Acercándonos a escuchar UACh-Sede Puerto Montt

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Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones.

Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente.

A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo.

Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt.

Solemos pensar que la composición musical exige conocimientos especializados y un importante desarrollo intelectual; que constituye un sistema de reglas que se organizan de acuerdo con una intención consciente, algo que atribuimos exclusivamente a la capacidad humana.

Sin embargo, la música, en una de sus expresiones más esenciales, también puede nacer de algo mucho más elemental: la fascinación por la vibración, por el sonido y por el eco que produce un cuerpo al interactuar con su entorno.

Y aquí aparece nuestra protagonista de hoy: Nora, una gata rescatada que descubrió el piano en el hogar de su dueña, una profesora de música.

Nora no tocaba el piano como resultado de un entrenamiento. Se acercaba al teclado y exploraba sus sonidos, especialmente las resonancias producidas por las notas graves y agudas, como si aquel instrumento constituyera para ella un refugio sensorial.

En 2009, el director y compositor lituano Mindaugas Piečaitis encontró en aquellas secuencias aparentemente espontáneas una particular musicalidad. A partir de las intervenciones de Nora, transcribió sus sonidos y creó CATcerto, una obra para gato y orquesta que combina la interpretación de la orquesta con imágenes de Nora interactuando con el teclado.

Lo que podría parecer, a primera vista, una simple curiosidad musical plantea una pregunta fascinante:

¿Dónde comienza la música?

¿Está en la intención de quien produce un sonido?

¿En la organización que posteriormente hacemos de esos sonidos?

¿O también puede estar en nuestra capacidad de escuchar, relacionar y encontrar sentido en aquello que, originalmente, no pretendía ser una obra musical?

Desde la perspectiva de la percepción sonora, esta experiencia nos recuerda algo fundamental: un sonido aislado puede adquirir significados completamente diferentes dependiendo del contexto en el que lo escuchemos.

En CATcerto, el gesto espontáneo de un animal se transforma en material musical y, posteriormente, en una experiencia artística compartida entre intérpretes y público.

Más allá de la curiosidad que provoca, la obra nos invita a pensar en la escucha como un acto creativo. Escuchar no es solamente recibir sonidos: también es establecer relaciones, reconocer patrones y otorgar significado.

Y quizás allí reside una de las grandes posibilidades del arte: descubrir música allí donde, en principio, solo parecía haber ruido, exploración o juego.

Las grandes obras no siempre surgen de las academias consagradas. A veces nacen cuando alguien es capaz de escuchar con atención aquello que otros simplemente pasan por alto.

En este caso, un compositor supo escuchar el asombro de una gata frente a un instrumento y convertirlo en una experiencia sonora que continúa despertando nuestra curiosidad.

A continuación un fragmento del Catcerto.

Les habló Aracely Rojas, y esto fue Acercándonos a Escuchar.

Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro.

Nos reencontramos en el próximo episodio. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

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Un 5 de octubre de 1961, The Shadows alcanzaba el número uno en las listas del Reino Unido con su sencillo Kon-Tiki.

The Shadows fue uno de los grupos de rock instrumental británicos más exitosos e influyentes de las décadas de 1950 y 1960. El grupo se hizo conocido inicialmente como banda de acompañamiento del cantante Cliff Richard, para luego convertirse en una agrupación fundamental en la consolidación del sonido de la guitarra eléctrica en el Reino Unido.

Kon-Tiki, una pieza instrumental compuesta por Jerry Lordan, rinde homenaje a la famosa balsa Kon-Tiki, utilizada por el explorador noruego Thor Heyerdahl en su célebre expedición de 1947 a través del océano Pacífico.

La obra contribuyó a consolidar el característico sonido de Hank Marvin y su guitarra Fender Stratocaster, con ese tono limpio, definido y penetrante que se convertiría en uno de los sellos sonoros más reconocibles de la banda.

A continuación, escucharemos Kon-Tiki.

Les habló Aracely Rojas, y esto fue Acercándonos a Escuchar.

Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro.

