Zehn Episoden zu zweit, in der elften die erste mit Gast: Chris ist zu Besuch in Berlin und unterhält sich mit Flo - wie schon so oft - über Horror, speziell über Ari Asters vieldiskutierten Film "Midsommar" (2019 A24). Horror ist ja von Natur aus hoffnungslos bedeutungsdicht - quasi ein zeckenbefallener Dickicht aus Brennnesseln, Schlamm und Schilf - es ist also kaum Zeit alles anzusprechen, was uns an diesem vielschichtigen zeitgenössischen Meisterwerk begeistert. Wir hasten durch entzündlich-aufschürfende Themen wie Familie/Gemeinschaft, Trauma/Trauer, Schuld/Strafe, das Monströse, das Folk Horror Genre, Gen- und Gesellschaftsengineering, während wir einen sterbenden See umkreisen.

• EGL056 Veganes Kochen mit Tipps und Tricks aus der täglichen Küche

Ari Aster hat die Bühne des abendfüllenden Horrorfilms mit dem Film Hereditary von 2018 als neuer Shooting Star des Genres glamourös betreten. In dem Film wird das scheinbar Alltägliche monströs und das Vertraute traumatisierend – wie es jeder gute Horrorfilm zu inszenieren weiß. Mit Midsommar führt Aster seine Charaktere in der ihm eigenen, fesselnden Filmsprache in eine religöse Kultgemeinschaft von der sie langsam absorbiert werden. Ihre Gruppendynamik – von Beginn an fragil – gleitet dabei in diesem Prozess ins Destruktive und Entwertende.

Chris liefert in unserer Episode eine sehr treffende Definition wie Horrorfilme wirken:

Ein Charakteristikum von Horror ist eine Überkonnotation, das etliche Bedeutungen übereinander / nebeneinander verlagert und sich teilweise auch ausschließen. Das sorgt für eine Orientierungslosigkeit, die dieses Horrorgefühl schafft.

Chris und Flo verbindet eine alte Aufnahme-Vergangenheit mit convex tv., einem Internet-Radio-Kollektiv der ausgehenden 90er Jahre. In einem gemeinsamen Beitrag über Scream analysieren sie schon damals, wie Horrorfilme über die Leinwand hinaus den Schrecken beim Zuschauer verbreiten können: eine Wirkungsmethode zielt darauf ab den Zuschauer so sehr in den Bann des Geschehens zu ziehen, dass er voll im Dunkeln der Leinwand aufgeht. Eine andere arbeitet mit dem Film im Film, auf einer Meta-Ebene wird der Horror thematisiert und daraufhin in der filmischen Wirklichkeit zelebriert.

Midsommar ist besser als Hereditary, da sind sich Flo und Chris einig – entgegen der Mehrheitsmeinung der Horrorfilmszene im Netz. Vielleicht kann diese Episode die gesamte Community bekehren. Midsommar schafft ein eigenes Ambiente, dass die Zeichen unserer Zeit verarbeitet: der Horror entsteht dabei aus einer Traumatisierung und einer kollektiven Erfahrung in einer religiösen Gemeinschaft, die ein eigenes verstörendes Wertesystem aufgebaut hat.

Unsere Route fühlt im Dickicht des vom See zurückgelassen Schilfs und den vertrockneten Kornfeldern auch etwas erschreckend aber doch recht passend an.

Im Build-Up zu Halloween geht es um Königinnen, deren Hirne degenerierten, als sie Kinder bekamen; Wissenschaftler:innen, die Beine amputieren, um herauszufinden, ob die Probanden Schritte zählen können; Stämme, die andere versklaven; gigantische unterirdische Pilze, die von emsigen Völkern gleichzeitig gefüttert und verspeist werden; epische Kämpfe, deren Fronten ganze Kontinente zu umspannen scheinen. Kurzum: Ameisen sind das Thema der 10. Eigentlich Episode. Schon von klein auf hat sich Flo für die staatenbildenden Insekten begeistert. Stundenlang konnte er einen Ameisenbau beobachten und sich fragen: wie machen die das? Wie können so viele Tiere auf einem Haufen so strukturiert zusammenarbeiten? Wie kommunizieren die Tiere untereinander? Können Ameisen sehen? Diesen Fragen und viele weiteren Phänomenen rund um verschiedenen Ameisenarten gehen wir in dieser Folge nach. Unsere Laufroute führt uns wieder durch Brandenburg, wir wandern auch ein Stück des Jakobwegs entlang. Am Ende der Episode geht es doch wieder um Film - einen Film zum Thema "Ameisen": um den legendären Creature Horrorfilm "Phase IV".

