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本集《音樂學什麼》非常榮幸邀請到爵士薩克斯風手——謝明諺來到節目中！

古典樂迷一定對舒伯特的經典聯篇歌曲《冬之旅》（Winterreise）不陌生，但你能想像這部兩百年前的德文藝術歌曲，變成充滿在地氣息的「台語爵士樂」嗎？

本集節目中，阿P與瑪丹將和明諺老師深度暢聊這張極具野心與實驗性的跨界專輯《冬之旅──台語爵士浪遊》。

這項計畫最初由詩人鴻鴻發起，邀請到台文作家鄭順聰將原版德文歌詞巧妙轉譯為道地台語，並由歌手林理惠以極具戲劇張力的方式聲情演繹。

明諺老師在節目中分享了從劇場製作走向實體專輯的幕後秘辛。他們如何打破古典樂「永恆不變」的框架？台語的聲調如何與爵士樂的即響與律動完美融合？古典與爵士的碰撞不是打架，而是一場相互激盪的音樂重塑！

💿 實體專輯限量發行！ 這張《冬之旅──台語爵士浪遊》採用頂級黑膠唱片發行，包裝精美，充滿藝術收藏價值（限量500張）。無論你是古典樂迷、爵士樂迷，還是台語文學的愛好者，這張專輯絕對會徹底顛覆你的聽覺體驗！ 趕快按下播放鍵，跟著阿P、瑪丹與謝明諺，一起踏上這趟絕無僅有的音樂浪遊吧！

❄️《冬之旅──台語爵士浪遊》台北場來了！

🗓 09/18（五）19:30（19:00 入場）

📍 禾禾文化空間

🎫 一般席 1,000 元

✨ 禾禾好朋友享 9 折優惠 https://www.facebook.com/share/p/19DuvwdAoj/

❄️台中 9/26 打里生活

❄️雲林 10/23 三秀園

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歡迎收聽本集的〈音樂學什麼〉！本集簡直是阿P與瑪丹的追星之旅！邀請到成軍十多年、以細膩描繪台灣土地與自然環境聞名的室內樂團Cicada的鋼琴手兼團長致潔！

你絕對想不到，現在寫出無數絕美樂曲的致潔，過去竟然是重金屬樂團的鍵盤手？從重金屬轉向編制細緻的室內樂，致潔分享了她猶如「超級大跨界」的音樂歷程，以及她如何親身走入山林、錄下大自然的環境音，再將身體的感知轉化為指尖的音符。

這一次，Cicada 將視角從台灣出發，一路延伸至冰島、格陵蘭與紐西蘭，帶來探討極端氣候與冰川消融的全新概念專輯〈凝視白色的邊界〉。這不僅是一張專輯，更是一場從聽覺出發的壯闊生態之旅。

🏔️本集重點亮點與專輯曲目導聆： 跟著致潔的創作故事，我們將在節目中聽見專輯裡這些動人的曲目： 一開始，我們隨著清澈的鋼琴琶音〈凝視白色的邊界〉，開啟了這趟極地旅程。

轉換視角，將自己擬人化，〈想像一塊冰的遷徙〉，體會冰塊從冰河剝落、在海中漂流的孤寂與自由。

致潔分享了她在冰島實地收音的趣事，將真實的水聲揉合進〈走在冰川留下的路〉之中。 這趟旅程也巧妙地連結回台灣！透過〈碎石坡畔的湖與森林〉，我們回到雪山翠池，尋找台灣高山上的冰河遺跡。

在氣候惡劣的紐西蘭行山經歷，化作了〈等待濃霧散開〉裡F大調的森林氣息，以及由大提琴溫暖主導、宛如在迷霧中被大自然指引的〈靜靜引路〉。

特別邀請法國號加入，〈水刻過山的足跡〉展現出有如浪漫主義風景畫般，既壯麗又令人敬畏的巨大空間感。

節目的最後，我們聊到了專輯尾聲的〈也許終將成為神話〉。致潔巧思地在鋼琴琴身上敲擊出宛如「時鐘倒數」的聲響，並以突兀的靜默收尾，沉痛且深刻地提醒著我們：如果氣候變遷持續，這些絕美的冰川，也許終將成為後代口中的神話。