Nos reencontramos en el próximo episodio. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

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Un 2 de octubre de 1996 fallecía el compositor finlandés Joonas Kokkonen.

Considerado una de las figuras más importantes de la música finlandesa después de Jean Sibelius, Kokkonen estudió en la Universidad de Helsinki y posteriormente en la Academia Sibelius, donde más tarde se desempeñó como profesor de composición.

A lo largo de su trayectoria, participó activamente en importantes instituciones musicales de Finlandia y contribuyó al desarrollo de la educación artística de su país.

Su lenguaje musical atravesó distintas etapas: desde el neoclasicismo hasta el empleo de técnicas dodecafónicas, para posteriormente desarrollar un estilo personal en el que conviven elementos modernos y una marcada expresividad de tradición romántica.

Entre sus principales influencias se encuentran compositores como Johann Sebastian Bach y Béla Bartók.

Su reconocimiento internacional llegó especialmente a través de sus sinfonías, obras de cámara y música vocal, así como de su ópera más conocida, Las últimas tentaciones estrenada en 1975.

A continuación, escucharemos la tercera de sus Cinco Bagatelas para piano, titulada Aves.

Les habló Aracely Rojas, y esto fue Acercándonos a Escuchar.

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Un 28 de septiembre de 1928, nacía en una granja cercana a Memphis, Tennessee, Koko Taylor, conocida como la “Reina del Blues”, gracias a su voz áspera y poderosa y a su profundo vínculo con el blues tradicional.

Su nombre era Cora Walton. Creció en una familia humilde, escuchando música góspel en la iglesia y blues en su entorno cotidiano. Junto a sus hermanos, comenzó a cantar desde pequeña y a experimentar con instrumentos construidos de manera artesanal.

En 1952 se trasladó a Chicago junto a su esposo, Robert “Pops” Taylor, en busca de nuevas oportunidades. Allí comenzó a acercarse cada vez más a la vibrante escena del blues de la ciudad y, a finales de la década de 1950, empezó a cantar en los clubes de Chicago.

En 1962, su talento llamó la atención del legendario músico, compositor y productor Willie Dixon, quien se convirtió en una figura fundamental para el desarrollo de su carrera y la ayudó a conseguir un contrato discográfico con Chess Records.

Fue precisamente junto a Willie Dixon que llegó uno de los grandes momentos de su trayectoria: “Wang Dang Doodle”, canción escrita por Dixon y grabada por Koko Taylor en 1965 para el sello Checker, perteneciente al grupo Chess. La canción se convirtió en un gran éxito y llegó a vender alrededor de un millón de copias.

A lo largo de su carrera, Koko Taylor recibió numerosos reconocimientos. En 1985 obtuvo un premio Grammy y posteriormente fue incorporada al Blues Hall of Fame. También recibió numerosos Blues Music Awards y, en 2004, fue reconocida por el National Endowment for the Arts como National Heritage Fellow.

Su poderosa presencia escénica y su particular manera de interpretar el blues le permitieron compartir escenarios con grandes figuras del género, entre ellas Muddy Waters, Howlin’ Wolf y Buddy Guy.

Koko Taylor no solo dejó una profunda huella en el blues de Chicago. Su voz abrió también un espacio para las mujeres en una escena musical históricamente dominada por los hombres, convirtiéndola en una de las intérpretes más reconocibles del blues estadounidense.

A continuación escucharemos “Wang Dang Doodle”, uno de los grandes clásicos de Koko Taylor.

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Un 24 de septiembre de 1960 fallecía Mátyás Seiber, compositor de origen húngaro que desarrolló gran parte de su trayectoria en Inglaterra.

Seiber tuvo una formación profundamente vinculada a la tradición musical húngara. Estudió en la Academia Liszt de Budapest con dos figuras fundamentales: Zoltán Kodály y Béla Bartók. Sin embargo, su lenguaje musical no se limitó a esta tradición. A lo largo de su vida incorporó influencias del jazz, la música popular, la música ligera y las técnicas de composición de la escuela de Schoenberg, convirtiéndose en un creador de gran diversidad estilística.

