Capítulo 8.

En el Berlín nocturno de los años veinte, entre humo de cabaret, música, escándalo y vanguardia, una artista decidió convertir su propio cuerpo en un manifiesto.

En este episodio de Entre Bambalinas y Otras Herejías exploramos la vida de Anita Berber, bailarina y performer de la República de Weimar cuya presencia en escena desafiaba todas las normas. Sus actuaciones provocadoras, cargadas de expresionismo, deseo y decadencia, transformaron el cabaret en un espacio donde el arte ya no buscaba agradar… sino sacudir al público.

A través de su historia descubrimos un momento único de la cultura europea: el Berlín de entreguerras, los cabarets, la escena queer emergente y el nacimiento de nuevas formas de arte escénico.

Porque Anita Berber no solo bailaba.

Convertía el escándalo en lenguaje, el cuerpo en escenario… y el escenario en herejía.

Un episodio sobre arte, provocación y la peligrosa frontera entre la vida y el espectáculo.

#HistoriaDelArte #Cabaret #AnitaBerber #Berlín1920 #ArtesEscénicas

Bibliografía consultada

Bergmann, S. (2012). Anita Berber: The face of decadence. Haus Publishing.

Gordon, M. (2006). Voluptuous panic: The erotic world of Weimar Berlin. Feral House.

Hake, S. (2008). Topographies of class: Modern architecture and mass society in Weimar Berlin. University of Michigan Press.

Hermand, J., & Trommler, F. (1977). Die Kultur der Weimarer Republik. Frankfurt am Main: Fischer Verlag.

Isherwood, C. (2003). Adiós a Berlín. Barcelona: Edhasa. (Obra original publicada en 1939).

Jelavich, P. (1993). Berlin cabaret. Harvard University Press.

Kaes, A., Jay, M., & Dimendberg, E. (Eds.). (1994). The Weimar Republic sourcebook. University of California Press.

Michalski, S. (1994). New objectivity: Painting, graphic art and photography in Weimar Germany 1919–1933. Taschen.

Peña Sánchez, V. (2018). Historia del cabaret europeo. Alianza Editorial.

Rosenfeld, G. (2013). Anita Berber: Dancing between decadence and modernity. Dance Research Journal, 45(3), 1–17.

Toepfer, K. (1997). Empire of ecstasy: Nudity and movement in German body culture, 1910–1935. University of California Press.

Weitz, E. D. (2007). Weimar Germany: Promise and tragedy. Princeton University Press.

Kunstmuseum Stuttgart. (s. f.). Portrait of the dancer Anita Berber, Otto Dix (1925).
https://www.kunstmuseum-stuttgart.de

United States Holocaust Memorial Museum. (s. f.). Gay and lesbian life in Weimar Germany.
https://www.ushmm.org

Deutsches Tanzarchiv Köln. (s. f.). Archive materials on German expressionist dance.
https://tanzarchiv-koeln.de

Las piezas musicales y paisajes sonoros que acompañan este episodio han sido creados específicamente para el podcast mediante herramientas de generación musical asistida, con el objetivo de recrear ambientes inspirados en el cabaret berlinés y la cultura escénica de la República de Weimar.

Guion, investigación, narración y producción: Lui Marlop.
Porque la historia de las artes escénicas también se escribe… entre bambalinas.

Captulo 7.

Un bailarín. Un escándalo. Una grieta en la historia del ballet.

En este episodio exploramos la vida de Vaslav Nijinsky, figura central de los Ballets Russes de Sergei Diaghilev, el artista que en apenas cuatro años transformó la danza del siglo XX.

Desde el Imperio ruso hasta el París de las vanguardias, del salto imposible de Le Spectre de la Rose al escándalo de La Siesta de un Fauno y la revolución de La Consagración de la Primavera, viajamos al momento en que el ballet dejó de ser ornamento para convertirse en arte moderno.

Un capítulo sobre deseo, ritual, ruptura artística y salud mental que nos recuerda que algunos cuerpos no solo bailan: cambian la historia.

 Música original creada especialmente para este episodio.

Palabras clave: ballet, historia de la danza, Nijinsky, Ballets Russes, vanguardias, artes escénicas, historia del arte.

Bibliografía consultada

Acocella, J. (2007). Twenty-eight artists and two saints: Essays. New York: Pantheon Books.

