Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones.

Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente.

A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo.

Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt.

Un día como hoy, 23 de agosto de 1988, se publicaba Nothing's Shocking, el primer álbum de estudio de Jane's Addiction.

Considerado uno de los discos más importantes en la consolidación del rock alternativo de finales de la década de 1980, el álbum propone una particular combinación de estilos, en la que confluyen el rock, el punk, el metal y elementos de la música psicodélica. Esta mezcla contribuyó a definir el sonido característico de la banda y a proyectarla como una de las agrupaciones más influyentes de su generación.

Canciones como "Mountain Song", "Jane Says" y "Ocean Size" se convirtieron en piezas fundamentales de un disco que dejó una profunda huella en la historia del rock alternativo.

A continuación, escucharemos Ocean Size, de Jane's Addiction.

Les habló Aracely Rojas, y esto fue Acercándonos a Escuchar.

Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro.

Nos reencontramos en el próximo episodio. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones.

Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente.

A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo.

Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt.

Un 20 de agosto de 1882, se estrenaba en Moscú una de las obras más célebres del compositor ruso Piotr Ilich Chaikovski: la Obertura 1812, Opus 49.

La obra fue compuesta para conmemorar la resistencia y victoria de Rusia frente a la invasión napoleónica de 1812. Sin embargo, detrás de esta música grandiosa y triunfal existe también una interesante historia de encargos, celebraciones y símbolos patrióticos.

La obertura fue escrita para una gran exposición realizada en Moscú en 1882, y su estreno tuvo lugar precisamente en una sala de conciertos construida para esa ocasión. Aunque suele relacionarse directamente con la Catedral de Cristo Salvador, la obra no se estrenó frente a este templo, sino en el recinto destinado a la exposición.

Musicalmente, Chaikovski construyó una especie de relato sonoro del conflicto. A lo largo de la obra incorpora melodías religiosas y populares rusas, fragmentos asociados a Francia y, por supuesto, el himno del Imperio ruso, Dios salve al zar, que adquiere un carácter triunfal hacia el final de la composición.

Pero hay un elemento que convirtió a esta obra en una de las piezas más reconocibles del repertorio sinfónico: el sonido de los cañones.

Estos aparecen en los momentos culminantes de la partitura, reforzando la representación musical de la batalla y conduciendo la obra hacia un final monumental, lleno de campanas, percusión y celebración.

La Obertura 1812 es, en ese sentido, mucho más que una obra de carácter patriótico. Es también una demostración del poder de la música para narrar acontecimientos históricos y transformar una batalla, una victoria y la memoria de un pueblo en una experiencia sonora.

A continuación, escucharemos la Obertura 1812, Opus 49, de Piotr Ilich Chaikovski, interpretada por la Filarmónica de Berlín, bajo la dirección de Claudio Abbado.

Les habló Aracely Rojas, y esto fue Acercándonos a Escuchar.

Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro.

Nos reencontramos en el próximo episodio. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones.

Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente.

A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo.

Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt.

Un 17 de agosto de 1974, el álbum 461 Ocean Boulevard, segundo trabajo de estudio de Eric Clapton, alcanzaba el número uno en Estados Unidos.

El disco marcó el gran regreso de Clapton a la música después de varios años de alejamiento de los escenarios, período en el que enfrentó una severa adicción a la heroína. 461 Ocean Boulevard se convertiría así en uno de los trabajos fundamentales de su trayectoria y en un álbum imprescindible del rock de los años setenta.

Entre las canciones más destacadas del disco se encuentra I Shot the Sheriff, escrita originalmente por el músico jamaiquino Bob Marley. La versión de Clapton se convirtió en un éxito masivo y contribuyó significativamente a popularizar el reggae entre las audiencias internacionales.

El álbum incluye también otras canciones memorables, como Let It Grow, Motherless Children y Mainline Florida.

A continuación, escucharemos I Shot the Sheriff, en la versión de Eric Clapton.

Les habló Aracely Rojas, y esto fue Acercándonos a Escuchar.

Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro.

Nos reencontramos en el próximo episodio. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones.

Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente.

A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo.

Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt.