Su interés por el jazz fue especialmente significativo. En el Conservatorio Hoch de Fráncfort llegó a dirigir, entre 1927 y 1933, uno de los primeros programas académicos dedicados al estudio del jazz, una iniciativa que fue clausurada con la llegada del nazismo.

En 1935 se estableció en Londres, donde desarrolló una importante labor como compositor y profesor de composición. También fundó y dirigió el coro Dorian Singers, para el que escribió numerosas obras, y colaboró con destacados intérpretes de su época.

Su producción abarcó distintos géneros: música de cámara, obras corales, canciones, música para solistas, cine y composiciones vinculadas a la llamada nueva música. Entre sus obras más reconocidas se encuentra la cantata Ulysses, además de su música para cine, especialmente sus colaboraciones con el estudio de animación Halas & Batchelor.

La trayectoria de Seiber nos muestra a un compositor capaz de transitar entre distintas tradiciones y lenguajes, construyendo una música abierta al encuentro entre culturas y estilos.

A continuación escucharemos su obra Introducción y Allegro para violoncello y acordeón.

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Desde 2014, cada tercer sábado de septiembre se celebra el Día de Batman, una fecha dedicada a uno de los personajes más emblemáticos de la cultura popular.

La celebración surgió como una iniciativa para homenajear al personaje y recordar su enorme impacto desde su debut en 1939, cuando apareció por primera vez en las páginas de Detective Comics.

Así, cada septiembre, nos sumergimos nuevamente en el universo de DC Comics y en la atmósfera oscura y misteriosa de Ciudad Gótica.

Y, por supuesto, hablar de Batman también significa hablar de música.

A lo largo de décadas, diferentes compositores han creado bandas sonoras para sus distintas adaptaciones cinematográficas. Entre ellas destaca la música de El caballero de la noche, estrenada en 2008 y compuesta por Hans Zimmer y James Newton Howard.

En esta película, los compositores se alejaron de las tradicionales marchas heroicas y construyeron una atmósfera sonora oscura, intensa y cargada de tensión psicológica.

La música combina orquesta, electrónica, texturas sonoras y recursos minimalistas para acompañar el universo de Batman, pero también para expresar la ambigüedad, el peligro y el conflicto que atraviesan la historia.

Uno de los aspectos más interesantes de esta banda sonora es precisamente que no busca presentar a Batman únicamente como un héroe, sino construir musicalmente un mundo complejo, inquietante y lleno de contrastes.

A continuación, escucharemos uno de los temas centrales de El caballero de la noche.

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En esta ocasión, y en vísperas de una nueva celebración de las Fiestas Patrias, queremos acercarnos a un compositor fundamental de la música académica chilena: Pedro Humberto Allende.

Nacido en Santiago en 1885, Allende desarrolló su carrera durante las primeras décadas del siglo XX, en un momento en que muchos compositores latinoamericanos comenzaron a preguntarse cómo construir una música que, sin alejarse de la tradición académica europea, pudiera expresar también la identidad de sus propios territorios.

En el caso de Allende, una de sus principales fuentes de inspiración fue la música tradicional chilena.

El compositor estudió y recopiló aquellas relacionadas con la tonada y otros géneros populares, y llevó algunos de sus elementos al lenguaje de la música de concierto.

Un ejemplo especialmente significativo son sus “Doce tonadas de carácter popular chileno”, escritas para piano.

Estas piezas no son simplemente transcripciones de melodías tradicionales. Allende toma elementos reconocibles de la música chilena y los transforma mediante recursos propios de la composición académica.

De esta manera, la tradición popular y la creación académica se encuentran.

Y es precisamente allí donde reside parte del interés de su música: en ese diálogo entre lo que heredamos y lo que transformamos.

La obra que escucharemos a continuación es la Tonada n.º 5, perteneciente a este conjunto de doce piezas.

Les invitamos a escucharla pensando no solamente en aquello que nos resulta familiar, sino también en la manera en que el compositor transforma esos elementos y los convierte en una nueva experiencia sonora.

