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Con la consecución del trabajo de debut de Nick Van Dyk y su proyecto Redemption,  se vio cumplido un auténtico sueño. Sin embargo los acontecimientos se precipitaron, y las aptitudes musicales del guitarrista/teclista no fueron pasadas por alto. Dos años después de aquello, el proyecto Redemption quedó instaurado definitivamente como banda, ya sin tanta colaboración eventual, pero con la garantía de que un cantante como Ray Alder decidiera considerarlo como grupo paralelo al margen de sus Fates Warning.

“The Fullness Of Time” fue el segundo trabajo de Redemption y la prueba de ser una de las opciones más convincentes del subgénero metal progresivo al que pertenece. Con ese disco Nick Van Dyk repitió hazaña, ganándose su propio lugar en las escena, solo a base de talento,  desde su posición de humilde músico semi-desconocido de la que había partido en su primer álbum. Un trabajo sin desperdicio, repleto de progresividad y metal técnico a partes iguales; respaldado por músicos como su entonces inseparable Bernie Versailles a la guitarra, quien resultó fundamental en aquellos primeros años de la banda… Se cumplen en estos días veinte años desde la edición de “The Fullness Of Time”, el segundo disco de Redemption…

Desde que Ray Alder colaborara con Redemption en su primer disco, el cantante americano afincado en Madrid, ha tenido en muy buena estima a Nick Van Dyk. Tanto es así que lo ha recomendado para que forme parte del proyecto A-Z, ese combo puntual que el batería ex de Fates Warning, Mark Zonder, formara junto con su ex compañero en los Warning, Ray Alder.

Zonder siempre ha sido, además de un excelente batería, un tipo inquieto. Con A-Z quería enfocarse en un estilo de música alejada del aura progresivo que suele acompañar a ambos músicos. Se trataba de hacer canciones intensas y con un nivel técnico a gran altura, pero lejos de los vericuetos más distantes y menos accesibles de la música progresiva. «A2Z 2» es el título de su nueva entrega, continuando lo ya iniciado hace tres años. La base del grupo es la misma, con Zonder y Alder comandando las operaciones. También repite Philip Bynoe de Steve Vai, y para la ocasión se incorporan Jimmy Waldo (Alcatrazz) a los teclados, y Simone Mularoni (DGM) y el mencionado Nick Van Dyk a las guitarras. Una formación de lujo para dar vida a estos temas de metal melódico y elegante, con su toque prog, todo con la denominación de origen «Estados Unidos de América». Una manera de hacer las cosas que es ya prácticamente una especie en extinción en el país norteamericano…

(Esta semana en Rocktopia: Redemption, A-Z, Michael Wilton – WHIP, Dug Pinnick, Gösta Berlings Saga, Katatonia, Woodhawk e Inglorious)

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Conception fueron, y aún son de alguna forma, una banda maldita dentro de la escena europea. Uno de esos grupos aparecidos en el momento erróneo, y cuya categoría no logró derribar las barreras de las modas. El combo fue formado por caracteres tan brillantes como Tore Ostby a la guitarra y Roy Khantatat a la voz . Durante los difíciles años noventa pusieron en marcha esta banda que coqueteaba con el metal melódico y técnico de contornos progresivos. Mala propuesta para una época en la que el metal agresivo o corrosivo era lo que imperaba en todo el mundo. A pesar de ello su crecimiento gradual trajo como consecuencia su disco de 1997, un trabajo llamado “Flow” con el que Conception terminaron de afinar su estilo y crear su propia manera de hacer metal distinguido. Guitarras tecnificadas, producción cristalina pero sólida y la diferencial voz de Roy Khan al servicio de composiciones de elegancia, sofisticación y hasta comercialidad…

Con el paso de los años, Roy Khan ha prestado su voz para otros proyectos como Avantasia o Epica. La última de sus colaboraciones externas es la que ha llevado a cabo junto a los brasileños Maestrick. Su nuevo disco es magnífico, se llama «Espresso Della Vita: Lunare» y es el segundo de una dulogía que comenzó con su anterior larga duración.

