Ce 10 mars 2000, cela fait déjà trois mois que nous vivons cette fameuse année 2000 et je dois dire qu’on est, rétrospectivement, un peu déçus. C’est vrai, certains ont beau avoir un ordinateur au bureau, c’est pour le courrier surtout. Google est un bébé de deux ans, ceux qui ont un PC à la maison, ils entendent d’abord leur ligne téléphonique chanter avant qu’il ne se connecte, mais bon à part le GSM, on se demande où est ce monde moderne de l’an 2000 que nous promettait la Science Fiction depuis 1950.

Cela dit, en arrivant au bureau ce matin, et en ouvrant Outlook pour voir si on a reçu un de ces incroyables mais encore rares messages qu’on appelle des emails, certains d’entre vous sont interpellés en lisant : I LOVE YOU.

Waouw ! Mais qui peut bien m’envoyer un message d’amour ? Et là, vous voyez le nom de celui ou celle qui vous l’a envoyé. Quoi ? Je ne le ou la savais pas timide à ce point. Et voilà que, n’en pouvant plus de subir mon irrésistible charme à longueur de journée, il ou elle m’envoie un message. Alors, … ben vous cliquez sur le fichier au nom poétique, LOVE-LETTER-FOR-YOU.TXT.vbs, et crac ! Ce programme vole votre mot de passe en écrasant vos fichiers et s’auto-envoie à tout votre carnet d’adresses.

En quelques jours, 45 à 50 millions d’ordinateurs sont infectés par le tristement célèbre premier virus informatique ravageur de l’histoire qui va bouffer jusqu’aux serveurs de la CIA, du parlement britannique et de notre système bancaire en Belgique.

On va découvrir très vite que le coupable est un étudiant philippin qui voulait juste voler des mots de passe de connexion internet pour permettre à ceux qui n’avaient pas d’argent de se connecter gratuitement. Il ne sera jamais poursuivi car dans son pays, aucune loi ne condamnait alors la cybercriminalité. En tout cas, ce 10 mars 2000, c’est déjà la fin de l’innocence pour les internautes car on découvre que ce n’est pas parce qu’un message dit Je t’aime qu’il nous veut du bien, et que l’amour, même virtuel, peut coûter très cher.

Les filles, une question : est-ce que vous avez eu une poupée Barbie ?

Et bien c’est son anniversaire, aujourd’hui, l’occasion de rappeler que ça a été une première, une révolution quand elle est apparue ce 9 mars 1959.

Parce que jusque-là, la poupée, c’est un bébé ou une petite fille. Pourquoi ? Pour jouer à la maman. Les garçons jouent à la guerre, et les petites filles à la maman. Oui, je sais, et quand ils jouent ensemble, c’est au docteur. Mais bon, revenons à ce 9 mars 1959 où à la Foire professionnelle du jouet de New York, Madame Ruth Handler présente son idée avec un enthousiasme que le personnel de son entreprise, Mattel, ne partage pas. Personne n’y croit. Une poupée qui n’est pas une enfant mais une jeune adulte, belle, sexy, à laquelle elle donne le prénom de sa fille, Barbara, son diminutif plutôt, “Barbie”.

Elle est vêtue d’un maillot de bain rayé noir et blanc, avec ses cheveux blonds en queue-de-cheval, elle est maquillée et surtout, c’est ce qui frappe, on voit à son regard qu’elle est sûre d’elle. Son nom complet, Barbara Millicent Roberts, est déjà imprimé. L’idée de Ruth Handler est simple : permettre aux petites filles de se projeter dans l’avenir, d’imaginer leur vie adulte autrement que mère de famille mais actrice, hôtesse de l’air, médecin, astronaute.

Mais le moins qu’on puisse dire, c’est que ce 9 mars 1959, à New York, Barbie ne fait pas l’unanimité : les commerçants trouvent sa taille trop audacieuse, trop sexy, c’est provocant pour l’époque. Mais madame Mattel, “el” comme Elliot, son mari, Matt le surnom de son associé, ne se laisse pas démonter, elle est un peu comme Tom Hanks dans Big, elle sait ce que les petites filles veulent et en effet, en un an, plus de 300 000 Barbie ont trouvé un foyer.