• EGL051 Obskure Lebensgemeinschaften in der Tiefsee

Die ersten Ameisenarten waren Einzelgänger und entstanden zu einer Zeit, als die Dinosaurier noch auf der Erde gelebt haben: vor ca. 130 Millionen Jahren. Schauen wir heute auf diese unglaublich erfolgreichen Wesen und ihre komplexen sozialen Gefüge, wird deutlich wie effektiv diese Spezies die Zeit nutzte, die die Evolution ihr gegeben hat. Unglaublich vielfältig sind die symbiotischen Beziehungen und eigenartige Verhaltensweisen. So haben die einzelnen Tier eines Schwarms ihre sexuelle Fortpflanzung einem Individuum (der Königin) überlassen, woraus sich ein besonderer evolutionsbiologischer Vorteil ergibt. Die Königin hat im Staat erstaunlich wenig zu melden, sobald sie sich im Modus der Eiablage befindet. Ohne aristokratische Führung haben Ameisen eine demokratische Entscheidungsfindung entwickelt, wenn z.B. ein neues Nest bezogen werden soll. Trotz der scheinbaren Konformität innerhalb einer Klasse in einem Schwarm gibt es doch unterschiedliche Vorlieben der Einzeltiere – der Schwarm ist also kein Gleichmacher.

Die Intelligenz eines Schwarmes misst mehr als die Summe seiner Einzeltiere. Für die Ameisenwelt wurde eine eigene Algorithmik Klasse in der Mathematik eingeführt, die Ant Colony Optimization (ACO). Mit Hilfe eines Schwarmes lassen sich so komplexe Orientierungsprobleme wie z.B. das Traveling Salesman Problem lösen. Auch im Bereich des Sortierens und Ordnens haben Ameisen im Schwarm Verhaltensweise entwickelt, die heute in der Informatik adaptiert werden und vor allen Dingen im Logistikbereich Anwendungen finden.

Der Ameisenschwarm kann also als eine Art von Framework aufgefasst werden, das für verschiedene Probleme Lösungen in der Swarm Intelligence gefunden hat. Dabei ist das SetUp des Frameworks mehr oder weniger ein Fixpunkt (=Nest), in dem viele Einzeltiere (=Agenten) sich in Interaktion mit Nahrungsquellen (=Futtersuche) begeben, und dabei über verschiedene Wege (=Pheromone) miteinander kommunizieren. Einfache Interaktionsmuster bekommen in der Masse angewendet eine sehr effektive Wirkung.

Mit so einer kollektiven Wirkung von Ameisenvölkern spielt auch der Film Phase IV. In dem 1974 gedrehten Film versuchen zwei Wissenschaftler in der Wüste von Arizona herauszufinden, warum Ameisen eine neue Form der Intelligenz entwickelt haben. Dabei gelingt es den Wissenschaftlern mit den Ameisen Kontakt aufzunehmen, was aber desaströs endet. Der Film ist zu einer Hochzeit der Creature Horrorfilme entstanden, glänzt mit seinen fulminaten Aufnahmen der Ameisen, die einem zeitgenössischen Dokumentarfilm von David Attenborough entstammen könnten.

Empfehlung: Flo hat zur Vorbereitung die Audioversion des Buches „Weltmacht auf sechs Beinen“ der Evolutionsbiologin Susanne Foitzik gehört, das seiner Meinung nach der informativste und gleichzeitig unterhaltsamste Einstieg in das Thema ist – für die, die nicht genug bekommen haben.

Am Ende unserer Laufroute holt uns leider noch mal die Realität der Austrocknung von Brandenburgs Seen ein. Wir sollten eigentlich am Ufer des Sees stehen, aber in den letzten zwei Jahren hat sich das Wasser soweit zurückgezogen, dass nur noch ein kleiner Tümpel in Börnicke übriggeblieben ist:

Eine der letzten Fragen des Podcast versuchen wir auch noch in Bildern zu beantworten. Flo fragt sich „Wie das ‚Gesicht der Evolution‘ wohl aussieht?“. Wir fragen Dalle-2 diese Frage in vier Versionen:

