa pellicola, le difficoltà e gli aneddoti della sua avventura, evidenziando un approccio con il genere noir che poco ha da invidiare con grandiose pellicole americane, dalle quali Cattivo Sangue trae evidente ispirazione, senza però mai snaturare una propria identità di cinema di genere italiano indipendente che rinasce.

Grazie anche per il brano della colonna sonora originale che chiude questa puntata, concessomi gentilmente dal regista.