Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones.

Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente.

A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo.

Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt.

Un 1 de julio de 1955 nacia el compositor iraní Behzad Ranjbaran. Formado inicialmente en Teherán y posteriormente en Estados Unidos, en la Universidad de Indiana y la Escuela Juilliard de Nueva York, Ranjbaran ha desarrollado un lenguaje musical que integra la tradición sinfónica occidental con los ritmos, melodías y colores de la música persa.

Su obra está profundamente inspirada en la literatura y la historia de Irán. Entre sus composiciones más reconocidas destaca la Trilogía persa, basada en episodios del Shahnameh o Libro de los Reyes, la gran epopeya nacional persa. Sus partituras han sido interpretadas por importantes orquestas y dirigidas por destacados maestros, consolidando su presencia en la música contemporánea.

A continuación escucharemos Amanecer, tercer movimiento de su Trilogía persa

Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro.

Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar.

Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones.

Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente.

A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo.

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Un 23 de junio de 1956 fallecía el compositor ruso Reinhold Glière. Formado en el Conservatorio de Moscú, desarrolló una destacada carrera como compositor, director y docente. Tras la Revolución Rusa alcanzó un lugar relevante en la vida musical soviética, impulsando la incorporación de elementos del folclore de diversas regiones en sus composiciones.

Entre sus obras más reconocidas destacan el ballet La Amapola Roja, la Sinfonía n.º 3 "Ilya Muromets" y El jinete de bronce. Aunque parte de su producción estuvo vinculada a encargos oficiales del régimen soviético, su legado como compositor y maestro fue significativo, influyendo en figuras como Serguéi Prokófiev, Aram Khachaturian y Nikolái Miaskovski.

A continuación escucharemos su célebre Danza de los Marineros Rusos, perteneciente al ballet La Amapola Roja.

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En el contexto del We Tripantu, el Año Nuevo Mapuche, celebración que coincide con el solsticio de invierno en el hemisferio sur y que marca el inicio de un nuevo ciclo de la naturaleza. Días donde las comunidades mapuche celebran el regreso gradual de la luz, la renovación de la vida y el fortalecimiento de los vínculos con la tierra, el agua, los antepasados y la comunidad, nos acercaremos al rock mapuche, una expresión musical que surge con fuerza durante la década de 1990 en el sur de Chile como una forma de resistencia cultural, reivindicación identitaria y revitalización lingüística. A través de la fusión entre el rock y el metal con elementos propios de la cultura mapuche, como el uso de instrumentos tradicionales —entre ellos el kultrún y la trutruca—, la incorporación del mapudungún y referencias a la cosmovisión ancestral, diversas agrupaciones han construido un lenguaje artístico que dialoga entre la tradición y la contemporaneidad.

Desde esta perspectiva, el rock mapuche puede entenderse también como una manifestación de renovación cultural: una música que, al igual que el We Tripantu, reafirma la continuidad de un pueblo, su lengua y sus saberes, adaptándose a nuevos contextos sin perder la conexión con sus raíces.

A continuación, les invitamos a escuchar Meli Witxan, de uno de los grupos pioneros en este género Mawisa.

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Un 16 de junio de 1940 falleció en el exilio, en Francia y a la temprana edad de veinticinco años, Vítězslava Kaprálová (1915–1940). Esta destacada música, que se encontraba en los inicios de lo que prometía ser una brillante carrera internacional como compositora y directora de orquesta, logró crear durante su corta vida más de cincuenta obras, muchas de ellas publicadas. Además, dirigió orquestas en Praga, Londres y París, recibió elogios de la crítica especializada en toda Europa y fue galardonada con el Premio Smetana de la Fundación Bedřich Smetana.

En vísperas de la invasión nazi de Checoslovaquia, Kaprálová abandonó su país natal para continuar sus estudios en París junto al compositor checo Bohuslav Martinů. Durante aquellos años desarrolló una intensa actividad creativa, explorando diversos lenguajes compositivos que iban desde el nacionalismo de inspiración folclórica hasta el neoclasicismo influido por Igor Stravinsky. Al mismo tiempo, cultivó un lenguaje moderno cercano a las búsquedas estéticas de su maestro.

