Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde exploramos juntos el poder transformador de la música y su capacidad única para conectar almas y culturas. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, de la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Aquí celebramos a quienes, como nosotros, creen que cada nota y cada ritmo son un puente hacia algo más grande.

Hoy, continuando con nuestro recorrido por la música navideña, nos adentramos en el mundo académico, un espacio donde las tradiciones se reinventan con creatividad y excelencia. Nos acercamos a VOCES8, un octeto vocal británico reconocido por su capacidad para transformar lo familiar en algo extraordinario.

Dentro de su repertorio navideño, VOCES8 incluye una cautivadora interpretación de "Santa Claus Is Coming to Town". Este clásico festivo, en un arreglo realizado por Jim Clements, adquiere un carácter nuevo y estilizado. Las armonías vocales precisas transportan la canción a un terreno donde lo secular y lo sagrado se encuentran, como en su programa Winter Tales, que celebra la conexión entre emociones universales y tradiciones musicales.

La interpretación de VOCES8 resalta por su energía y precisión. En esta versión, el grupo logra combinar la nostalgia del villancico con una ejecución técnica impecable, haciendo que resuene tanto para los amantes de la música coral tradicional como para quienes disfrutan los clásicos populares navideños.

A continuación, los invito a disfrutar de Santa Claus Is Coming to Town interpretado por VOCES8, una muestra perfecta de cómo la música puede tender puentes entre estilos, épocas y audiencias.

Gracias por acompañarnos en este viaje musical en Acercándonos a Escuchar. Hoy descubrimos cómo la música navideña puede recrearse y reinventarse, recordándonos que la Navidad, como la música, tiene espacio para todas las voces.

Si este episodio te inspiró, no olvides seguir explorando con nosotros el poder transformador de la música en futuros capítulos. Hasta la próxima, y recuerda: cada nota tiene algo que decir, y cada pausa, algo escuchar.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde juntos exploramos el poder transformador de la música y su capacidad única para conectar almas y culturas. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, de la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Aquí celebramos a quienes, como nosotros, sienten que cada nota y cada ritmo son un puente hacia algo más grande.

La música navideña, con sus raíces en tradiciones religiosas y populares, ha sido reinterpretada por artistas de todo el mundo y géneros, adaptándose a diferentes sensibilidades. Desde los villancicos clásicos hasta las versiones modernas y rebeldes, estas melodías nos recuerdan que la música siempre evoluciona con nosotros.

Hoy, iniciando diciembre, comenzaremos nuestro recorrido navideño con versiones alternativas de melodías de esta época. Así nos encontramos con "Punk Rock Christmas", un álbum compilatorio lanzado en 2015 que reúne a varias bandas de la escena punk para reinterpretar canciones navideñas clásicas y aportar un enfoque irreverente y enérgico a la festividad. Este álbum no solo reinterpreta villancicos tradicionales, sino que también refleja cómo el punk, con su espíritu contracultural, puede encontrar significado en cualquier tema, incluso en la festividad más tradicional. Cada canción en este compilado aporta una perspectiva nueva, a veces crítica, otras veces humorística, pero siempre genuina.

A continuación, escucharemos una de las canciones incluidas en esta colección: O Holy Night, reinterpretada por Hoist the Colors, una banda que mezcla el punk con influencias folk. En esta versión, la intensidad emocional del punk se une a la solemnidad del tema original, encapsulando el espíritu de rebeldía y conexión que este género puede ofrecer. Mientras escuchamos, te invito a pensar: ¿Qué emociones despierta esta interpretación en ti? ¿Cómo transforma la música que conocías en algo nuevo?

Gracias por acompañarnos en este viaje musical en Acercándonos a Escuchar. Hoy exploramos cómo la música puede transformar tradiciones y cómo, incluso en la rebeldía del punk, se esconde un deseo de conectar y celebrar. La Navidad, como la música, tiene espacio para todas las voces.

Si este episodio te inspiró, no olvides seguir explorando con nosotros el poder transformador de la música en futuros capítulos. Hasta la próxima, y recuerda: cada nota tiene algo que decir, y cada pausa, algo escuchar.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde juntos exploramos el poder transformador de la música y su capacidad única para conectar almas y culturas. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, de la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Aquí celebramos a quienes, como nosotros, sienten que cada nota y cada ritmo son un puente hacia algo más grande.

Un 27 de noviembre de 1867, nacía el compositor, profesor de música y musicógrafo francés Charles Koechlin. Miembro de una familia burguesa dedicada a la industria textil, desde joven, Koechlin mostró interés por la música y ya los quince años, intentó escribir un comentario musical inspirado en La Sirenita de Andersen. Durante su formación, asistió a la Escuela Monge y el Lycée Carnot, y fue admitido en la prestigiosa Escuela Politécnica en 1887. Sin embargo, una grave enfermedad lo obligó a abandonar sus estudios dos años después, lo que marcó un giro crucial en su vida al permitirle dedicarse por completo a la música.