Nehmen wir beispielsweise den 'Sound' von Vinyl. Eigentlich sollte Vinyl als Medium für Aufnahmen kein Eigengeräusch haben. Hat es aber. Und jede:r kennt den Sound von Vinyl, das leise Rauschen, Knistern und Knacken der sich drehenden Schallplatte. Dieser Sound steht sogar für etwas, löst Emotionen aus, wird z.B. im Film eingesetzt, um eine schlimme Vorahnung zu induzieren, wenn wir nur das Knacken einer Schallplatte in einem leeren Zimmer hören. In dieser Episode beschäftigen wir uns mit Fehlern in Tonaufnahmen, die mit der Zeit nicht mehr als Fehler, sondern originäre Sounds oder Charakteristika wahrgenommen werden. Genaugenommen geht es in dieser Episode eigentlich um eine Kette von Fehlern, die bei Aufnahme, Speicherung und Wiedergabe entstehen - oder auch schon vorher: in der Beschaffenheit des Raumes, in dem der Klang entsteht. Es geht um Sound-Engineering mit solchen inzwischen originären Sounds die digital vermessen und emuliert werden. Oder mittels AI gänzlich neu und in Echtzeit generiert werden, um Stimmungen zu induzieren, die eine Musik für unsere Ohren in der Zeit platzieren, in der diese Fehler gemacht wurden, weil es einfach nicht anders möglich war, z.B. ein Echo zu erzeugen, als mit zwei massiven Metallplatten, die von einem Lautsprecher in Schwingung versetzt wurden.

Wir erzählen die Transformation des fehlerhaften Abbildes des Eigentlichen zum Eigentlichen exemlarisch am Halleffekt. Dem Hall kommt eine besondere Rolle zu, da er zuerst in der Entwicklung der Tonstudios mehr und mehr abgeschafft wurde, um dann im nächsten Schritt künstlich wieder erschaffen zu werden. 1947 soll der erste künstliche Hall von Bill Putnam, Sr., dem Gründer von Universal Audio, in der Aufnahme von „Peg o‘ My Heart“ der Harmonicats eingesetzt worden sein. Der Legende nach war diese erste „Echokammer“ das Klo des Studios, in dem Putnam ein Mikro und einen Lautsprecher unterbrachte. Über 10 Jahre später (1958) baute Salvatore Camarata (genannt ‚Tutti‘), der 1956 für Walt Disney das Label Disneyland Records gründete, die erste Echokammer in einer alten Autowerkstatt in Los Angeles am Sunset Boulevard.

Über die Digitalisierung wandern wir unweigerlich in das Gebiet der KI, die in der Lage ist nicht nur Bilder wie „Cthulhu on sesame street“ aus dem Nichts zu zaubern, sondern auch Musik. Das ist für uns der Next Level, der das ewig Gleiche neu kombiniert und als endlose, sich nie wiederholende Playlisten die akustischen Streams mehr und mehr füllt. Die Ohren voll, die Künstler:innen gehen leer aus, die Kassen der Provider klingeln.

Darf man die Frage stellen: kann eine KI wegen Urheberrechtsverletzung verklagt werden?

Abschließend möchte ich noch festhalten, dass für mich Sound-Engineering auch wegen der vielen Menschen so liebenswert ist, die es so ernsthaft betreiben, wie z.B. in dem (auch in den Shownotes gelisteten) „Measuring reverberation time“ zu sehen.

P.S.: in der Episode erwähne ich einen anderen Podcast, eine Episode über einen Komponisten, der seine Schreibblockade damit überwand, dass er einen Computer trainierte seine nächsten Stücke zu komponieren. Ich dachte es sei Radiolab oder This American Life, kann es aber nicht finden. Wer kennt diese Episode und kann uns mit dem Link helfen?

Flo bringt in dieser Episode ein Thema mit auf dem Weg, dass ihn schon fast sein Leben lang begleitet. Kaum ein anderer Schauspieler begleitet uns seit unserer Jugend so kontinuierlich in hochproduzierten Blockbuster Filmen wie der Schauspieler Tom Cruise. Für sein Lebenswerk wurde er in diesem Jahr mit der Godenen Ehrenpalme in Cannes ausgezeichnet. Wir haben uns schon oft Mühe gegeben Tom Cruise nicht zu mögen wegen seiner Mitgliedschaft bei Scientology, aber so recht wollte uns das nicht gelingen. Also blenden wir diese private Seite von Tom Cruise aus und widmen uns voll seinem Filmschaffen der letzten Dekaden. Wir sind uns einig, dass Tom Cruise im Bereich Science-Fiction und Action bei Meilensteinen der Filmgeschichte mitgewirkt hat. Wir sprechen darüber, was uns an Tom Cruise als Darsteller so begeistert, welche seiner Filme wir besonders mögen und mit welchen anderen Schauspieler:innen und Regisseur:innen er zusammengearbeitet hat. Unsere Laufroute in Brandenburg verläuft dabei genauso gradlinig wie die Karriere von Tom Cruise.