想知道舒伯特的藝術歌曲創作居然與致潔的創作有異曲同工之妙？什麼又是「用音樂寫田野調查」？快戴上耳機，跟著我們與Cicada一起走入這片白色的冰川邊界吧！

除此之外，致潔也加碼透露實體 CD 版收錄了由四位國際音樂人操刀的隱藏版Remix曲目，並預告了即將在五月登場的專場巡迴演出：

Cicada《凝視白色的邊界》巡迴音樂會 5/23(六) 19:00 高雄 LIVE WAREHOUSE 5/29(五) 20:00 新北 Zepp New Taipei

🔗 更多關於 Cicada 與巡演資訊，請鎖定Cicada官方社群！

#音樂學什麼 #Cicada #江致潔 #凝視白色的邊界 #新古典音樂 #室內樂 #冰島 #氣候變遷 #台灣獨立音樂 #Podcast推薦 #音樂創作 #冰川

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🎧 本集節目亮點搶先看：你知道傳統國樂團的團長，私底下其實超愛聽 K-Pop 嗎？ 你看過國樂演奏家不看譜、不坐在椅子上，而是像搖滾巨星一樣在舞台上奔跑、下腰，甚至讓台下觀眾瘋狂「斗內」掛金牌嗎？

本集《音樂學什麼》邀請到台灣首屈一指的傳統樂團「采風樂坊」團長黃正銘，以及舞台導演張逸軍，來到節目中與主持人阿P、瑪丹暢聊。他們將打破你對傳統絲竹樂的刻板印象，帶你走進前所未見的「東方器樂劇場」！

睽違20年，采風樂坊的經典史詩鉅作《十面埋伏》即將重返舞台！這部被譽為「世界第一部東方器樂劇場」的作品，當年一推出就震撼藝文界。這一次，他們將在台北中山堂，以更純粹、更直擊人心的室內劇場形式，重新演繹這場驚心動魄的楚漢相爭！

📌 本集精彩內容： 傳統音樂的當代解放：愛聽 K-Pop 的阿銘團長，如何把追星文化、搖滾樂精神與自然現象融入傳統國樂？

樂器就是角色，音樂就是台詞：琵琶不只是樂器，更是柔情又悲壯的「虞姬」。

當「嗩吶」變成武將？聽高音嗩吶如何演繹狡猾的「劉邦」，低音大嗩吶如何展現霸王「項羽」的氣吞山河！

文靜的「阮咸」竟然能發出宛如電吉他般的搖滾爆裂音？

演奏家也是演員的魔鬼訓練：背譜只是基本！演奏者還要學武術、走位、展現七情六慾，連導演都笑稱這根本是「極限挑戰」。

20週年版本的驚喜亮點： 為什麼在楚漢相爭的戰場上，會響起客家《落水天》、《思想起》等台灣民謠？導演張逸軍為你解析四面楚歌的巧妙改編，以及室內劇場帶來的沉浸式立體震撼。

無論你是傳統音樂的愛好者、劇場迷，還是喜歡搖滾與創新藝術的聽眾，都千萬別錯過這集節目！聽完保證讓你對傳統樂器徹底改觀！

📣 演出資訊報你知： 采風樂坊 東方器樂劇場《十面埋伏》20週年紀念版 時間： 5月15日 (五)、5月16日 (六) 19:30 地點： 台北市中山堂

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這集《音樂學什麼》我們邀請到集美貌、歌聲與才華於一身的創作歌手aDAN薛詒丹，帶領聽眾從一個企管的視角切入音樂產業。