Hoy queremos acercarnos a la obra de una compositora cuya trayectoria estuvo estrechamente vinculada a la música rusa y a las tradiciones musicales del pueblo mari: Nina Vladimirovna Makarova.

Nina Makarova nació el 12 de agosto de 1908, en Yurino, una localidad situada a orillas del río Volga, en la actual República de Mari-El, Rusia. Desde muy joven manifestó interés por la música y, posteriormente, desarrolló su formación en el Conservatorio de Moscú, donde estudió composición con el reconocido compositor Nikolai Miaskovsky.

En ese mismo entorno conoció a Aram Khachaturian, también alumno de Miaskovsky. Ambos se casaron en 1933 y compartieron una vida estrechamente ligada a la creación musical.

Su interés por las canciones populares rusas y, especialmente, por la tradición musical del pueblo mari, fue una presencia importante en su lenguaje compositivo.

Makarova no solo compuso obras para distintos formatos, sino que también incursionó en la dirección orquestal. El 12 de junio de 1947 dirigió en Moscú su propia Sinfonía.

Junto a Khachaturian participó además en la creación de música para diversas obras teatrales, entre ellas A Tale of Truth, de Margarita Aliger, estrenada en 1947, y Spring Stream, de Yu. Chepurin, presentada en 1953.

Su catálogo incluye obras sinfónicas, música de cámara, canciones, música para teatro y cine, además de obras para piano y para distintos instrumentos.

Entre ellas encontramos Recollection, o Vospominanie, una obra para violonchelo y piano compuesta en 1966.

La obra que escucharemos a continuación tiene, además, un especial interés documental: contamos con una grabación histórica en la que participa el violonchelista Evgeny Altman, acompañado al piano por la propia Nina Makarova.

A continuación, Recollection.

Les habló Aracely Rojas, y esto fue Acercándonos a Escuchar.

Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro.

Nos reencontramos en el próximo episodio. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones.

Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente.

A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo.

Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt.

Un 10 de agosto de 1985, el álbum Reckless, de Bryan Adams, alcanzaba el número uno en las listas de ventas de Estados Unidos.

Publicado el 5 de noviembre de 1984, este trabajo se convirtió en uno de los grandes éxitos del rock de la década de 1980 y consolidó a Bryan Adams como una figura de proyección internacional. Con ventas de más de 12 millones de copias y una sucesión de exitosos sencillos, el álbum alcanzó una enorme popularidad en distintos países.

Reckless es un disco construido a partir de melodías directas, estribillos memorables y una energía que conecta con la experiencia juvenil, el amor, la nostalgia y la búsqueda de libertad.

El éxito del álbum puede entenderse como el resultado de una combinación especialmente efectiva entre la energía del rock, la sensibilidad melódica y la capacidad de Bryan Adams para construir canciones cercanas y fácilmente reconocibles.

Más de cuatro décadas después de su publicación, Reckless continúa siendo un referente del rock de los años ochenta. Sus canciones siguen formando parte de la memoria colectiva y nos recuerdan cómo una propuesta aparentemente sencilla, cuando está sostenida por melodías sólidas y una interpretación convincente, puede trascender su tiempo y conectar con distintas generaciones.

A continuación escucharemos “Heaven”, uno de los éxitos más conocidos y recordados de este álbum.

Les habló Aracely Rojas, y esto fue Acercándonos a Escuchar.

Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro.

Nos reencontramos en el próximo episodio. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones.

Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente.

A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo.

Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt.

El 4 de agosto de 1892 nació en Rotterdam la compositora neerlandesa Johanna Bordewijk-Roepman, una de las creadoras más originales de la música holandesa del siglo XX.

Aunque recibió formación como pianista, estudió composición en gran medida de manera autodidacta. Con el tiempo desarrolló un lenguaje profundamente personal, alejado de las corrientes dominantes de su época. Su catálogo abarca obras para piano, música de cámara, coros, orquesta sinfónica y también piezas para carillón, el tradicional instrumento de campanas tan característico de los Países Bajos.

Su música combina una sólida escritura contrapuntística con una gran libertad armónica y un marcado sentido expresivo. Por esa razón resulta difícil encasillarla dentro de una escuela o estilo específico: su voz artística fue siempre independiente.

