“Siamo nella società della bellezza onnipresente” così sentenzia Giuliano Zanchi nel suo recente libro pubblicato da Vita e Pensiero dal titolo La bellezza complice. Cosmesi come forma del mondo.

Mi presento: sono Enzo Tomaselli e frequento il primo anno nel master in Lingua Letteratura e Civiltà italiana presso l’USI. La bellezza complice è un saggio d’estetica scritto del filosofo e teologo don Giuliano Zanchi, professore di teologia presso l’università cattolica di Milano. Il suo libro vuole aprire una riflessione sul valore dell’estetica nella società contemporanea: circondati da abiti, automobili, cibi gioielli e mille altre cose che devono essere belle, siamo perennemente in contatto, e ossessionati, dalla bellezza. Il titolo però suggerisce una dimensione ulteriore, nascosta agli occhi dei più: la complicità della bellezza nell’alterare la nostra percezione del mondo.

Ma come può la bellezza essere complice? Per Complice non si intende il senso morale, quanto una funzione sociale riferisce Zanchi, ovvero il suo ruolo dentro le dinamiche della società, e innanzitutto dell’individuo. Infatti, uscita dalle stanze del soprannaturale scrive Zanchi «la bellezza ha a suo modo ha scelto di incarnarsi. Ha messo casa tra di noi […]ci garantisce un paradiso e veste le nostre nudità». Persa la sua dimensione trascendente, la bellezza ha deciso di diventare quotidiana, diventando la regina indiscussa del nostro mondo, per salvarci o, forse, solo per proteggerci.

Zanchi nel suo saggio La bellezza complice mette a tema il precesso dell’uomo moderno fino al suo annegarsi nella bellezza: dopo il crollo del pensiero metafisico del secolo scorso, e il conseguente impero del nichilismo, la bellezza ha preso il posto della Verità. Nietzsche è stato il primo a parlare della bruttezza della verità, perché egli ha squarciato il velo dell’illusione e affermato che dietro ai concetti di Dio, di Verità e Giustizia, non ci sia altro che un cumulo di cenere. Tutto quello che il mondo occidentale ha ricercato per secoli, si è infranto in mille pezzi, e quanto è sempre stato definito Verità, con la V maiuscola, non è mai stato così brutto. Nietzsche proponeva allora di scrivere una nuova verità, di opporsi con coraggio al nulla in un nuovo ed energico slancio vitale. Tuttavia, nessuno ha accolto la sfida. Secondo Zanchi, la conseguenza è che oggi la bellezza, nel secolo della scienza e della tecnica, dotata di strumenti e possibilità senza precedenti, ha il compito di nasconde la mancanza di senso e la totale assenza di punti di riferimento. Perché il nichilismo fa paura, dunque meglio non pensarci, travestendo la realtà di bellezza.

In un discorso solido e stringente il saggio di Giuliano Zanchi La bellezza complice, cosmesi come forma del mondo ripercorre quanto ho appena descritto con una prosa frizzante e imprevedibile. Nel suo percorso argomenta il ragionamento con riferimenti della recentissima cultura popolare, dalla musica ai Film, dal pensiero degli ultimi filosofi fino alla pubblicità, mostrando come il bello influenzi la vita di tutti i giorni. Un libro straordinariamente interessante, oserei dire avvincente, nello svolgersi delle sue riflessioni, che continuamente rendono attento il lettore su molti processi in cui, coscienti o meno, siamo quotidianamente immersi.

Affermiamo che «la bellezza salverà il mondo», ma ne siamo sicuri? E se invece lo avesse solo conquistato?

Quando si parla di Prima guerra mondiale le prime immagini che ci vengono in mente sono trincee, morte, e distruzione. Ma la guerra ha conseguenze che vanno oltre il campo di battaglia, e i suoi effetti sono visibili in tutti gli aspetti della società.

Ciao, Mi chiamo Michela e sono dottoranda di Italianistica presso la Ohio State University, negli Stati Uniti. Oggi vi presento il romanzo “Le pause della vita” di Maria Messina

Pubblicato per la prima volta nel 1926, e fortunatamente ridato alle stampe da Croce Edizioni nel 2017, “Le pause della vita” è il penultimo romanzo dell’autrice siciliana, nata ad Alimena, in provincia di Palermo nel 1887. A vent’anni le viene diagnosticata la sclerosi multipla che gradualmente la costringerà a una vita reclusa, fino alla sua morte, avvenuta nel 1944. I suoi romanzi e le sue novelle verranno riscoperti negli anni Ottanta da Leonardo Sciascia e parzialmente ripubblicati dalla sua casa editrice Sellerio.

