Hans-Dieter Huber »From new media to old media: unclear concepts, complex problems, open questions«

ReleasedMar 01, 2011

Der Vortrag versucht das Feld auszuloten, in dem sich eine künftige Auseinandersetzung mit der Frage der Langzeiterhaltung digitaler Medienkunst bewegen müsste. So sei zu beachten, dass Neue Medien schneller als Alte Medien altern. Auf der einen Seite ist das kulturelle Gedächtnis einer Gesellschaft auf Langlebigkeit ausgerichtet, auf der anderen Seite unterliegt die Funktionsfähigkeit digitaler Objekte einer immer kurzfristigeren Anpassung. Demnach stehen die Interessen der Softwareindustrie der Bewahrung und der Nachhaltigkeit unseres kulturellen Erbes entgegen. Hinzu kommt das Problem unklar definierter Begriffe, wie der des »Originals«, der »Materialität« oder der »Authentizität«, die häufig unpräzise gebraucht werden. Zur Behebung dieses Problems fordert Prof. Huber eine kritische Hinterfragung dieser Begrifflichkeiten und startet den Versuch einer Definition der für die Diskussion wichtigen Begriffe. Ein weiterer Begriff, mit dem sich Huber in seinem Vortrag auseinandersetzt, ist der des Gedächtnisses. In diesem Kontext merkt der Sprecher an, dass Speicherung und Archivierung alleine noch keine Erinnerung darstellen. Des Weiteren wird auf bekannte Strategien zur Langzeiterhaltung eingegangen, wie beispielsweise das OAIS-Modell, das mittlerweile als Standardreferenzmodell für Langzeitarchivierung digitaler Daten dient. Der Vortrag schließt mit Überlegungen zum fiktiven Charakter von authentischer Erfahrung veralteter Medien in der Gegenwart. Hans Dieter Huber (1953) ist seit Oktober 1999 Professor für Kunstgeschichte der Gegenwart, Ästhetik und Kunsttheorie an der Akademie der Bildenden Künste Stuttgart und hat seit Mai 2006 die Position des Leiters des Internationalen Master Studiengangs »Konservierung Neuer Medien und digitaler Information« an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Stuttgart inne. ///

Hans-Dieter Huber argued that the particular »presence« of artworks was due to their materiality. This presence is in turn the basis for aesthetic experience. As regards the relation of the original and its documentation, we must make a distinction between analogue and digital works. He listed various well-known strategies for the conservation of digital artworks – storage, emulation, migration, re-interpretation. Possibly, he went on, improved forms of description should replace the physical maintenance of the work, just as music is preserved through notation. This would have to be done in collaboration with the artist. Since the authenticity of the experience of the artwork depends on conditions prevailing at creation, and since these are unrepeatable, there in any case is no authenticity. Since October 1999 Hans Dieter Huber (1953) is professor for contemporary art history, aesthetics and art theory at the State Academy of Fine Arts Stuttgart and Head of the Study Program »Conservation of New Media and Digital Information« at the State Academy of Fine Arts Stuttgart since 2006.

Teilnehmer: Hans-Dieter Huber, Ingrid Scheurmann, Klaus Weschenfelder, Alan Depocas

Die erste Anmerkung in der Diskussionsrunde kommt von Christoph Blase, dem Leiter des Labors für antiquierte Videosysteme im ZKM. Er wendet sich gegen die These von Hans-Dieter Huber, der zufolge ein authentisches Erlebnis alter Technologie aufgrund der Gegenwartsgebundenheit des Betrachters nicht möglich sei und darin ein Anzweifeln der Existenzberechtigung von Repro-Technologie-Ausstellungen sieht.

Auch Johannes Gfeller von der Hochschule der Künste Bern (HKB) sieht Hubers These eher kritisch. Aufgrund seiner Erfahrung als Videorestaurator bestreitet er die Auffassung, dass ältere Technologien schwerer zu erhalten seien, als Neuere.

Er spricht sich dafür aus, dass man versuchen sollte, einer vergangenen Epoche so nahe wie möglich zu kommen, ohne dabei die Distanz, welche durch die eigene Gegenwart bedingt ist, aufzugeben.