擁有政大企管所學歷的她，當初為了「說服家人讓她做音樂」，一邊發展阿卡貝拉事業，一邊完成了這本剖析台灣音樂史重要品牌「角頭音樂」的畢業論文。

以下是本集節目的精采重點摘要：

1. 為什麼選擇「角頭音樂」作為研究對象？ 角頭音樂在台灣獨立音樂圈擁有獨特地位，長期耕耘原住民音樂、同志議題及地下文化。aDAN 當時因加入「歐開合唱團」並由角頭發行專輯，獲得了近距離觀察這家傳奇唱片公司的機會。她發現，角頭的經營並非全然以利潤為導向，更多是基於「老闆的信念」與「文化價值」。

2. 獨立唱片 vs. 主流唱片的經營差異 主流唱片： 資源雄厚，A&R通常從市場獲利、目標客群反推，流程標準化且層級分明。 獨立唱片（以角頭為例）： 規模精簡（通常每職位僅一人），決策靈活且具高度包容性。經營者更看重「這個東西是否有意義、是否想被留下來」。

3. 角頭音樂的生存之道：不只是賣唱片 aDAN 在論文中指出，獨立唱片公司的收入結構多元。對角頭而言，實體唱片有時更像是一張「名片」，真正的收入來源包含：其他多元發展，如音樂祭：海洋音樂祭、跨界合作： 延伸至音樂劇、電影等領域、政府補助： 獨立音樂在文化保存上的重要性，使其能獲得政策支持。

4. 音業產業的演變：對比十多年前的論文研究與現今產業現況，節中也探討了幾個關鍵變化 分眾化的極致： 以前獨立 vs 小眾，現在連主流唱片也面臨市場小眾化。 「獨立廠牌」→「個人廠牌」時代： 有些藝人（如鄭宜農、落日飛車、拍謝少年等）開始自組公司，將經紀、製作與發行拆解，追求更高的主導權。 合約的彈性： 現在的合約更傾向「專案制」與「風險共擔」，而非傳統的長年限全包合約。

5. AI 浪潮下的「人味」與「不完美」 面對串流數據與 AI 音樂的威脅，aDAN 與主持人們反思：當 AI 能夠模仿完美的呼吸與轉音時，人類歌手的優勢在哪？最終，大家回歸到「真實的體驗」與「情感的共鳴」。獨立唱片的價值，正是在於那種無法被演算法取代的、有血有肉的故事。

結語 aDAN 分享了企管背景如何幫助她理性的經營自己的音樂事業，但也坦言過度的理性有時會扼殺創意。這是一場感性音樂人與理性企管腦的精彩對話，無論你是想進入音樂產業、正在經營品牌，或是純粹喜愛獨立音樂，都能從中獲得啟發。

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本集「音樂學什麼」訪問了鋼琴演奏家魏美惠老師，深入探討她的人生歷程、與作曲家拉威爾（Maurice Ravel）的共鳴，以及專輯《致已逝之美：拉威爾150週年紀念專輯》背後的創作心血。

以下為本集內容的重點摘要：
一、 魏美惠的音樂之路：大器晚成的堅持 非典型音樂班背景： 魏老師坦言自己並非從小就接受最頂尖的音樂培訓，而是國中音樂班「墊底」考進去的。相較於許多從小就是「神童」的音樂家，她在高中、大學後才透過持續的努力迎頭趕上。 失敗帶來的動力： 正因為起步較晚、落後於人，這份自覺成為她日後不斷鑽研、出書與發行專輯的動力。

二、 為何選擇拉威爾？身體與心靈的共鳴 理性與感性的平衡： 魏老師認為拉威爾的音樂完美結合了嚴謹的結構（理性）與浪漫的色彩（感性），這與她追求的藝術性格非常契合。 大手與小手的生理限制： 魏老師提到自己的手很小，在詮釋李斯特（Liszt）或拉赫曼尼諾夫（Rachmaninoff）等需要超大跨度、長時間體力的曲目時非常吃力。而拉威爾的身形也較瘦小，作品的肢體運動方式對她而言較為自然。