Das Phänomen Tom Cruise ist eigentlich ganz einfach. Ein Typ, der sich kaum ändert, dem man sein Alter nicht ansieht, der immer schon auf der Leinwand zu sehen war. Tom Cruise spielt in solchen Filmen mit, die mit so viel Budget ausgestattet sind, dass in den Actionszenen alles machbar ist und die Technik der Zukunft bereits in seinen Filmen zum Einsatz kommt. Tom Cruise spielt aber auch in anderen Filmen mit, die etwas nachdenklich machen und Bilder im Kopf pflanzen, die nicht mehr weggehen. Tom Cruise ist ein Schauspieler, der immer noch ein so tief gespaltenes Land wie Amerika unter einer Flagge einen kann, er ist der amerikanische Traum, der Tellerwäscher, der durch Fleiß und Ehrgeiz Professionalität und Perfektion erlangt hat.

Wir stellen in dieser Episode einige Thesen zu Tom Cruise auf, in einer davon beschreibt Micz, wie er zu Tom Cruise auf der Leinwand korrespondiert:

Einerseits habe ich das Gefühl, dass ich mich hinter Tom Cruise verstecken kann, in jedem Film wird er alles tun, dass ich, wenn ich hinter ihm bin, nicht in diesem Plot umkomme. (…) Ich darf ihm folgen, er wird dafür sorgen, dass ich hinten heil rauskomme.
Andererseits habe ich bei Tom Cruise auch immer das Gefühl, dass er es ist, der am wenigsten kapiert, was gerade los ist.

Tom Cruise führt uns also irgendwie ohne genau zu wissen, wie. Dem gegenüber steht seine Filmographie, von der wir das Gefühl haben, dass Tom Cruise ganz genau weiß, mit wem er zusammenarbeiten möchte. Er hat mit den renommiertesten Regiesseuren Filme gedreht, tritt oft als Produzent auf.

Um es ganz genau zu wissen, gehen wir Film für Film den wikipedia Eintrag von Tom Cruise durch. Am Ende sind wir uns noch nicht ganz sicher, welchen Tom Cruise Film wir am Abend gemeinsam schauen möchten. Spoiler: es ist dann doch unser beider Lieblingsfilm Edge of Tomorrow geworden.

Berlin feiert sich für die Brandenburger Seen in der Nähe. Doch diese Seen trocknen aus. Und zwar rasend schnell. In drei Jahren fiel der Wasserspiegel um zwei Meter. Unmengen an Wasser hat sich buchstäblich in Luft aufgelöst. Einiges ist darüber geschrieben und berichtet worden. Und im nahegelegenen Berlin schüttelt man den Kopf. Klimawandel, direkt vor der Haustür. Krass. Noch vor zwei, drei Jahren beklagten Berichte, dass der Wasserspiegel pro Jahr um ein paar schnuckelige Zentimeter fallen würde. Schock-Schlag-schwere-Not, hieß es da schon. Doch es geht noch mehr, noch schneller, noch schlimmer. In unserem Erlebnisbericht sprechen wir von zwei Metern in drei Jahren. Der erste Gedanke: da ist was kaputt im See, der läuft aus. Aber der Blick auf die Seen im Umkreis zeigt überall das Gleiche: zwei Meter Wasser sind weg. Der Umkipp-Punkt scheint inzwischen erreicht. Geht's irgendwie wieder zurück? (Mit vielen Fotos!)

Unsere Tour führt uns um einen kleineren See im Nord-Osten der Hauptstadt. Die GPS-getrackte Tour gaukelt uns vor, wir könnten auf dem Wasser gehen. Nicht am Ufer entlang, sondern durch den See scheinen wir zu laufen. Gibt es ein besseres Zeichen für die akute und rasende Seenot, als dass die Digitalisierung von der Realität abgehängt wird?