Ein weiterer Publikumsbeitrag stammt von Ulrich Lang, dem Restaurator des Museums für Moderne Kunst in Frankfurt, der für eine stärkere Differenzierung von Musik und Medienkunst in der Diskussion eintritt.

Rosina Gomez-Baeza Tinturé »Conserving and archiving media art«

ReleasedMar 01, 2011

In May 2010, LABoral Centro de Arte y Creación Industrial held the 1st International Symposium on Media libraries and Archives for the 21st Century. This paper will discuss some of the conclusions of the symposium. The purpose of a digital art archive is to preserve artistic digital culture and facilitate public access to it. Surrounded by a constellation of data, the challenge for institutions is to introduce order and explain context. Therefore, protocols and ethical codes must be set out that define what will be archived, keeping in mind that »every decision in the archiving process involves taking a position, which is often a reflection of the principles of the institution.« This involves a »conscious historicisation« of archived content. This not only safeguards digital art for future generations but helps establish and disseminate digital art practices in the present. This goal can be achieved through a combination of conservation and documentation strategies. An archive needs a »correct balance between bricks and electrons.« A digital archive provides universal access, but a physical archive allows one to see works in their original state and provides a place to meet face to face. The problem facing digital art archives is the »global obsolescence« of media. Founding Director of LABoral Centro de Arte y Creación Industrial in Gijón, Asturias, Rosina Gómez-Baeza Tinturé was also the Founding Director of Biennial of Art, Architecture and Landscape of the Canary Islands (2006), President of Institute of Contemporary Art (2005-2008) and Director of ARCO between 1986 and 2006. After graduating with a degree in English Literature and Philology from Cambridge University, Gómez-Baeza went on to study Pedagogy in London and History of Art and French Civilisation in Paris. She worked as a teacher and a translator before joining Siasa Congresos as its Programmes Coordinator. She was later appointed Executive Director of Research and Development at Ifema, the Madrid-based exhibition organiser. Throughout her professional career, Gómez- Baeza has promoted various cultural initiatives associated with artistic production and diffusion. (cont.) ///

Im Mai 2010 organisierte das LABoral Centro der Arte y Creación Industrial das 1. Internationale Symposium zum Thema Mediatheken und Archive für das 21. Jahrhundert. Dieser Vortrag behandelt einige der Schlüsse dieses Symposiums. Der Zweck eines Archivs digitaler Kunst ist einerseits der Erhalt der künstlerischen digitalen Kultur, andererseits die Förderung des öffentlichen Zugangs zu dieser. Die Herausforderung für Institutionen, die sich dieser Aufgabe stellen, liegt darin, aus einer Fülle an Daten Ordnung zu schaffen und Zusammenhänge deutlich zu machen. Deshalb bedarf es der Ausarbeitung von Vorgaben für die Definition dessen, was archiviert werden soll. Dabei soll berücksichtigt werden, dass »jegliche Entscheidung innerhalb eines Archivierungsprozesses eine Stellungnahme impliziert, die oft die Richtlinien der Institution wiedergibt«. Dies impliziert wiederum eine »bewusste Historisierung« der Archivalien. Daraus gehen nicht nur der Erhalt von digitaler Kunst für zukünftige Generationen, sondern auch die Etablierung und Verbreitung digitaler Kunstpraxen in der Gegenwart hervor. Dieses Ziel kann durch eine Kombination von Konservierungs- und Dokumentationsstrategien erreicht werden. (forts.)