La carrera de Maestrick se inicia en Sao Paulo hace más de 20 años. Cuatro EPs y tres álbumes larga duración completan su discografía. Su pasión por las bandas sonoras, por la música sinfónica y por el heavy metal se materializan en este fantástico despliegue de potencia, teatralidad y capacidad musical bastante impresionante, a la que incorporan toques de folclore carioca y una producción a la altura de las circunstancias. Maestrick están muy interesados, además, por la cultura italiana. Por eso este disco conceptual sitúa su onda argumental en parámetros cercanos a los de la Divina Comedia de Dante. Colaboraciones de Tom Englund de Evergrey, el citado Roy Khan de Conception o Jim Gray de Caligula’s Horse…

(Esta semana en Rocktopia: CONCEPTION, MAESTRICK, THE MAN-EATING TREE, BATTLE BEAST, RAFFAELLO INDRI, TERAMAZE, PARADIGM BLUE y MAGIC PIE)

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Hoy comenzamos hablando de Hasse Froberg, ese guitarrista y cantante que ha acompañado a Roine Stolt durante la extensa trayectoria de The Flower Kings. Con tan solo veinte años, Froberg ya era el vocalista y compositor de una banda con la que grabaría un par de discos bajo el nombre de Spellbound. Eran mitad de los 80s y Spellbound, ataviados de manera similar a como se hacía en la escena angelina de la época, mezclaban esas esencias con otras europeas al estilo de Pretty Maids. Tras la escasa repercusión de Spellbound, Hasse Froberg giró con unos setenteros cómicos llamados Highway Star, hasta que sobre el año 1993 decidió montar su propia banda. El grupo se llamaría Solid Blue y su propuesta no tenía nada que ver con el hard and heavy de sus inicios. En su único disco editado, Froberg y su banda desempolvaban las esencias del blues y el rock más terrenal, y lo hacían de una manera muy ligera, claramente orientada hacia al pop. Las influencias de los Led Zeppelin más folk estaban presentes, al igual que otras de aquella época, del classic rock que Froberg siempre adoró. Habían pasado diez años desde su disco de debut. La forma de cantar de Hasse alcanzó la madurez y la de componer su música, también. «Volume III» fue el único disco editado por Solid Blue…

Al poco tiempo de editar este disco, Hasse Froberg comenzó a colaborar con Roine Stolt, e inmediatamente se convirtió en su mano derecha durante la extensa carrera de The Flower Kings. La participación de Hasse en The Flower Kings comenzó en 1994 cuando Roine Stolt lo invitó a cantar un par de temas en su álbum en solitario «The Flower King», el cual se convirtió en la semilla de la que brotó la banda que hoy está de actualidad por la edición de su decimoséptimo disco de estudio, un álbum que lleva el pacificador título de «Love». La paz sinfónica y progresiva de la banda sueca, predicando mensajes, llamando a la concordia en este mundo tan convulso. Las melodías sedosas, la épica relajada, los toques jazz, los arreglos vocales a varias voces, la producción cálida y cercana, todos esos atributos de prácticamente cada disco de The Flower Kings están presentes de nuevo en «Love», así que, gran parte del éxito descansa en la inspiración que ha provocado la concepción de estas nuevas canciones. Y el veredicto es positivo para todo aquel que quiera detenerse durante los setenta minutos de duración de este trabajo, una vez más concienzudo, pero también emocional…

(Esta semana en Rocktopia: SOLID BLUE, THE FLOWER KINGS, HAKEN, AMPLIFIER, STEVE DADAIAN, GIANT, HAREM SCAREM y W.E.T.)