Koechlin ingresó al Conservatorio de París, donde estudió con grandes maestros como Massenet y Gédalge, aprendiendo las técnicas del contrapunto y la fuga. Cuando Gabriel Fauré asumió como director del Conservatorio, reconoció rápidamente el talento de Koechlin y lo designó para impartir clases en su lugar en ciertas ocasiones. Este reconocimiento consolidó su posición como músico y maestro.

A los 23 años, compuso su primera obra publicada, Cinco Rondeles para voz y piano, que sería el inicio de una prolífica carrera. Durante sus más de 60 años como compositor, Koechlin creó una vasta colección de piezas marcadas por su amor por la libertad y su profunda conexión con la naturaleza. Él mismo describió su trabajo como un “culto al mar, las montañas, los árboles y toda la naturaleza”.

Sin embargo, las dificultades económicas lo llevaron, a los 50 años, a dedicarse a la enseñanza. Lejos de lamentarse, afirmó: “Soy mi mejor alumno”. Además de su obra musical, Koechlin escribió tratados fundamentales sobre armonía, contrapunto, y orquestación, dejando un legado tanto artístico como pedagógico.

Hoy, les invitamos a disfrutar de su pieza sinfónica Au Loin, Op. 20, interpretada por la Orquesta Filarmónica de Renania-Palatinado bajo la dirección de Leif Segerstam.

Gracias por acompañarnos en este viaje musical en Acerc. a Escuchar. Si este episodio les inspiró, no olviden seguir explorando con nosotros el poder transformador de la música en futuros capítulos. Hasta la próxima, y recuerden: cada nota tiene algo que decir, y cada pausa, algo escuchar.

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Hoy nos sumergimos en la historia de uno de los discos más icónicos del rock: Back in Black, de AC/DC, una obra que marcó un antes y un después en la música.

Lanzado oficialmente el 25 de julio de 1980, Back in Black no solo es un testimonio de resiliencia, sino también un tributo a la vida y legado de Bon Scott, vocalista original de la banda, quien falleció trágicamente en febrero de ese mismo año. Decididos a continuar su camino, AC/DC encontró en Brian Johnson la voz perfecta para inyectar nueva energía a su sonido.

Este álbum, relanzado en noviembre de 1980 en Asia y Europa, es uno de los más vendidos de todos los tiempos, con más de 50 millones de copias en todo el mundo. Temas como Hells Bells, You Shook Me All Night Long y la emblemática Back in Black no solo definieron a la banda, sino también una era del rock.

Hablemos de la canción que da título al disco: Back in Black. Escrita por Angus Young, Malcolm Young y Brian Johnson, esta pieza es mucho más que un himno del rock. Es un homenaje a Bon Scott, cuyo espíritu sigue latiendo en cada riff y cada verso. Aunque la letra no menciona su nombre, captura su esencia: la de alguien que vivió intensamente, dejando huellas imborrables en quienes lo conocieron.

El riff inicial de la canción es reconocido instantáneamente y ha sido considerado uno de los mejores en la historia del rock. No por nada, en 2004, la revista Rolling Stone la incluyó en su lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.

Ahora les invitamos a escuchar Back in Black, interpretada por AC/DC, una obra maestra que sigue inspirando generaciones y recordándonos el poder de la música para trascender cualquier barrera.

Gracias por acompañarnos en este viaje musical aquí, en Acercándonos a Escuchar. Si este episodio les inspiró, no olviden seguir explorando con nosotros el poder transformador de la música en futuros capítulos. Hasta la próxima, y recuerden: cada nota tiene algo que decir, y cada pausa, algo que escuchar.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde juntos exploramos el poder transformador de la música y su capacidad única de conectar almas y culturas. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, de la Dirección de Vinculación con el Medio, de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Aquí celebramos a quienes sienten, como nosotros, que cada nota y cada ritmo son un puente hacia algo más grande.

Hoy viajaremos al vibrante mundo del fandango, una danza que, aunque nació en España durante el siglo XVIII, cruzó el Atlántico para encontrar nuevos colores y voces en las Américas. ¿Sabías que este género no solo se convirtió en una pieza fundamental del flamenco, sino que también evolucionó en países como México, Ecuador y Colombia?

En México, especialmente en Veracruz y la región huasteca, el fandango se transformó en más que un género musical: se convirtió en una celebración comunitaria. Imagina una tarima de madera rodeada de músicos, poetas y bailadores zapateando al ritmo de las décimas improvisadas, creando una atmósfera mágica que ha perdurado por siglos.