Peter Weibel »Zu einer materiellen Geschichte der Medien« /// »Towards a material history of media«

ReleasedMar 01, 2011

Die Restaurierung und Konservierung von Gemälden und Skulpturen war nie nur eine Frage des Stils und der Komposition, sondern ebenso eine Frage der Materialität. Ebenso ist die Restaurierung und Konservierung von Medienkunstwerken nie nur eine Frage des Konzepts, sondern mehr denn je eine Frage der Materialität. Was werden die Museen machen mit Kunst, deren Verfallszeit eingeplant ist, seien es Schokoladeskulpturen von Dieter Roth, seien es Magnetbänder und digitale Datenspeicher. Die These von Herrn Weibel lautet: Der Speicherraum expandiert unendlich, die Speicherzeit implodiert in immer kürzeren Abständen. Ressourcenknappheit ist das Schicksal der technischen Trägermedien und der technischen Künste (von Neonröhren bis zu alten Fernsehapparaten). 1944 in Odessa geboren, studierte Literatur, Medizin, Logik, Philosophie und Film in Paris und Wien. Seit 1984 ist er Professor an der Universität für Angewandte Kunst in Wien, von 1984 bis 1989 war er Professor für Video und Digitale Kunst am Center for Media Study an der State University of New York in Buffalo. 1989 gründete er das Institut für Neue Medien an der Städelschule in Frankfurt, das er bis 1995 leitete. Von 1986 bis 1995 war er künstlerischer Leiter der Ars Electronica in Linz und von 1993 bis 1999 Österreichs Kommissär der Biennale von Venedig, von 1993 bis 1998 Chefkurator der Neuen Galerie in Graz und seit 1999 Vorstand des ZKM | Zentrum für Kunst und Medientechnologie Karlsruhe. ///

The restoration and conservation of paintings and sculptures was never just a question of style and composition, but also a question of materiality. Similarly, the restoration and conservation of media art works is never just a question of concept, but more than ever a question of materiality. What will museums do with art works whose deterioration is foreseeable, be they the chocolate sculptures of Dieter Roth or magnetic tape or data storage. My thesis is: storage space is expanding infinitely, storage time is imploding at ever shorter intervals. The shortage of resources is the fate of the technical storage media and of the technical arts, from neon lamps to television sets. Born in Odessa in 1944, Peter Weibel studied literature, medicine, logic, philosophy and film in Paris and Vienna. He became a central figure in European media art on account of his various activities as artist, media theorist and curator. Since 1984 he is professor at the University of Applied Arts Vienna, from 1984 to 1989 he was head of the digital arts laboratory at the Media Department of New York University in Buffalo, and in 1989 he founded the Institute of New Media at the Städelschule in Frankfurton- Main, which he directed until 1995. Between 1986 and 1995, he was in charge of the Ars Electronica in Linz, he c ommissioned the Austrian pavilions at the Venice Biennale from 1993 to 1999. From 1993 to 1998 he was chief curator at the Neue Galerie Graz, Austria, and since 1999 he is Chairman and CEO of the ZKM | Center for Art and Media, Karlsruhe.

Questions & Answers. Session IV im Rahmen des Symposiums The Digital Oblivion, ZKM_Medientheater [04.-05.11.2010]

Moderation: Renate Buschmann

Teilnehmer/innen: Rosina Gomez-Baeza Tinturé, Peter Weibel, Daria Parkhomenko

Renate Buschmann eröffnet die Gesprächsrunde mit einer Frage an Rosina Tinturé in Bezug auf die Kriterien der Auswahl für ein digitales Archiv.

Tinturé beantwortet die Frage mit einem Verweis auf den dokumentarischen Wert der gesammelten Zeugnisse. Wichtig sind für sie beispielsweise Äußerungen von Künstlern zu ihrem Werk.

Im weiteren Verlauf der Diskussion wendet sich Renate Buschmann auch an Peter Weibel, der in seinem Vortrag ebenfalls über Selektionsprozesse gesprochen hat: Lag die Entscheidung früher in den Händen einer Elite, entwickelte sie sich im Laufe der Demokratisierung zu einem gemeinschaftlichen Prozess. In Anbetracht des raschen Verfalls von Medientechnologien ergibt sich heute erneut die Frage nach der Selektion.