Durante la ocupación nazi de los Países Bajos, en la Segunda Guerra Mundial, Bordewijk-Roepman tomó una decisión de enorme valor. Se negó a inscribirse en la Kultuurkamer, la institución creada por el régimen alemán para controlar y censurar la actividad de artistas e intelectuales. Esta negativa significó renunciar a la posibilidad de ejercer oficialmente su profesión, convirtiendo su trabajo artístico en una forma de resistencia y defensa de la libertad creativa.

Tras la guerra continuó componiendo y recibió reconocimiento por la calidad y originalidad de su obra, aunque, como ocurrió con muchas compositoras de su tiempo, su música permaneció durante décadas en un relativo olvido. Hoy, gracias a nuevas investigaciones e interpretaciones, su legado vuelve a ser parte de recitales y conciertos.

A continuación escucharemos el tercer movimiento, Vivace, de su Sonata para piano.

Les habló Aracely Rojas, y esto fue Acercándonos a Escuchar.

Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro.

Nos reencontramos en el próximo episodio. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones.

Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente.

A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo.

Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt.

El pasado 29 de julio falleció, a los 56 años, el músico, compositor y actor irlandés Glen Hansard, tras un accidente de motocicleta ocurrido en las cercanías de Dublín. Su partida conmocionó al mundo de la música, que reconoció en él a un artista profundamente honesto, comprometido con sus convicciones y fiel a sus raíces.

Hansard comenzó su carrera como músico callejero en la emblemática Grafton Street de Dublín. En 1990 fundó The Frames, banda que se convertiría en una de las agrupaciones más influyentes del rock irlandés contemporáneo, con discos tan importantes como Burn the Maps.

Sin embargo, el reconocimiento internacional llegó con la película Once (2007), donde interpretó a un músico callejero junto a la pianista y cantante checa Markéta Irglová. La historia, sencilla y profundamente humana, conquistó al público gracias a su autenticidad y a una banda sonora inolvidable.

Su canción Falling Slowly obtuvo el Premio Óscar a la Mejor Canción Original en 2008, demostrando que una composición íntima podía alcanzar una dimensión universal.

Pero más allá de los premios, Glen Hansard nunca abandonó el espíritu con el que comenzó su carrera. Nacido en el barrio de Ballymun, una de las zonas más desfavorecidas de Dublín, mantuvo siempre un fuerte compromiso social. Cada Nochebuena regresaba a Grafton Street para participar en el tradicional concierto solidario en beneficio de personas en situación de calle, acompañado por artistas como Bono y numerosos músicos irlandeses. Su vida fue un recordatorio de que la música también puede ser un acto de comunidad, solidaridad y esperanza.

A continuación escucharemos su composición más conocida, Falling Slowly, una canción que habla de encuentros, vulnerabilidad y del poder transformador de la música.

Les habló Aracely Rojas, y esto fue Acercándonos a Escuchar.

Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro.

Nos reencontramos en el próximo episodio. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones.

Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente.

A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo.

Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt.

En este episodio viajaremos hasta uno de los relatos fundacionales de la cultura occidental: La Odisea de Homero, ahora reinterpretada por el director Christopher Nolan y acompañada por la música del compositor sueco Ludwig Göransson, uno de los creadores sonoros más influyentes del cine actual.

Después de Oppenheimer, Göransson vuelve a colaborar con Nolan, pero esta vez enfrentando un desafío muy distinto: construir un paisaje sonoro que evoque un mundo de hace casi tres mil años. Para ello, la banda sonora prescinde en gran medida de la gran orquesta tradicional y explora instrumentos inspirados en la Antigüedad, voces, percusiones y texturas contemporáneas que buscan acercarnos a un universo antiguo con un lenguaje profundamente actual.

Como suele ocurrir con este tipo de propuestas, la película no ha estado exenta de controversias. Se han discutido decisiones desde el reparto hasta las libertades que Nolan se permite al reinterpretar un texto que lleva casi tres milenios siendo leído, traducido y debatido. También la música, pues para algunos resulta una propuesta innovadora y valiente ypara otros, una banda sonora demasiado contenida en comparación con trabajos anteriores del compositor.