Deux ans plus tard, Barbie aura un fiancé, Ken. Kenneth est le fils de Ruth Handler et depuis, plus d’un milliard de Barbie ont accompagné l’enfance de petites filles et de petits garçons aussi.

Ce 6 mars 1967, une femme pousse la porte de l’ambassade des États-Unis à New Delhi, en Inde. Rien d’extraordinaire… sauf son nom : Svetlana Allilouïeva.

Et là, c’est la stupeur totale. Car Allilouïeva, c’est le nom de sa mère. Son père, lui, s’appelait Joseph Staline. Oui, le Staline, le maître absolu de l’Union soviétique pendant près de trente ans. Et sa propre fille vient demander l’asile politique aux Américains. En pleine guerre froide. Autant dire : bombe diplomatique.

Imaginez la scène.

Nous sommes dans un monde coupé en deux :

🌍 À l’Ouest : le rock, le cinéma, les jeans.

🌍 À l’Est : l’URSS, les dirigeants en manteaux gris et les discours interminables.

Et voilà que la fille du symbole même du régime soviétique frappe à la porte du camp d’en face.

Officiellement, elle est venue en Inde pour disperser les cendres d’un ami indien qu’elle a connu à Moscou. Mais dans le bureau de l’ambassade, elle explique calmement qu’elle ne veut plus retourner en URSS. Elle veut écrire librement, vivre sa vie, sortir de l’ombre de ce père qui fut l’un des dictateurs les plus redoutés du XXe siècle.

Les diplomates américains comprennent immédiatement qu’ils tiennent une affaire gigantesque.

En quelques heures, tout s’organise. Discrètement, Svetlana quitte l’Inde pour la Suisse. Mais dès qu’elle est en sécurité, la presse mondiale s’emballe :

📰 “La fille de Staline choisit l’Amérique !”

📰 “La fille du dictateur passe à l’Ouest !”

Au Kremlin, on imagine assez bien l’ambiance.

La suite ressemble à un roman d’espionnage : nouvelle vie aux États-Unis, livres, déménagements incessants… Dans les années 80, elle retourne brièvement en URSS pour revoir ses enfants, avant de repartir définitivement vers l’Ouest avec l’accord de Gorbatchev.

Une histoire incroyable. Même James Bond n’aurait peut-être pas osé l’inventer.

Est-ce que le nom ZX81 vous dit quelque chose ? Pour beaucoup, c’est un souvenir un peu flou… mais ce 5 mars 1981, ce petit rectangle noir exposé dans les vitrines des magasins d’électroménager va marquer un tournant : l’ordinateur arrive à la maison.

Quand les gens voient la boîte, ils demandent au vendeur :

 — “C’est quoi ce truc ?”

 — “Un ordinateur domestique.”

 — “Un ordinateur ? Mais il est pas plus grand qu’un livre !”

 — “Oui, et il se branche directement sur votre télévision.”

À l’époque, c’est presque de la science-fiction. Les ordinateurs, on les imagine immenses, dans les universités ou les centres de recherche : des machines grandes comme des armoires, pleines de câbles et de boutons, capables de calculer des trajectoires de fusées. À la maison ? Pourquoi faire ?

C’est pourtant le pari d’un inventeur britannique obstiné : Clive Sinclair. Il est convaincu que l’informatique doit sortir des laboratoires et entrer dans le quotidien. Son ZX81 promet d’apprendre à programmer, d’écrire des textes, de faire des calculs… et même de créer de petits jeux.

Alors on rentre chez soi, on déballe la machine, on branche le câble derrière la télé… et l’écran affiche un simple curseur clignotant.

Pas de souris.

Pas de menu.

Pas d’icônes.

Juste un clavier plat où il faut appuyer très fort pour que la lettre s’affiche. L’image saute, la télé du salon est monopolisée, et la famille râle : “Tu peux arrêter avec ton truc qui sert à rien ?”

Certains s’accrochent pourtant. Ils apprennent le langage BASIC, programment des labyrinthes, des calculatrices maison, des petits jeux rudimentaires en noir et blanc.

D’autres abandonnent après quelques soirées : trop lent, trop compliqué, pas vraiment amusant tout de suite.