Der See, um den wir laufen, hat immerhin 45 Hektar Oberfläche. Zwei Meter habe man im Dorf gemessen, sei der Wasserspiegel in den letzten drei Sommern gefallen. Rechnen wir einmal großzügig:

45 Hektar sind 450.000 Quadratmeter.
Zwei Höhenmeter, macht 900.000 Kubikmeter Wasser.

Stellen wir uns eine Kubikmeter Wasser vor. Das sind 1000 Tüten Apfelsaft pro Kubikmeter. Wenn wir 900.000 dieser Wasserwürfel aneinander legen, bis wohin würde unsere Wasserstraße reichen? 900 Kilometer könnten wir darin tauchen, am Stück, bis…

• Minsk, Belarus = 1048 km (nein)
• Paris, Frankreich = 1013 km (nicht ganz)
• Stockholm, Schweden = 969 km (fast)
• Luzk, Wolhynien, Ukraine = 897 km (schaffen wir)
• Zürich, Schweiz = 794 km (locker)

Im Dorf wird berichtet, dass man früher mal versucht habe die tiefste Stelle zu finden. Und das seien zwischen 6 und 8 Meter gewesen. Und wenn wir hier nicht großzügig rechnen: die Hälfte ist schon weg. In drei Jahren.

Wir reden beim Laufen über Regen oder nicht Regen, Sein oder nicht Sein, Zuflüsse, Verdunstung, Wasserwiederverwendung, Landwirtschaft, Elon Musk, Eiszeit, Feldsölle, Endmoränen, Urstromtäler, Waschbären, Permakultur und ob es einfacher ist Menschen zu begeistern etwas zu reparieren als zu pflegen. Und wir reden zum zweiten Mal über das Dreikörperproblem und Bioethik (nicht im gleichen Satz).

Und damit Kopfhörer auf, Episode ab:

Aber wehe, wehe, wehe! Wenn ich, auf die Seen sehe!!

Der russische Regisseur Andrej Tarkowski erschuf mit "Stalker" 1979 die cineastische Blaupause einer postapokalyptischen Zone, unwissend, dass ihn 7 Jahre später mit der Nuklearkatastrophe von Tschernobyl die Realität einholen sollte. Im Film ist "Stalker" jemand, der sich anschleicht, über verschlungene Pfade pirscht und in der erzählten Geschichte unter Lebensgefahr Interessierte in die streng bewachte Zone bringt und dort führt.

Es gibt nur wenige durch Menschen ausgelöste Ereignisse, die ein Gebiet hinterlassen können, das nicht mehr zugänglich ist. Ein Super-GAU ist ein solches Ereignis. Bisher ist die Havarie von Tschernobyl wohl der bekannteste und nachhaltigste Katastrophenfall dieser Art in der Geschichte. Zurück bleibt ein atomar verseuchtes Gebiet, das nicht mehr vom Menschen bewohnbar ist. Trotzdem kehren die Menschen dorthin zurück und wollen in ihrer Heimat weiterleben, in dem Gebiet rund um Tschernobyl werden sie Samosely genannt. Auch in der Gegend um Fukushima gibt es ähnliche Rückkehrer.

Radioaktive Strahlung kann man nicht mit den Sinnesorganen erfassen, sie wirkt in hoher Dosis in kurzer Zeit tödlich, in anderen Dosen kann sie schlimme Krankheiten auslösen (Strahlenkrankheit). Die Strahlenbelastung in einem atomar verseuchten Gebiet kann sehr unterschiedlich verteilt sein. Es gibt Karten von Tschernobyl auf denen metergenau die Strahlenbelastung verzeichnet ist. Die Wege zwischen den einzelnen Punkten sind dann auch nicht mehr die kürzesten, sondern können sich um viele Ecken winden, eben dort, wo die Belastung am geringsten ist. Ähnlich zu den Wegen in der ZONE, die der Stalker mit dem Werfen der Schrauben findet.

In der ZONE existieren noch Hinterlassenschaften der Menschen, die aber durch die langen Jahre des Stillstands erodiert sind: Fabrikhallen haben sich zu Wüsten verwandelt, Fische schwimmen über einem mit Fließen ausgelegtem Boden, der Raum ist zu einem Teich geworden. In diesen Szenen finden sich Artefakte einer verfallenden Zivilisation: eine Kalaschnikow, eine Spritze, ein Reliquienbild liegen verstreut auf dem Boden eines überfluteten Raumes, die Kamera fährt langsam über diese Gegenstände und fängt die Gesichter der Darsteller ein, die im Wasser liegend nach Erkenntnis, nach Wahrheit, nach Wahrhaftigkeit suchen.

