Arraigada desde sus inicios, la bossa nova tuvo en Tokio y

alrededores un desarrollo fecundo en bandas y fans. Algunas de esas bandas

estaban formadas por músicos de jazz que desarrollarían una carrera propia y

tocarían la fama y el culto. Así quedaron piezas magistrales que hoy, nuestro

amigo DJ Turmix, autentico especialista en mezclas latinas y funk, trae en

forma de playlist sorprendente. Maestros del bajo como Yoshio Suzuki e Hisao

Oma "Isao" Suzuki nos muestran el secreto del Brazil Sound by Japan.

Dj Turmix es Carlos Vera, uno de los DJs más reconocidos de

la escena del boogaloo y el latin soul en Nueva York.

La influencia de Nat King Cole ha alcanzado todos los

géneros y estilos de la música popular. La más evidente es la del jazz, por

supuesto, pero mostrada en esta playlist desde el punto de vista de pianistas

modernos como Diana Krall o de voces corales como Manhattan Transfer. Luego

está el soul & blues con la enorme presencia de Marvin Gaye, y el salto al

india-rock con Adam Green. Hay creaciones afrocubanas, como no, al estilo del

Willie Rosario de los años 60 o de David Murray ya en el Siglo XX. Y no puede

faltar la electrónica, sea latin o sea lounge, sea remix o sea revival in

bossa. Para todos los gustos.

Latinos de alma y corazón. La música italiana de las décadas

del 60, 70 y 80 estuvo caracterizada por un fuerte arraigo melódico. Sin

embargo, esto no fue impedimento para que artistas como Lucio Battisti, Gianni

Morandi, Gigliola Cinquetti, Pino D'Angio, entre otros, exploraran otras

conexiones y posibilidades para sus canciones. En el caso de Battisti, su

periodo del año 74 al 76 estuvo marcado por una intensa búsqueda de sonidos

latinoamericanos que nutrieran su música. Los álbumes Anima Latina y La Batteria,

Il Contrabasso, Eccetera, muestran cómo el latin jazz, la música africana y

sonidos cercanos a las armonías cubanas, podían convivir con la fuerza melódica

italiana. Gigliola Cinquetti se acercó al bolero y la música de Los Panchos con

un álbum memorable de 1968 (Gigliola Cinquetti E Il Trio Los Panchos In

Messico), colaboración que también se dio en 1994 con otro álbum histórico, que

incluyó temas como Amapola y Amar y Vivir. También hubo artistas no italianos

que decidieron darle un toque latino a melodías italianas como fue el caso de

la brasileña Rosalia De Souza.

El hombre de radio y catedrático Jacobo Celnik nos

recomienda que disfrutemos "de este viaje ecléctico por el alma latina de

la música italiana".

Mujeres aguerridas y de armas tomar. No podían ser de otra

manera aquellas rockeras que participaron en el Festival Rock y Ruedas de

Avándaro, el llamado Woodstock mexicano en 1971. Nuestra querida Tere Estrada

confecciona una playlist con estas divas, pioneras de la reivindicación

femenina y del rock & folk de México en los años 70. Y a cada diva, una

banda acompañante: Norma Valdez con Cosa Nostra, Mayita Campos con Lucifer, o

Cecilia Toussaint y Maru Enríquez con La Nopalera. Son bandas de las que poco se

sabe, pero que ahora podemos volver a escuchar. Bienvenidas las Janis Joplin,

las Tina Turner y las Patti Smith de México 70's.

Comenzamos la sesión con un ole a Diego del Gastor, al que visitaban muchos norteamericanos de la base de Morón. Santiago Lara ha grabado su cuarto álbum en el que repasa su mayores influencias. He escogido Entre Dos Aguas por el impacto social que tuvo la composición. 
Fraskito es un cantautor gitano de Elche que viene a la sesión por partida doble. Opus Caló es una composición de su disco de 2008. Y de su reciente Leche Negra es el fragmento de la bulería que abre el disco: Despertar, en el que escuchamos una guitarra de siete cuerdas. Rycardo Moreno es uno de los renovadores de las “guitarras” flamencas. Se ha hecho construir una de siete cuerdas. Rycardo es bilingüe toca flamenco y jazz mientras Sandra Carrasco entona los textos de Eduardo Galeano de El Libro de los Abrazos.
Rafael Riqueni ha grabado muchas composiciones fundamentales para la guitarra pero ninguno de sus trabajos ha alcanzado, la belleza y el magnetismo de Parque de María Luisa. Juan Habichuela Nieto es otro de los jóvenes leones del instrumento, en su segundo disco Sentimientos de mi Ser le dedica una rumba a Paco de Lucía. Diego Carrasco lo dice mejor que nadie: “Morao, qué solito me has dejao, Morao”.
Ya saben que en el flamenco los apodos se adquieren a muy temprana edad. A Moraito Chico se le ve adolescente en Rito y Geografía del Cante luciendo sonrisas y compás. David Carmona es otro joven talento que ha crecido en la escuela de Manolo Sanlúcar. Aquí le escuchamos con la voz de Estrella Morente. Pepe Justicia traslada al flamenco las Variaciones Goldberg de Johan Sebastian Bach que describe como un ejercicio de “devoción musical”. 
José María Gallardo del Rey reconoce que empezó a aprender flamenco luego en conservatorio encontró que no estaba muy lejano de la música clásica. Interpreta Adios Nonino, que compuso Astor Piazzola. El propio Paco de Lucía es el encargado de cerrar la sesión con Vámonos, que podemos definir como el desarrollo de Entre Dos Aguas, una rumba en la que se expresan los componentes de la banda, un territorio de libertad y risas. 