“Le pause della vita” è un romanzo che offre una prospettiva sulla condizione delle donne durante e subito dopo la Prima guerra mondiale. Il titolo stesso mette in discussione una narrazione prevalentemente maschile della guerra. Infatti, se per alcuni l’esperienza al fronte non è altro che una pausa dalla vita vera, per le donne, il primo conflitto mondiale è un momento che cambia per sempre la percezione di sé stesse e il loro ruolo nella società.

Il romanzo segue le vicende di Paola Mazzei, una giovane donna che vive con la madre Tina a Gersolè, un paesino nei pressi di Firenze. Sono i momenti della Prima guerra mondiale, e Paola lavora presso un ufficio postale, per aiutare la madre a pagare il mutuo della casa in mancanza del fratello Carlo, anche lui come altri, partito per la guerra. Anche se tutti la considerano una giovane senza aspirazioni, Paola in realtà coltiva con passione e dedizione il desiderio di diventare una traduttrice professionista e trasferirsi in città. Tuttavia, essere una giovane donna non sposata, soprattutto durante la Prima guerra mondiale, è complicato. Paola si troverà dunque intrappolata tra doveri famigliari e il desiderio di emanciparsi e dovrà fare presto i conti con le conseguenze delle proprie azioni che trasgrediscono la rigida morale sociale e sessuale dell’epoca.

Io ho una grande passione per autrici e storie dimenticate. Maria Messina soprattutto, è un’autrice le cui storie mi hanno folgorata fin dal primo anno di università, al punto tale che ho scritto la mia tesi di Bachelor su di lei, e anche la mia ricerca di dottorato include alcuni dei suoi lavori. Messina usa un linguaggio pragmatico e un realismo crudo, senza addolcire o romanticizzare le azioni e i pensieri della protagonista.

Il romanzo ci ricorda che la guerra ha effetti diversi sulla vita degli individui, e Paola riconosce tale differenza più di tutti, perché, come ella stessa afferma “Le pause della vita non somigliano a quelle dei dialoghi. Non può essere ripigliata, la vita, come un colloquio interrotto” (p. 113).

Se anche voi, come me, siete incuriositi da scrittrici dimenticate e storie tragiche e se siete già appassionati delle opere di Giovanni Verga, Luigi Pirandello, Sibilla Aleramo e Grazia Deledda, e se vi sono piaciuti i romanzi di Virginia Wolf o Irene Nemirovski e i più recenti romanzi di Elena Ferrante, “Le pause della vita” di Maria Messina, fa per voi.

Il mio nome è Francesca Rodesino e sono una dottoranda in italianistica dell’Università di Zurigo.

Oggi vorrei parlarvi del secondo romanzo di Alice Ceresa, che uscì per Einaudi nel 1990 con il titolo Bambine. Ceresa nacque in Svizzera nel 1923, ma visse per la maggior parte della sua vita a Roma. Celebre per il suo sguardo libero e lucidissimo sulla realtà e per il suo stile perturbante e inconfondibile — che mescola codici e linguaggi diversi — Ceresa è senza ombra di dubbio una delle punte di diamante della letteratura femminista e sperimentale italiana del secondo Novecento.

Tutta la storia di Bambine si svolge in un’atmosfera gelida e grottesca, nella quale si incontrano corpi sproporzionati e irrealistici accanto a descrizioni che ricordano un referto scientifico, in un’esplosione di contrasti sorprendenti, ironici e micidiali. È quindi un libro molto spaesante: un po’ manuale di biologia, un po’ Beckett, un po’ saggio filosofico e un po’ Buster Keaton.

Protagoniste dell’avventura, o della disavventura, sono due piccole sorelle, chiamate in modo asettico “figlia minore” e “figlia maggiore”. Durante la loro crescita — dall’infanzia all’adolescenza — le due si relazionano con degli altrettanto impersonali “madre” e “padre”, formando una perfetta famiglia patriarcale, che ha scelto come forma di convivenza la disuguaglianza e la brutalità dei rapporti. Questa si riflette nella lingua dura e altisonante dell’opera, fatta di “dipoi” e di “quantunque”, la quale però si scontra in modo comico con un lessico anche basso e pieno di vezzeggiativi, che include oggetti “spampanati” e “stoppolosi” e figure “paffutelle” e “sudaticce”.

Al centro del libro vi è dunque una situazione comunissima, la quale viene però raccontata come se fosse osservata da un occhio per la prima volta. L’immagine dell’occhio, del resto, è centrale in Bambine, non solo perché di sguardi si parlerà continuamente, ma anche perché è su questa immagine che si chiuderà il romanzo.

