六十年代末、七十年代初当"前卫""概念""实验"等口号被喊地震天价响时，King Crimson（KC）是当中最优秀的理论与实践者之一；八十年代九十年代当此类经典乐团解体（ELP）或被主流收编（Yes）时，King Crimson仍路遥知马力般的摇滚着。无论现今摇滚的潮流为何，吾人仍不能否认当年KC所创造或遗留下的概念、技巧、精神正影响着现在想要突破的乐团，而他们的成就也成为后世前卫团体所无法突破的"梦靥"。

　　出生于英国Dorset城的吉他手Robert Fripp二十二岁时与兄弟档Peter Giles、Mike Giles共组乐团并于1968年推出同名专辑，为KC的开端。1968年秋诗人Pete Sinfield与吉他手Ian McDonald等人加入经历一段人事变化后，终于在诗人Pete Sinfield的词"In the court of the crimson king"中找到了他们要的团名：King Crimson。
　　
　　由于经历了无数的人事更动、更改团名、诉讼、解散等事件，所以King Crimson的团名也不具有音乐上齐一风格的延续色彩。我们可以说团名不过是一项计画 ，由灵魂人物Robert Fripp主宰的experimental/progressive rock project。这个计画的主要内容分为三阶段。
　　
　　1969年七月，KC在伦敦海德公园免费演唱会与Rolling Stones共同出场。这是KC的首次公开亮相，他们以爵士/古典/前卫表演风格演出了首张专辑中曲子，令人印象深刻。
　　
第一张专辑：In the court of the crimson king绝对是前卫摇滚专辑当中的经典作，后世极难跨越的标竿。当年他们以杰出的诗词、华丽的编曲、即兴的演奏吸引了不少目光(当然只是这样还不足以形容)，立刻在在英国专辑成绩爬到前五名，正式开启了前卫摇滚的新页。为了显现出他们的时代精神，在 In the court of crimson king唱片封套上揭示了"An observation by King Crimson" 的概念。整体而言，创作魅力集中在Robert的编曲手法和Peter如诗般的歌词：
　　
　　1969年首张专辑的成功并不能确保团员的向心力。两兄弟率先于十一月离团，主唱兼贝斯手Greg不满Robert Fripp找来的替代团员也跟原先在The Nice的键盘手Keith Emerson讨论组团事宜。Keith就是后来前卫/艺术摇滚名团E.L.P的"E"，而Greg就是当中的"L"。
　　
　　1970年Greg确定离团，但他也跟Robert协议仍共同合作KC的第二张专辑。结果又是另一张前卫摇滚史上的经典作品。Greg照旧演唱所有作品，而Robert则找来孩提好友Gordon Haskell演唱一首慢板歌曲以预备接替未来主唱职务。In the wake of poseidon是场质疑战争/和平/温和/暴力的旅程。封面绘图原题为人的十二种原型，把人的各种心理状态描绘地栩栩如生。
　　
　　1970年后原主唱Grey Lake离团加入ELP，KC马不停蹄的发行更令人难以想像的Lizard。比前两张用更多爵士即兴演奏，肯定需要乐迷花时间慢慢消化。平心而论，Lizard在当年的反应不顶好乃因新主唱Gordon Haskell的表现评价好坏兼半所致；有人则批评Robert Fripp在这儿开始迷失于声音实验而忽略了市场反应。换句话说，KC自此起就不以销售考量为主。就音乐本身而言，这会是场更诡异、更乖张，令人不舒服的聆赏经验，不是每个乐迷都能接受的。据说Robert Fripp对它的成绩也不满意，因此又造成团员的流动。
　　
　　1970年KC开始巡回演出，不久又由于音乐理念不同而使原始团员求去。Island基本上是介于团员整期间所衍生的过渡专辑，在英国仍有前三十名的排行成绩。Robert在这里采用实验色彩较不浓厚的方式中规中矩地表达意念，并更大量使用mellotron来模拟管弦乐音色。此外，临时编制特大也是令人注目的。在专辑中表现杰出的有Keith Tippett弹piano, Robin Miller吹oboe及Mark Charig的cornet。还有一项特点是专辑艺术设计奇美无比，封面有关猎户星座的插图颇有看头。
　　
　　在许多老KC迷眼中，第二代的king crimson似乎是真正成熟起飞的开始。原先曲高和寡的诗人Pete Sinfield求去，由较能令人了解的Richard Palmer-James代替。原先任性狂飙的铜管乐器组合也被小提琴天才David Cross的高超琴艺取代，表现出跟从前截然不同的曲风。John Wetton较为人所知的是他在七十年代末组的UK及八十年代初组的Asia，相较那些同样是all-star的超级乐团，其实我个人更欣赏他在KC时期的表现。这时Robert Fripp带领KC到真正科技/前卫摇滚，而不再是以前的古典/艺术摇滚的范畴。展现出紧凑、团结、兼顾商业色彩与音效实验的崭新组合。