Poco antes de la ocupación nazi de Francia, Kaprálová enfermó gravemente. Su esposo, Jiří Mucha, con quien llevaba casada apenas unos meses, la trasladó desde París a Montpellier con la esperanza de que pudiera recuperarse. Sin embargo, cuando las tropas alemanas avanzaban sobre Francia y París caía bajo el dominio nazi, Vítězslava Kaprálová falleció, dejando tras de sí una obra breve pero extraordinariamente significativa para la música del siglo XX.

A continuación escucharemos el Minuetto, perteneciente a su Suite Miniatura.

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Las fusiones culturales han sido una constante en la historia de la música. Desde el encuentro entre tradiciones populares y académicas hasta la incorporación de nuevas tecnologías y sonoridades globales, la creación musical ha encontrado en el diálogo entre culturas una fuente inagotable de renovación. Estas fusiones no solo permiten preservar herencias musicales, sino también resignificarlas y proyectarlas hacia nuevas generaciones y audiencias.

Un interesante ejemplo de este fenómeno es SOME≡LINEZ , un innovador trío japonés que ha logrado acercar la música tradicional de su país a públicos contemporáneos mediante una propuesta artística dinámica y original. El grupo combina el sonido ancestral del shamisen —instrumento de cuerda fundamental en diversas tradiciones musicales japonesas— con recursos modernos como el beatbox, bases rítmicas actuales y una puesta en escena cargada de energía.

La propuesta de SOME≡LINEZ demuestra cómo las tradiciones pueden mantenerse vivas mediante la transformación creativa.

La obra que escucharemos a continuación, Karasu —palabra que en japonés significa “cuervo”—, refleja esta búsqueda artística, combinando elementos de la música tradicional japonesa con lenguajes musicales contemporáneos en una interpretación vibrante y llena de fuerza expresiva.

A continuación, los invitamos a escuchar Karasu, interpretada por SOME≡LINEZ

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Un 8 de junio de 1924 nació Leni Alexander, compositora y escritora de origen polaco, nacionalizada chilena. Considerada una de las figuras más importantes de la composición en Chile durante el siglo XX, debió huir del régimen nazi en 1939 obteniendo la nacionalidad chilena en 1951.

Sus primeras obras datan de fines de la década de 1940 e incluyen canciones y música de cámara. Fue alumna de Fre Focke y se integró a las vanguardias musicales de los años cincuenta, desarrollando posteriormente una prolífica producción que abarca música sinfónica, obras de cámara; cantatas; lieder; y música incidental para teatro, ballet, cine y espectáculos de mimo.

A ello se suman sus innovadoras creaciones radiofónicas, en las que amplió las posibilidades expresivas del medio y desarrolló una serie de obras que denominó teatro para escuchar o hörspiel. En ellas cuestionó y transformó profundamente el formato tradicional del radioteatro. Entre estas obras destaca Par quoi? À quoi? Pour quoi? (1971), para mezzosoprano, voces habladas de niños, ensamble instrumental y soporte electrónico, estrenada ese mismo año en la Bienal de Zagreb y considerada el punto de partida de esta línea creativa.

A continuación escucharemos dos fragmentos de Ciudades Fantasmas, obra perteneciente a esta serie de teatro para escuchar.

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Hoy dedicamos este episodio a la figura de Carlos Alberto Solari, más conocido como el Indio Solari, músico, cantante y poeta argentino, reconocido como una de las voces más influyentes del rock latinoamericano y quien falleció el pasado viernes 05 de junio.

Nacido en 1949 y criado en la ciudad de La Plata, Solari fundó junto al guitarrista Skay Beilinson la emblemática banda Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. Con discos como Oktubre, Un baión para el ojo idiota y Luzbelito, el grupo marcó a generaciones de oyentes y construyó un repertorio que hoy forma parte de la memoria colectiva de Argentina y América Latina.