I personaggi di Bambine — privi di nome proprio e di scavo psicologico — sono meticolosamente osservati dall’esterno, come dall’obiettivo di una macchina fotografica, un po’ al modo del Nouveau Roman francese. A occupare tutto lo spazio della storia sono dunque i comportamenti e i corpi di questa famiglia, secondo gli stereotipi più indigesti. Il padre viene visto sollazzarsi con la pesca e la lettura del giornale, mentre la madre si affanna dietro una pila di piatti e pentole. Sfruttando la comicità degli atteggiamenti infantili e quella dell’alterazione dei corpi tipica della pubertà, le due protagoniste sono raffigurate in modo enfatico, come quando saranno viste “gonfiarsi dolcemente come pasticcini al forno”.

Credo che Bambine sia il capolavoro di Ceresa. Tra immagini piene di ironia e descrizioni accanite dei tic e delle storture che governano i comportamenti della famiglia protagonista, i suoi rituali e le sue gerarchie di potere, quest’opera è una diagnosi formidabile del passaggio dall’infanzia alla pubertà di due piccoli esseri umani femminili, che in questa crescita non trovano mai un barlume d’uguaglianza e d’affetto: con tutto lo sgomento del caso.

Buongiorno a tutti, mi chiamo Vittoria Sessa ed attualmente sto terminando il mio ultimo anno di bachelor in lingua e letteratura inglese ed italiana presso l’Università di Ginevra.

Oggi vorrei proporvi un salto nel passato con la lettura delle Eròidi, opera scritta nel I secolo avanti Cristo da Publio Ovidio Nasone, uno tra i più noti esponenti della letteratura latina.

Il libro è costituito da una raccolta di lettere, per la precisione quattordici lettere fittizie, scritte dalle eroine della mitologia greca ai loro mariti o innamorati.

Troveremo dunque Penelope che scrive a Ulisse, angosciata per il prolungarsi dell’assenza del marito; la maga Medea che, piena di amarezza, minaccia Giasone che l’ha tradita, Fedra, una donna matura che prova a sedurre il figliastro Ippolito, e molte altre indimenticabili figure femminili.

Queste lettere contengono lusinghe, rimproveri e critiche, dolore, ma anche parole d’amore e tenerezza. Ovidio ci permette dunque di immergerci nell’intimità di questi famosi personaggi di cui tutti noi, bene o male, abbiamo sentito narrare le avventure e le gloriose imprese.

In questa raccolta di lettere, come detto in precedenza, il lettore potrà rivivere dei noti episodi contenuti nei miti greci, attraverso il punto di vista di un personaggio femminile. Sarà infatti il turno delle donne che abbiamo incontrato al fianco degli eroi, di raccontare i loro sentimenti.

Mi hanno particolarmente colpita le vicende di Didone e Arianna, che si trovano a fronteggiare entrambe il tradimento e l’abbandono dell’amato. Didone, nella sua lettera all’eroe troiano Enea, le prova proprio tutte per convincerlo a non abbandonarla: arriva perfino a ventilare una possibile gravidanza, frutto dell’amore con Enea, e, come ultima carta, minaccia il suicidio.

Questa raccolta di lettere mi ha piacevolmente stupita. Non conoscevo né l’autore né l’opera e, quando mi è stata presentata nell’ambito dei corsi che seguo all’università, temevo di trovarmi davanti al classico “mattone”, pesante nel contenuto, nello stile e nel linguaggio.

Sono invece rimasta toccata nel rendermi conto di quanto sia stato facile immedesimarsi nei sentimenti e nelle preoccupazioni di queste mitiche eroine, apparentemente così lontane nel tempo e dalla nostra realtà.

Penso che Ovidio sia riuscito con questa opera ad abbattere il muro temporale e culturale che lo separa dai lettori moderni, che sia riuscito a creare un ponte tra antichità e modernità. Trovo anche straordinario che Ovidio abbia scelto di dar voce alle donne, rendendole protagoniste della sua opera: una scelta insolita per quei tempi, moderna e, mi azzardo a dire, femminista.

Questa corrispondenza di lettere potrebbe essere una lettura interessare non solo per gli estimatori di mitologia e di letteratura antica, ma anche per coloro che si lasciano coinvolgere dall’osservazione delle passioni umane e, in definitiva, dalle storie d’amore.

Ne approfitto dunque per consigliarvi la lettura delle Eroidi nella versione tradotta in italiano da Rosati, ovvero Lettere di Eroine di Publio Ovidio Nasone, edizione Rizzoli, 1989.

Buongiorno a tutti, mi chiamo Sofia e studio lingua e letteratura italiana all’Università di Friburgo.

Ultima sera, il romanzo di Arno Camenisch, di cui oggi parliamo, ci invita a sedere al tavolo dell’Osteria Helvetia. Ci troviamo in compagnia della Silvia, con le sue sigarette, dell’Alexi, che vorrebbe solo un bicchiere d’acqua, e dell’Otto, che era innamorato della bellissima Friederike, un ragazza che lavorava allo sci-lift di Brigels.

