El Rincón del Jazz

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El jazz y el blues nacieron en la oscuridad.

En clubes pequeños, en noches largas…

y, en algunos casos, en un mundo sin luz.

No va de la ceguera como limitación.

Va de cómo algunos músicos aprendieron a escuchar el mundo de otra manera.

este fenómeno se dio de una manera contundente en el mundo del blues. 

Grandes leyendas en la historia del blues de los años 20´s tuvieron una característica en común, la ceguera.

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Empezamos escuchando la primera emisión de El Rincón del Jazz, allá por el 9 de marzo de 2021.

Y la casualidad ha querido que este programa, en su versión radiofónica —no en formato podcast—, se emita un día después, el 10 de marzo… pero con cinco años de diferencia.

Cinco años que han generado un guion de 877 páginas; seguramente, al final de este encuentro contigo, llegaremos a las 878.

Más de 335.931 palabras dichas.

260 programas contigo.

Transmitiendo —o al menos intentando transmitir— sensaciones en forma de momentos musicales únicos, aderezados con anécdotas y vivencias de quienes lo han hecho posible.

Cinco años condensados en 315 gigabytes de recuerdos, con más de 1.741 canciones sonando en este espacio.

Y como dije una vez, en un programa dedicado a Dinah Washington:

“Con el tiempo, uno aprende a tomar canciones prestadas con las que callar todo lo que falta por decir.”

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Comenzamos un viaje muy especial: un monográfico dedicado a un músico que transformó el jazz con su virtuosismo, su imaginación y su manera única de tocar. Un artista capaz de hacer hablar al saxofón, al clarinete bajo y a la flauta como nadie antes, y que sigue inspirando a generaciones de oyentes y músicos por igual.

Hablamos de #EricDolphy

Durante los próximos minutos nos adentraremos en su mundo sonoro, explorando cómo sus notas nos llevan por paisajes llenos de tensión y belleza, innovación y emoción.

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Empezamos con interpretación en directo de #Adagio from #ConciertodeAranjuez de Joaquín Rodrigo, reinterpretado con jazz y orquesta por el #ModernJazzQuartet (John Lewis, Milt Jackson, etc.), un claro ejemplo de cómo el grupo incorpora una obra clásica dentro de su discurso de jazz

Aquí no hablamos de inspiración ni de un guiño estético. Hablamos de incorporar una obra del repertorio clásico dentro del propio lenguaje del jazz, sin convertirla en un adorno ni en una cita superficial.

John Lewis y el Modern Jazz Quartet no se limitan a tocar “sobre” Rodrigo: asumen la forma, respetan el clima y la integran en su discurso como si fuera parte natural de su universo musical.

Este arranque marca muy bien el territorio de lo que vamos a escuchar hoy:

jazz que dialoga con la música clásica, con la música de cámara y con la orquesta, sin perder identidad, sin renunciar a la improvisación y sin diluir el sentido de la forma.

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Hoy no vamos a hablar de canciones.

O, al menos, no solo de canciones.

Porque en el jazz hay algo que siempre está presente aunque no aparezca en los créditos, aunque nadie la pronuncie, aunque no haya micrófono para ella. Algo que guía el fraseo, el tempo, la respiración… incluso cuando parece haber desaparecido por completo.

En este podcast vamos a escuchar músicos que entendieron que tocar no es solo enlazar notas, sino decir algo.

Que antes de improvisar hay que comprender.

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El #jazz siempre ha sido un terreno fértil para la experimentación.

Un lugar donde los instrumentos no solo cumplen una función, sino que aprenden a hablar, a dialogar entre ellos y a reinventarse con el tiempo. Algunos llegaron al jazz de forma natural, casi inevitable. Otros tardaron más en encontrar su sitio.

Y entre estos últimos hay uno especialmente curioso: el #vibráfono.

Un instrumento que no nació para el jazz.

Que no estaba pensado para improvisar.

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En el jazz, no siempre manda el nombre del cartel. A veces, quien realmente sostiene la música está un paso atrás.

Artistas que no lideraron bandas ni firmaron grandes portadas, pero sin los cuales el sonido, el estilo o incluso la identidad de una orquesta o grupo habría sido muy distinto.

el saxofonista y flautista, #FrankWess es un ejemplo perfecto para abrir el programa de hoy

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La noche siempre ha sido un refugio.

Cuando la ciudad baja la voz, cuando las calles se vacían

y el tiempo parece moverse más despacio,

el jazz aparece como si siempre hubiera estado esperando ese momento.

No es casualidad que el jazz suene mejor cuando se apagan las luces.

Porque esta música nació lejos del horario de oficina,

lejos de la pulcritud y de las normas.

El jazz se hizo nocturno

porque la noche permitía algo que el día no ofrecía:

libertad.

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Hoy viajamos al origen.

A las calles polvorientas, a los desfiles, a las bandas que caminaban tocando sin saber que estaban escribiendo historia.

El programa de hoy se titula “Un sonido muy #NewOrleans”, porque aquí nació todo.

Aquí el jazz no se sentaba a escucharse: se movía.

El ritmo era de marcha, el sonido avanzaba, y la música se tocaba caminando por las calles.

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Lanzado dos años después de la muerte de #JamesDean en un accidente de coche el 30 de septiembre de 1955 (a los 24 años), se estrena #TheJamesDeanStory, un documental que intenta comprender —más que explicar— la figura de James Dean tras su muerte prematura.

lo realmente fascinante llega cuando esa música salta del cine al vinilo. Ese mismo material es reinterpretado en clave jazz West Coast en el álbum Theme Music from “The James Dean Story”, publicado por World Pacific Records. No es una banda sonora al uso, sino una relectura jazzística de los temas del film, grabada por algunos de los músicos más sensibles del jazz californiano de los años 50.