Pero quizás ahí reside uno de los aspectos más valiosos del arte: su capacidad para generar conversación. Una obra que provoca preguntas, desacuerdos y nuevas lecturas sigue estando viva. El problema no es que existan críticas; el verdadero problema sería que dejáramos de dialogar sobre aquello que vemos, escuchamos o leemos.

En tiempos en que las redes sociales suelen reducir las discusiones a un "me gusta" o "no me gusta", resulta necesario recuperar espacios donde las diferencias puedan convertirse en aprendizaje. La crítica fundamentada no destruye una obra; la enriquece. Nos obliga a mirar con más atención, a escuchar con mayor profundidad y, sobre todo, a reconocer que ninguna creación artística pertenece por completo a su autor una vez que llega al público.

Les invitamos a escuchar de esta banda sonora Odiseo.

Les hablo Aracely Rojas y esto fue Acercándonos a Escuchar. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro.

Nos reencontramos en el próximo episodio. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones.

Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente.

A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo.

Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt.

Hoy nos detenemos en un disco que transformó el sonido del rock: Highway to Hell, de la banda australiana AC/DC, publicado un 27 de julio de 1979.

A fines de la década de los setenta, el rock vivía un momento de cambios. Mientras el punk irrumpía con fuerza y la música disco dominaba las pistas de baile, AC/DC seguía apostando por un sonido directo, potente y sin concesiones. Con riffs memorables, una base rítmica contundente y la inconfundible voz de Bon Scott, el grupo encontró en Highway to Hell el equilibrio perfecto entre la energía del hard rock y una producción más refinada.

Canciones como Touch Too Much y, por supuesto, Highway to Hell, se convirtieron rápidamente en clásicos.

Aunque muchos interpretaron el título como una referencia a temas oscuros o provocadores, la realidad era mucho más cotidiana. Para Bon Scott, la "autopista al infierno" era una forma de describir las interminables giras, el agotamiento de la vida en la carretera y, según otra conocida anécdota, una peligrosa carretera cercana a Perth donde eran frecuentes los accidentes. Como suele ocurrir con el rock, la metáfora terminó siendo más poderosa que cualquier explicación.

Sin saberlo, la banda estaba grabando un disco que marcaría el final de una etapa. Apenas unos meses después de su lanzamiento, en febrero de 1980, Bon Scott falleció inesperadamente a los 33 años. Highway to Hell se convirtió así en el último álbum de estudio que grabó junto a AC/DC, otorgándole un significado aún más especial para sus seguidores.

Lejos de desaparecer, la banda decidió continuar. Ese mismo año incorporó al cantante Brian Johnson y publicó Back in Black.

Les invitamos a escuchar Highway to Hell, no solo como un himno del rock, sino como el testimonio del talento de una banda que supo transformar la intensidad de la carretera en una de las obras más influyentes del siglo XX.

Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro.

Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar.

Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones.

Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente.

A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo.

Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt.

Un 11 de julio de 1981, el sencillo Ghost Town de The Specials alcanzaba el número uno en el Reino Unido.

Formada en 1977, The Specials fue una de las bandas más influyentes del movimiento 2 Tone, corriente musical que fusionó el ska jamaicano con la energía del punk y que promovió un potente mensaje de integración racial y compromiso social. Junto a grupos como Madness y The Selecter marcaron el sonido de toda una generación.

Más que un éxito de ventas, Ghost Town se transformó en el retrato sonoro de una Inglaterra golpeada por el desempleo, los cierres de fábricas y la tensión social. Su atmósfera inquietante y su letra reflejaban el descontento de miles de jóvenes, convirtiéndose en el verdadero himno de una época.

La influencia de The Specials ha impulsado a numerosas bandas alrededor del mundo, desde Rancid y Kortatu hasta No Doubt, pasando por los argentinos Karamelo Santo, Los Fabulosos Cadillacs y Los Pericos.

A continuación, escucharemos su canción más emblemática: Ghost Town.

Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro.

Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar.

Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.