Peter Weibel weist in diesem Zusammenhang daraufhin, dass Probleme häufig daraus entstehen, dass die Verantwortlichen Kriterien der »Alten Medien« auf die Neue Medien übertragen. Als Beispiel aus der Geschichte nennt er den Umgang mit Fotografie um die Jahrhundertwende, als man nach dem Kriterium der Ähnlichkeit mit

Panel Discussion im Rahmen des Symposiums The Digital Oblivion, ZKM_Medientheater [04.-05.11.2010]

Moderator: Johannes Gfeller

Teilnehmer/innen: Hans Belting, Christoph Blase, Renate Buschmann, Alain Depocas, Rosina Gomez-Baeza TInturé, Siegfried Zielinski

Johannes Gfeller steigt mit einem Gedanken von Hans Belting ein, wonach Belting bezweifle, dass Gegenwart und Zeit zusammenzubringen seien. Gfeller führt weiter aus, dass auch andere Beiträge des Symposiums Kategorien der Zeit »in den Raum gestellt« haben. Ferner fordert er eine Beschäftigung mit den Raumkonzepten, die künstlerischen Arbeiten zugrunde liegen, damit die richtigen Erhaltungsmaßnahmen getroffen werden können.

Sein Modell umfasst viereinhalb Dekaden der Medienkunst, die frühen Fernseharbeiten von Paik und Vostell, die 1960er Jahre mit ihrem elektromagnetischen Raum, die 1970er Jahre mit dem elektronischen Raum, den Zeitraum bis in die Mitte der 1980er Jahre hinein, als der digitale Raum einzusetzen begann und den seit Anfang der 1990er Jahre andauernden »Cyper Space«.

Renate Buschmann kommt zu einem späteren Zeitpunkt der Diskussion auf die häufig genannte »Dokumentation« zu sprechen, die durch das Sammeln von Daten und Fakten zur Erhaltung von Kunstwerken beitragen kann.

Des Weiteren weist Christoph Blase noch auf das Schicksal der Videokunst aus den frühen 1980er Jahren und der Medienkunst der späten 1990er Jahre hin, die beide nach anfänglichem Hype mit schwindendem öffentlichem Interesse zu kämpfen hatten.

Daria Parkhomenko »Multimedia in Russia: from rebuilt to restarts«

ReleasedMar 01, 2011

This paper will address the development in media art in Russia from the early 1990s until today and present the activities of Laboratoria Art&Science Space, Moscow. While in the 1990s works by the likes of Sergei Shutov and Alexei Shulgin existed outside the realms of the art market, with the further development of the art market by the early 2000s multimedia art in Russia had turned into a global communicator - representing Russian art in the West and bringing Western art to Russia. However, several institutions working with multimedia emerged, but still there are no contacts between them and no ground for expertise, only some individual energy and initiative. One of healthier zones for art now is transdisplinary territory on the borders of art and something second. Laboratoria Art&Science Space was founded in 2008 on the basis of a scientific-research institute to become an environment for the development of the new type of relations between art, science and society, as well as for channeling various forms and kinds of creative energy. Laboratoria's multimedia is an environment where mediaartists and media-scientists can meet, where artwork and scientific discovery are equal, where rational and irrational blend. Daria Parkhomenko is director of LABORATORIA Art&Science Space, Moscow, Russia. She is a curator specialized in art and science interactions. In 2008 she founded an independent non-profit centre LABORATORIA Art&Science Space focused on establishing a new type of relationship between art, science and society. Daria Parkhomenko created the model of interdisciplinary platforms practices uniting exhibition, discussion and education projects. Daria Parkhomenko studied sociology, history of art, cultural management at Moscow Lomonosov State University and Moscow School of Social and Economic Sciences. ///