„Die verrottenden, verrostenden und verfallenden Relikte der industriellen Produktion sind Zeugnis dieses Prozesses, die inzwischen von der Natur überlagert, ja überwuchert werden.“

Die ZONE ist ein Ort einer tiefgreifenden Magie, sie verspricht trotz der tödlichen Gefahren Wünsche erfüllen zu können. Jeder, der sie bereist hat kommt nicht mehr als derselbe zurück. Tarkowski gelingt mit Stalker ein dichtes atmosphärisches Meisterwerk, das mit einfachen filmischen Mitteln eine magische Erzählung inszeniert.

In Tschernobyl ist die Sperrzone Ausdruck der Entropie einer Havarie, die unumkehrbar und völlig zufällig verlaufen ist. Diese Willkürlichkeit steht im Gegensatz zu dem Film Stalker, bringt aber mit der ZONE ein ähnlich ästhetisches Phänomen mit sich, was immer wieder in der jüngeren Film- und Pop-Kultur rezipiert wird. Bevor Tschernobyl zum Kriegsgebiet durch den russischen Einfall in die Ukraine geworden ist, konnte man touristische Erlebnistouren durch Sperrzone buchen. Die Monstrosität des historischen Schauplatzes wird zu einem buchbaren Event, die verlassene Gebiete werden zur Erlebniskultur.

Dem können wir uns auch nicht entziehen, denn so erlebten wir in den 90er Jahren die ZONE in Berlin, die sich nach dem Mauerfall auftat. Viele brachgelegene Orte wurden damals mit der Partykultur wieder belebt, eine neue Mitte entstand, wo man sie sich einige Jahre zuvor nicht vorstellen konnte. Diese neue Mitte ist jetzt nach bald über 30 Jahre später nahezu vollständig erschlossen, das sehen wir auch am Ende unserer Episode. Wir sitzen zum Ausklang im Uferpark am Nordhafen und betrachten in der Ferne das städtische Entwicklungsgebiet Europacity, das nicht nur von Weitem wie eine CAD Zeichnung aussieht…

Was beglückt Menschen, wenn sie sich stundenlang Videos anschauen, in denen andere Menschen wortkarg Dinge wieder herstellen, reparieren, restaurieren? Das reflektieren wir auf unserer heutigen Eigentlich-Podcast Tour, die vor dem Kunstgewerbemuseum am Potsdamer Platz beginnt. Von dort laufen wird durch den Tiergarten und weiter, immer weiter nach Norden, vorbei am Hauptbahnhof und hinein in neuwertige Zonen des Wohnens und Arbeitens, die sich dort gebildet haben und in Teilen aussehen wie Ausgrabungen einer längst verspielten Utopie. Miczs Thema: 'Restoration Videos' (deshalb auch das Kunstgewerbemuseum) und wir reden über Sollbruchstellen als geplante Obsoleszenz, über das Recht zu Reparieren, Cradle to Cradle, die Schnittmengen zwischen Videoformaten wie Unpacking, Repair, Tools, Restoration, usw. und so fort. Eine Prise Psychodynamik darf nicht fehlen, deshalb streifen wir Sigmund Freuds Neffen Edward Bernays, der - aufbauend auf das Konzept seines Onkels über die Primärprozesse, Triebe und das Unbewusste - Produktmarketing in Amerika revolutionierte.

Auslöser für die Folge war Miczs Bastel-Projekt eine 1980er Hondo Lazer E-Gitarre – wie Johnny Winter sie gespielt hat (Video Link in den Shownotes) – zu restaurieren. Dieses Video, liebe Podcast-Freund:innen, ist noch nicht fertig. Nur einige Fotos belegen, dass das Rohmaterial bereit liegt. Aber wer braucht schon Video, wenn wir Audio haben?

Am Ende der Episode stellen wir die Hypothese in den Raum, dass es uns Menschen einfach wahnsinnig gut tut, wenn sich jemand mal so richtig liebevoll kümmert. Denn wir alle haben unsere Macken und können uns nur zu gut mit den Dingen identifizieren, die aus dem Müll geholt werden und wieder geliebt, poliert und benutzt werden. „Nützlich sein“ ist nicht nur der Ruf der Dinge.