Au, S. (2002). Ballet y danza moderna (2.ª ed.). Madrid: Thames & Hudson.

Auclair, M., & Gaborit, J. R. (2009). Nijinsky. Paris: Flammarion.

Buckle, R. (2000). Nijinsky. Madrid: Alianza Editorial.

Craine, D., & Mackrell, J. (2010). The Oxford dictionary of dance (2nd ed.). Oxford: Oxford University Press.

Franko, M. (1995). Dancing modernism/performing politics. Bloomington: Indiana University Press.

Garafola, L. (2012). Diaghilev y los Ballets Rusos. Madrid: Turner.

Garafola, L. (2005). Legacies of twentieth-century dance. Middletown, CT: Wesleyan University Press.

Homans, J. (2011). Los ángeles de Apolo: Historia del ballet. Madrid: Turner.

Lifar, S. (1954). Diaghilev et les Ballets Russes. Paris: Robert Laffont.

Nijinsky, V. (2012). Diarios de Vaslav Nijinsky. Madrid: Valdemar.

Ostwald, P. F. (1991). Vaslav Nijinsky: A leap into madness. New York: Citadel Press.

Scheijen, S. (2009). Diaghilev: A life. London: Profile Books.

CAPÍTULO 6.

Antes de Chaplin. Antes de que el cine aprendiera a inmortalizar la risa. Hubo un hombre pequeño que hizo contener la respiración a cinco mil personas sin levantar la voz.

En este sexto episodio de Entre Bambalinas y Otras Herejías nos adentramos en la vida de Isidro Marcelino Orbés Casanova “Marceline”, el payaso español que conquistó el London Hippodrome y se convirtió en la gran estrella del New York Hippodrome a comienzos del siglo XX. Con dos sesiones diarias, es decir, lo veían 10.000 personas al día.

Exploramos su infancia en Jaca, la migración familiar, la forja del cuerpo en el circo europeo, el esplendor del espectáculo industrial norteamericano y el nacimiento del artista como marca comercial. Analizamos su influencia en el lenguaje físico del cine mudo y su relación indirecta con figuras como Charlie Chaplin y Buster Keaton.

Pero también descendemos a la otra cara del aplauso: el declive, el cambio de paradigma mediático, la fragilidad del éxito y la soledad del artista cuando la industria muta.

Este capítulo no es solo biografía.
Es memoria escénica.
Es una reflexión sobre el cuerpo, el mercado y la herejía de no traicionarse.

Un viaje circense, académico y poético hacia la figura de un artista que fue estrella antes de que el sistema supiera conservar estrellas.

García, M. (2009). Marcelino. Muerte y vida de un payaso. Xordica Editorial.

Roda, G. (Director). (2023). Marcelino, el mejor payaso del mundo [Documental]. RTVE, programa Imprescindibles.

Real Academia de la Historia. (s. f.). Orbés Casanova, Isidro Marcelino. Diccionario Biográfico Español. Recuperado de https://dbe.rah.es

Hippodrome Theatre Archives. (s. f.). Documentación histórica sobre el London Hippodrome y el New York Hippodrome (1900–1915).

La música de este episodio ha sido creada específicamente para Entre Bambalinas y Otras Herejías,

CAPÍTULO 5.

Hay creadoras que coreografían pasos.Y hay otras que coreografían comportamientos.

En este quinto episodio nos adentramos en el universo de Pina Bausch: su infancia entre mesas de restaurante, la Alemania de posguerra y el silencio colectivo, su paso por Nueva York, el diálogo con la modern dance, la herencia de Kurt Jooss y la ruptura silenciosa que dio forma al Tanztheater.

Hablamos de deseo aprendido, de repetición que erosiona, de escenas donde la fragilidad no es debilidad sino potencia. De cómo una obra puede cambiar con la edad de quienes la habitan. De amor, pérdida y dirección desde la escucha.

Un recorrido entre historia, pedagogía y carne escénica.

Aquí no se explica a Pina.Se la acompaña.

Música original creada exclusivamente para Entre bambalinas y otras herejías.

Bibliografia consultada

Bausch, P., & Hoghe, R. (Eds.). (2007). Pina Bausch: Tanztheater. Theater der Zeit.

Climenhaga, R. (2009). Pina Bausch. Routledge.

Fernandes, C. (2005). Pina Bausch and the Wuppertal Dance Theater: The aesthetics of repetition and transformation. Peter Lang.