La música de Elkin Robinson es la música del archipiélago de San Andrés, Providencia y Santa Catalina. José Fajardo ha bautizado la selección insular como Old Providence Roots, llena de referencias al pasado reciente y a la actualidad de una isla de donde salen cangrejos, rondón y buenas noticias.

Voz autorizada como pocas para ver el transfondo de la música del Caribe urbano, Angelina Medina, líder de la web Herencia Rumbera, nos ofrece una sesión por la que desfilan colectivos e instrumentistas que se atrevieron a resaltar con fuerza los ritmos afrocubanos, fusionando con lo brasileño, boricua, afrovenezolano y afroamericano. 

Iniciamos este periplo donde lo afro es el gran protagonista con el icónico Grupo Folklórico Experimental Nuevayorquino, formado originalmente en 1974 con el nombre de Conjunto Anabacoa por los hermanos Andy y Jerry González, bastándole solo dos producciones para ofrecernos tanta riqueza y una visión distinta de la música a lo ofrecido por el movimiento salsero a mediados de los 70’s. 

Se trata de una propuesta vanguardista para la época, unificando, para tal propósito, toda la esencia afrolatina con experimentos creativos y que dieron a su vez origen, a otra notable que tampoco puede faltar: el Conjunto Libre, mostrándonos su energía, potencia y sabor en su obra prima de 1976: Con Salsa… Con Ritmo Vol 1.   
Seguimos con otra agrupación que se distinguió durante los intensos años 70 por su concepto sui-generis… OCHO de Ira J. Roberts Jr, Chico Mendoza, vibrafonista, multi-instrumentalista, compositor, arreglista y líder que desarrolló un concepto progresivo y de avanzada con este colectivo, lanzando entre 1972 a 1976, cuatro producciones que contrastaban con lo realizado por la industria musical salsera dominada por el sello Fania.   

Nos vamos a Puerto Rico, tierra que también nos dio iniciando los 80 agrupaciones con sentido de riesgo como Batacumbele y Zaperoco. Estas asumieron con toda fuerza la influencia musical cubana contemporánea, teniendo como base el songo creado de Juan Formell, mezclándolo con la MPB, el jazz y lo típico puertorriqueño, constituyéndose en una posibilidad alterna a la salsa de estilo bailable que ya primaba para ese tiempo.  

Sudamérica se hace presente con Guaco, la súper banda de Venezuela que se inició como un conjunto tradicional de gaita zuliana en los años 60 y que en el transcurso del tiempo tuvo un interesante proceso de evolución que enriqueció su propuesta musical, convirtiéndose en una constante expresión de fusión de lo latino, con otros géneros y movimientos musicales como el funk, lo afro venezolano, el rock, el jazz, el pop y claro, la salsa.  

Perú tuvo también un colectivo de concepto progresivo y arriesgado… su nombre Black Sugar, que durante los 70 propuso una musicalidad distinta a lo que se desarrollaba en tierra inca. La banda formada en 1970 por virtuosos instrumentistas, es considerada como una de las pioneras en Latinoamérica uniendo funk, afrolatino, rock y jazz.  

Cerrando esta playlist, tres gigantes de la música nos invitan a disfrutar de sus enérgicas y renovadoras propuestas: Cortijo & His Time Machine, visión futurista que tuvo Don Rafael Cortijo de los ritmos típicos de Puerto Rico. Sensacional producción de 1974 para Coco Records, que a la sazón de las anteriores, mezcla la música típica boricua con elementos de jazz, funk y MPB, alcanzando su nivel más innovador dando otro matiz a lo hecho por la salsa. Israel López Cachao también nos brindó una joya con la producción Cachao Dos (Salsoul, 1976) y que tuvo como protagonistas a los trombonistas más importantes en la historia de la Salsa: Barry Rogers y José Rodrigues. Otro exponente del toque del tambor y defensor de lo percusivo fue Carlos Patato Valdés que en toda su obra reflejó ese sentir tan afro que lo caracterizó y clara muestra de ello es esta pieza incluida en el LP Ready For Freddy (LP Ventures, 1976), teniendo como respaldo a Julito Collazo, Mario Muñoz Papaíto, Virgilio Martí y Orestes Vilató. 