E se vi sentite un po’ confusi da queste parole, nessuna paura, è solo l’effetto che suscita questo alternarsi di voci. Ben presto però vi ci abituerete e comincerete a sentire l’odore del Caffefertic o dell’ennesima Mary long accesa dalla zia.

Arno Camenisch è uno scrittore svizzero, nato a Tavanasa, nel Canton Grigioni, nel 1978. Ha frequentato l’Istituto svizzero di Letteratura a Bienne, ed è l’autore di numerose opere. Molte di queste raccontano proprio della sua valle d’origine, la Surselva, arrivando a comporre quella che alcuni hanno definito una sorta di “cronaca grigionese”.

Il libro di cui parliamo oggi è Ultima sera, romanzo uscito nel 2013 con Keller editori e tradotto in italiano da Roberta Gado. È un piccolo libro di poche pagine, ma assolutamente da leggere. Non solo per l’importanza che ha nel quadro della letteratura svizzera, di cui Camenisch è uno dei giganti. Ma anche perché sono certa che dopo la lettura, vedrete con occhio diverso le molte osterie di paese che compongono le nostre valli.

Fuori dall’osteria Helvetia piove a dirotto, un tempo balordo, come dice l’Otto, e proprio per questo gli abitanti della valle si ritrovano tutti a ripararsi al suo interno. I discorsi di questa notte di pioggia ci permettono di vedere uno spaccato di vita, o meglio, di molte vite, perché tutti i presenti hanno qualcosa da raccontare, tra un sorso di birra e l’altro.

Camenisch, con Ultima sera, ci lascia entrare in questa storica osteria di paese, sul punto di chiudere definitivamente, e sedendoci al tavolo, o al bancone, possiamo ascoltare le voci che riempiono l’aria.

Ma se l’oralità certamente è il primo elemento ad attirare la nostra attenzione, presto lo sguardo si posa sui piccoli oggetti del quotidiano, sulla minuziosa descrizione dei gesti che i personaggi compiono. Il Gion che si gratta il gomito, l’Alexi che si liscia l’acconciatura, l’Otto che alza il bicchiere e dice Viva.

L’Osteria Helvetia diventa un luogo come tanti altri. Ma allo stesso tempo diventa prototipo di tutte le osterie di ogni villaggio di montagna. Le nostre montagne. Proprio per questo il valore identitario è subito avvertibile.

La lingua è mista, è un dialogo costante. A primo impatto ci sentiamo forse un po’ smarriti, ma poche pagine dopo, il libro di Arno Camenisch diventa testimone dell’unica cosa che realmente conta in un paesino sperduto di montagna, quando fuori piove e non c’è nulla da fare: la socialità.

Si parla, si chiacchiera, si passa il tempo. Si ricorda il passato e si spettegola di cose di poco conto, alternandole ai grandi temi dell’esistenza umana, con quel fare però di chi ha vissuto sempre e solo in un certo modo, e in un solo luogo: la montagna.

Possiamo immaginare la Silvia, la zia, sebbene non ci vengano mai descritte, possiamo vedere l’Otto e il Gion Baretta, il Luis e l’Alexi che discutono. Immaginarli e vederli, come se fossero seduti al tavolo accanto al nostro, in questa storia che non ha inizio e non ha fine, perché finché c’è qualcosa da bere, c’è anche qualcosa da raccontare.

Buongiorno, mi chiamo Robin Pellanda e frequento un Monomaster intitolato Studi italiani all’Università di Zurigo. Quello che avete appena sentito è il Frammento della martora, una poesia di Giorgio Orelli.

Ed è proprio di una raccolta poetica che oggi vorrei parlarvi; o meglio un’insieme di raccolte poetiche, tutte di Giorgio Orelli appunto. Il libro che le ospita, edito da Mondadori nel 2015 con il titolo onnicomprensivo di Tutte le poesie, è la prima e fin’ora unica pubblicazione che le unisca e che permette quindi di godere dell’intera opera lirica di Orelli in un singolo volume, curato con precisione da Pietro De Marchi.

Giorgio Orelli è probabilmente il maggior poeta svizzero di lingua italiana, e si può facilmente collocare anche tra i maggiori del secondo Novecento italiano, incluso infatti sia nella cosiddetta “Linea lombarda” con poeti come Sereni e Risi; che nell’altrettanto storica “Quarta generazione” con autori quali Zanzotto, Pasolini, e altri.

Nato ad Airolo nel 1921, Orelli frequenta le scuole a Locarno e s’iscrive poi alla facoltà di Lettere dell’Università di Friburgo. L’esperienza universitaria è caratterizzata da un incontro fondamentale, cioè quello con il maestro Gianfranco Contini, che lo supporterà all’inizio del suo percorso poetico.