Wir starten heute unsere Wanderung mitten im Herzen von Berlin - am Potsdamer Platz. Von dort bewegen wir uns fast nur im Grünen bis zum Tempelhofer Feld. Flo stellt in dieser Episode den Film "First Cow" der US-amerikanischen Drehbuchautorin und Regisseurin Kelly Reichardt vor. Reichardt erzählt in ihrer eigenen sehr zärtlich-ästhetischen Art die Beziehung zweier Männer im Wilden Westen. Der Anti-Western entstand 2019 und wir sprechen in dieser Episode ausführlich über das Genre "Western", die Kolonialisierung des Wilden Westens und den Begriff "Frontier". Micz versucht mehrfach herauszubekommen, warum Flo sich diesen Film ausgesucht hat, bis wir schließlich mit etwas Zivilisationskritik und Gedanken zur Schlachthof Optimierung mitten auf dem Tempelhofer Feld enden.

In dieser Episode möchte Flo mit dem Film „First Cow“ die Bedingungen der Kolonialisierung im äußersten Westen von Nordamerika reflektieren. US-amerikanische Drehbuchautorin und Regisseurin Kelly Reichardt schafft mit ihrem Figurenensemble eine menschliche Nähe, die uns die harten Umstände der damaligen Zeit etwas näherbringen können. Der Film zeigt, welche Form der Brutalität ein wirtschaftliches System auf zwischenmenschliche Beziehungen ausüben kann: Die beiden Protagonisten King Lu und Cookie melken heimlich die einzige Kuh im Umfeld eines provisorischen Handelsknoten.
Cookies Kochkunst und Lus cleveres Geschäftstalent entlocken diesem Diebstahl kurzfristig etwas Geld … bevor der Show-Down beginnt.

Die Geschichte arbeitet mit klassischen Westernmotiven, kann aber wegen ihres unkonventionellen Erzählstils dem Genre des Anti-Western zugeordnet werden. Wir steigen in dieser Episode etwas tiefer in die filmgeschichtlichen Auswüchse des Westerns ein und debattieren was das mit der „Frontier“ Bewegung zu tun hat.

Der Wilde Westen endet mit dem Bau der Eisenbahn. Damit wird auch die Ausbeutung der Ressourcen auf einem neuen Level industrialisiert, die amerikanische Urbevölkerung immer weiter ausgelöscht und in Reservate gedrängt. Getrieben durch den weltweiten Handel im 19. Jahrhundert gipfeln die monströsen Auswüchsen des Kapitalismus in Bilder wie z.B. das Bild von dem Berg aus Hunderttausenden Büffelschädeln auf dessen Spitze sich ein Mann in destruktivem Stolz suhlt.

Wir sind erschüttert. Wie konnte das passieren? Wir versuchen uns in Erklärungen und landen auf dem Feld der Dystopien. Wir suchen etwas Hoffnungen mit dem Film „Cow“ von Andrea Arnold, der uns mit einer sehr einfühlsamen Kameraarbeit die Erlebniswelt einer einzelnen Kuh nahebringt. Die Kuh, die bisher als Bild für die industrielle Nahrungsmittelproduktion, der Milch- und Fleischwirtschaft herhalten muss, wird in diesem Film zu einer individuellen Darstellerin mit einer komplexen Gefühlswelt. Doch bringt diese Einfühlsamkeit wieder etwas wirtschaftlichen Vorteil, wie sich in den Optimierungen der Schlachtbetriebe in letzter Zeit zeigt. Wir stehen etwas ratlos mitten auf dem Tempelhofer Feld.

In dieser Folge beginnen wir unsere Wanderung am ehem. Flughafen Tempelhof und ziehen gen Norden durch die Hasenheide.

• EGL095 Triebe, Libido, Sozialenergie: Entsteht psychische Energie in Beziehungen und Gruppen?

Am Ende der Folge ist unser Pitch für den Film Encanto folgender:

Der Drei-Generationen-Haushalt wird von der Großmutter und einer Kerze zusammengehalten. Die Kerze, wie wir erfahren, ist das Substrat des Großvaters, der als junger Mann auf der Flucht vor den Augen seiner Frau umgebracht wurde. Deren gemeinsame drei Kinder sind psychisch gestört und bilden das Tryptichon von Neurose, Borderline und Psychose.

