Chi firma la scena oggi? 🎭 Non un autore solo. Non una firma sola. Non un linguaggio solo. La scena contemporanea sta cambiando in modo profondo — e non parlo di nuovi nomi o nuove mode. Parlo di chi ha il diritto di chiamarsi autore. Di come il confine tra chi crea e chi esegue si stia sgretolando. Di artisti che attraversano danza, teatro fisico, installazione, suono, tecnologia — e costruiscono mondi scenici che non stanno dentro nessuna categoria. In questo episodio parliamo di scrittura scenica espansa, di autori di sistema, di ecosistemi trans-locali. Parliamo di Boris Charmatz che trasforma un centro coreografico in un museo vivente. Di Rimini Protokoll che mette in scena persone reali al posto degli attori. Di Mette Edvardsen che svuota lo spazio e ci lascia solo una voce e un corpo. Di Virgilio Sieni che costruisce comunità di danza con chiunque abbia un corpo — che è poi tutti noi. Perché il futuro del teatro non è solo una questione di contenuti. È una questione di chi firma, come, e insieme a chi. 🖊️

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Il butoh nasce in Giappone nel dopoguerra come atto non accettabile: un corpo bianco, lentissimo, deforme, che non vuole rappresentare il trauma — vuole farcelo passare attraverso. Dalle origini scandalose di Tatsumi Hijikata al corpo permeabile di Kazuo Ohno, fino alla diffusione globale di un linguaggio scenico che ha cambiato per sempre il modo in cui un corpo può stare su un palco. Un episodio per chi vuole capire cosa succede quando la danza smette di essere bella — e comincia a essere vera.

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Un artista. Un ufficiale dell'aeronautica. Forse una spia. Carlos Lehman è una figura reale entrata nella storia del Cile del 1973 e poi nella letteratura di Roberto Bolaño — e oggi al centro di Aprendan del fuego, lavoro di teatro documentario del Colectivo Pierre Menard. In questo episodio parlo di un teatro che non rassicura: non divide il mondo in buoni e cattivi, non offre una verità già pronta. Lavora su archivi, testimonianze, lezione performativa — e sceglie di restare dentro la zona grigia, lì dove arte e potere smettono di essere mondi separati. Un episodio su memoria, complicità e su cosa succede quando la creazione artistica entra in contatto con la violenza di Stato.

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Il corpo parla prima delle parole. Lo sapevano già nella Commedia dell'arte, lo ha dimostrato Decroux smontando il movimento pezzo per pezzo, lo sa ogni performer che sale in scena senza testo e senza rete. In questo episodio: le radici storiche del teatro fisico, il genere e il diritto al ridicolo, il clown come pratica autoriale, la crisi del linguaggio verbale e perché il corpo comico è una risposta culturale urgente. E le domande etiche che nessuno può eludere quando il corpo è lo strumento dell'opera. Duemila anni di storia. Ancora tutto da scoprire.

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Il teatro di figura esiste da migliaia di anni e non è mai stato solo intrattenimento. In questo episodio ripercorro tutta la storia: dalle origini antiche — i marionettisti indiani sutradhara nati miticamente dalla bocca di Brahmā, Karagöz che prende in giro il sultano, i burattini medievali che giravano le fiere europee — fino alle avanguardie del Novecento, quando Picasso, Prampolini e El Lissitzky ci videro dentro un territorio libero e lo usarono per fare politica e arte insieme. Poi le forme: burattino, marionetta, pupo siciliano, ombre. Non varianti della stessa cosa — filosofie diverse della manipolazione, ognuna con una logica propria. E oggi: Festival Incanti, Teatro del Drago, drammaturgie per adulti, proiezioni mappate, robot. E una domanda che James Bradburne ha posto e che non si dimentica facilmente — cosa hanno in comune una marionetta e un avatar digitale?

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Toronto non si capisce per strada. Si capisce a teatro. In questo episodio vi porto in uno dei laboratori teatrali più interessanti del mondo contemporaneo — dove la diversità non è un ornamento, è un campo di battaglia. Teatro indigeno, identità nazionale, spazi che diventano comunità, autrici che fanno politica attraverso l'intimità. E un confronto costante con noi europei. Con quello che facciamo. Con quello che non osiamo ancora fare.

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La danza queer non è un genere a parte. È uno sguardo sul mondo. In questo episodio ripercorriamo trent'anni di corpi che si rifiutano di stare al loro posto: dalla ball culture nera e latina di New York negli anni Novanta, dove ballare era sopravvivenza, fino alle scene ibride di oggi — rave berlinesi, spazi transdisciplinari, palchi che finalmente si allargano. Parliamo di Tere O'Connor e della sua "molteplicità interna", di Teresa Vittucci che porta al centro corpi che il teatro tradizionale ha sempre ignorato, di Katy Pyle che reinventa il balletto per chi ne è sempre stato escluso, di Clarissa Rivera Dyas che fa del fallimento una pratica artistica. E parliamo di quello che succede quando il sipario cala: le comunità, i rituali, gli spazi più sicuri che la performance queer costruisce intorno a sé. Corpi che resistono. Corpi che si reinventano. Corpi che danzano per esistere. Cento Sfumature di Teatro — perché il teatro non smette mai di sorprenderti.

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Un orecchio coltivato in laboratorio impiantato su un braccio umano. Con il Bluetooth dentro. Un artista che si fa sparare in una galleria. Un volto trasmesso in tempo reale su un corpo dall'altra parte del mondo. Non è fantascienza. È arte. È già successo. In questo episodio ripercorro cinquant'anni di performance art attraverso i corpi che l'hanno abitata — corpi a rischio, corpi hackerati, corpi dissolti in avatar digitali. Da Chris Burden a Stelarc, dagli anni '70 al metaverso: il corpo nell'arte non è mai stato al sicuro. E per fortuna.

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Un palcoscenico vuoto. Una donna che entra e non fa nulla. E un pubblico che non riesce a smettere di guardarla. In questo episodio ripercorro la storia di Marina Abramović: dalle origini belgradesi sotto una madre di ferro, alle opere che hanno fatto tremare i teatri lirici europei — i 7 Deaths of Maria Callas, la collaborazione con Robert Wilson — fino all'eredità che ancora oggi agita registi, attori e scuole di recitazione. Perché Marina Abramović non è solo un'artista. È una domanda sul corpo. Sul dolore. Su quanto siamo disposti a resistere. Cento Sfumature di Teatro è scritto, diretto e interpretato da Luisella Tamietto — con pochi mezzi e una quantità indecente di faccia tosta.

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Anna Magnani non recitava: viveva ogni ruolo con il corpo, con la voce, con una forza espressiva radicata nella sua origine popolare a Testaccio. In questo episodio di Cento Sfumature di Teatro ripercorriamo la sua rivoluzione scenica, partendo dalla formazione legata alla tradizione di Eleonora Duse, passando per il teatro di rivista accanto a Totò, fino all’incontro con il neorealismo di Roberto Rossellini.Il percorso si estende ai riconoscimenti internazionali e alle collaborazioni con Franco Zeffirelli, evidenziando un linguaggio attoriale che ha segnato profondamente il teatro e il cinema europeo. In parallelo, uno sguardo al lavoro di Gena Rowlands permette di mettere a confronto due approcci distinti ma affini: abitare il personaggio invece di rappresentarlo.Un’analisi della presenza scenica di Anna Magnani, tra verità, istinto e costruzione artistica, per comprendere come abbia ridefinito il concetto stesso di interpretazione.

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