　　
　　第五张专辑：Larks' tongues in aspic在1972年发行，被公认为新旧KC的分水岭。跟以前{KC 1}比起来乐曲间较有整体气氛凝成一气，当然也少了些从前庸懒的感觉。主唱John的嗓音特色未能放开故使乐器演奏成为真正焦点。David Cross在此表现抢眼。
　　
　　令人感到讽刺的是1974年初starless and bible black竟然是第一次KC以固定编制延续发行的专辑。虽然说人事更迭或许可以激发出创意新火花，但也会造成给乐迷不确定感与默契搭配上的严重问题。感到欣慰的是，KC于颠峰期的两张专辑应该是没有团员冲突发生的。由于Larks' tongues in aspic受肯定，KC整个73年都在巡回演出，各种乐器演奏技巧与团员默契到达极致。新专辑中八首歌只有两首歌是全部在录音室构思制作完成，其余歌曲都是现场实况即兴演出。原汁原味的挥洒，更能展现KC高超的技巧与实验精神。
但之后，Red却成为成熟高峰期的KC所发行的最后专辑。John Wetton充满忧愁的甜美嗓音已成为绝响了，因为不久团员们又因合作理念不同僵持不下。Robert Fripp在1974年九月决定解散king crimson，John Wetton短暂加入Uriah Heep并在八十年代以Asia的主唱名闻全球。1975年十一月，Robert Fripp开始与替其他艺人跨刀合作，正式开始他与其他作曲家一连串的音效实验计画。
　　
　　king crimson到底是不是一个"团"呢？其实由KC在八十年代后的发展我们就知道答案了。基本上，king crimson只是一个持续由Robert Fripp主导，类似Alan Parson在Alan Parsons Projects的地位，由当时精英乐手所合组的音乐计画罢了。1981年四月，Robert号召另一群乐手组成Discipline，但在同年十一月发表同名专辑时又把团名改回king crimson。然而，并不是每个乐迷都喜欢八十年代KC的组合。相信有很多老乐迷认为三阶段的KC应有三种不同的团名以资区别；而且他们不习惯新主唱 Adrian Belew所带来的新观念，认为参入太多流行音乐元素，且缺乏从前迷人的即兴演奏。
　　
　　新面孔KC的归来得到了销售与乐评满堂采。Discipline与In the court of the crimson king并列为KC销售量与单曲知名度最高的专辑，一方面归功于Robert长久以来积累的口碑，另方面则是新实验乐风所带来的新鲜感。1982年趁{KC 3}新出击的成功再接再厉发行了Beat，乐曲结构上凝聚力较Discipline强，但评价未如预期。有人说Beat音乐素材跟Discipline几近一致，但未有创新。本张专辑的魅力仍然是在于Robert与Adrian的吉他弹奏、Levin的十弦贝斯威力、与Adrian天马行空令人似懂非懂似的歌词。
　　1984年的专辑，一张同样带着野心的作品。前四首充满着Adrian招牌式神经质、轻快有趣的商业作品；后半部其余作品则很明显地表达出KC传统以来的另一面：黑暗、恐怖的心理实验。
　　
　　停顿了将近六年，不服老的KC在这段期间则兼差从事不同领域的音乐工作，Bill Bruford自组前卫爵士演奏团Earthwork得到不错口碑；Tony Levin则是Peter Gabriel巡回演出时的基本成员，而两人亦同时为Yes于1991年传奇性重组Union时的特别成员。当中发行了套装精选及现场专辑吊足了乐迷胃口。1994年先是VROOOM与Dinosaur两张暖身单曲相继出版，随即Thrak正式发行。
　　
　　或许没有一个老乐迷说这是一张可以超越早期经典作品的专辑，但可以保证的是，KC又回来了，且带来全新的动力。两把贝斯、两把吉他、两套敲击乐器，彼此乐器演奏的契合与紧凑度不输给Red专辑时期的表现，虽然整张一路听下来可能觉得更科技化、更冷漠了。无论在评价上是成功与否，至少技术上交出了一张雄心睥睨彼时乐界的专辑。
　　
组团到现在的已有四十年，从万众瞩目到只有少数死忠乐迷的捧场，他们仍然想秉持当年改革创造的前进精神持续为市场或少数人提供精炼简约的诗句、结构巨大的乐曲、令人省思的主题。而当六十年代反战风潮的盛行，他们所推出前三张令人惊奇地结合当时的和平意识、人性探讨、而超越彼时一般摇滚音乐深度的专辑，是我们在回头探讨老摇滚时不能不提的。