Andiamo ora all’interno del libro, fra le pagine, i versi, gli spazi bianchi e le parole: ci si ritrova in ambienti conosciuti, atmosfere quotidiane, sembra quasi di riconoscere i luoghi, le persone e le situazioni. Orelli diventa testimone di ciò che accade e con sobrietà ma grande maestria lo rifà con le parole.

Le forme stilistiche variano nel tempo, con un primo Orelli che compone poesie più brevi (epigrammatiche e frammentarie come abbiamo sentito all’inizio), ma che già a partire da Sinopie (seconda raccolta) inizia ad ampliare sia i versi che le poesie, concedendo più respiro ai componimenti, finanche a dare spazio a dei poemetti in prosa. Ciò che non viene mai meno è l’incessante lavoro sulla parola.

Per quanto riguarda invece i contenuti delle poesie di Giorgio Orelli, bisogna sottolineare che egli è anzitutto attento alla vita (umana, animale, vegetale), ma anche al mondo che la ospita. Abitano infatti le poesie orelliane moltissimi animali e ampio è il ventaglio (coloratissimo) di fiori e piante. Tutto questo su sfondi che intrecciano la natura (montagne, fiumi, neve, animali e piante appunto) con la presenza umana (segnalata anche da ciò che essa produce; quindi case, paesi, strade, discorsi).

E in questo intrecciarsi fra elementi naturali e umani possiamo individuare dei nuclei tematici come ad esempio il “cerchio familiare”, con il quale s’intendono le persone vicine per parentela all’autore e frequentate nella quotidianità. Si può pertanto affermare che sono libri – quelli di Orelli – “fatti con la vita”: si tratta di ricordi personali, o quantomeno filtrati dal poeta, che ad ogni nuova lettura diventano memoria comune e condivisa.

È sicuramente una grande occasione poter leggere l’opera in versi di Orelli, perché qua e là – tra i suoi versi – nelle sue parole, ci si trova a proprio agio e la sensazione è quella di dialogare con una persona conosciuta, amica. Allo stesso tempo l’attenzione a temi semplici ma fondamentali, e l’osservazione del vissuto quotidiano ci permettono, in un momento in cui il tempo sembra farsi più veloce, di posare gli occhi su ciò che importa, grazie a quella che Montale chiamava «la più discreta delle arti»; la poesia appunto.

Ciao a tutti, mi chiamo Nicola e durante il corso di Letteratura contemporanea ho avuto modo di affrontare il filone della letteratura industriale, di cui vi presento un libro. Si intitola Il maestro di Vigevano di Lucio Mastronardi, riedito da Einaudi nel 2021 in una bellissima raccolta con gli altri due racconti ambientati a Vigevano: Il calzolaio e Il meridionale.

Il romanzo è stato pubblicato per la prima volta nel 1962 (sempre presso Einaudi) e conobbe grande successo anche grazie al film del 1963 con Alberto Sordi. Il suo autore, Lucio Mastronardi, nato nel 1930 e morto nel 1979, di professione faceva anche lui l’insegnante. Il maestro di Vigevano parla di un docente delle elementari che deve confrontarsi con una società che sta rapidamente cambiando, anzi è già cambiata, e nella quale egli non si riconosce più. Quello che il romanzo ci spinge a chiederci è che valore abbia l’insegnamento in una società ormai capitalista, dove grazie al boom economico l’unico mito in cui tutti credono è quello che i dané fanno dané.

Il tema dell’istruzione e della sua adeguatezza è sempre attuale ai giorni nostri, quindi leggetelo se voleste farvi un’idea di com’era la situazione sessant’anni fa. Inoltre in questo libro potrete vedere uno spaccato della vita in una città industriale degli anni sessanta. Infine se credete che il denaro e il lavoro siano tutto nella vita questo libro potrebbe farvi cambiare idea.

La vicenda è ambientata nella Vigevano del boom economico e dell’industrializzazione, che da cittadina senza nulla di speciale diventa la capitale italiana della scarpa. La società viene quindi stravolta, con tutti i cittadini che abbandonano la propria professione per buttarsi nella produzione di calzature. Il protagonista è il maestro Mombelli, sposato con la moglie Ada e con un figlio di nome Rino. Il nostro maestro è un insegnante frustrato che non crede più nella scuola. Ad un certo punto la sua vita prende una piega sempre peggiore: vessato sul posto di lavoro, non rispettato dalla famiglia e con una fallimentare esperienza nell’industria della scarpa, il Mombelli diventa sempre più alienato.