Beaucoup de ZX81 finiront dans un tiroir… mais ils auront laissé une impression étrange : celle d’avoir, ce 5 mars 1981, touché du doigt le futur.

Un futur qui allait s’appeler le monde numérique.

Ce 4 mars 1848, nous sommes dans une pension modeste du centre-ville, entre Sainte-Gudule et la Place Royale, où une chambre s’éclaire dès avant l’aube. Elle est occupée depuis quelques jours par un certain Karl Marx avec sa famille. Il s’y était en fait planqué quand il avait appris que la police belge le recherchait.

Marx, c’est un journaliste allemand, connu pour ses textes politiques révolutionnaires. Il a longtemps vécu à Ixelles, qui est alors un faubourg campagnard, puis est venu vivre au centre de Bruxelles, pour y fréquenter les salons des exilés et des imprimeurs.

Car c’est à Bruxelles qu’il vient d'écrire et de publier le Manifeste du parti communiste. Gonflé le gars, car on lui avait accordé l’asile politique en Belgique à condition qu’il ne se fasse pas remarquer. Imaginez quand Léopold Iᵉʳ apprend ça, lui qui fait tout pour maintenir son jeune pays à l’écart des révolutions qui secouent les pays voisins. Ca ne peut plus durer, il se moque de nous et il nous met en danger : dehors ! Marx va donc être expulsé. Mais bon, on n’est pas des sauvages, hein, en Belgique ! Et donc, imaginez la scène. La rue devant la pension de famille encore calme, avec une voiture à cheval et deux agents en manteau sombre qui attendent. Les bagages sont vite chargés et Karl Marx quitte le cœur de Bruxelles en regardant ses façades néoclassiques qui côtoient les ruelles encore médiévales.

Il se dirige vers la Gare du Midi qui est toute neuve et ne ressemble évidemment pas à celle d’aujourd’hui ni la précédente, c’est une petite maison de briques rouges qu’on nomme la Station des Bogards. Il prend le train pour Paris d’où justement, le roi Louis Philippe vient de filer en douce, des révolutionnaires républicains sont revenus au pouvoir.

L’expulsion de Belgique de Karl Marx un 4 mars, c’est drôle, même si ses idées le sont moins, en tout cas, à Paris, il va se sentir chez lui.

Vous vous êtes déjà dit devant un film : “Ça, c’est bien du cinéma américain ! Happy end obligatoire, le méchant puni, la famille sacrée…” Eh bien figurez-vous que ça n’a pas toujours été comme ça.

Au début du cinéma, c’était tout l’inverse. Regardez les films muets :

🎩 Charlie Chaplin distribue baffes et coups de pied,

🍻 Laurel & Hardy passent leur temps au bistrot loin de leurs femmes,

💰 les riches sont corrompus, alcooliques, sans morale.

Et en coulisses, à Hollywood, c’est encore plus sulfureux : fêtes débridées, drogue, adultères… Un acteur comique jugé pour meurtre, un réalisateur assassiné… Bref, le scandale permanent. La presse se régale, les ligues religieuses grondent, certaines associations menacent même de boycotter les films.

Alors imaginez la scène.

📍 Los Angeles, 3 mars 1930.

Autour d’une grande table : les patrons des cinq grands studios – Warner, RKO, Fox, MGM et Paramount. À leur tête, Will Hays, ancien ministre des Postes, puritain convaincu. Son message est clair :

“Si on ne s’impose pas des règles nous-mêmes, Washington le fera à notre place.”Et voilà comment naît le célèbre Code Hays.

Les nouvelles règles ?

• ❌ Pas de sexualité explicite
• ❌ Pas de gangsters séduisants
• ❌ Pas de méchants qui s’en sortent
• ✅ Respect des institutions
• ✅ Famille glorifiée
• ✅ Le crime doit toujours être puni

En gros : moralité, ordre et vertu à l’écran.

Tout le monde signe. Belle unanimité. Sauf que… il n’y a aucun organisme pour contrôler tout ça. Résultat ? À peine rentrés dans leurs bureaux, les studios continuent comme avant. Parfois même pire.

Il faudra attendre 1934, sous la pression des milieux religieux et en pleine crise économique, pour qu’une vraie autorité soit créée afin d’imposer le code. Et là, Hollywood va entrer pour près de trente ans dans l’ère du cinéma “propre”, où le bien gagne toujours à la fin.