第七天》的专辑只听了三首歌，《万家灯火》，《在路上》，以及主打《第七天》。 即使整张专辑没有听完，还是忍不住想写下点什么。最 喜欢的歌是《万家灯火》，续事待发的低音贝斯鼓点前奏，主唱‘万家灯火’的歌词嘶吼，一上来便扣住人心，强烈而直接。就是喜欢戴秦唱摇滚的样子，就是喜欢他指着摄影机唱出的那句‘万家灯火，你有你的生活。

关注瘦人乐队的更主要原因，是因为陈羽凡的凡人唱片。 从初中开始喜欢听羽泉的歌，半夜里爱华卡带随身听里放的都是他们的《难道》和《深呼吸》。结婚生子后的陈羽凡把更多的精力和财力花在签乐队和做唱片上。 这个北京土生土长的三十而立的男人，体会到更多的是责任和担当。 慢工出细活的《第七天》专辑，听出了瘦人对于摇滚的倔强不屈，以及凡人唱片对于内地原创摇滚打磨出来的优良品质瘦人乐队的《第七天》，就是摇滚精神＋摇滚品质。倔强生长，生生不息。

回来音乐上，听了一段时间的《第七天》，我也有种“精品行货”的感觉，特别是昨晚又看了附赠的DVD，陈羽凡和戴秦两个极端自恋的人凑到一块做导演肉麻致死就不说了，片子一直强调的是“热爱”、“努力做一张好专辑”。我觉得好的音乐不是“热爱”就能做出来的，也不是“努力”就可以，确实，这张专辑从技术上来说在国内已经非常不错了，录音、后期、混音，每个细节都打磨的恭恭敬敬，但总觉得少点什么，少了那种才华横溢的失调和灵光一闪的破音，一切都规规矩矩，就像是德国人造的玻璃房子，却又没那么纯粹。
但“精品行货”并不是贬义词，要知道国内大部分建筑的实际情况是既无“创新”也无“品质”，摇滚也一样。所以在这种时候，也许做到了“品质”，也算是一种成就吧。但作为一个热情还没有灭掉的建筑师而言，“创新”才是永远的追求。
我想音乐更应如此。’

罗友生 - 在我的葬禮上不能沒有你無論下次
Grave Digger- Yesterday (Orchestra Version)
曹秦 - 繁星
Hawthorne Heights - There Was A Kid
Damien Rice - It Takes a Lot to Know a Man
The Poodles - Wings Of Destiny
Mayday Parade - Miserable At Best
Red - Let It Burn
Glen Hansard - Bird of Sorrow
Taking Back Sunday - Your Own Disaster
鹏泊--提拉米苏
U.D.O. - Tears Of A Clown
卢冠廷 - 一生所爱
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《大话西游》人如何、神如何、齐天大圣又如何，错过便难于回头。曾以为最经典的一部喜剧，现在看来却在几点泪水中收尾。听着《一生所爱》，“从前、现在，过去了再不来”，由卢冠廷独特的声线中唱出，带有丝丝的哀凉。让人要加倍珍惜身边所有，因为你爱的不会永远陪伴着你。
而无论世事如何变迁，你始终是我一生所爱
外面很吵，世界很乱，时间很快，与你在一起，总是心灵的安静
越是长大，越是不知道怎么表达，越是没有勇气表白，
只是淡淡地陪着你，一起走，一起看着时光流逝
想一起走去世界上最远的地方，收集我们的点滴回忆与相片，然后我们要活得很久很久像是老妖怪，等我们老得走不动的那一天，一页页慢慢翻看我们的青春，然后叹息，然后拥抱，看着眼泪流下我们微笑的面庞