Ho deciso di portare Il maestro di Vigevano perché nonostante abbia ormai sessant’anni è ancora in grado di cogliere vari aspetti della nostra società. Per iniziare il fatto che la Vigevano di Mastronardi sia popolata non da personaggi, ma a tipi, permette di riconoscere in essi le persone che ci circondano, anche quelle a noi più vicine. Inoltre il mutamento sociale fa sì che all’epoca, così come oggi, apparire sia più importante di essere. E così la piazza di Vigevano si riempie di novelli imprenditori con l’Alfetta, che si ritrovano con le mogli vestite di visone a fare aperitivo solamente per vantarsi dei guadagni che hanno fatto durante la giornata. Che dire infine del ruolo del maestro? Gli statali spesso non solo stentano ad arrivare alla fine del mese, ma devono inoltre subire le angherie dei propri superiori, schiacciati dalle gerarchie. Difficile insegnare e trasmettere conoscenza e cultura in un ambiente avverso, dove mancano i fondi e quando ci sono vengono spesi male (o addirittura in cose inutili). Accade anche spesso di trovarsi intrappolati tra le logiche dal sistema scolastico e le pressioni dei genitori degli alunni. Si pensa sempre ai costi economici dell’istruzione, senza mai pensare ai costi del benessere degli insegnanti, ai quali apparentemente non resta che rassegnarsi. Passati da un ruolo esemplare con un alto valore sociale all’interno della comunità, a delle semplici figure che devono produrre dei risultati all’interno di un sistema più grande. Tutto ciò è riassumibile in una frase pronunciata da Ada durante una discussione: «Prima di sposarti tutte le mie amiche mi dicevano: la Ada ha sposato un maestro!, con aria invidiosa. Ora dicono: povera Ada. Ha sposato un maestro!».

Quanto spesso si sente parlare del Medioevo! Lo abbiamo studiato a scuola, ne abbiamo letto nei libri; qualcuno lo conosce grazie a gruppi musicali, qualcun altro ha partecipato a uno dei tanti festival medievali che si tengono ogni anno in Europa; altri hanno visto dei film o sono iscritti a una pagina Instagram, che invoca il ritorno ai modi e ai costumi di quel periodo. Ma quanto sappiamo davvero sul Medioevo?

Mi chiamo Michele Marchioni e studio letteratura all’Università della Svizzera italiana. Oggi parleremo dell’ultimo libro di Chiara Frugoni, A letto nel Medioevo – sottotitolo – come e con chi, uscito quest’anno (2022) per la casa editrice Il Mulino.

Da più di un secolo ormai gli studiosi e gli esperti stanno cercando di promuovere una nuova immagine del Medioevo e di fare piazza pulita dei tanti pregiudizi che gravitano intorno a questo periodo storico. Già nel Cinquecento i contemporanei percepivano i secoli che erano seguiti alla caduta dell’Impero romano come qualcosa di indefinito, avvolto nell’errore e nell’oscurità. È in questo periodo che si iniziò a parlare di età di mezzo, come di un periodo di rottura e di interruzione della civiltà europea, la quale sarebbe poi stata “resuscitata” dagli umanisti.

Ma il Medioevo non è superstizione, magia e caccia alle streghe. È un’epoca molto più complessa e profonda di quanto si pensi; un’epoca che è stata attraversata, nel corso dei suoi mille anni di vita, da eventi e da uomini diversissimi. E proprio di queste persone, dei loro usi e costumi, ci parla Chiara Frugoni, una tra le più importanti storiche del Medioevo italiano, nel suo piccolo e agevole libricino, nel quale indaga uno degli spazi più curiosi e sorprendenti dell’uomo medievale: la camera da letto.

Unendo al testo un ricco repertorio di immagini, la Frugoni ci accompagna a scoprire come fosse fatta e come venisse vissuta la camerta da letto dell’uomo medievale. Questo luogo non era usato solo per passare la notte, ma aveva anche tante altre funzioni. Era abituale che qui venissero accolti gli ospiti e vi si discutessero le questioni importanti. Il cavaliere Guglielmo, protagonista di una delle novelle del Decameron, non ha la minima esitazione a recarsi nella camera da letto della moglie del duca di Borgogna, quando questa lo invita, con un inganno, a discutere con lei di un affare privato.

La stanza da letto, in un mondo che non conosceva ancora l’elettricità e il gas, era spesso l’unico locale riscaldato, grazie alla presenza del camino. Durante l’inverno, quando era impossibile svolgere attività all’esterno, si passava qui la maggior parte del tempo.

“All’esterno ci sono solo freddo, gelo, pioggia e vento, e con che entusiasmo [l’uomo medievale] desidera la sua casa dove invece di giorno arde la legna nel camino e di notte i disagi patiti durante il giorno sono compensati dal meraviglioso tepore di un letto molto accogliente!”