Daria Parkhomenko, Multimedia in Russia: from rebuild to restarts – Vortrag im Rahmen des Symposiums The Digital Oblivion, ZKM_Medientheater [04.-05.11.2010] Dieser Vortrag behandelt die unkontinuierliche Entwicklung der Medienkunst in Russland von den frühen 1990er Jahren bis heute und stellt die Tätigkeiten des Laboratoria Art & Science Space in Moskau vor. Während in der 1990er Jahren Werke von Künstlern wie Sergei Shutov und Alexei Shulgin außerhalb der Sphäre des Kunstmarkts existierten, ist Medienkunst in Russland nach 2000 zum »globalen Kommunikator« geworden: Medienkunst hat russische Kunst in den Westen, aber auch westliche Kunst nach Russland gebracht. Inzwischen beschäftigen sich in Russland mehrere Institutionen mit Medienkunst, jedoch mangelt es an gegenseitigem Austausch und an einem gemeinsamem Boden für Expertisen. Laboratoria bietet einen daher einen Raum, in dem Medienkünstler und Medienwissenschaftler sich begegnen können, wo künstlerische Produktionen und wissenschaftliche Erkenntnisse als ebenbürtig betrachtet werden und sich das Rationale und das Irrationale vermischen. 2008 begründete Daria Parkhomenko die unabhängige, gemeinnützige Institution LABORATORIA Art&Science Space, die sich auf die Bildung einer neuen Beziehung zwischen Kunst, Wissenschaft und Gesellschaft konzentriert. Daria Parkhomenko hat als Direktorin hierfür das Modell einer interdisziplinären Plattform entwickelt, in der Ausstellungen, Diskussion und pädagogische Projekte vereint sind. Parkhomenko studierte Soziologie, Kunstgeschichte und kulturelles Management an der Staatlichen Lomonossov Universität Moskau und an der Moskauer Hochschule für Sozial- und Wirtschafswissenschaften.

Herbert W. Franke »Das Vermächtnis des Indiana Jones«

ReleasedMar 01, 2011

»... Als er in Alissas Gesicht Erstaunen und Unverständnis erkannte, begann er in der Schreibtischlade zu kramen, und dann drückte er ihr die Kopie eines Textes in die Hand. „Man merkt, dass Sie keine Historikerin sind. Es geht ja nicht nur um die Sammlung und Aufbewahrung der Daten, sondern vielmehr um eine kreative Bearbeitung . Erst dadurch bekommt der Beruf des Historikers gesellschaftliche Relevanz! ...« Herbert W. Franke liest eine Kurzgeschichte vor, die er speziell für die Fachkonferenz geschrieben hat. Herbert W. Franke, geb. 1927 in Wien, lebt und arbeitet bei München. Von 1945 bis 1950 studierte er Physik, Mathematik, Chemie und Philosophie an der Universität Wien. Ab Mitte der 1950er Jahre verfasste er Beiträge zur experimentellen Fotographie und elektronisch unterstützten Kunst. In den Jahren von 1973 bis 1998 erhielt Lehraufträge für kybernetische Ästhetik und Computerkunst an der Universität in München. Von Herbert W. Franke sind mehr als 40 Bücher erschienen, u. a. zum Thema der Beziehungen zwischen Kunst und Wissenschaften. Bekannt geworden ist er auch durch seine utopischen Erzählungen und Romane. Derzeit arbeitet er als Senior Fellow des Zuse-Instituts Berlin an einem Projekt über »Virtuelle Welten«. Parallel zur Fachkonferenz lief im ZKM | Medienmuseum – Projektraum die Ausstellung „Herbert W. Franke. Wanderer zwischen den Welten“ (16.10.2010–09.01.2011).///

»... Upon recognising Alissa's look of surprise and incomprehension, he fumbled in his desk's drawer and then pressed the copy of a text into her hands. »It's obvious you're not a historian. It's not just about collecting and storing data, much more importantly it's about handling it creatively. Only then does the historian's profession become socially relevant!...« Herbert W. Franke will read out a short-story which he has written especially for this conference. Herbert W. Franke was born in Vienna in 1927 and lives and works near Munich. From 1945 until 1950 he studied Physics, Mathematics, Chemistry and Philosophy in Vienna. He then worked in industry for five years and then as a freelance publicist. Since the mid-1950s he has published articles about experimental photography and electronically generated art. From 1973 until 1998 lectureships for cybernetic aesthetics and computer- aided art at the University Munich and from 1984 at the Academy of Fine Arts, Munich. Herbert W. Franke has published more than forty books, several addressing the relationship between art and science. His utopian shortstories and novels have won him critical acclaim. Currently as Senior Fellow at the Zuse- Institut, Berlin he is working on a project »virtual worlds«. Parallel to the symposium, the exhibition »Herbert W. Franke. Wanderer zwischen den Welten« is on show at the ZKM | Media Museum - Project Room (16.10.2010 - 09.01.2011).