Sus canciones trascendieron por la fuerza de sus letras, cargadas de crítica social, poesía y reflexión, dejando frases que aún resuenan en la cultura popular. Tras la disolución de la banda en 2001, Solari continuó su carrera junto a Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado, con quienes publicó cinco álbumes y protagonizó multitudinarios conciertos.

En sus últimos años, la enfermedad de Parkinson lo llevó a reflexionar con frecuencia sobre el paso del tiempo, la fragilidad y la muerte, temas que también encontraron espacio en su obra.

A continuación, escucharemos una de sus canciones más emblemáticas: La Bestia Pop.

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Un 2 de junio de 1909, nacía el compositor escocés Robin Orr, destacado músico, organista, docente y gestor cultural. Formado en el Royal College of Music y en la Universidad de Cambridge, desarrolló una extensa trayectoria académica en dicha universidad y en la de Glasgow, además de desempeñar un importante papel en el desarrollo de la ópera en Escocia como fundador de la Scottish Opera.

La música de Robin Orr se caracteriza por combinar la energía rítmica y la claridad formal inspiradas en compositores como Stravinsky y Bartók, con un lenguaje personal y expresivo. Su catálogo incluye tres sinfonías, música coral, obras sacras, composiciones vocales y tres óperas que destacan por su fuerza dramática y refinada escritura musical.

Reconocido por su sensibilidad hacia la literatura y por su meticuloso trabajo compositivo, Robin Orr dejó una valiosa contribución a la música británica del siglo XX. Falleció en Cambridge el año 2006.

A continuación, escucharemos su Obertura Italiana.

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Hoy recordamos a Bo Diddley, compositor, cantante y guitarrista estadounidense, considerado una de las figuras fundamentales en el nacimiento del rock and roll. Con una propuesta innovadora que unió el blues, el rhythm and blues y las raíces musicales afrodescendientes, desarrolló un lenguaje sonoro propio que transformó para siempre la música popular.

Conocido como The Originator, fue creador del célebre Bo Diddley beat, un patrón rítmico inconfundible que inspiró a generaciones de artistas y que aún resuena en innumerables canciones. Su estilo de guitarra, su energía escénica y su permanente búsqueda de nuevos sonidos lo convirtieron en una referencia para músicos como Buddy Holly, Elvis Presley y The Rolling Stones.

A lo largo de más de cinco décadas de trayectoria, Bo Diddley dejó una huella profunda en la historia de la música, siendo reconocido con su ingreso al Salón de la Fama del Rock and Roll y diversos premios a su trayectoria. Su legado nos recuerda cómo una idea musical puede trascender fronteras, conectar culturas y abrir caminos para las generaciones futuras.

A continuación escucharemos de este importante músico I'm a Man.

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Hoy recordamos a la compositora escocesa-estadounidense Thea Musgrave, nacida el 27 de mayo de 1928. Formada en la Universidad de Edimburgo y posteriormente en París junto a Nadia Boulanger, Musgrave desarrolló una obra marcada por la exploración sonora, el dramatismo y la innovación escénica. Desde sus primeras composiciones inspiradas en elementos escoceses y medievales, evolucionó hacia lenguajes más contemporáneos, incorporando cromatismo, serialismo y recursos electrónicos.

Su catálogo incluye óperas, ballets, conciertos y música de cámara, destacando obras donde el espacio y el movimiento forman parte de la experiencia musical, como su Concierto para Clarinete y el Concierto para Trompa. A lo largo de su carrera, también se desempeñó como directora y docente en Estados Unidos.

Cuando le preguntaban sobre su experiencia como compositora, respondía: “Sí, soy mujer y soy compositora. Pero rara vez ambas cosas a la vez”.

A continuación escucharemos el primer movimiento, Otoño, de su obra Las Estaciones.

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