Nel Medioevo si dorme completamente nudi, a eccezione della testa, che veniva coperta con una cuffia di lana. Si dorme spesso anche in molti: nelle case delle persone comuni, le famiglie vivono il più delle volte in una sola stanza. Solo i più benestanti possono permettersi dei letti di lusso, magari con un baldacchino e delle cortine per riparare dagli spifferi, o con delle coperte decorate e di materiali pregiati. Chi viaggiava per strada, invece, doveva accontentarsi il più delle volte di soluzioni di fortuna, portandosi appresso un letto di stuoia: l’antenato del nostro sacco a pelo. Oppure poteva correre il rischio di fermarsi in una locanda, dove si dormiva circondati da sconosciuti e molto scomodamente.

Il pregio di questo bellissimo libro non sta solo nella capacità narrativa della sua autrice, che riesce a trasmettere al lettore un’esperienza e una conoscenza profondissima del periodo medievale, ma sta soprattutto nella scelta ricchissima delle fonti prese in considerazione e messe poi a disposizione del lettore. Al materiale letterario, che raccoglie opere della tradizione (Boccaccio e i novellieri trecenteschi), aggiunge testi religiosi, libri di economia domestica, cronache e messali, oltre a un ricchissimo apparato di fonti iconografiche. Non c’è dubbio che questo libro susciterà la vostra curiosità.

Mi chiamo Coralie, studio Lingua, letteratura e civiltà italiana presso l’Università della Svizzera italiana e nel corso dei miei studi ho avuto l’occasione di seguire anche delle lezioni di letteratura francese, che mi hanno permesso di scoprire il libro di cui vi parlo oggi: Stupore e tremori, dell’autrice belga Amélie Nothomb, pubblicato per la prima volta in francese nel 1999 dal gruppo editoriale indipendente Albin Michel, in italiano è invece stato pubblicato nel 2000 dalla casa editrice Voland, con la traduzione di Biancamaria Bruno.

Prima di riassumere la trama del romanzo è indispensabile parlare della sua eccentrica autrice, Amélie Nothomb, pseudonimo di Fabienne Claire Nothomb. La scrittrice è originaria del Belgio, ma, essendo figlia di un ambasciatore, è cresciuta viaggiando in tutto il mondo. Il suo vissuto entra spesso nei suoi romanzi, che hanno un’importante componente autobiografica, malgrado ciò i testi non vengono mai presentati come storie vere, ma come semplici romanzi scritti in prima persona. L’autrice ha creato un suo alterego, Amélie, con la quale firma le sue pubblicazioni. La cosa particolare è che non ha creato solo un finto nome con il quale pubblicare, ma anche una data e un luogo di nascita fittizi. Avrete ormai capito come mai si parla di un’autrice eccentrica (se voleste togliervi ogni dubbio vi consiglio di cercare una sua foto durante le conferenze, renderà tutto più chiaro!).

Stupore e tremori rientra nella serie di romanzi autobiografici pubblicati da Nothomb; la protagonista del romanzo si chiama Amélie e trascorre, come ha fatto l’autrice, un anno in Giappone per lavorare come traduttrice presso una compagnia che si occupa di importazioni ed esportazioni tra il Giappone e l’Europa. L’iniziale entusiasmo della protagonista viene però presto smorzato e dovrà scontrarsi con la durà realtà del mondo lavorativo nipponico.

Stupore e tremori di Amélie Nothomb racconta l’esperienza lavorativa in Giappone di Amélie, un’alterego dell’autrice. Nel corso del romanzo scopriamo che la protagonista ha origini europee, ma è nata in Giappone e decide di ritornarci in quanto vi si sente legata malgrado gli anni trascorsi all’estero. Carica di speranze e buona volontà inizia la sua esperienza lavorativa nel gennaio del 1990 per la compagnia Yumimoto, purtroppo però si rende conto in poco tempo che il suo entusiasmo e la voglia di dimostrare le sue capacità non sono apprezzate dai suoi superiori, che da lei si aspettano solamente che rispetti la rigida gerarchia della compagnia, senza prendere iniziative personali. Amélie entra in conflitto soprattutto con Fubuki, la sua diretta responsabile e una delle pochissime donne che lavora per la Yumimoto. Inizialmente Fubuki sembrava una delle poche persone gentili all’interno della compagnia, un giorno però Amélie viene avvicinata da un collega che chiede il suo aiuto per tradurre un documento per il Belgio (paese d’origine della protagonista). A noi probabilmente sembra tutto normale, ma non lo è per le rigide regole gerarchiche che vigono alla Yumimoto: infatti traducendo la documentazione Amélie scavalca molti colleghi, impiegati da prima di lei, e Fubuki decide di denunciarla alla dirigenza, non accettando che la nuova arrivata possa fare carriera in meno tempo e come meno fatica di quanto abbia fatto lei. Da questo momento la relazione tra le due donne diventa sempre più tesa; Fubuki costringe Amélie a fare dei lavori che la nuova arrivata non è in grado di svolgere, umiliandola costantemente e dicendole che è un’incapace. L’incarico finale assegnato alla protagonista è quello di responsabile dei bagni (il nome francese di Dame-pipi rende meglio l’idea).