Teilnehmer: Hans Belting, Edmond Couchot, Siegfried Zielinski

In der Diskussionsrunde geht es unter anderem darum, inwiefern es positiv zu bewerten ist, dass nicht alle von der gegenwärtigen Informationsgesellschaft produzierten Daten gespeichert werden können.

Ferner laden die vier Sprecher auf der Bühne das Publikum dazu ein, über zwei aufgestellte Mikrofone an ihrer »Performance« teilzunehmen.

Aus dem Publikum sprechen beispielsweise Renate Buschmann, Direktorin des IMAI (Inter Media Art Institute) in Düsseldorf, die von ihrem hausinternen »An-Archiv« berichtet und die Frage aufwirft, wie man digitale Archive eigentlich betreuen sollte.

Klaus Weschenfelder, ICOM-Präsident Deutschland, stellt die Frage an das Podium, wer eigentlich die Auswahl für ein Archiv im Bereich Kunst treffen soll.

Antoni Muntadas »Formats, strategies, interpretations and translations«

ReleasedMar 01, 2011

Antoni Muntadas began his talk by observing that we should destroy more artworks. Not every artwork deserved to be maintained and some artworks, such as performances, do not have to be reproduced – it is enough that they are documented. Among numerous examples, he pointed to his work »Between the Frames« (1983-1993) – it was only the concept of this artwork that he gave to various curators to re-interpret. Only software was actually handed over; any remaining elements of an installation were manufactured or constructed on the spot. In each individual exhibition of the work, the artwork looked completely different, just as he, the artist, had intended. Ultimately, only the artist’s concept remains. Antoni Muntadas was born in Barcelona in 1942 and has lived in New York since 1971. His work addresses social, political and communication issues, the relationship between public and private space within social frameworks, as well as channels of information and the ways they may be used to censor central information or promulgate ideas. He works on projects in different media such as photography, video, publications, Internet and multi-media installations. ///

Antoni Muntadas beginnt mit einer Anknüpfung an verschiedene thematisch relevante Begrifflichkeiten wie »Impermanenz« und »Temporalität“«, die bereits in den 1970er Jahren viel diskutiert wurden. Davon ausgehend beschäftigt er sich mit dem Begriff der »Dokumentation«, der ebenfalls in dieser Zeit aufkam. Interessant erscheint ihm in diesem Kontext, inwiefern die »Dokumentation« letztlich das eigentliche Kunstwerk ersetzt. Die Dokumentation schafft ein »Image«, welches dazu dient, das Werk später zu »erinnern«. Ein weiteres Thema seines Vortrags ist der konservatorische Umgang mit Medienkunst. Während Museen darauf ausgerichtet sind, Malerei und Fotografie zu bewahren, fehlt es im Bereich der Medienkunst an Erfahrung. Im weiteren Verlauf stellt Muntadas die Forderung auf, dass sich die Museen den Prozess des Kunstschaffens aufrechterhalten sollten, auch wenn ihre primäre Aufgabe im Bewahren von Kunst besteht. Außerdem spricht er sich dafür aus, nur bestimmte ausgewählte Werke für die Nachwelt zu erhalten. Abschließend präsentiert der Künstler sein Werk »The File Room«, welches in Form einer Internetdokumentation existiert. Antoni Muntadas wurde 1942 in Barcelona geboren und lebt seit 1971 in New York. In seinen Arbeiten setzt er sich mit der Beziehung zwischen privatem und öffentlichem Raum innerhalb gesellschaftlicher Systeme auseinander. Außerdem befasst er sich mit der Nutzung von Informationskanälen als Zensurinstanz von Information und Verbreitungort von Ideen. Er hat Projekte mithilfe verschiedener Medien durchgeführt: Fotografie, Video, Publikationen, Internet und als multimediale Installationen.