Fricke, H., & Gilpin, H. (Eds.). (2010). Pina Bausch. Prestel.

Servos, N. (2008). Pina Bausch – Wuppertal Dance Theater: The art of training a goldfish. Theater der Zeit.

Wenders, W. (Director). (2011). Pina [Documentary film]. Neue Road Movies.

CAPÍTULO 4.

En este cuarto episodio de Entre Bambalinas y Otras Herejías nos acercamos a Loïe Fuller, creadora de una escena donde el cuerpo no se exhibe: se disuelve en luz. Pionera de la danza moderna, Fuller transformó el movimiento en fenómeno visual y el escenario en laboratorio, combinando telas, color y tecnología para generar una poética inédita a finales del siglo XIX.

Desde el teatro popular estadounidense hasta el París del Art Nouveau, su obra inauguró una manera radical de entender la danza: no como forma cerrada, sino como materia en transformación. Su legado atraviesa la danza, el cine primitivo, la escenografía y las artes visuales, y sigue resonando en la creación contemporánea.

Un capítulo sobre invención, riesgo y cuerpos que decidieron arder para iluminar.

Referencia consultadas.

Albright, A. C. (2007). Traces of light: Absence and presence in the work of Loïe Fuller. Wesleyan University Press.

Banes, S. (1987). Terpsícore en zapatillas: La danza posmoderna. Paidós.

Brandstetter, G. (1995). Dance as a language of transformation. Routledge.

Fuller, L. (1913). Quince años de mi vida (trad. esp.). Editorial Fundamentos.

García Martínez, J. A. (2011). Historia de la danza moderna.Akal.

Sánchez-Colberg, A. (2003). Espacios del cuerpo en la danza moderna. Cátedra.

Bibliothèque nationale de France. (s. f.). Fonds Loïe Fuller.https://www.bnf.fr(Archivos, imágenes y documentos originales.)

Musée d’Orsay. (s. f.). Loïe Fuller et l’Art Nouveau.https://www.musee-orsay.fr

Música original y exclusiva creada para este episodio.

CAPÍTULO 3.

En este tercer capítulo de Entre bambalinas y otras herejías nos adentramos en el universo de Charlie Chaplin, el artista que convirtió el tropiezo en pensamiento y el gag en una forma de conciencia política.

Desde el music-hall británico hasta el cine mudo, Chaplin construyó un lenguaje propio donde el cuerpo habla antes que la palabra y la risa no es evasión, sino respuesta.

Analizamos su tránsito del escenario a la pantalla, su manera de coreografiar el tiempo, el gesto y la espera, y el momento decisivo en el que rompe el silencio para interpelar al mundo.

Un episodio sobre dignidad, pobreza, afecto y disidencia.Sobre cómo el humor puede ser una herramienta radical.Y sobre un cuerpo que, sin decir nada, lo dijo todo.

Un capítulo para escuchar con atención: porque reír, a veces, es la forma más seria de resistencia.

Fuentes y bibliografía consultada

La información presentada en este episodio se apoya en fuentes historiográficas, biográficas y ensayísticas sobre la vida, la obra y el contexto artístico de Charlie Chaplin, así como en estudios sobre cine mudo, comicidad corporal y artes escénicas del siglo XX.

Chaplin, C. (1964). My autobiography. Simon & Schuster.

Robinson, D. (1992). Chaplin: His life and art. McGraw-Hill.

McCabe, J. (2004). Charlie Chaplin. Taschen.

Brownlow, K. (1976). The parade’s gone by…. University of California Press.

Kerr, W. (1975). The silent clowns. Alfred A. Knopf.

British Film Institute (BFI). Archivos y ensayos sobre cine mudo y Chaplin.

The Chaplin Archives (Montreux). Documentación histórica, fotografías y materiales originales.

Estudios sobre music-hall británico y cultura popular de finales del siglo XIX y principios del XX.

Este capítulo no pretende ofrecer una biografía exhaustiva, sino una lectura escénica y pedagógica de Charlie Chaplin como creador del gesto, del ritmo y, uno de los pioneros en introducir el cuerpo político en escena.

Música y diseño sonoroLa música de este podcast es instrumental y original, creada específicamente para el proyecto y utilizada como acompañamiento narrativo.

CAPÍTULO 2.

