En este capítulo de la sexta temporada “Diálogos de arte contemporáneo desde el Cauca” hablamos con el colectivo Nomasmetaforas, integrado por el artista Julián Dupont y la filósofa Clara Melniczuk. Su trabajo nos lleva a pensar en el sueño no solo como un ejercicio individual sino una práctica colectiva que nos reconecta con los sentidos, la intuición y un pensamiento que se aleja de las lógicas tradicionales de occidente.

Para el colectivo las plantas tradicionales medicinales son un conjuro que les lleva a crear una obra visual pero también conversaciones que potencian relaciones que se fundamentan en la escucha y en la posibilidad de desbordar las nociones de la realidad. 

Hablamos de su rol pedagógico en el 47 Salón Nacional de Artistas y cómo tejieron vínculos y las alianzas con las organizaciones sociales para generar espacios para hacerse preguntas difíciles, como por ejemplo, qué entendemos por arte.

Estos cuatro capítulos fueron posible gracias a la unión de muchos esfuerzos. Además pudimos viajar a Popayán por una beca de movilidad del Ministerio y luego producir de manera autosugestionada estos episodios.

Agradecemos a Colectivo Nomasmetaforas por abrimos las puertas de su casa para grabar este episodio en Popayán y también al trabajo de varios colaboradores como Isabel Turga, Laura Baquero, Juan Diego Palacios, David González, Antonia Bustamante, Marcela Franco y todos los que hicieron posible esta temporada.

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¿Por qué llevar una oveja negra a una feria de arte comercial? ¿Cómo entendemos las prácticas artísticas desde las visiones Nasa, Misak y Yanacuna? ¿Qué sembró este 47 Salón Nacional de Artistas? 

Estas son algunas preguntas y reflexiones que nos hace Edison Quiñones Falla, artista de ascendencia Nasa, que vive en el Cauca hace 23 años. Su práctica visual es un ejercicio de activismo anclado en un territorio en disputa, cuya región ha estado marcada por tensiones políticas y religiosas, luchas insurgentes y movimientos indígenas que han buscado reivindicar sus derechos y recuperar sus tierras.

En este capítulo hablamos de cómo el arte puede ser una denuncia política y una manifestación para señalar las injusticias sociales. Un episodio que nos conecta con obras como  “El dolor de mi pasado es más fuerte que el presente” (2013), y nos explica  el valor simbólico de exponer una serie de piezas instalativas sobre el juicio histórico al ex-presidente Valencia por parte del colectivo Minga Prácticas Decoloniales en la Casa Museo Guillermo León Valencia.

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Agradecemos a Residencias Popayork por abrimos las puertas para grabar este episodio, al gestor cultural Juan Esteban Rengifo y también al trabajo de varios colaboradores como Isabel Turga, Laura Baquero, Juan Diego Palacios, David González, Nicolás Muñoz y todos los que hicieron posible esta temporada.

En este capítulo hablamos con la artista visual Estefanía García Pineda, integrante del colectivo Minga Prácticas Decoloniales y productora de la Residencia Popayork, en Clarete Bajo, Cauca. En este diálogo vamos a algunos trabajos que marcaron su carrera como "Latitud Cerro Matoso", una acción que une el cuerpo, las memorias personales y colectivas para mostrar las complejidades de la migración por el extractivismo minero, la apropiación de los territorios, la violencia y la contaminación medioambiental.

Estefanía ha caminado distintos territorios: Córdoba, Caldas y Cauca y esa interculturalidad ha marcado una mirada que está entre lo rural, lo urbano, lo campesino y lo indígena. Además de artista es gestora cultural y nutre su trabajo con colectivos y agentes que llegan a la residencia de Popayork. De ahí surge su postura como una artista "aprendiz y facilitadora de procesos".

Este diálogo problematiza las dinámicas de producción del Salón Nacional de Artistas, que dejan de lado a las fuerzas de trabajo local, pero también celebra la iniciativa del Ministerio de Cultura por posibilitar espacios de exposición para ampliar las miradas de arte indígena y el movimiento de las mujeres Lamistas liderado por Manuel Quintín Lame.

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Agradecemos a Residencias Popayork por abrimos las puertas para grabar este episodio, al gestor cultural Juan Esteban Rengifo y también al trabajo de varios colaboradores como Isabel Turga, Laura Baquero, Juan Diego Palacios, David González, Antonia Bustamante y todos los que hicieron posible esta temporada.

En un ir y venir entre lo ancestral y lo contemporáneo, el artista indígena Yanakuna Eider Yangana, camina en espiral e integra los saberes de su comunidad, del Macizo colombiano, en las prácticas artísticas perfomáticas.

En este diálogo grabado en Popayán, Colombia, Eider Yangana nos cuenta por qué en su creación artística la escucha del territorio moldea una mirada identitaria donde se entrecruzan la danza andina, el canto, los ritos, los entes vivos como el agua, el fuego y al aire así como los cuerpos individuales, colectivos y organizativos.