三、 職業傷害的轉折：在痛苦中理解音樂 紐約求學時的挫折： 20歲在紐約曼尼斯音樂學院（Mannes School of Music）求學時，為了準備比賽，高強度的練習（每日6-8小時）導致嚴重的職業傷害，長達一年無法彈琴。 求醫與體悟： 曾求助於各種醫療手段（MRI、中醫針灸、物理治療）。這段期間讓她學會「休息」的重要性，也重新審視了自己與鋼琴的關係。 音樂性不可教： 魏老師的博士論文研究發現，「音樂性」並非來自於對音樂史或樂理知識的累積，而是源於生命經驗、對情感的細膩捕捉與體會。

四、 專輯曲目分析與演奏見解 這張專輯的曲序安排具有「人生的縮影」之意涵：
〈為已逝公主的孔雀舞曲〉（Pavane pour une infante défunte, M. 19） 並非哀歌： 魏老師強調這曲名中的「已逝」並非描寫喪禮，而是拉威爾對古典優雅時代的懷念。 演奏難度： 看似簡單，但要在長旋律下維持層次分明的伴奏（使用 Portato 技巧），對平衡感要求極高。
〈升F小調小奏鳴曲〉（Sonatine in F-Sharp Minor, M. 40） 踏板的藝術： 魏老師在此詳談了踏板的使用。她認為踏板不只是開或關，而是根據琴、環境與曲風不斷變化的藝術，演奏者必須在有限的譜面標註中創造無限的想像空間。
〈E大調水之嬉戲〉（Jeux d' eau in E Major, M. 30） 流動感： 老師選擇了較快的速度，以呈現水滴噴濺、靈動的效果，而非一味追求朦朧的優美。
〈鏡〉（Miroirs, M. 43） 自我的反思： 魏老師認為此組曲是拉威爾對自我的檢視。
〈夜蛾〉： 打破傳統旋律感，結構細碎而充滿哲學思辯，是非常具有現代性挑戰的作品。
〈悲鳥〉： 四個開頭音就營造出一個獨立的宇宙世界。

五、 錄音背後的靈魂與器材 錄音場景： 選擇在台南官田的一個獨特空間錄製，環境安靜且能帶出鋼琴最細微的聲響。
鋼琴選用： 使用了極為高端且罕見的 Grotrian 鋼琴。這台琴具有一種「冷冽」卻帶有「溫暖」的特殊音色，能完美呈現拉威爾音樂中既清晰又朦朧的「層次感」。
意志力的考驗： 錄音期間魏老師的手傷其實仍在隱隱作痛，她幾乎是以意志力完成錄製，因此錄音中保留了一些自然的環境聲響，對她而言，這是那一刻最真實的紀錄。

六、 結語 魏美惠老師希望透過這張專輯，讓大眾親近古典音樂，特別是拉威爾那種能觸動人心靈軟肋的細膩情感。未來她也計畫錄製更多短小精悍的古典曲目，推廣音樂的美好。

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本集《音樂學什麼》特別邀請到華語樂壇重量級製作⼈、金馬金曲雙料得主
——李欣芸老師，來聊聊她歷時許久、傾注全⼒製作的年度⼤作《春城⼩
唱》。

這不只是⼀張音樂專輯，更是⼀份慶祝恆春建城 150 週年的珍貴禮物。恆春半
島民謠在台灣音樂史上佔有重要地位，從家喻戶曉的陳達，到各個角落⾃彈⾃
唱的老阿公老阿嬤，這些旋律早已滲進恆春半島的土壤。李欣芸老師如何帶領
這群當代的金曲歌王歌后，與恆春半島在地的傳藝師們跨越時空對話？如何將
那些「沒有固定拍子」的古調，轉化成當代年輕⼈也能聽得入⼼的流⾏樂、電
子樂甚至是史詩級編制？