Comme quoi, ce 3 mars 1930, ce n’est pas juste une réunion de producteurs. C’est le jour où Hollywood décide officiellement de se donner une conscience… même si elle mettra un peu de temps à fonctionner. 🎬

Je vais vous emmener assister au truc le plus hallucinant auquel on ait assisté, c’est fantastique, diront les journalistes ! Oui, ce 2 mars 1933, nous allons aller à la sortie du premier blockbuster de l’Histoire. Car non, ce n’est pas Les dents de la mer, comme le prétendent certains, et Spielberg, en bon passionné de cinéma qu’il est, le sait très bien.

En clair, une jeune société, la RKO Pictures, rencontre des difficultés à cause de la Grande Dépression qui frappe l’Amérique. Ben oui, les gens préfèrent manger que d’aller au cinéma. Pas de bol : RKO est partenaire du nouveau Radio City Music Hall, immense salle de près de 6000 places, aujourd’hui un des hauts lieux du tourisme à Manhattan. Et donc, avec un bateau pareil, il ne faut pas se louper quand on produit des films chers comme celui qu’il vient de tourner.

RKO possède aussi des radios et donc s’en sert en diffusant un spot qui promet un film spectaculaire, musical et terrifiant, : King Kong. Dans les journaux, une affiche effrayante montre un gorille géant dominant une ville en panique. Objectif : annoncer une première gigantesque ce 2 mars 1933, simultanément au Radio City Music Hall et au Roxy, juste en face, capacité cumulée : 10.000 sièges.

Et ce soir, le spectacle commence déjà hors de la salle. Les projecteurs qui, à Hollywood, éclairent les étoiles, ici illuminent les gratte-ciel comme en plein jour. La Sixième Avenue est une vaste scène avec plus de dix mille personnes sur ses trottoirs : invités, journalistes, curieux. Avec des affiches gigantesques, un dinosaure grandeur nature, un King Kong de quatre mètres qui domine la foule. C’est dingue !

Et puis on entre. Des halls immenses, marbre brillant, ferronneries cuivrées, escaliers qui montent, ce n’est plus une salle, c’est un palais de cinéma. Un spectacle musical tribal ouvre la soirée puis vient enfin le film. Quand Kong apparaît, des gens crient. Et quand il tombe de l’Empire State Building il n’y a plus un bruit. On raconte que des spectateurs sortent bouleversés, que certains enfants n’oseront pas éteindre la lumière ce soir-là. Résultat : malgré la crise, plus de 50 000 entrées dès ce 3 mars 1933 pour les deux salles.

Ce 27 février 1973, direction Wounded Knee, un lieu dont on va entendre parler au Journal Télévisé et qui va marquer une partie de la jeunesse en Europe, posez la question à ceux qui étaient en âge. Si vous cherchez Wounded Knee sur une carte, vous verrez surtout des maisons basses perdues au milieu des plaines du Dakota du Sud, des routes poussiéreuses, bref un village paumé dans la réserve de Pine Ridge, plus connu comme étant une vieille page honteuse de l’histoire américaine, un massacre d’Indiens.

Ce matin, des pick-up arrivent, emmenés par deux gars, Russell Means et Dennis Banks de l’American Indian Movement, ceux qui viennent d’inventer le mot très parlant American Natives. Ils sont là, avec leurs signes distinctifs traditionnel, pour protester, dénoncer la pauvreté organisée de leurs familles, les tensions dans la réserve et la manière dont ils sont gouvernés.

Alors ils dressent des barrages avec des voitures et tout ce qu’ils trouvent. Le village est fermé. Très vite, la tension monte. D’un côté, des militants qui réclament qu’on respecte leurs droits et les traités. De l’autre, des agents fédéraux et les autorités qui ne craignent que le mouvement s'étende.

Dans une maison transformée en quartier général, Russell Means parle aux journalistes, Dennis Banks parlemente avec ceux qui viennent mais pas prêts à des concessions. Alors on reste, au finish ! Personne ne sait combien de temps ça va durer, l’atmosphère est pesante, car autour du village, les forces fédérales installent leurs propres barrages. Des voitures de police alignées comme dans des films hollywoodiens, ça discute ferme au bord de la route, des caméras filment chaque geste, c’est l’état de siège.