将近十年前买了这张唱片，恰好是兴趣由金属转向alternative/indie的时候，所以并没有仔细听就压了箱底。前两天一根筋搭住，突然想起这个女人，还有她的那首R&R圣歌“I Love Rock and Roll”，于是从机器里面抓出来听，这一听就热血沸腾鸟……
　　
什么是R&R，这个问题还是留给十年前的《朋克时代》吧，要我说，摇滚乐就是明亮的大调和弦、整齐的节奏、天衣无缝的配合，还有Joan Jett这样的主唱，仔细听你会发现，她连每一次尖叫都安插得恰到好处。（这个尖叫的问题在Janis Joplin的传记《活埋》里也有提及，大概就是说那些表面上即兴的东西很可能是无数次排练的产物。）Joan Jett让我莫名想起来Roxette的Marie Fredriksson和枪花的Axl Rose。联想的事情基本上是没有道理的，硬要说道理就是这三个人的声音都有无限张力，要断未断的时候无限性感。
　　
自己弹琴的时候就老在琢磨，一个乐队要整齐到The Blackhearts的程度，到底要花多少时间。印象中2003年在纽约的时候还在Village Voice上看到他们在巡演，刚才一查，她果然还在演，难怪51岁了依然身材良好，体力充沛。要不要去看看这个大部分人认为过气的摇滚明星呢，我想她要是真的演到家门口，我是会去的吧，就冲着她扫完弦的那一抬手。
　　
Indie小乐队Clem Snide有首煽情小曲叫“Joan Jett of Arc”，玩了个文字游戏，把Joan Jett和圣女贞德混在一起，大意就是说Joan就好像一个年长的初恋情人。我想，我要是个生活在80年代的男性青少年，也会把她当作sex symbol吧——其实就算是女的也没有什么所谓，“Crimson and Clover”这样的歌足以征服每一个女同的心。深红与草绿，这个色彩也很80年代，很R&R。

周韧，1969年出生。1987年进入中央工艺美术学院学习平面设计，并开始接触摇滚乐和玩乐器。周韧属於北京的第三代摇滚乐手，但在很多方面，周韧的音乐意识要远远超前於同代人––这当然是个优点，可有时也不是个优点，就因为这种超前，给周韧的摇滚生涯凭添许多磨难。他先後组过两支乐队，却全都无疾而终。
　　“锈铁”组建於92年，按这支乐队当时所受到的评价和所处的时代，是本该在中国摇滚乐史上有些建树的，无奈时运不济，与他们同时期登上舞台、同属第三代乐队佼佼者的 Again、新谛等乐队都获得了很好的发展，锈铁却没能等到任何机会就解散了，连一首歌都没留下。
　　在当时大家都蜂拥向重金属、硬摇滚的时候，锈铁已经在有意无意地弹奏著一些听来“挺不一样”的声音，这使很多人至今对他们仍印象深刻。後来周韧又组起了“红烧肉”，继续发展自己相当自我的音乐，到他受Sound Garden的影响渐重，曲风中Grunge的味道终於渐渐凸现了出来。而魔岩看上他也正是因为他的风格，当时Grunge在北京摇滚圈是最新鲜的玩意儿，让许多人心动但尝试者极少，因此他们对周韧寄予厚望，希望能通过这个高大沉默的年轻人带出一波新的风潮。可日益谨慎的魔岩最後只签下了周韧，说什麼也不肯签“红烧肉”，使这支当时正处在最佳状态的乐队在录制完周韧的《榨取》专辑後就风流云散。对此周韧至今都感到非常惋惜，但也无可奈何。