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Días extraños en la vida de una banda como Genesis. En un par de años se produjo la salida de su cantante y fundador, Peter Gabriel, y la del guitarrista Steve Hackett, cuya participación fue fundamental para desarrollar el concepto creativo del grupo en sus primeros años. En el verano de 1977, Hackett anunciaba a sus compañeros que abandonaba a la banda. Apenas dos meses después, el segundo disco en directo de Genesis veía la luz con un título como «Seconds Out» (segundos fuera), que algunos pensaron que podía tener varias lecturas y hasta un mensaje para sus ya ex compañeros huidos. Lo cierto es que este doble disco, editado a mediados de octubre de 1977, se convirtió, casi de inmediato, en un favorito para los fans de la banda. El trabajo reflejaba mucho de lo que había acontecido durante la gira de presentación de «Wind And Whutering»; fue el primer disco  con el baterista de gira Chester Thompson y el último con Steve Hackett. La mayor parte se grabó en junio de 1977 en el Palacio de Deportes de París. El disco mejoraba en muchos casos las versiones en estudio de estas mismas canciones, que fueron aderezadas por algunas re-grabaciones posteriores en estudio por parte de Phil Collins, quien hizo ciertos retoques a su voz. Al final, «Seconds Out» quedó como un testimonio indeleble de una encarnación de Genesis, cuyo fugaz periplo daría canciones de gran valía…

Aquellos años como músico de directo con Genesis fueron una fenomenal manera de popularizar sus capacidades para el batería Chester Thompson, siendo miembro de la banda de Carlos Santana o Frank Zappa entre muchos otros. Sus últimas andanzas son las que protagoniza en estos días con el proyecto Cosmic Cathedral, un ambicioso combo en el que participa junto a Neal Morse. Su álbum debut, se titula «Deep Water» y, al parecer, se creó principalmente a partir de sesiones de improvisación, dando como resultado lo que Neal Morse llama «una fusión de progresivo, AOR-west coast y The Beatles»…

(Esta semana en Rocktopia: GENESIS, COSMIC CATHEDRAL, BENTHOS, O.R.k., ANDY TIMMONS, SIGN OF THE WOLF, MANTRIC MOMENTUM y GINEVRA)

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La escena musical de los años 90, la del éxito y las multiventas,  estaba siendo liderada mayormente por grupos venidos desde los Estados Unidos. Se trataba de bandas de Rock alternativo, industrial o relacionadas con el nu-metal. Mientras tanto, en Europa, una respuesta de rebeldía surcaba el continente a un nivel muy residual, pero que poco a poco fue haciendo mella. Eran distintos estilos que disentían de aquellas normas y se desmarcaban hacia diferentes territorios. Uno de esos tímidos pero sólidos movimientos, fue el del metal gótico y sinfónico venido desde Países Bajos. Bandas como The Gathering o Within Temptation se tornaron en abanderados de una propuesta en la que las voces femeninas operísticas se fundían con orquestaciones sinfónicas e instrumentaciones de metal épico. Con esa idea surgieron también los holandeses After Forever.

A finales de 2001, parecían ya estrellas en ascenso, dentro de esa dinámica escena del metal holandés. Su segundo álbum, titulado «Decipher», había recibido críticas muy positivas y su nombre era ya bien conocido en la escena underground europea. Destacaban  las notables capacidades de los jóvenes miembros de la banda y, en particular, la espectacular voz de Floor Jansen que contrastaba con las voces guturales de Mark Jansen.  Después de los arreglos sintetizados del disco de debut, «Decipher» incluía por fin instrumentos clásicos y un coro real, que pusieron a After Forever en el mapa europeo como nuevos estandartes del metal sinfónico…

En contraste con lo que parecía la base de un futuro brillante, las relaciones musicales dentro de After Forever  no eran tan idílicas como podían adivinarse. Al poco tiempo de la edición de «Decipher», el miembro fundador del grupo, Mark Jansen, abandonaba la formación con cierta polémica, esgrimiendo como razón las consabidas diferencias musicales. Jansen no se durmió en los laureles y al poco tiempo ya había creado una nueva banda a la que llamó Epica. El destino ha querido que Epica hayan sobrevivido como banda mucho más tiempo del que perduraron After Forever. En estos días se pone a la venta su nuevo y noveno disco de estudio, el cual lleva por nombre «Aspiral».