Quand la nuit tombe, les feux s’allument dans ce coin perdu des grandes plaines, on les imagine partager du café et se raconter leur histoire. Mais grâce à la couverture médiatique de ce siège de 71 jours, le bled perdu et inconnu de Wounded Knee ne verra plus dans les Indiens d’Amérique les méchants des films de John Wayne mais des American Natives.

Le 26 février 2012, direction Los Angeles. L’équipe de The Artist arrive au Kodak Theatre — aujourd’hui le Dolby Theatre — avec des rêves plein la tête… mais sans trop oser y croire. Être nommé aux Oscars, c’est déjà colossal. Mais gagner ? Face à Midnight in Paris, Hugo, War Horse, The Descendants ou encore The Help, la marche semble immense.

Sur le tapis rouge, Jean Dujardin affiche un sourire irrésistible. Costume impeccable, charme à la Belmondo, il plaisante, détendu en apparence. Mais la tension est bien là.

La cérémonie commence. Très vite, quelque chose se passe. Meilleure musique. Meilleurs costumes. The Artist enchaîne. Dans les rangs français, on échange des regards incrédules. La soirée pourrait devenir historique. Michel Hazanavicius, le réalisateur, garde un calme olympien. S’emballer serait dangereux.

Puis vient la catégorie reine : Meilleur Acteur. Face à Dujardin, des géants : George Clooney, Gary Oldman, Brad Pitt. Le nom est prononcé. Une seconde de flottement. Puis la réalité : Jean Dujardin vient de gagner l’Oscar. Il monte sur scène, ému, improvise quelques mots en anglais, sourire immense, salle debout.

La machine est lancée. Meilleur Réalisateur : Hazanavicius. Et enfin, Meilleur Film : The Artist. L’équipe entière envahit la scène, comme une bande d’amis qui n’avait pas prévu d’aller si loin.

Cinq Oscars au total. Une consécration mondiale pour un film muet, en noir et blanc, porté par une équipe majoritairement française. Ce 26 février 2012, Hollywood a parlé français. Et le cinéma français est entré, pour de bon, dans la légende des Oscars.

Le 25 février 1956, un jeune homme de 21 ans entre pour la première fois dans les charts américains avec un titre au nom étrange et sombre : Heartbreak Hotel. Ce jeune homme, c’est Elvis Presley.

Est-ce vraiment une date historique ? Après tout, ce n’est pas son premier disque. Dans le sud des États-Unis, il a déjà enregistré chez Sun Records et s’est construit un public fidèle. D’autres ont ouvert la voie avant lui, comme Bill Haley ou Chuck Berry. Le rock’n’roll existe déjà.

Oui, mais là, tout change d’échelle. Une grande maison nationale, RCA Records, rachète son contrat pour une somme colossale et décide de le propulser à travers tout le pays. Heartbreak Hotel devient son premier 45 tours majeur. Et dès sa sortie, il grimpe au sommet.

La chanson surprend. Elle est sombre, presque inquiétante. On y parle d’un hôtel où les cœurs brisés viennent se perdre dans leur solitude. Rien à voir avec les bluettes légères de l’époque. Mais les adolescents accrochent immédiatement.

Pourquoi ? À cause de son phrasé. Elvis ne chante pas comme les autres. Il mélange gospel, blues et country. Il module, il traîne les syllabes, il gronde. On n’a jamais entendu un chanteur blanc interpréter une chanson de cette façon. Ça prend aux tripes.

Et puis il y a le corps. Elvis bouge. Trop, selon les parents. Juste ce qu’il faut, selon les ados. Le micro n’est plus un piquet planté dans le sol. Il devient partenaire de danse. Les goûts basculent. Des milliers de jeunes vont l’imiter.

Avant les costumes à paillettes, Hollywood et les disques d’or, Elvis est encore un gamin qui annonce fièrement à ses amis qu’il est entré dans les classements. Mais pour l’Amérique — et bientôt pour le monde — ce 25 février 1956 est bien plus qu’une bonne nouvelle : c’est le début d’une secousse culturelle qui ne s’est jamais vraiment arrêtée.