讓我們⼀起推開這扇雷射雕刻的恆春城門，聽聽這場屬於台灣的「台式爵士
樂」⼤冒險！

【本集重點摘要】
1. 製作初衷：恆春建城 150 週年的賀禮
專輯起源於屏東縣⽂化處的邀請，為了紀念恆春建城 150 週年，希望透過「古
調新聲」的⽅式，將傳統的恆春半島六⼤調重新編曲。李欣芸老師走訪恆春半
島進⾏田野調查，拜訪在地傳藝師，將他們最原汁原味的歌聲收錄下來，並與
流⾏歌⼿的版本進⾏對照，形成⼀種跨世代的呼應。

2. 恆春半島民謠是「台灣的爵士樂」
李欣芸老師形容恆春半島民謠就像爵士樂，旋律固定但表演者可以根據當下的
⼼情、勞動後的體會⾃由發揮、即興轉音。這也成了製作上的最⼤挑戰：古調
傳藝師唱歌是「沒在管拍子」的，如何將這些⾃由奔放的聲⾳與精準的當代編
制結合，考驗的是製作⼈的音樂 EQ 與對⽂化的尊重。

3. 跨界歌⼿的華麗陣容與製作巧思
專輯中的每⼀首曲目都包含了「傳統版」與「流⾏版」，李欣芸老師分享了多
位歌⼿的錄音祕辛：
-曹雅雯《平埔調》：與編曲家呂紹淳合作，將電音元素融入古調，並請雅雯改
掉演歌式的唱法，嘗試更直白、帥氣的表達。
-陳明章與兒子陳言祐《楓港⼩調》：這是⼀場父子同台的傳承。配唱時也請陳明章
老師唱歌時要帶著「笑意」，呈現出⼀種愜意與從容。
-桑布伊《思想起》：編曲將這首歌編得極具史詩感與電影感，桑布伊深厚的嗓
音讓古調散發出⼤山⼤海的氣息。
-戴曉君《牛母伴》：這本是哀傷的母女告別曲，在曉君的詮釋下，變得既清亮
又富有情感深度。
-楊肅浩《五孔⼩調》：賦予年輕世代的音樂語彙，讓這首長篇敘事詩有了現代
的律動。
-浮可泰（Folk-take）《四季春》：邀請在地的年輕樂團參與，展現恆春半島
民謠在當代的⽣命⼒。

4. 裝幀設計與視覺意象
專輯由葛萊美獎入圍設計師鄭星慧設計。外殼採⽤繁複且造價昂貴的雷射雕
刻，呈現恆春城門的意象。封套展開後可見月琴、農夫、牛車等土地剪影，象
徵聽眾在翻開專輯時，便如同穿越城⾨，走進恆春的歷史脈絡與現代⽣活。

5. ⽂化的傳承：讓古調不再是博物館裡的標本
李欣芸老師強調，如果民謠只剩下⾃彈⾃唱，很難被年輕世代吸收。透過重新
編曲與多樣化的演唱版本，她希望能拋磚引玉，讓更多音樂⼈願意投入古調的
改編，讓恆春半島民謠能像流⾏樂⼀樣被傳唱，真正「活」在台灣⼈的耳朵
裡

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本集來賓：Skyline天際線融合爵士樂團 （貝斯手：利啓正 Richard／鍵盤手：蘇逸哲 Jazzy／薩克斯風手：江川徹 Sergei）

成軍於2003年，台灣最具代表性的融合爵士樂團之一「Skyline天際線融合爵士樂團」迎來了意義非凡的20週年！本集《音樂學什麼》特別邀請到樂團的三位核心成員：貝斯手 Richard、鍵盤手 Jazzy 以及薩克斯風手 Sergei，帶著他們的第五張全新力作《城市之聲 City Voices》來到節目中，與我們分享這張耗時費力、卻無比精彩的全人聲專輯幕後秘辛。

