Treffpunkt Klassik

Im Sommer 1938 dirigierte Arturo Toscanini in Wagners herrschaftlicher Villa direkt am Ufer des Vierwaldstätter Sees ein großes Konzert: Das war der Anfang der Internationalen Musikwochen Luzern, die sich seit 2000 Lucerne Festival nennen. In diesem Jahr wird dieses Festival erstmals von Sebastian Nordmann geleitet, und auch die integrierte Neue-Musik-Werkstatt, die Lucerne Festival Academy, hat einen neuen Chef: den Komponisten, Klarinettisten und Dirigenten Jörg Widmann. Es gibt also Gründe genug, mal wieder nach Luzern zu reisen. Susanne Benda hat das getan.

Eine Frage der Tradition

Wer seine Noten aufschlägt, kennt diese Begriffe: commodo (gemütlich), crescendo (lauter werdend), mezzoforte (mittellaut), diminuendo (verringernd) und so weiter. Italienische Musikbezeichnungen sind für Musizierende aus aller Welt normal und stehen so auch in Noten, die aus einem deutschen Musikhaus kommen.

Aber warum gibt’s in den Bezeichnungen so viel Italienisch? Die einfache Antwort lautet: Tradition.

Italien als Zentrum musikalischer Innovation

Italien ist im 17. Jahrhundert das musikalische Innovationszentrum Europas. Und dort liegt auch der Ursprung: Schon bald nach der Etablierung der Notenschrift wollten Komponisten ihren Ensembles nicht nur vorschreiben, welche Noten sie spielen sollten, sondern auch, wie sie gespielt werden sollen.

Italienische Komponisten waren die ersten, die die Notenschrift übernahmen, und dann auch noch in ihre Partituren Anmerkungen und Ausdrucks-Angaben hinzufügten. Diese Praxis setzte sich in Italien durch, wurde anschließend im restlichen Europa übernommen und in einer einheitlichen Sprache formalisiert, damit alle Musiker sie verstehen konnten.

Auch Prestige ist wichtig für die Verbreitung: Denn ab dem 15. Jahrhundert wurden die großen Stadtstaaten Italiens wie Florenz, Venedig und Mailand von Familien mit großem Reichtum und großer Macht beherrscht.

Diese Familien gaben auch viel Geld für Kunst und Musik aus. Künstler und Komponisten strömten in die Stadtstaaten, um Arbeit zu finden. So wurde es üblich und schick, dass Künstler Italienisch sprachen. Italienisch war DIE Modeerscheinung!

Musikterminologie im Wandel der Zeit

Die italienische Sprache blieb bis Mitte des 19. Jahrhunderts der Standard für die Musikterminologie in Europa, im Laufe der Zeit kamen aber auch französische, deutsche und englische Begriffe hinzu. Heute gibt es eine Vielzahl von Tempo- und Dynamikbezeichnungen aus verschiedenen Sprachen.

Und doch: Viele der in der modernen Musik verwendeten Symbole und Notationen tragen nach wie vor italienische Bezeichnungen.

Also, warum so viel Italienisch bei Musikbezeichnungen? Zusammengefasst: Die Italiener haben als Erste Regeln und Normen der Musiknotation aufgestellt. Italien war das Zentrum der Musik. Und heute werden viele Namenskonventionen weiterverwendet, weil es umständlicher und gewöhnungsbedürftiger ist, alles zu ändern.

Die Ära der 8-Bit-Sounds

Die Geschichte der Gaming-Musik begann in den 1970er- und 80er-Jahren mit stark begrenzten technischen Möglichkeiten. Damals konnten die Konsolen nur wenige Töne gleichzeitig erzeugen, die sogenannte 8-Bit-Musik war geboren.

Nintendo Komponisten wie Koji Kondo meisterten diese Einschränkungen und schufen ikonische Melodien, die bis heute weltweit bekannt sind wie „The Legend of Zelda“ oder das „Super Mario“-Thema.