Inspirado por esta rica tradición, el reconocido compositor Arturo Márquez recibió en 2018 una propuesta única de la talentosa violinista Anne Akiko Meyers: escribir una obra para violín y orquesta que capturara el espíritu de la música mexicana. Así nació Fandango para violín y orquesta, un concierto en tres movimientos: Folia Tropical, Plegaria (Chaconne) y Fandanguito.

Esta obra, interpretada por Anne Akiko Meyers junto a la Filarmónica de Los Ángeles bajo la batuta de Gustavo Dudamel, no solo conquistó los corazones de quienes la escucharon, sino que también obtuvo el Grammy Latino 2024 a la Mejor Obra/Composición Clásica Contemporánea. Es un ejemplo de cómo las raíces culturales pueden florecer en nuevos escenarios, llevando la esencia de una tradición a audiencias globales.

A continuación, los invito a sumergirse en el segundo movimiento de esta premiada obra, Plegaria. Una pieza que, como su nombre indica, nos envuelve en un sentimiento de introspección y devoción, recordándonos el poder de la música para elevarnos y unirnos.

Gracias por acompañarnos en este viaje musical en Acercándonos a Escuchar. No olviden seguir explorando con nosotros el poder transformador de la música en futuros episodios. Hasta la próxima, y recuerden: cada nota tiene algo que decir, y cada pausa, algo que escuchar.

Hoy nos sumergimos en la magia de una obra galardonada durante los Latin Grammy 2024, hablaremos sobre "No Me Preguntes (Live)", la canción de Draco Rosa y Jesús Quintero, reconocida como la Mejor Canción de Rock. ¿Qué hace a esta canción tan especial? Más allá de su composición, es un homenaje al legado de Quintero y una ventana hacia el universo artístico y personal de Draco Rosa.

Antes de escuchar el tema "No Me Preguntes", es importante entender el contexto detrás de esta canción. Draco Rosa, conocido por su profunda sensibilidad artística, compartió en su discurso de aceptación que esta obra tiene raíces en una experiencia significativa que vivió en Sevilla. Fue allí donde tuvo la oportunidad de compartir con Jesús Quintero, un maestro de las palabras y las ideas, conocido por sus emblemáticas entrevistas y reflexiones en España.

Draco recordó momentos en los que leía los escritos de Quintero mientras compartían vino y conversaciones que se transformaron en inspiración. Es en ese cruce de caminos entre la música y la palabra donde nació este tema.

“No Me Preguntes" no es solo una canción, sino un puente entre el rock, la poesía y la introspección, pues la música tiene la capacidad de conectar corazones y abrir nuevas puertas a la interpretación. Quizás, como decía Quintero, la clave no está en las respuestas, sino en hacernos mejores preguntas.

Gracias por acompañarnos en este viaje musical en Acercándonos a Escuchar. Los invitamos a seguir explorando el poder de la música con nosotros en futuros episodios. Hasta la próxima, y recuerden: cada nota tiene algo que decir, y cada pausa, algo que escuchar.

En esta ocasión, queremos recordar y rendir homenaje a Ana Amalia de Prusia, una figura fascinante y, en muchos sentidos, adelantada a su tiempo. Ana Amalia nació un 9 de noviembre de 1723, siendo la hermana menor de Federico II el Grande, desde muy joven sintió una atracción especial hacia la música, especialmente hacia la composición. Sin embargo, su infancia estuvo marcada por la severidad de su padre, Federico Guillermo I, quien no solo la trató con dureza, sino que además le prohibió tocar cualquier instrumento musical. Fue gracias a su madre que Ana Amalia pudo aprender música en secreto, desafiando las estrictas normas de su hogar.

El cambio en su vida llegó en 1740, cuando su hermano Federico asumió el trono. A diferencia de su padre, Federico el Grande era un amante de la música y le brindó todo el apoyo que Ana Amalia necesitaba para estudiar seriamente. Pronto empezó a recibir instrucción en el clave, la flauta y el violín, bajo la guía de algunos de los músicos más destacados de su tiempo. Este acceso a una sólida formación musical cultivó en ella una profunda autocrítica que la llevó a destruir muchas de sus propias composiciones. Sin embargo, las obras que sobrevivieron—marchas, piezas religiosas y sonatas, como su famosa Sonata en Fa mayor para oboe y órgano—muestran el talento que alcanzó.

Ana Amalia no solo fue compositora; también se convirtió en una apasionada coleccionista de partituras antiguas, algo muy poco común para una mujer en su época. Su impresionante colección incluyó obras de grandes maestros como Telemann, Händel y Bach. Hoy en día, su colección se conserva en la Biblioteca Estatal de Berlín, siendo un tesoro invaluable para la historia de la música.