Jefferson Airplane是旧金山最早为全美国熟知的迷幻摇滚乐队，他们代表了一个时代。 乐队由创作歌手Marty Balin成立于1965年夏，共6人。起先他们在俱乐部演奏一些民谣摇滚和披头士的歌曲，后来与RCA唱片公司签约.1966年乐队在RCA旗下发行《Takes Off》，在商业上小有收获。1967年2月，乐队参加了金门公园的海特阿伯莱音乐会，引起轰动，被传媒当成一个神圣文化潮流的领袖。乐队得到了唱片公司的重视，得以录制下一张专辑《Surrealistic Pillow》。这时的乐队阵容是：歌手Marty Balin、吉他手/歌手Paul Kantner、吉他手/歌手Jorma Kaukonen、鼓手Spencer Dryden、贝司手Jack Casady、女歌手Grace Slick。《Surrealistic Pillow》是乐队推出的最重要的一张唱片，它为旧金山乐派开辟了第一片天空，“旧金山迷幻摇滚出师表”之称毫不过份。它充分开发了乐器演奏的无限可能性，并以此激发了超出日常经验的想象力。金唱片销量和长久传唱的名曲“Somebody to Love”、“White Rabbit”只是这张唱片表面上的成功，实际上在此之下是1967年“爱的夏天”、为迷幻摇滚疯狂的美国、迅速蔓延的嬉皮生活方式、数目猛涨的瘾君子。在其后的时间中，乐队经历了极为频繁的人员变动，只有Kantner一人始终留在乐队中。乐队在七十年代末开始向硬摇滚方向演化，并更名为Jefferson Starship，最后称为Starship。1989年，原Jefferson Airplane成员Balin、Kantner、Kaukonen、Casady和Slick重组，并录制了《Jefferson Airplane》，虽然专辑已失去往日吸引力，但巡演却比较成功。1995年，Kantner、Balin、Casady组成了新的Jefferson Starship，并发行了《Deep Space/Virgin Sky》。

“热斑”不是那些流水线上下来的乐队，也不是按照教科书死板学习的乖孩子，甚至“热斑”这个名字都是网上随便找来的，觉得中英文都适合就用了起来。 乐队成立于2013年，最初的成员是主唱&键盘刘翩翩以及吉他手王志文。他们仅仅用了2个月的时间就创作了6首作品，并马上在夏天录制了Demo。虽然10月份乐队才第一次登台演出，但仅仅2个月以后，他们便得到了匡威的关注，参加橡胶制造录音室项目。“热斑”录制了单曲《Make A Deal》并拍摄了MV，紧接着匡威又将另外一首歌《Hate Rocket》用作“彩爆无聊”的广告曲。 2014年，鼓手陈曦的加入使得王志文冷峻而激烈的吉他以及刘翩翩慵懒性感的嗓音更具张力。 “热斑”的世界是冷的，也是热的。他们不理解人群的按部就班，也对理解他们毫无兴趣，爱和温暖都不是他们想要的。如果可以选择，他们宁愿选择不出生在这个世界上，因为他们还没有准备好面对世界所带来的一切——好的和坏的。
　　如果有一个时间和“热斑”相遇，最好是深夜，他们会成为你悲伤的爱人，爱你一个晚上，只有一个晚上。而如果你们能哭，那就太有趣了。

Tiamat（主要是主唱Johan Edlund）身上散发着多种不同的气质，这些气质理所当然的体现在Tiamat的音乐里，早期的死亡金属，后来又混入了歌特、厄运、交响......
甚至是70年代的迷幻，Johan Edlund也曾提到过Pink Floyd对他的深刻影响！但不论风格如何转变，永恒的黑暗却从未改变
这不是适合所有人的音乐，尤其是在阴霾的午后或是梦魇的深夜.....
是，致悲伤者的悲歌，给绝望者的毒药......

七八点乐队是一只湮没在南京的乐队，成员是，热情血性的北四杜磊，矛盾着旋律着的基塔朱二毛，敲打青春的王羽中和继续拷问着美利监的小谢，断暂而必然的溜弦琴老羊，还有老是躲也躲不掉的念诵者海洋，他们在一起的时候就会有歌。 在《南京地下音乐记录97-98》收录过他们的作品，少数人听过他们的音乐，PK14《谁 谁 谁 谁》翻唱过他们的《快》，几年后，他们分别在你身边被生活变奏着大调或者小调’

七八点乐队成立于1997年，最初他们在一些防空洞中排练，巨大的声响使队员彼此间无法听清，但那样覆盖一切的声浪使他们有一种背弃校园和成人社会的成就感。
乐队中的三名成员依然在高校就读，但却好象并未沾染上象牙塔中的多梦和纯稚，尽管海洋的诗歌显得童趣和富于超现实的想象，但那实在是他一个又一个夜晚在焦虑中煎熬出的结果。