Entre bambalinas y otras herejías abre el telón para husmear en los márgenes del teatro, donde el canon tiembla y la risa es siempre sospechosa.En este episodio nos adentramos en el barro glorioso del Siglo de Oro para invocar a Juan Rana, figura incómoda, deslenguada y deliciosamente ambigua, donde el humor, el cuerpo y la disidencia se suben al escenario sin pedir permiso.

Un paseo entre comediantes, charcas, travestismos y carcajadas peligrosas, porque el teatro , tanto ayer como hoy, también fue un espacio para lo queer, lo monstruoso y lo libre.

Pasen, escuchen… y cuidado, que aquí las herejías salpican.

Este episodio se apoya en estudios fundamentales sobre el teatro breve del Siglo de Oro, el entremés y sus intérpretes, así como en documentación del Archivo Histórico Nacional y en investigaciones contemporáneas sobre cuerpo, comicidad y disidencia escénica.

Arellano, I. (2000). El teatro breve del Siglo de Oro. Madrid: Ediciones Cátedra.

García Lorenzo, L. (1996). El entremés y sus intérpretes: estudios sobre el teatro breve del Siglo de Oro. Madrid: Consejo Superior de Investigaciones Científicas.

Archivo Histórico Nacional (AHN). (Siglo XVII). Procesos inquisitoriales relacionados con actores y prácticas escénicas. Madrid: Ministerio de Cultura y Deporte.

Greer, M. R. (1996). The play of power: Mythological court dramas of Calderón de la Barca. Princeton, NJ: Princeton University Press.

Schechner, R. (2002). Performance studies: An introduction. Londres: Routledge.

Música y diseño sonoroLa música de este podcast es instrumental y original, creada específicamente para el proyecto y utilizada como acompañamiento narrativo.

CAPÍTULO 1.

¿Y si bailar fuera un acto político?¿Y si el cuerpo pudiera pensar sin pedir permiso?

En este primer episodio de Entre bambalinas y otras herejías nos sumergimos en la vida y la obra de Isadora Duncan, la mujer que rompió con el ballet académico, se descalzó, miró a la Grecia clásica y decidió que la danza debía nacer del impulso, de la emoción y de la libertad.

Hablamos de sus orígenes, de su educación nada convencional, de sus amores, con hombres y con mujeres, de su vínculo con la pedagogía, de sus tragedias personales, de su relación con la política y de una muerte tan simbólica como brutal.

Pero, sobre todo, hablamos de qué nos dejó:una forma distinta de entender el cuerpo,la escenay la transmisión artística.

Un episodio riguroso, poético y un poco irreverente,porque contar la historia de Isadora Duncansin sacudirla un pocosería traicionarla.

Este episodio se apoya en la autobiografía de Isadora Duncan, en estudios fundamentales sobre danza moderna y modernismo escénico, así como en investigaciones historiográficas que analizan su ruptura con la técnica académica, su concepción política del movimiento y su herencia en la danza contemporánea.

Referencias

Duncan, I. (1927). My life. Nueva York, NY: Boni and Liveright.

Daly, A. (1995). Done into dance: Isadora Duncan in America. Bloomington, IN: Indiana University Press.

Daly, A. (2002). Isadora Duncan in the Russian years. Madison, WI: University of Wisconsin Press.

Banes, S. (1987). Terpsichore in sneakers: Post-modern dance. Boston, MA: Houghton Mifflin.

Franko, M. (1995). Dancing modernism / Performing politics. Bloomington, IN: Indiana University Press.

Bibliothèque nationale de France (BnF). (Finales del siglo XIX – principios del XX).Fuentes complementarias y contexto histórico

Documentación sobre danza moderna y giras europeas de Isadora Duncan.

Archivos y correspondencia personal de Isadora Duncan, consultados en ediciones críticas y estudios historiográficos sobre danza moderna.

Música original y exclusiva creada para este episodio.

Episodio 0. ¿Por qué me meto en este fregao?

Soy Lui Marlop: Pedagogo de la danza, investigador y profesor de artes escénicas inclusivas. Danzo desde los ocho años, y llevo media vida haciendo teatro. Pienso desde el cuerpo y hablo desde la escena. Aquí no hay PowerPoints, pero sí rigor, humor y muchas preguntas bien hechas. Me tomo el arte muy en serio… a mí mismo, no tanto.

Música
Música original utilizada como acompañamiento narrativo.