El arte del negocio musical. Music Business Podcast

Tocar en directo merece la pena. Otra cosa es que cualquier bolo merezca la pena en cualquier condición. En este episodio hablamos de por qué un concierto puede salir bien y aun así no salir a cuentas, cómo calcular su coste real y qué condiciones conviene dejar claras antes de aceptar una fecha. La idea no es tocar menos, sino saber qué riesgo se asume, qué se espera obtener y cuándo tiene sentido decir que sí.

Durante años, entrar en playlists y aumentar los oyentes mensuales se ha entendido como una señal de crecimiento para los artistas. Pero el alcance no equivale necesariamente a construir una carrera. Una playlist puede conseguir cientos de miles de reproducciones y, aun así, generar pocos seguidores, escuchas recurrentes o fans. La clave está en lo que ocurre después del descubrimiento y en cuántas de esas personas deciden seguir escuchando.

El reto pasa así de conseguir alcance a convertir oyentes en fans. Las playlists, TikTok, la radio o la prensa siguen siendo herramientas fundamentales para descubrir música, pero funcionan como atención prestada. Para construir una audiencia propia hay que mirar más allá de los oyentes mensuales y medir guardados, seguidores, escucha del catálogo, recurrencia, venta de entradas o suscripciones. El objetivo no es solo llegar a más gente, sino conseguir que una parte quiera volver.

¿Los conciertos están dejando atrás las grandes producciones? En este episodio de El arte del negocio musical analizamos la nueva tendencia que está transformando la música en vivo: artistas como Charli XCX apuestan por escenarios minimalistas mientras otros, como Ye (Kanye West), siguen llevando el espectáculo al máximo nivel. Hablamos de producción de conciertos, giras internacionales, diseño escénico, costes, precio de las entradas y de cómo la industria busca nuevas formas de conectar con el público. ¿Menos pantallas significa mejores conciertos? Descúbrelo en este episodio.

El precio de una entrada no es una cifra puesta al azar ni depende solo de lo que cobra el artista, sino que es el resultado de una cadena de decisiones económicas, logísticas y estratégicas que atraviesan toda la música en directo. Detrás de ese número hay costes de producción, técnicos, recintos, seguridad, transporte, hoteles, comisiones, impuestos, campañas, riesgo empresarial y semanas de negociación entre artistas, agentes, promotores y salas. El episodio explica cómo el directo se ha convertido en el centro del negocio musical, pero también en un terreno cada vez más tensionado por el aumento de costes, las expectativas del público, la reventa, los precios dinámicos y la necesidad de mantener una relación de confianza con los fans. Casos como el de Los Campesinos! demuestran que incluso una gira casi agotada puede no ser rentable sin merchandising, y que llenar no siempre significa ganar dinero. Por eso, el precio perfecto no es necesariamente el más alto ni el más bajo, sino el que permite que el concierto sea viable sin romper el vínculo con la comunidad que lo hace posible.

Según un nuevo informe de Chartmetric y Duetti, los corridos mexicanos ya representan el 3% de los streams globales y el 92,8% de sus artistas son independientes. El dato es enorme porque no habla solo del crecimiento de un género, sino de un cambio en la forma de construir carreras musicales: comunidad primero, audiencia después y sello, si llega, mucho más tarde.Los sellos no están creando el fenómeno desde cero, sino que están llegando cuando la comunidad, la audiencia y el valor de mercado ya existen. Los corridos muestran que el papel de las majors no desaparece, pero sí cambia: menos descubrir y desarrollar desde el inicio, y más amplificar proyectos que ya han demostrado que pueden funcionar solos.

Del Waka Waka de Shakira a World in Motion de New Order, de Three Lions al nuevo álbum mundialista con dieciocho canciones, nos preguntamos qué convierte una canción de fútbol en un himno generacional. ¿Se puede fabricar un momento cultural con presupuesto, estrellas globales y colaboraciones estratégicas? ¿O las canciones que realmente sobreviven nacen de abajo, de la grada, de la comunidad y de una emoción imposible de planificar?
También hablamos del feat como pasaporte internacional, de Shakira con Burna Boy a LISA, Anitta, Rema, Carín León, Daddy Yankee o BTS, y de cómo los sonidos locales se han convertido en una de las grandes palancas de exportación de la industria musical.
Un episodio sobre fútbol, música, negocio, catálogo, fandom y la tensión entre emoción auténtica y marketing global.