Eider constantemente reconfigura su identidad Yanakuna y señala las complejidades de la representación indígena. En su performance más reciente, “La palabra dicha”, realiza un gesto para pensar en otras posibilidades de recrear la memoria que nos conecte con el pasado y el presente indígena a través del sonido.

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Agradecemos al Museo Nacional Guillermo Valencia por abrimos las puertas para grabar este episodio, al gestor cultural Juan Esteban Rengifo y también al trabajo de varios colaboradores como Isabel Turga, Laura Baquero, Juan Diego Palacios, Marcela Franco, David González, Nicolás Muñóz, Antonia Bustamante y todos los que hicieron posible esta temporada.

¿Cómo podemos imaginar espacios y lenguajes artísticos propios que se resistan a la crisis? En este capítulo hablamos con el curador español Juan Canela y la curadora colombiana Carolina Cerón sobre la sección de Artecámara y la programación de Encuentros de la Feria Internacional de Arte de Bogotá, ARTBO.

Una conversación que propone otras miradas en torno al papel del arte desde las instituciones, la pedagogía, la mediación, la curaduría y las ferias del arte.

En este diálogo se cuestionan las presiones de convocar a públicos masivos en el arte contemporáneo y de sucumbir a los formatos de la digestión rápida que proponen las redes sociales. Un capítulo que abraza la complejidad del arte y defiende su potencia para imaginar otros caminos para resistir el colapso.

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En este capítulo conversamos con una artista Guatemalteca que transiciona de la poesía al perfomance. Viajamos hasta Antigua, Guatemala, para hablar con Regina José Galindo, ganadora del León de Oro en la Bienal de Venecia (2005) y del Premio Príncipe Claus (2011). Sus acciones performáticas se han convertido en un territorio de resistencia, duelo y memoria a las víctimas de la violencia y del genocidio en Guatemala.

Galindo denuncia la violencia de género, la impunidad de los crímenes de Estado y las desigualdades estructurales de Guatemala, un país marcado por un conflicto interno que dejó alrededor de 200 mil muertos y 45 mil desaparecidos. En este episodio, recorremos algunas de sus obras para entender cómo el arte puede ser un grito contra el olvido pero también una acción potente para conmemorar y honrar a la víctimas.

Hablamos de obras como  “¿Quién puede borrar las huellas?” “Tierra”, “Las escucharon gritar y no abrieron la puerta” y “Alfombra”.

🔊 Escucha este capítulo en Youtube: https://youtu.be/Ah6JXK04mfI

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Para el cierre de la quinta temporada de 'Palabra Plástica' grabamos un episodio en vivo con dos artistas bogotanos Ana María Montenegro y Néstor Marcelo Gutiérrez. Acá hablamos cómo evocar a las imágenes con textos, acontecimientos y performances. Un capítulo para reflexionar sobre cómo hacer "arte honesto" que siga las obsesiones e investigaciones de los artistas.

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En nuestro primer episodio en vivo hablamos con Ana María Montenegro y Néstor Marcelo Gutiérrez , dos artistas bogotanos que escriben textos como una forma de evocar imágenes. Su obra no es estática sino que evoluciona todo el tiempo y se manifiesta en varias instancias: puede volverse un performance, un libro, una escultura, una curaduría, una acción poética, entre muchas otras.

En este capítulo Néstor y Ana María nos hablan de sus obsesiones, de cómo encontraron un lugar en el arte y de la amistad como una fuente fundamental en su creación artística.

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Maite Ibarreche y Gabriel Mejía Abad son artistas plásticos y visuales colombianos que han experimentado con las posibilidades plásticas de la palabra. Dentro de sus procesos creativos, abordan el gesto de escribir como un material expandido que permite cuestionar algunas convenciones y proponer rupturas desde dentro de los dispositivos editoriales y el campo del arte.

En este episodio Maite y Gabriel leen fragmentos de algunos de sus libros como Las entrañas del mundo y del poemario Taladrar equidistante. Una conversación donde los artistas nos invitan a pensar sobre los cruces entre imagen-palabra y las formas en que el lenguaje configura nuestra relación con la realidad.

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Carolina Charry es filósofa y artista visual caleña quien concibe la escritura como un ejercicio vital. Para ella las preguntas y el pensamiento deben plantearse de forma estética. Un ejemplo de ello es “Mamut”, su libro más reciente que experimenta con distintos géneros y formatos.

En su trabajo ha explorado el video y la escritura, dos lenguajes donde las preguntas pueden estirarse, contraerse y dialogar con elementos poéticos, materiales y sonoros. A partir de la escritura y el video, Carolina recorre los límites de la palabra para abordar inquietudes sobre la muerte, lo humano, lo animal, el lenguaje y el cuerpo.

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