Tal como iniciamos, cerramos con el segundo álbum del GFEN, Lo Dice Todo (Salsoul 1976), y la magistral y mística versión del clásico Corta El Bonche, con arreglo de total avanzada por cuenta de Bobby Paunetto, destacando en la parte vocal Willie García, solo de piano de Oscar Hernández y de timbal de Manny Oquendo (su solo es siempre digno de estudio); y en la flauta otro gigante, Don Gonzalo Fernández. Una obra maestra. 

Década del 70, en Nueva York la salsa se consolidaba como gran movimiento e industria, pero existió una historia paralela y rica en matices, experimentación y aportes, gracias a la “osadía” de instrumentistas y dueños de disqueras paralelas a las grandes; una contracorriente que permitió exponer la existencia de otros caminos y opciones musicales, tan igual en calidad e innovación como lo hecho por la industria imperante. Afrosimbiosis al por mayor ….. La otra salsa. 

Al igual que en un combate de lucha libre profesional en

SmackDown, hay sociedades y dúos hechos para destrozar a tu rival. Txarly

Brown, que sabe bien los efectos que el funk puede causar en las personas, ha

buscado esas parejas de grandes combatientes: Los Fulanos & Chacho, Shantel

& Ximenis, Les Negresses Vertes & Missy Elliott, Ai Ai Ai &

Brooklyn Funk Essentials, Los Chunguitos & Afrika Bambaataa... Y el efecto

es devastador. Hay remix por todas partes y todos de altísima calidad;

incluyendo un clásico de una sociedad de antaño: Maquinolandera, de Cortijo y

su Combo & Ismael Rivera. ¿Pressing

Catch Funk? No. Planet Rumba!!!

Esta

playlist acoge una selección de algunas de las piezas de mayor alcance del

sello, que siempre destacó, precisamente, por primar la excelencia sin

someterse a la moda o los estilos en boga. Los temas son discutibles —habrá

quien piense que faltan algunos y quien opine lo contrario, que sobran otros

tantos— y es esa duda permanente la que demuestra la grandeza de Blue Note, que

ha encapsulado en discos todas las formas del jazz de las últimas ocho décadas.

 

 

Las

dos primeras piezas tienen categoría de himnos y jamás dejarán de latir: son

temas clave de Art Blakey, un percusionista de otro planeta, y John Coltrane,

un saxofonista-deidad. Las resonancias africanas y caribeñas aparecen con

Herbie Hancock, Horace Silver y Tony Williams. Cierran la selección un par de

temas mágicos de dos sopladores superdotados, Eric Dolphy y Don Cherry.

 

Cuando Madlib, uno de los productores más respetados e

intuitivos del hip-hop, decidió en 2003 sumergirse en el catálogo de Blue Note

para componer el álbum Shades Of Blue: Madlib Invades Blue Note, estaba

proponiendo combatir un axioma no del todo demostrado: que los breaks de James

Brown, el soulman del grito sincopado, son los más usados por los mezcladores

para componer nuevos patrones. Para Madlib, había al menos otra mina de diamantes

de tanto valor, los discos de Donald Byrd, Bobby Hutcherson, Horace Silver,

John Coltrane, Art Blakey, Lou Donaldson, Herbie Hancock y otros músicos del

sello de jazz más rítmico de la historia.

Esta playlist, que abre y cierra, por pura admiración y

respeto, el agraciado Madlib, demuestra al menos dos claves. Una, que Blue Note

alimentó al hip-hop de las primeras hornadas al colarse los surcos inflamados

de hardbop en los collages sonoros de Dr Dre, 2Pac, Ice Cube, Beastie Boys, De

La Soul, Ice-T,  Busta Rhymes, Public

Enemy, Common, Nas y decenas de raperos sedientos de fuego. Dos, que el torno

se ha volteado y es ahora el hip-hop quien devuelve a Blue Note la ampliación

de horizontes.

El

guitarrista Grant Green, un gran trazador de ambientes muy dados para ejercer

con propiedad el ritmo lírico, grabó Down Here on the Ground en 1970. En 2012,

el mejor MC del presente, Kendrick Lamar, usó la canción como uno de los tracks

de Sing About Me, I’m Dying Of Thirst.

También A Tribe Called Quest echó mano con décadas de plazo

a uno de los más sicodélicos surcos de Blue Note, el slow Mystic Brew, de

Ronnie Foster (1972), que recuperaron en 1993 para la zigzagueante pieza  Electric Relaxation.

La pujanza de la música construida mediante el chopeo y la

mezcla ha sido recibida por Blue Note como una bendición. La discográfica ha

dado cobijo a experimentos avanzados como los dos volúmenes de Black Radio,

coordinados por el imparable Robert Glasper, colaborador a su vez de Lamar e

impulsor de proyectos tan éticos como I Stand Alone, que busca recuperar el

orgullo de las expresiones individuales y que la sociedad se sacuda de tanta

falsa esperanza dominada por el supuesto valor de lo colectivo.