Vom Bildschirm in Konzertsäle

Heute erleben wir Gaming-Musik auf einem neuen Level. Mit großem Orchester, epischen Chören und komplexen Kompositionen hat Gaming-Musik längst den Weg in klassische Konzertsäle gefunden.

Orchester führen regelmäßig bekannte Soundtracks auf, und Universitäten bieten Kurse und Studiengänge an, die sich mit dem Komponieren für Games beschäftigen.

Gaming-Musik kann episch, aber auch emotional in minimalistischer Ausführung sein. Ein Beispiel dafür ist Austin Wintorys Soundtrack zu „Journey“ aus dem Jahr 2012. Die Spieler steuern in diesem Spiel eine mysteriöse Figur, die durch eine weite Wüstenlandschaft reist. Wintorys Musik ist dabei der zentrale Begleiter.

„Journey“ war das erste Videospiel, dessen Musik für einen Grammy nominiert wurde. Spätestens jetzt war die Musik in Videospielen nicht mehr einfach nur im Hintergrund, sondern eine eigenständige Kunstform.

Eigene Grammy-Kategorie für Game-Soundtracks

2023 vergab die Grammy-Jury zum ersten Mal eine eigene Kategorie für Videospielmusik. Der Preis ging an die Komponistin Stephanie Economou für ihren Soundtrack zu Assassin’s Creed Valhalla.

Dieses Jahr wurde Austin Wintory mit einem Grammy in der Kategorie Gaming-Musik ausgezeichnet – diesmal für seinen Soundtrack zu „Sword of the Sea“.

Von einfachen 8-Bit-Klängen bis hin zu orchestralen Meisterwerken: Gaming-Musik ist längst ein unverzichtbarer Teil moderner Kultur. Sie erzählt Geschichten, weckt Emotionen und bringt den Spieler in Welten, die er nie wieder vergessen wird.

Lars Reichows Song des Monats August beschäftigt sich mit einem absolut zeitlosen Thema, das vor allem den männlichen Teil der Bevölkerung immer wieder an der Gerechtigkeit der Welt zweifeln lässt. Warum, so fragen sich viele, warum musste das ausgerechnet mich treffen? Warum wurde ich geblitzt?

Oper in einer Lagerhalle, dazu ein verlassener Jahrmarkt, ein Satan als Jahrmarktsbesitzer und die Frage: Was ist eigentlich wirklich? Das Junge Kollektiv Musiktheater bringt in Karlsruhe zwei ungewöhnliche Kurzopern zusammen. „Larmes de couteau“ von Bohuslav Martinů und „The Medium“ von Gian Carlo Menotti. Beide Stücke kreisen um Sehnsucht, Identität und die brüchige Grenze zwischen Realität und Illusion. Das Junge Kollektiv Musiktheater Karlsruhe will dabei die klassische Trennung zwischen Bühne und Publikum aufheben und macht aus einer Lagerhalle in der Hotelwelt Kübler einen schaurig-schönen Opernort. Am 1. September ist Premiere. Sven Scherz-Schade war vorab bei der Probe dabei.

Was machen eigentlich Musikstudierende im Erasmus-Semester? Das fragen wir einige Musikstudierende und beim ersten Studenten fällt die Wahl des Erasmus-Landes auf. Bei Auslandssemestern denkt man oft an Länder wie Spanien, Frankreich oder Italien. Es muss aber nicht immer der Süden sein, sagt Student Klaus Brandstetter. Er studiert Komposition an der Musikhochschule Mannheim und hat ein Jahr in Tallinn in Estland studiert. In SWR Kultur berichtet er über seine dortigen Erfahrungen.

Was kostet eigentlich ein Alphorn? Und wie wird es gebaut? Andreas Bader ist Alphornbauer, spielt selbst Alphorn und weiß die Antwort auf diese Fragen. Außerdem erzählt er im SWR Kultur Musikgespräch, welches Holz sich am besten eignet. Jeder und jede könne Alphorn spielen, in 25 Jahren hat er nur zwei Menschen gefunden, denen es gar nicht gelang.

Wenn du gut in Mathe bist, bist du auch gut in Musik!