Alle in der Familie, auch die Enkelkinder, sind von Magie „beseelt“ und regulieren so die familiären Spannungen durch fassadäre Hilfsbereitschaft und Altruismus.

Nur Mirabel, die zweitjüngste, hat keine magischen Kräfte oder Fähigkeiten. Dass sie ganz normal ist, macht sie in der Familie Madrigal zum schwarzen Schaf bzw. der Grenzperson zwischen den Welten. Durch diese Rolle ist sie die einzige, die sich der Familiengeschichte zu stellen vermag.

Während Mirabel anfangs glaubt die Familie zu retten, indem sie versucht die Magie zu retten, zeigt sich schnell, dass mit dem fortschreitenden analytischen Aufdecken von Ursachen die Magie schließlich vollends erlischt. Erst jetzt wird das Trauma erkannt, angesprochen und bearbeitet. Die Familie Madrigal kann ihr Haus wieder aufbauen.

Betrachtet man das Ende des Films Encanto vor dem Hintergrund von Psychopathologie und psychischer Gesundheit, dann wäre es ein Behandlungserfolg, wenn in der dritten Generation nach dem Familientrauma die ‚Heldin‘ Mirabel die Leistungsbezogenheit, die die Familie bestimmt, ablegen könnte. Denn diese Leistungsbezogenheit dient als Kompensation des Defizits (Großvater fehlt als Gründer) und Abwehr des Schmerzes, den der Verlust ausgelöst hat. Der Großvater hat eine Leerstelle hinterlassen, die durch die Familie mit Superkräften ausgefüllt wird.

Die große Abhängigkeit von Anderen (der Dorfgemeinschaft) und der Abtretung eigener Wünsche durch Hilfsbereitschaft (Altruismus) hat Mirabel ja gewissermaßen schon zu Beginn des Films überwunden — gerade weil sie völlig ohne Superkräfte ihr Leben lebt. Doch muss Mirabel ihre Heldenreise antreten, die im Film festgehalten ist, und auf dieser Reise stellvertretend für die Familie, besonders ihre Großmutter, das Trauma durcharbeiten. Als Folge bricht erst einmal alles zusammen, um danach entspannt und reifer, realitätsbezogener und in der Familienidentität gestärkt neu zu entstehen.

Das ist das Happy End vor dem Hintergrund von Psychopathologie und psychischer Gesundheit. Vor diesem Hintergrund ist die Magie, die wieder in die Lebensrealität durchbricht ein wirklicher Horror, nicht unähnlich dem Horror, den die Zuschauer:innen in „Shutter Island“ (Scorcese, 2010) durch den dramatischen Wechsel des Bezugsrahmens zum Ende des Films erleben.

Rashomon erzählt die Geschichte der Geschichten in einer Geschichte.

Unser Laufroute führt uns über den Traberweg zur Trabrennbahn Karlshorst und ein Stück durch die Wuhlheide.

Aus aktuellem Anlass präsentiert Flo in der zweiten Eigentlich-Episode den Film „Rashomon“ aus dem Jahr 1950 .
Der erzählerischen Haltung aus Akira Kurosawas filmischem Meisterwerk folgend, erschien letztes Jahr der Film „The Last Duell“ von Ridley Scott, in dem aus drei verschiedenen Blickwinkeln eine Geschichte um dasselbe Ereignis erzählt wird.
Mit jeder Erzählung scheinen die Zuschauer:innen der Wahrheit näher zu kommen — während sie eine andere wieder aus den Augen verlieren.
Was die Wahrheit sei, lässt Kurosawa offen, während Ridley Scott im historischen Kontext seines Films Gott die Entscheidung überlässt, der in einem Duell auf Leben und Tod Recht sprechen soll.

In der Filmgeschichte mit der Wahrheitsfindung Geschichte geschrieben hat, ist „Rashomon“ von Akira Kurosawa.
Auch hier wird ein Verbrechen, ein Mord aus unterschiedlichen Blickwinkeln erzählt.
Wir sprechen über die Charaktere und deren Geschichten, über die Wahrheitssuche und die Unmöglichkeit endgültig eine zu finden.
Und über die Autoreflexibilität des Mediums Kino und über Flos prägende Seminare bei seinem Studium der Theaterwissenschaft.

Unsere Laufroute endet passend zur Geschichte Rashomon, das der Name eines Stadttor ist, im Tor zur Trabrennbahn in Karlshorst.