🎵 什麼是融合爵士（Fusion Jazz）？他們是音樂界的科學家！ 節目一開始，團員們幽默地分享了對「融合爵士」的定義。對 Skyline 來說，融合爵士不僅僅是爵士加上搖滾或放克，它更像是一種「態度」與「不被框架侷限的叛逆」。團員們形容自己就像是音樂界裡的科學家，不斷在實驗室裡將各種曲風（如古典、流行、拉丁、客家、原住民音樂等）進行化學碰撞，試圖打破常規，創造出全新的聽覺體驗。有趣的是，幾位團員和主持人一樣擁有深厚的古典音樂背景，這種從嚴謹的古典跨越到自由的爵士的過程，也成為他們創作時最寶貴的養分。

🎤 顛覆過往：首度挑戰「十首歌、十位歌手」的超狂企劃 過去 Skyline 主要是以純器樂演奏為主，但在成軍20週年之際，他們決定送給自己與樂迷一個巨大的挑戰——製作一張全人聲專輯《城市之聲 City Voices》。

團員們深信：「人聲，是最古老也最具表現力的樂器。」他們不只是找歌手來「客串」唱歌，而是將歌手的聲音視為樂團的一份子，進行深度的「共創」。這意味著從選曲、定Key、甚至語言的選擇，都必須經過不斷的磨合與調整。要在十首不同的歌曲中，完美融合十位不同風格的歌手，同時還要保持 Skyline 獨有的樂團 DNA，這對擔任音樂總監的鍵盤手 Jazzy 來說，絕對是一場艱智的統籌考驗！

✨ 華麗客座陣容：歌曲幕後故事大公開 節目中，團員們也大方分享了與多位優秀音樂人合作的趣事，每一首歌都充滿了驚喜：
〈母單花(feat. Matzka)〉：當 Skyline 的拉丁融合爵士遇上 Matzka 的原住民與雷鬼靈魂，竟產生了不可思議的化學反應！Matzka 驚人的創作力讓團員超佩服，中英文版的歌詞和錄音竟然在極短的時間內就霸氣完成。
〈你是一片雲 (feat. LINION)〉：由貝斯手 Richard 寫的 Demo，交由 R&B/Neo-soul 風格的 LINION 填詞譜曲。在樂團精細的編曲包裝下，碰撞出了既都會又充滿律動的新靈魂樂。
〈都沒關係 (feat. 蘇珮卿)〉：本身精通豎琴與各種前衛風格的 Paige 蘇珮卿，打破了製作人對於這首歌曲原本的想像，最後帶來一番新的風味，意外貼合歌詞意境。
〈是夜 (feat. 艾怡良)〉：充滿微醺都會感的爵士氣息，透過艾怡良極具辨識度與歷練的嗓音詮釋，讓整首歌的氛圍感直接拉滿。
〈彼特與我 (feat. PiA吳蓓雅)〉：原先的設定經歷了大幅度的修改，最終以一種宛如「做夢」般、帶點 Bossa Nova 與迷幻色彩的風格呈現，完美貼合 PiA 的特質。
〈慢慢說 (feat. 古晧)〉：古晧老師深厚的爵士底蘊，在這首歌中展露無遺，這也是雙方首次的精彩交鋒。
〈深夜加油站的蘇格拉底 (feat. P.i.N 范品頤)〉：一首節奏緊湊、張力十足的歌曲，P.i.N 面對極具挑戰性的樂句與融合風格，交出了令人驚豔的Vocal表現。

🎧 結語：不斷突破自我的天際線 《城市之聲 City Voices》不僅是一張承先啟後的紀念專輯，更是一場盛大的音樂派對。無論你是融合爵士的老饕，還是流行音樂的愛好者，都能在這張專輯中找到屬於你的城市頻率。

想知道樂團在錄音室裡發生了哪些崩潰又好笑的「魔鬼製作」瞬間？又是哪位歌手的表現讓身經百戰的樂手們也大呼過癮？千萬別錯過本集的《音樂學什麼》！

各大Podcast平台現正熱播中，聽完節目也別忘了去各大串流平台支持 Skyline 的最新雙CD實體專輯《城市之聲 City Voices》喔！

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本集《音樂學什麼》邀請到來自「躍演劇團」的黃金陣容：製作人易衡，以及實力派演員張擎佳（佳佳）、張芳瑜、呂承祐。