Epica han pasado de ser una especie de banda secuela a erigirse como representantes con galones de mando de aquella escena neerlandesa de los noventa que aún hoy pervive con ellos, junto a Within Temptation o Delain, por nombrar otros ejemplos. El tiempo ha hecho que Mark Jansen y los suyos cuenten ahora con todas las facilidades de la técnica, para que discos como «Aspiral» suene contundente, épico y bombástico, como debe ser y, por supuesto, con el torrente de voz de la imponente Simone Simons, alrededor de la cual gravita todo. La quitaesencia del sinfometal vive ahora en Epica…

(Esta semana en Rocktopia: AFTER FOREVER, EPICA, LAURENNE/LOUHIMO, LABYRINTH, CICONIA, TIBERIUS, IQ y GHOST OF THE MACHINE)

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La extensísima carrera de Deep Purple se prolonga, nada menos, que a lo largo de siete décadas. Pocas bandas en activo pueden decir lo mismo, además, habiendo llegado hasta nuestros días en un envidiable estado creativo de salud. La leyenda británica, a lo largo de estos casi sesenta años de historia, ha ido pasando por diferentes versiones del grupo, a las cuales ha llamado «marks», sobreviviendo a todos ellas con sorprendente fortaleza.

El año 2002 supuso el inicio del llamado «Mark VIII» de Deep Purple. Después de algunos problemas de salud y mucho a su pesar, Jon Lord se echaba amigablemente a un lado, para que sus compinches continuaran con el ilustre legado de la banda. La elección natural para sustituirle no fue otro más que Don Airey. Era lo más lógico y lo menos traumático. Airey ya había sido su puntual recambio en alguna ocasión, y colega de otros miembros del grupo, como Roger Glover, con quien había coincidido en Rainbow, o como Ian Paice, con quien había coincidido tocando junto a Gary Moore.

El primer disco de Deep Purple con Don Airey como teclista llevaba el extraño título de «Bananas», además presentado tras la que probablemente es una de las portadas más feas de la historia del Rock. Afortunadamente su interior no iba de la mano de su envoltorio, «Bananas» resultó ser un refrescante set de canciones, más ligero y más clásico que su  anterior disco (aquel llamado «Abandon»). Todavía Jon Lord colaboraba con sus últimas composiciones, mientras Don Airey se estrenaba con sus nuevas aportaciones. El disco marcó la pauta estilística de lo que fueron sus trabajos venideros y también recordaba a tiempos pasados…

Don Airey pasa por ser uno de los más colaborativos teclistas del planeta Rock. Alguien que ha tocado junto a Rainbow, Whitesnake, Ozzy Osbourne, Gary Moore o Michael Schenker, entre otros… A pesar de su ingreso en una banda tan absorbente como Deep Purple, Airey, desde hace unos años, ha querido encontrar hueco para continuar con otra de sus pasiones: su carrera en solitario. Y ahí es donde entra en juego «Pushed To The Edge», su nuevo disco en solitario. Si las cuentas no me fallan, este es su séptimo trabajo bajo su solo nombre. De nuevo, algunas de estas canciones podrían encajar en el universo Purple, pero otras quizás, son demasiado impetuosas o progresivas. El caso es que Don Airey prefiere no dar explicaciones a nadie y se lanza en pos de otra máster class de hard rock clásico, salpicado de blues y sinfonismo rockero. Un magnífico ejemplo de lo que es un músico veterano de cuya mente aún brotan excelentes ideas, las cuales son convertidas en realidad musical con la ayuda, entre otros, de su actual colega en Deep Purple, el guitarrista Simon McBride o del cantante de Nazareth, Carl Sentance…

(Esta semana en Rocktopia: DEEP PURPLE, DON AIREY, SIMON McBRIDE, ALLIANCE, SOMETIME IN FEBRUARY, DEREV, JASON BIELER AND THE BARON VON BIELSKI ORCHESTRA y EVERON)

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La edición de hoy de Rocktopia la abrimos con un álbum importante para la banda que lo creó, una de esas obras que no deja indiferente a nadie: ni a los fans, ni a la crítica. Muchos de sus seguidores repudiaron la dirección musical del disco, otros lo trataron de obra maestra, mientras la mayoría de revistas especializadas lo consideró uno de los lanzamientos más destacados del año. Del año 2009, porque el 24 de marzo (es decir, ahora se cumplen dieciséis años), se editaba «Crack The Skye», el cuarto disco de los americanos Mastodon.