A continuación, les invitamos a escuchar el Allegro ma non troppo de su Sonata en Fa mayor, interpretado por el Ensemble Augelletti, con Olwen Foulkes en la flauta dulce, Carina Drury en el violonchelo y Benedict Williams en el clavecín. Esperamos que disfruten esta pieza y encuentren en ella ese vínculo especial que Ana Amalia sentía por la música.

Gracias por acompañarnos en Acercándonos a Escuchar, donde siempre encontramos nuevas formas de acercarnos a la música y de celebrar su legado. ¡Hasta la próxima!

Hoy queremos rendir homenaje a una leyenda musical que se marchó el pasado 03 de noviembre y dejó una marca indeleble en la historia de la música. Trompetista, director de orquesta, compositor, productor musical, ejecutivo de discográfica, e incluso magnate de la industria: Quincy Jones fue todo esto y más. Ganó todos los premios imaginables, rompió récords de ventas y llevó su arte por géneros como el jazz, el R&B, el soul, la bossa nova, el pop, el rock, y hasta el rap. Su música incluso llegó a la luna y fue el productor detrás del álbum y el single más vendidos de la historia.

El impacto de Quincy Jones va mucho más allá de su impresionante producción musical. En un contexto donde el racismo y la segregación eran una realidad, él abrió las puertas de la industria musical a la comunidad negra y se dedicó a impulsar el talento de otros músicos afroamericanos. Fue una de las personas más influyentes en la música de la segunda mitad del siglo XX, trabajando con íconos como Lionel Hampton, Michael Jackson, Sinatra y Ray Charles.

En sus memorias, Quincy Jones expresó su deseo de ser recordado con una gran celebración, llena de música. Sugirió canciones especiales para ese momento: Somewhere de Aretha Franklin, How Do You Keep the Music Playing de James Ingram y Patti Austin, Kind of Blue de Miles Davis, y cualquier tema de Sinatra o Ray Charles.

Para honrar su legado, hoy escucharemos una de sus composiciones más emotivas: Miss Celie's Blues, parte del soundtrack de la famosa película El color púrpura, en la voz de Tata Vega.

Gracias por acompañarnos en Acercándonos a Escuchar, donde la música sigue encontrando caminos para acercarse a nosotros. ¡Hasta la próxima!

Hoy, les traemos una historia fascinante. Hace unas semanas, Robinson McClellan, conservador de la Biblioteca y Museo Morgan de Manhattan, encontró un manuscrito polvoriento y deteriorado en el archivo del museo. Para su sorpresa, en la esquina superior derecha, se leía un nombre familiar: Chopin.

Sin reconocer la pieza, McClellan recurrió al experto en Chopin, Jeffrey Kallberg, de la Universidad de Pensilvania, quien quedó asombrado. Tras un análisis exhaustivo del papel, la tinta y el estilo musical, se confirmó: era un vals desconocido del célebre compositor polaco, escrito entre 1830 y 1835, cuando Chopin tenía poco más de 20 años.

El pianista Lang Lang, invitado a grabar esta obra en el Steinway Hall de Manhattan, describe la pieza como "auténtico Chopin", con una apertura que evoca los inviernos de la campiña polaca. Aunque no es una obra compleja, representa el estilo puro y nostálgico del compositor.

Les invitamos a escuchar este redescubierto Vals en La menor, interpretado por Lang Lang. Gracias por acompañarnos en Acercándonos a Escuchar, donde la música sigue encontrando caminos para acercarse a nosotros. ¡Hasta la próxima!

Hoy viajamos en el tiempo hasta el 1 de noviembre de 1965, cuando el mundo escuchó por primera vez Going to a Go-Go de Smokey Robinson & The Miracles. Aunque este álbum está arraigado en el R&B y el soul, su impacto resonó más allá de su género, llegando a influir en músicos de rock y convirtiéndose en un pilar del sonido Motown.

The Miracles, liderados por la distintiva voz y poesía de Smokey Robinson, fueron llamados el “supergrupo de soul” de Motown, y no es para menos: desde su formación en los años 50 hasta su disolución en 1978, conquistaron más de 50 éxitos en las listas Billboard. Going to a Go-Go, el álbum que hoy recordamos, fue un paso importante en su carrera, siendo el primero en destacar a Robinson como parte central del nombre del grupo. La canción que da título al álbum capturó la esencia del baile "go-go," una moda en auge de los años 60, y se convirtió en un himno del momento, alcanzando los primeros lugares en las listas de pop y R&B.

Ahora los invitamos a escuchar Going to a Go-Go, interpretado por Smokey Robinson & The Miracles. Esperamos que disfruten de este viaje musical, y que esta canción los transporte a una época de fusiones, creatividad y grandes emociones.

Gracias por acompañarnos en Acercándonos a escuchar, donde la música, sin importar el tiempo, sigue encontrando caminos hasta nosotros. ¡Hasta la próxima!