經典原創音樂劇《釧兒》迎來十週年！這部講述沒落歌仔戲班、人鬼虐戀的傳奇故事，在十年後迎來了什麼樣的翻轉？從古典管弦樂轉向流行搖滾、從寫實戲台變身「賽博台客」電子花車，甚至還與人氣樂團「美秀集團」跨界合作？

四位嘉賓將在節目中大聊十年來的成長與秘辛，分享演員如何挑戰「邊哭邊唱」的高難度極限，以及新住民角色如何重新定義劇中的文化傳承。無論你是《釧兒》的老戲迷，還是第一次聽說這部劇，都不能錯過這集充滿笑聲與淚水的精彩訪談！

【本集精彩重點摘要】
🎵 1. 十週年版本的重大改編：劇情與角色的進化 去蕪存菁： 為了讓故事更聚焦於男女主角（阿強與釧兒）的情感，刪除了原本的「俊男」支線角色。 角色新賦予：從原本的陸配「范小冷」，改編為周宛怡飾演的越南新住民「珍珠」。透過一個外國人比台灣人更愛歌仔戲的原型設定，反思本土文化的流失與傳承。

🎸 2. 音樂風格的大翻轉：古典退位，搖滾上場 曲風變革： 區別於十年前的古典管弦編制，新版加入更多流行、搖滾元素，讓音樂更具現代張力。 跨界合作： 特別收錄由美秀集團吉他手修齊創作的全新單曲〈紙花〉，注入獨立樂團的生猛活力。

🎤 3. 演員的極限挑戰：語言、身段與情緒控制 歌仔戲特訓： 演員們（特別是台語不流利的佳佳）接受了嚴格的歌仔戲身段與台語咬字訓練，連「氣口」都要重新打磨。 情緒與歌唱的拉扯： 承祐與芳瑜分享在劇中需要在痛哭崩潰後，立刻轉換唱出高難度的完美高音，展現音樂劇演員驚人的身體控制力。 私房趣事： 揭露承祐作為男主角的特權——後台廁所居然有他的專屬時段？

【演出資訊】 《釧兒》十週年旗艦版將於高雄（3月）、台中（4月）巡迴演出，詳細資訊請關注躍演劇團粉絲專頁。

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你看電影或舞台劇時，是否曾留意過那些牽動情緒的背景音樂？
本集《音樂學什麼》邀請到全方位音樂人、知名配樂家——聶琳，帶著她近期發行的兩張重要專輯：電影原聲帶《我的婆婆怎麼把OO搞丟了》以及劇場配樂精選《喜劇世界》，與主持人阿P、瑪丹暢聊那些藏在音符背後的創作秘密。

電影配樂：越好笑的喜劇，音樂要越認真
在電影《我的婆婆怎麼把OO搞丟了》中，聶琳提出了一個有趣的觀點：「酸的飲料要做得很酸，甜的飲料要很甜；好笑的電影，音樂反而要做得更誇張、更認真。」

她分享了電影中幾首關鍵配樂的趣事。例如開場的〈熱氣球上的求婚〉，為了營造出宛如《鐵達尼號》般的史詩浪漫感，音樂必須極致烘托，讓隨後的反轉更具「笑果」。而為了展現蘇家婆婆的獨特性，聶琳創作了〈台南婆婆〉，刻意運用中東異國風情，讓台南農田瞬間充滿了「異域感」，展現出婆婆搞怪又可愛的一面。

訪談中也聊到許多配合劇情的巧思，像是為了配合角色從101大樓旋轉墜落的畫面，使用了帶有古典色彩的〈威廉泰爾序曲？〉；而在動作場面中，〈車震前奏曲〉則運用了拉丁節奏來表現速度與追趕的動態感。當電影走向感性結尾，〈皆大歡喜〉則溫暖地收束了全片的情感。