La banda de Atlanta, siempre inclinada hacia los discos conceptuales de temática muy profunda, hacía confluir las teorías sobre los viajes astrales, con la devastación psicológica sufrida por el batería Brann Dailor, cuando su hermana de tan solo catorce años se quitó la vida. «Crack The Skye», titulado así en honor a ella (llamada Skye), se convirtió en un punto de ruptura para Mastodon. Durante la grabación del disco se inspiraron en LPs de clásicos como King Crimson o Pink Floyd. Ese acercamiento al género progresivo fue abrazado por gran parte de sus leales seguidores, aunque no todos lo comprendieron, pese a que «Crack The Skye», para cualquier objetivo oyente, seguía siendo un álbum crudo, denso y con pasajes de riguroso metal.

El tiempo les dio la razón y, hoy en día, este disco es generalmente considerado como uno de los dos o tres mejores de su discografía. Un trabajo tan exigente como emotivo…

Mastodon están de actualidad por la reciente y sorpresiva baja de su guitarrista y cantante, Brent Hinds, y porque la banda ha anunciado una espectacular gira americana de primavera con otros dos grupos que completan el cartel: nada menos que Periphery y nuestros próximos invitados, los también americanos Coheed And Cambria.

La banda de Claudio Sánchez, después de una serie de discos buenos pero no estelares, se destapa este año con la edición de «The Father Of Make Believe» el tercer volumen de su saga conceptual, como es habitual de ciencia ficción, que comenzara hace unos años con el nombre de «Vaxis». Así pues «Vaxis III: The Father Of Make Believe» no significa ningún momento de inflexión para Coheed And Cambria, porque los elementos del grupo de Nueva York siguen siendo los mismos de siempre. Hace más de veinte años que ellos hicieron algo de lo que pocos pueden presumir: crear un estilo distintivo y propio. Por eso se aferran a él contra viento y marea, porque es variado y transversal, facilitando la incorporación de fundamentos que toman prestados del prog, del post-hardcore, del rock alternativo y por supuesto del pop. Al final, con ese arsenal de recursos a sus espaldas, la clave en Coheed And Cambria estriba básicamente en la inspiración, y este «Vaxis III: The Father Of Make Believe» pasa por ser uno de sus lanzamientos más inspirados, yo diría, que de las últimas dos décadas…

(Esta semana en Rocktopia: MASTODON, COHEED AND CAMBRIA, TIKTAALIKA, STEVEN WILSON, TUMBLEWEED DEALER, MALABRIEGA, SCORPION CHILD y SANDVEISS)

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The Flower Kings se convirtieron, casi sin quererlo, en banda en toda la extensión de la palabra en el año 1994. En realidad todo había sido la consecuencia de la carrera en solitario de su líder, Roine Stolt. Tras unos inicios un tanto dubitativos -sobre todo en cuanto a cómo enfocar la idiosincrasia y objetivos del grupo-, un álbum en directo marcaría, como tantas otras veces, la primera meta volante del combo sueco. Lo siguiente sería la consecución de un disco como «Space Revolver», el cual se publicaría en el verano del año 2.000. Para este trabajo, la filosofía del grupo cambió apreciablemente, recortando la duración de las canciones; intentando hacerlas más digeribles, con un factor pop más evidente. El espíritu del The Beatles revoloteaba más que nunca entrelazado con las directrices de rock sinfónico innegociables en The Flower Kings. “Space Revolver” fue el primer disco en el que participó Jonas Reingold como bajista del grupo. Su complicidad con el batería Jaime Salazar, a quien ya conocía de antes, fue uno de los puntos álgidos del nuevo reinado de los ‘Kings…