“七八点”是我最喜欢的乐队之一，他们音乐中包涵的真正属于青春期的那种诗意、坦诚、激烈、率真，甚至粗糙，在我看来难能可贵，像原始的石头一样稀少。海洋经营歌词意境和长青旋律的能力，在国内堪比声音与玩具、木马，PK14的杨海松有次和我谈论起来，也持相同的意见。总体上，“七八点”是一支很业余的乐队，无论演奏水准和演出水准，但他们声音中真正细腻敏感的优美和伤怀，几乎没有什么“职业”的摇滚乐队可以比拟。他们的起点很高。 有时我无法分清从海洋口中绽放出的词句之花是为了构筑他随时可能幻灭的青春防线，还是一种不得不从重压和趋进的乏味的成人社会中逃逸出来的快乐，总之在海洋热爱过的那些名字：LOU REED、JIM MORRISON、JEFF BUCKLY、NEIL YOUNG、海子的诗行中，你会发现“七八点”只是一个类似这些伟大的二十世纪精神坟墓边的守灵人的身影，纵使没有阳光照耀和清风吹拂，也足以让你因纯净，痛苦和思考而砰然心动，从麻木中解脱出来去沉入宁静和冥想。

乐队出发的诡计总是和海洋脸上诡秘而无解的神情相关联，在他去澳大利亚布里斯班的一年时间里，“七八点”在南京神秘消失了，嬉皮的光环被圈子里的传闻强加于海洋的头上，而他很快便摆脱了摇滚乐热情洋溢的纠缠，深陷入孤独的分裂与隔绝之中，犹如一杯温凉的水，尚未握住便流逝于沙丘，年少的激情与俗世的苍凉相碰撞的火花快速而灼热地奔放。 99年再次见到海洋，他已变得更加敏感与善变，嘲弄与恶作剧的神色常常一瞬即逝，诗歌与摇滚乐被抱负在怀中形如弃儿和宠物，痛并快乐快乐着，巨大的俗世变迁在他内心的死结已不再让他沉默，昂首去喝下青春的毒药，一任与希望相伴相随。

铁娘子（Iron Maiden，或译为铁处女）是一个出身于英国东伦敦的重金属乐团，由原吉普赛之吻乐团（Gypsy's Kiss）与微笑者乐团（Smiler）的贝斯手史提夫•哈里斯（Steve Harris）于1975年成立。铁娘子是重金属乐界最成功与最具影响力的乐团之一，在全世界已经累积销售八千万张专辑。2002年该团获颁艾佛•诺维洛奖（Ivor Novello Awards）的国际成就奖。

虽然铁娘子是一个受到深紫（Deep Purple）与瘦李奇（Thin Lizzy）影响的重金属乐团，但是因为前主唱保罗•迪安诺（Paul Di'Anno）的关系，他们早期的作品具有庞克摇滚的色彩。
铁娘子的吉祥物艾迪（Eddie）是一个经常出现在专辑封面以及演唱会现场的恐怖东西。在1992年以前，艾迪一直是由德瑞•克雷格斯所画，其间也曾有不同风格的画家如梅尔文•格兰特（Melvyn Grant）设计过各种分身。艾迪也曾出现在以该团成员为主角的第一人称射击游戏《艾德猎人》（ED Hunter），也出现过在许多书籍、漫画及该团外围商品。