劇場配樂：十年磨一劍的《喜劇世界》
如果說電影配樂是為了畫面服務，那麼聶琳的另一張專輯《喜劇世界》，則是她近十年來劇場作品的靈魂濃縮。這張專輯收錄了包括吳念真、柯一正等名導的舞台劇配樂作品。

聶琳在節目中分享了幾首特別深刻的作品：
〈夜奔〉：原定使用傳統鑼鼓點，但因預算與創意考量，聶琳大膽改用非洲鼓（Djembe）來呈現京劇《夜奔》的節奏張力，展現了跨文化的創意撞擊。
〈Closer 情迷〉與〈出口〉：來自舞台劇《Closer 情迷》，聶琳與樂手們（貝斯手陳傑、鼓手江尚謙、吉他手黃宣銘）在錄音室中即興 Jam 出長達八分多鐘的爵士樂章，展現了樂手們強大的演奏能量。
〈夢迴樂園〉：這首曲子出自八仙塵爆紀錄片，音樂不僅是配樂，更是一種對受難者與家屬的撫慰，在沈痛的畫面中注入了療癒的力量。
〈隔世〉：來自經典劇作《人間條件一》，描述阿嬤靈魂上身的錯置感，音樂精準地抓住了角色「變身怪醫」般的雙重性。

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本集《音樂學什麼》特別邀請到嘉頌重奏團執行總監：單簧管演奏家暨作曲家楊元碩老師。

在音樂的世界裡，我們常追求西方古典的精髓，但楊老師選擇回望腳下的土地。這一次，他帶著與作曲家簡晟軒、以及世界頂尖的「東京佼成管樂團」跨國合作的最新專輯《樂脈 Genesis》，來到節目中分享創作背後的心路歷程。從嘉義的街頭巷尾到阿里山的深處，楊老師將單簧管化作嗩吶，用西方的樂器語彙訴說最道地的台灣故事。究竟「嗩笛」是什麼？音樂又是如何與土地連結，進而產生脈動？讓我們一起聆聽這場關於傳承、創新與土地認同的深度對話。

【本集摘要】
1.《樂脈 Genesis》的誕生與土地認同
楊元碩老師分享遷居嘉義後的觀察，音樂不應只是高高在上的藝術，而應與生活、土地產生連結。專輯收錄了多首以嘉義地景與故事為靈感的創作，如展現嘉義建城歷史的〈諸羅開城〉。

2. 來自山與海的故事與奇蹟
海線故事：〈布袋進行曲〉描繪港口的日常；而〈蕭厝庄的奇蹟〉則訴說了地方信仰帶來的平靜與希望。
山林記憶：〈多林〉呈現退休長者的生活步調；〈忽明忽暗之間〉紀錄小火車穿梭隧道的驚喜與鬼故事的趣味；最動人的則是〈42號隧道的故事〉，講述紐西蘭父親在阿里山尋子感人肺腑的真實故事。

3. 夢幻聯動：與東京佼成管樂團的合作
身為管樂迷，能與天花板等級的「東京佼成管樂團」合作是圓夢之旅。楊老師分享如何透過簡單的「跨出去」嘗試，成功促成這次頂尖樂團與台灣原創作品的火花。

4. 單簧管的在地演化：什麼是「嗩笛」？
為了呈現台灣廟會與宗教氛圍，楊老師研發出模仿嗩吶音色的單簧管演奏技法，並創作了三部曲：
嗩笛狂想一《鬧熱節慶》：捕捉廟會的喧囂與喜慶。
嗩笛狂想二《銀鷗南遷》：挑戰技術巔峰，以音景紀錄候鳥生態。
嗩笛狂想三《陳褘取經》：將西遊記與宗教旋律融入樂曲。

5. 藝術的「實用性」與大眾對話
楊老師反思現代音樂過於強調「自我」的問題，主張藝術應「容易被理解」且「創造需求」。透過將《觀世音菩薩》等熟悉旋律帶進國家音樂廳，打破古典音樂的門檻，讓更多人感受到音樂的生命力。

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