Jonas Reingold ya era un instrumentista muy experimentado cuando recibió la llamada de Roine Stolt para ingresar en el grupo, sin embargo, aquella fue la presentación en sociedad de Reingold como bajista militante de la escena progresiva, después de su activa presencia en grupos de heavy melódico, neoclásico y sinfónico. Con el paso de los años, Reingold  se ha consolidado como músico de prestigio en bandas como la de Steve Hackett, Kaipa o The Tangent. Pero cuando encuentra tiempo también se dedica a su propio proyecto, prácticamente en solitario, el cual fundó bautizándolo con el nombre de Karmakanic. La primera versiónde Karmakanic incorporaba a gente como Goran Edman como miembro fijo del grupo. Sin embargo, hoy en día Karmakanic es un contenedor de colaboradores, como se atestigua en su nuevo disco «Transmutation». Han pasado nueve años desde su anterior entrega discográfica. En este espacio de tiempo, personajes como el británico John Mitchel han alargado su figura en la escena progresiva. Él es el catalizador de la mayoría de los temas de «Transmutation». Su impronta está más que patente, haciendo que Karmakanic puedan sonar casi inevitablemente a Lonely Robot o Frost, proyectos los cuales también tienen su característica firma; aunque aquí, esa suerte de neo-prog moderno se funde con los contornos escandinavos de Jonas Reingold, los cuales evocan universos a lo The Flower Kings o Kaipa…

(Esta semana en Rocktopia: THE FLOWER KINGS, KARMAKANIC, AVATARIUM, JETHRO TULL, ROD RODRIGUES, LACUNA COIL, DAYS OF JUPITER y DYNAZTY)

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Ryo Okumoto nació en Osaka (Japón). Ya pisaba los escenarios de su ciudad con tan solo quince años de edad. La carrera de Okumoto fue tan rápida como los dedos tocando sobre sus teclados. Al poco tiempo ya estaba grabando y acompañando a nombres tan populares en aquella época como Kitaro. En 1980 comenzó su carrera en solitario. En el transcurso de aquel año editaría nada menos que tres álbumes. El primero en una onda similar a la de Jean Michel Jarre o Vangelis, mientras los dos siguientes coquetearon con la fusión y los aires más ligeros de bandas como Toto.

Ryo dejó Japón y consiguió localizar su vida en Los Ángeles. Tocó al lado de Phil Collins, Eric Clapton, Aretha Franklin o Eric Burdon, llamando la atención de sus vecinos músicos. Así que, en 1994 ingresaría en la banda californiana de neo-prog Rock, Spock’s Beard, con la que se afianzó como miembro estable de una banda, lo que no le impidió retomar su discografía en solitario en 2002, con la consecución de su cuarto LP oficial, al cual tituló «Coming Through». Algunos viejos amigos con los que había tocado en el pasado como Steve Lukather o Simpon Phillips aparecían en este álbum, y también el resto de sus compañeros de Spock’s Beard le echaron una mano, además de contar con las voces mágicas de Glenn Hughes o Bobby Kimball, que redondeaban este trabajo semi instrumental…

El bajo preponderante en alguna canción de ese «Coming Through» fue servido cortesía de un bajista excelente como Dave Meros. Compañero en Spock’s Beard de Ryo Okumoto y también actual de esa banda paralela a ellos llamada Pattern-Seeking Animals.

Pattern-Seeking Animals se formaron prácticamente a raíz de la escasa actividad de su banda nodriza, Spock’s Beard. En su alineación podemos encontrar al propio Dave Meros como bajista; al vocalista actual de los ‘Beard, Ted Leonard; al que fuera también su batería, Jimmy Keegan y a uno de sus compositores, John Boegehold. «Friend Of All Creatures» es el nombre de su nuevo disco. La línea de Pattern-Seeking Animals es similar a la de su banda madrastra, aunque los Animals se concibieron desde un punto de vista aún más lírico, más sinfónico y menos rockero, además de la innegociable categoría musical, que se da por garantizada. Cinco discos en seis años de existencia hablan del nivel creativo de Pattern-Seeking Animals… 