Bad Bunny, Shakira, Radiohead y Adele están mostrando que las residencias ya no son solo una fórmula para artistas veteranos o shows de Las Vegas: se han convertido en uno de los modelos más potentes del negocio de la música en vivo.

En este episodio de El Arte del Negocio Musical analizamos qué nos dicen las residencias sobre el futuro del directo: por qué seducen a artistas, promotores y ciudades; cómo permiten reducir costes de producción y logística; y de qué manera convierten un concierto en un acontecimiento cultural y turístico.

También abordamos la otra cara del modelo: el encarecimiento de la experiencia para los fans, la concentración de grandes shows en pocas ciudades y el riesgo de que este formato solo esté al alcance de artistas con una demanda masiva. De Radiohead a Bad Bunny, pasando por Shakira y Adele, exploramos cómo las residencias están redefiniendo la relación entre artistas, público, venues y promotores.

En este episodio de El arte del negocio musical analizamos cómo los videojuegos se han convertido en uno de los grandes espacios de descubrimiento musical de las últimas décadas. De FIFA a Tony Hawk’s Pro Skater, de Final Fantasy a The Last of Us, exploramos por qué una canción escuchada mientras jugamos puede quedarse grabada en la memoria durante años y convertirse en parte de la cultura popular.

Hablamos del poder emocional de las bandas sonoras originales, del valor del sync licenciado en videojuegos y de cómo ciertos títulos han funcionado como auténticas plataformas de prescripción musical antes incluso de que las playlists dominaran el consumo. Además, aterrizamos la oportunidad actual para artistas, managers, sellos y catálogos: el videojuego indie como nuevo territorio de sincronización musical, menos saturado que el cine, la televisión o la publicidad, y especialmente abierto a sonidos con personalidad.

Un episodio sobre música, videojuegos, memoria, sync, licencias y oportunidades de negocio para una industria musical que quizá debería mirar menos solo a Netflix y más al próximo juego capaz de marcar a una generación.

En este episodio analizamos el auge de la popera: esa mezcla entre pop, dramatismo, arreglos orquestales, voces teatrales y ambición escénica que está apareciendo cada vez más en la música mainstream.
A partir del caso de Rosalía y “Berghain”, con Björk y la London Symphony Orchestra, exploramos por qué canciones más largas, intensas y operáticas están encontrando espacio en TikTok, Spotify, los premios, las pistas de baile y los grandes directos. ¿Estamos ante una moda estética o ante una respuesta del pop a años de canciones pensadas para el scroll?
Hablamos de violines, drama y negocio: de cómo lo orquestal puede ayudar a construir momentos virales, actuaciones memorables, giras más teatrales y experiencias de directo con mayor valor. Pero también del riesgo evidente: que la ópera se convierta en un simple barniz de prestigio, un disfraz elegante para canciones que no tienen tanto que decir.
Porque quizá el pop no está volviendo a la ópera por nostalgia. Quizá está usando sus herramientas para recuperar algo que hoy vale oro: la sensación de que algo está ocurriendo de verdad.

En este episodio de El Arte del Negocio Musical, analizamos por qué la música nueva parece tener cada vez menos espacio en las listas globales, en las plataformas de streaming y en la conversación cultural. A partir de datos recientes de Chartmetric, Borja y Eva reflexionan sobre el descenso de canciones nuevas en el Top 50 Global de Spotify, la ausencia de grandes canciones del verano, el peso creciente del catálogo y la dificultad de construir nuevos hits en un ecosistema dominado por algoritmos, fragmentación cultural y superestrellas.
El episodio aborda cómo ha cambiado el concepto de popularidad musical en 2026, por qué los lanzamientos actuales compiten contra toda la historia de la música grabada y qué implica este nuevo escenario para artistas, sellos, managers y equipos de marketing musical. También se analiza el impacto de TikTok, las playlists editoriales, la concentración del consumo en unos pocos grandes temas y la necesidad de repensar las estrategias de lanzamiento en la industria musical.
Una conversación imprescindible para entender por qué ya no basta con buscar “el pelotazo”, y por qué el futuro de muchos artistas pasa por construir comunidad, catálogo, directo y carreras sostenibles a largo plazo.