Ho apprezzato molto Stupore e tremori in quanto offre l’occasione di riflettere su molte tematiche: il mondo del lavoro, il ruolo della donna nella gerarchia aziendale, il confronto tra Giappone ed Europa. Nothomb, grazie ai numerosi viaggi fatti è in grado di confrontare i due stili di vita senza però sbilanciarsi in giudizi di valore.

Il romanzo è scritto in prima persona, e questo rende difficile capire se la vicenda è interamente autobiografica o se ci siano degli elementi romanzati per rendere più avvincente la lettura.

Un grande pregio dell’autrice è la capacità di raccontare con molta ironia anche gli eventi più drammatici, proprio per questo la lettura del romanzo, malgrado i contenuti non proprio allegri, non risulta mai pesante, ma anzi è in grado di strappare un sorriso.

Si tratta sicuramente di uno stile di scrittura non convenzionale, che merita una possibilità perché potrà senza dubbio intrattenervi e farvi fare un viaggio in Giappone.

Ho letto il romanzo in lingua originale, e se ne aveste l’occasione vi consiglio di fare lo stesso, in modo da poter apprezzare a pieno l’umorismo dell’autrice, in alternativa è possibile trovare la traduzione italiana di Stupore e tremori, di Amélie Nothomb, pubblicata da Voland nel 2000.

Mi chiamo Patrizia e sono una studentessa in Lingua, Letteratura e Civiltà italiana all’Università della Svizzera italiana. Oggi vi propongo un testo a me molto caro, per me una sorta di livre de chevet: il titolo è Cecità, edito da Feltrinelli nel 1996, romanzo del portoghese nobel José Saramago (1922-2010): scrittore prolifico e accurato traduttore è stato insignito nel 1998 del premio Nobel per la letteratura.

Cecità è un romanzo dai toni apocalittici, di forte critica sociale, che ci presenta l’umanità come la vedremmo al suo stato brado, nei suoi aspetti più primordiali. In una città non meglio definita, un uomo siede in una giornata ordinaria nella sua automobile; è fermo in corsia, aspettando che il semaforo diventi verde. La fila si muove, le prime auto passano oltre, ma lui rimane immobile: è diventato cieco, dice. A questo primo caso di cecità ne seguono molti altri, tanto che il governo, allarmato per il rapido diffondersi della malattia, decide di isolare i contagiati - e chi con loro ha avuto un contatto - in un manicomio abbandonato.La comunità cerca dapprima di organizzarsi come farebbe una società ai suoi esordi, ma man mano che il numero dei nuovi arrivati cresce, una serie di problematiche emergono: il numero dei letti non è sufficiente, l’igiene personale, complice la cecità, viene meno, le razioni di cibo iniziano a essere contese da alcuni gruppi di prepotenti. In questo insolito ordine sociale, si instaureranno tra i malati nuovi ruoli di potere, l’essere umano sembra ridotto a una belva e affiora il peggio della natura umana: l’indifferenza, la

paura, la violenza (fisica e psicologica) dilagano all’interno della struttura. Tra questa orda c’è però un’unica donna, immune alla malattia che fungerà da guida ai malcapitati, sarà osservatrice involontaria, occhio di giudice, benevola consolatrice, una discrepanza tra le costanti di questa inquietante segregazione.

Il romanzo è uno zoom sulla natura umana, esposta nella peggiore delle sue espressioni, ma in cui brilla, come una piccola stella, anche un barlume del suo aspetto più sublime: la compassione e la solidarietà.

Eppure siamo noi stessi ad essere gettati nella cecità: le figure si presentano a noi tanto vivide che ci coinvolgono in prima persona, l’ironia di cui il narratore permea le massime del romanzo ce lo fa apparire tutto nostro.

I dialoghi non sono posti a capoverso, ma inseriti liberamente nella narrazione, accanto al narratore esterno: questa scelta stilistica rallenta la nostra lettura, ci spinge a modificare il nostro metodo di decodifica, il che è congeniale alla ristrutturazione dello sguardo a cui mira il romanzo.

Qui il peggio dell’uomo affiora, ma affiora così anche la sua capacità di lotta, di riflessione, di apprendimento nelle vicissitudini. È come se Saramago ci gettasse davanti a uno stereogramma: ci spinge a guardare oltre le linee confuse, ci dà un metodo per vedere oltre il "delicato velo dell’apparenza"; il tutto intriso di un'ironia sottile, che oltre a rendere la lettura piacevolissima, consolida il patto col lettore. Una cecità che vuole illuminare, che mira a ricostruire il nostro sguardo o a farcelo riacquisire: una cecità che vuole insegnarci a guardare.