(Esta semana en Rocktopia: RYO OKUMOTO, PATTERN-SEEKING ANIMALS, THE NIGHT FLIGHT ORCHESTRA, THE HELLACOPTERS, BUMBLEFOOT, MAITREYA, HANGMAN’S CHAIR y DAWN OF SOLACE)

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Septiembre de 2010 marcó el momento en el que Mike Portnoy anunció su salida de Dream Theater. Las visiones contrapuestas sobre cómo afrontar el devenir de la banda hicieron que el batería y fundador del grupo saliese a respirar nuevos aires y a dedicarse a otras aventuras para las que, de repente, se encontraba disponible, además de la multitud de proyectos que, ya por entonces, tenía entre manos.

Entre las cosas que Portnoy echaba de menos, estaba el aroma de los clubes, de los pequeños escenarios y también la adrenalina de la música más potente. Esas fueron algunas de las pautas que siguió cuando se unió al vocalista de Symphony-X, Russell Allen, y se formó Adrenaline Mob. Un combo que, a pesar del tirón de ambos músicos, nació sin excesivas aspiraciones comerciales. Prueba de ello sería la consecución de su carta de presentación discográfica en forma de E.P. autoeditado, sin el apoyo de una compañía de discos. Se trataba de cinco canciones en las que el grupo se lanzaba a por todas, con un tipo de heavy rock muy groovero y muy contundente, con las sobresalientes interpretaciones de ambos músicos que eran, evidentemente, el centro de atención.

En el verano de 2011 se editaban las primeras grabaciones de Mike Portnoy como exmiembro de Dream Theater… Ese primer E.P. homónimo de Adrenaline Mob sonaba como un cañón en canciones como «Believe Me»…

Del primer disco que grabó Mike Portnoy tras su salida de Dream Theater, al nuevo álbum de la banda con el retorno de su carismático batería. Después de quince años, Dream Theater vuelven a contar con el talento y la personalidad de uno de los ideólogos y fundadores del grupo más grande de metal progresivo que jamás haya existido. «Parasomnia» se edita en estos días, a primeros de febrero, pero es desde ya uno de los discos del año 2025, por su calidad y por las circunstancias que lo rodean.

Este grupo se conformó hace cuarenta años con la guitarra de John Petrucci y la batería de Portnoy como ejes principales. La banda estaba hecha con la horma que ellos mismos fabricaron. Cuando Mike Portnoy salió del grupo, ese hueco se hizo irrellenable. Su sustituto, Mike Mangini, desarrolló un trabajo sensacional, pero éste grupo sólo se adapta por completo al molde de Mike Portnoy, con su musicalidad y virtuosismo tras el kit de batería.

En cuanto al disco en sí: como una pareja en pleno proceso de reconciliación, Mike Portnoy y el resto de Dream Theater prefieren transitar por los mismos lugares ya visitados y que les garantizan buenas sensaciones, antes que arriesgar con nuevas experiencias. Prefieren la seguridad del recuerdo agradable antes que la posibilidad de que se rompa una relación musical recién recuperada. Y eso es seguramente lo que les hacía falta a ellos y lo que es también más fiable  para la legión de fans que llevaba esperando este momento tantos años. Una decisión inteligente, como casi todas las que toman Dream Theater, pero también una decisión artísticamente acertada, porque «Parasomnia» se muestra como una obra inspirada y hasta majestuosa en muchos momentos, amparada por esa zona de confort que la banda construye para sus fans y por supuesto, para ellos mismos. Evidentemente no es uno de los dos o tres mejores discos de la banda de Nueva York, pero sí una notable obra que no desentona en el seno de su imponente discografía. Con un Jordan Rudess bastante comedido en muchas fases del disco, con la producción de John Petrucci y la excepcional mezcla del mago Andy Sneap para redondear un magnífico diseño sonoro…

(Esta semana en Rocktopia: ADRENALINE MOB, DREAM THEATER, RIVERSIDE, G3: SATRIANI-VAI-JOHNSON, MARKO HIETALA, MAJESTICA y THE FERRYMEN)