Diesen Satz haben viele schon in der Schule gehört. Aber ist das wirklich so? Ein Blick ins Musikvokabular offenbart: Notenwerte, Achtelnoten, Dreivierteltakt, messbare Schwingungen, Zwölftonmusik – da sind einige Zahlen dabei.

Aber ist das schon der Beweis? Zumindest ein erster Zusammenhang. Das kann abschrecken. Hilft es, Mathe-Ass zu sein, um gut Musik zu machen?

War Mozart Mathe-Genie?

Musik und Mathematik haben tatsächlich noch mehr gemeinsam als Zahlenvokabeln. Schallwellen lassen sich messen, harmonische Töne folgen mathematischen Regeln und auch Notenlängen sowie Taktarten basieren auf Brüchen.

Je nach Komposition gelten außerdem bestimmte Regeln für den Aufbau eines Musikstücks. Viele Werke sind zum Beispiel symmetrisch aufgebaut und orientieren sich am goldenen Schnitt, einem speziellen Teilungsverhältnis.

Das bedeutet: Der Höhepunkt liegt häufig bei ungefähr 61 Prozent des Stücks. Dieses Prinzip wird unter anderem bei Klaviersonaten von Wolfgang Amadeus Mozart immer wieder festgestellt. War Mozart also ein Mathe-Genie? Ob er dabei tatsächlich gerechnet hat oder einfach ein außergewöhnliches Gespür hatte, darüber wird bis heute diskutiert.

Emotion vor Rechentalent

Musik und Mathematik haben einige Gemeinsamkeiten. Beim Musizieren muss aber niemand Formeln ausrechnen. Das Zählen von Takten oder Einhalten von Rhythmen hat zwar mit Mathe zu tun, wird mit der Zeit aber ganz selbstverständlich.

Das Wichtigste sind Emotionen und Ausdruck. Menschen machen Musik lebendig – auf Zahlen basierte Computer können sie höchstens fehlerfrei abspielen. Musizieren sie deswegen besser? Wohl eher nicht.

Das Menschliche der Musik

Wer aber Spaß an Zahlen hat, kann manche Zusammenhänge vielleicht leichter verstehen. Am Ende zählt beim Muszieren aber etwas, das sich bis heute nicht in eine ausgeklügelte Formel packen lässt: die Musik selbst.

Und da gehört mal den Einsatz verpassen, weil man sich verzählt hat und anschließend kurzes Panikschieben genauso dazu, wie sich wieder zu fangen und anschließend eine komplexe Passage zum Besten zu geben.

Jeder von uns hat wahrscheinlich schon mal fasziniert auf eine optische Täuschung gestarrt – ein Bild, bei dem z.B. gerade Linien sonderbar wellenförmig wirken oder konzentrische Kreise wie eine Spirale aussehen. Illusionen dieser Art gibt es viele – vor allem in der Kunst und Architektur. Denken wir nur einmal an die prachtvollen Kuppeln, die man in einigen Kirchen bestaunen kann, und bei denen erst auf den zweiten Blick auffällt, dass es sich um Scheinmalerei handelt und die Decke in Wahrheit flach ist. Wie aber steht es um solche Tricksereien in der Musik? Leonie Reineke hat sich intensiv mit dem Kosmos der sogenannten „akustischen Illusionen“ beschäftigt aber Achtung, diese Entdeckung ist ein bisschen schrill.

Im schwedischen Helsingborg haben in dieser Woche die World Choir Games stattgefunden. Über 8500 Sängerinnen und Sänger aus 160 Chören weltweit haben an dem Wettbewerb teilgenommen. Zum ersten Mal sind die Ulmer Spatzen mit dabei gewesen und waren direkt erfolgreich. Gleich zwei Mal haben sie Gold geholt: bei den Newcomern, also denjenigen Chören, die erstmals dabei waren, und sie sind Gewinner in der Kategorie der geistlichen Musik a cappella. Malte Hemmerich hat mit einer der jungen Sängerinnen gesprochen.