1976年，Iron Maiden最初由贝斯手史蒂夫•哈里斯（Steve Harris）组建，而当时乐队的其他成员为吉他手Tony Parsons，鼓手Doug Sampson和主唱Paul Di'Anno。在与唱片公司正式签约之前，Iron Maiden一直都在伦敦当地不停的演出，乐队的歌曲在当地的电台中非常受欢迎。1980年，在新吉他手Dennis Stratton取代了Tony Parsons之后，Iron Maiden发行了乐队的首张同名专辑《Iron Maiden》。Iron Maiden的这张专辑虽然是在仓促之中完成，但由于单曲《Running Free》在英国大受欢迎，因此这张专辑在英国的销量也是非常令人满意的。1981年，Iron Maiden的第二张专辑《Killers》面世，曲风更加硬朗。在这张专辑中，阿德里安•史密斯（Adrian Smith）代替了Dennis Stratton，出任Iron Maiden的新吉他手。而由于严重的酗酒，主唱Paul Di'Anno也在《Killers》专辑面世之后被迫离开了乐队。
　　在Di'Anno离队不久，大嗓门的布鲁斯•迪金逊（Bruce Dickinson）火速加入了Iron Maiden。1982年，拥有了新阵容的Iron Maiden发行了他们的经典之作《Number of the Beast》。这张专辑被评论界认为是重金属历史上最为经典的专辑之一，其中较为出色的单曲包括同名单曲《Number of the Beast》，《Run To The Hills》以及《Hallowed Be Thy Name》。随着《Number of the Beast》在世界各地出人意料的成功，Iron Maiden也奠定了他们重金属音乐届巨星的地位。在Iron Maiden的下一张录音室专辑《Piece of Mind》当中，乐队的音乐风格几乎与《Number of the Beast》没有任何的改变。1983年，在录制专辑《Powerslave》之前，Iron Maiden举行了两次大规模的巡演。1984年发行的《Powerslave》成为Iron Maiden又一张颇具实力的专辑，而乐队长达11个月的世界巡演也被整理收录在了1985年的双张现场《Live After Death》当中。迄今为止，《Live After Death》被认为是Iron Maiden最有代表性的现场专辑之一。
　　在《Live After Death》发行之后，Iron Maiden已经是当时的金属届中独一无二的乐队。1986年，在经过了两年的沉淀之后，Iron Maiden发行了第六张录音室专辑《Somewhere in Time》。在这张专辑中，Iron Maiden开始更多的尝试使用合成器，而专辑中所有的歌曲也开始偏向于表达同一个主题，整体上开始概念化。1988年，Iron Maiden的第七张录音室专辑《Seventh Son of a Seventh Son》面世。这是一张与《Somewhere in Time》一样的概念化的专辑，其中的畅销单曲包括《The Evil That Men Do》和《The Clairvoyant》。同时，这张《Seventh Son of a Seventh Son》也是Iron Maiden乐队自《Number of the Beast》之后最受评论界好评的一张专辑。紧接着，在一次大规模的巡演之后，Adrian Smith选择了离开Iron Maiden。1年后，新吉他手Janick Gers加入Iron Maiden，随乐队发行了新专辑《No Prayer for the Dying》。虽然专辑中的《Bring Your Daughter...to the Slaughter》被评为Golden Raspberry奖的最差歌曲，但《No Prayer for the Dying》依然成为了Iron Maiden在英国的首张冠军专辑。在1991年的巡演之后，主唱Bruce Dickinson表示想要离开Iron Maiden，以发展他自己新组建的另一乐队。
　　此后，Iron Maiden迎来了乐队的第三任主唱Blaze Bayley。Blaze Bayley在Iron Maiden的处子秀是1995年的专辑《The X Factor》，但这张专辑并没有像Iron Maiden此前的作品那样获得好评，即便在他们的家乡英国也是如此。1996年末，Iron Maiden发行了他们的双张精选集《Best of the Beast》。1998年，Iron Maiden的另一张比较失败的专辑《Virtual XI》问世。在连续两张失败的专辑之后，Blaze Bayley的离开已经是众望所归。
　　1999年，一条振奋人心的消息让全世界无数金属迷为之激动，这就是Bruce Dickinson和Adrian Smith一起返回了Iron Maiden！在当年的一次巡演之后，Iron Maiden在2000年首次以六人阵容发行了他们的第12张录音室专辑《Brave New World》，歌迷们重新看到了Iron Maiden振兴的希望。此后，Iron Maiden再次投入到了大规模的巡演当中，乐队的世界巡演场场爆满。2002年，乐队先后发行了现场专辑《Rock In Rio》和精选集《Edward the Great》。2003年，Iron Maiden发行了第14张录音室专辑《Dance of Death》。此后，乐队又发行了一张EP专辑《Rainmaker》和两张DVD《History of Iron Maiden, Pt. 1: The Early Days》和《Raising Hell》。
　　2005年9月，Iron Maiden发行了他们又一张现场专辑《Death on the Road》。2006年9月，Iron Maiden第14张录音室专辑《A Matter of Life and Death》面世，发行首周名列Billboard 200专辑榜第九，成为他们第一张打入Billboard 200专辑榜前十的专辑。