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Hoy nos acercaremos a una de las bandas fundamentales de la música popular chilena: Los Prisioneros, y a un álbum que se convirtió en el retrato sonoro de toda una generación.

“Pateando piedras” es el segundo trabajo de estudio de Los Prisioneros. Fue lanzado el 15 de septiembre de 1986, en un Chile marcado por profundas transformaciones sociales, económicas y políticas.

El disco significó un importante salto en la trayectoria de la banda. Después de La voz de los '80, Los Prisioneros ampliaron su propuesta sonora incorporando con mayor protagonismo sintetizadores, baterías electrónicas y recursos propios de la new wave, acercándose a las sonoridades que en esos años circulaban desde Europa.

Pero el cambio no fue solamente musical.

Las canciones de Pateando piedras abordaron temas como la cesantía, las desigualdades sociales, la educación, el consumo, el dinero y la falta de oportunidades, convirtiendo al álbum en una especie de radiografía musical de la juventud chilena de los años ochenta.

El título del álbum está relacionado con “El baile de los que sobran”, una de las canciones más emblemáticas de la banda. Su imagen de jóvenes que, después de años de educación, quedan sin oportunidades y “pateando piedras” se transformó en una poderosa representación de la frustración y la exclusión social de toda una generación. La canción, compuesta por Jorge González, ha sido reconocida como una de las piezas fundamentales de la música popular chilena.

A casi cuatro décadas de su publicación, este trabajo discográfico continúa siendo un testimonio de una época y, al mismo tiempo, una obra que permite preguntarnos cuánto de aquellas inquietudes todavía permanece presente.

A continuación, escucharemos El Baile de los que sobran, de Los Prisioneros.

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Un 9 de septiembre de 1960 nacía el compositor y director de orquesta estonio Urmas Sisask.

Sisask compuso música religiosa y sacra contemporánea, inspirada en el canto gregoriano y en la astronomía, particularmente en los movimientos y trayectorias de los planetas del sistema solar.

Su estilo se caracteriza por un marcado pulso rítmico, el uso de armonías tonales y modales, la polifonía y la heterofonía. Sus melodías tienen influencias de la canción folclórica estonia y de la música sacra europea.

Sisask creó lo que denominó la «escala planetaria», basada en la escala pentatónica japonesa.

Además de su labor como compositor, trabajó como profesor de música y director de coros, y escribió música para teatro y bandas sonoras.

A continuación, escucharemos una obra de este compositor: Casiopea, para piano.

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Un 7 de septiembre de 1936 nacía en Lubbock, Texas, Buddy Holly, uno de los grandes pioneros del rock and roll.

Desde muy pequeño mostró interés por la música y aprendió a tocar distintos instrumentos, entre ellos el piano, el violín y la guitarra. Durante su adolescencia comenzó a presentarse junto a otros músicos y, poco a poco, su estilo fue evolucionando desde la música country y western hacia el emergente rock and roll.

En 1955 tuvo la oportunidad de compartir escenario con Elvis Presley, una experiencia que contribuyó a orientar definitivamente su camino musical. Más tarde, en 1957, formó junto a Jerry Allison, Joe B. Mauldin y Niki Sullivan The Crickets, agrupación con la que alcanzaría algunos de sus mayores éxitos.

Canciones como “That’ll Be the Day”, “Peggy Sue”, “Oh Boy!” y “Everyday” se convertirían en clásicos y contribuirían a definir el sonido del rock and roll de finales de los años cincuenta.

La carrera de Buddy Holly, sin embargo, fue extraordinariamente breve. El 3 de febrero de 1959, cuando tenía apenas 22 años, murió en un accidente aéreo ocurrido en Iowa, mientras se encontraba de gira junto a otros artistas. En el mismo accidente fallecieron Ritchie Valens y J. P. “The Big Bopper” Richardson.

A pesar de su corta trayectoria, su influencia trascendió ampliamente su época y alcanzó a generaciones posteriores de músicos. Su manera de componer, interpretar y trabajar con su banda ayudó a establecer una nueva forma de entender el rock and roll.

A continuación, escucharemos Everyday, de Buddy Holly y The Crickets.

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