“Alberto Giacometti”Ne pas parler de sculptures peintesà l’Institut Giacometti, Paris

du 2 juillet au 3 novembre 2024

Entretien avec Inès de Bordas, attachée de conservation Fondation Giacometti et commissaire de l’exposition,

par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 1er juillet 2024, durée 19’53,

© FranceFineArt.

https://francefineart.com/2024/07/04/3549_giacometti-sculptures-peintes/

Communiqué de presse

Commissaire :

Inès de Bordas, attachée de conservation Fondation Giacometti

L’Institut Giacometti présente pour la première fois l’essentiel de sa collection de plâtres peints, révélant ainsi au public une part émouvante et secrète de l’oeuvre de l’artiste. À toutes les étapes de sa carrière, Alberto Giacometti (1901-1966) a manifesté son désir de relier intimement sculpture et peinture, en peignant certaines de ses sculptures en plâtre et en bronze. De ses premières oeuvres à sa mort, il a ainsi réalisé une centaine de plâtres peints, dont 55 appartiennent à la Fondation Giacometti, et une soixantaine de bronze peints.

C’est la volonté de faire des figures « vivantes », qui pousse l’artiste à s’emparer de sa palette et de ses pinceaux pour « animer » ses sculptures, de petite ou de grande taille, Giacometti allant même parfois jusqu’à peindre sur des œuvres achevées installées dans une exposition. Il y est encouragé par son goût de l’art de l’Antiquité archaïque, de l’art des Primitifs italiens et des arts non-occidentaux.

« Il ne faut pas parler de sculptures peintes seulement de sculptures », expliquait Giacometti à son galeriste, Pierre Matisse, en 1950, « la couleur fait partie de la sculpture, elles sont peintes à l’huile comme les tableaux ». Les sculptures de bronze peintes dont il parle ici, déconcertantes et fragiles, ont cependant peu de succès, et la réticence des collectionneurs viendra à bout de son engouement. Plusieurs de ces sculptures ont d’ailleurs perdu l’intensité, voire l’intégralité, de leurs couleurs avec le temps. Les plâtres peints, par contre, pour la plupart exécutés sur des oeuvres restées à l’atelier, ont été conservés par l’artiste jusqu’à sa mort, ce qui a préservé la fraîcheur des couleurs.

Procédant dans ses premières expérimentations durant sa période pré-surréaliste par aplats de peinture, avec une palette assez libre et plutôt naturaliste s’agissant des portraits (Flora Mayo), les oeuvres de l’après-guerre voient plutôt la peinture remplacer ou compléter les incisions que l’artiste inscrit dans la matière pour « dessiner » la surface de ses figures. Les interventions colorées sont alors faites au moyen de hachures et de traits réalisés dans une gamme colorée limitée au rouge-brun-noir. Giacometti reviendra aux aplats de peinture dans sa dernière période, notamment dans les grands bronzes peints qu’il installe dans la cour de la Fondation Maeght, sans prendre garde à l’effet prévisible des intempéries.

L’exposition réunit un corpus exceptionnel de plâtres peints, dont Stèle (1958), les Femmes de Venise (1956-1957), plusieurs très grandes figures ; deux versions de La Cage (1949-1950) dont un bronze peint ; plusieurs peintures sur toile et un ensemble de dessins pour la plupart inédits.

#GiacomettiSculpturespeintes – Un catalogue coédité par la Fondation Giacometti, Paris, et FAGE éditions, Lyon, accompagne l’exposition.

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“Engins” Mon premier imagier photo de Nathalie Serouxaux éditions La Martinière Jeunesse
Interview de Nathalie Seroux, par Anne-Frédérique Fer, à Colombes, le 24 juin 2024, durée 15’18. © FranceFineArt.

https://francefineart.com/2024/06/29/011_jeunesse_nathalie-seroux_engins/

Aventure commencée en 2014, avec Autour de moi, la collection Mon premier imagier photo publiée aux éditions La Martinière Jeunesse se poursuit en 2017 avec Abcdaire, en 2018 avec Fruits et légumes, en 2019 avec Au bord de la mer, en 2020 avec A la ferme, en 2022 avec A la montagne, en 2023 avec Dans la ville.

Pour son huitième opus, avec Engins, Nathalie Seroux explore l’univers des quatre roues, celui des véhicules de secours, de construction, de démolition, de nettoyage, agricoles, d’aéroport, tous ces véhicules utilitaires conçus pour être des outils de travail, pour aider les hommes à mener leurs missions.

Un travail photographique que Nathalie Seroux mène avec passion depuis dix années où par des images colorées et ludiques, en jouant de la lumière et des matières, des associations de formes et d’idées, elle conçoit des imagiers photos à hauteur d’enfant, invitant les tout-petits, de 0 à 3 ans, à découvrir le monde qui les entoure.

Avec Engins, par une mise en page dynamique incluant pour la première fois des photographies panoramiques, l’auteure nous plonge du chantier à l’aéroport en passant par les véhicules d’urgences et agricoles. Par ses choix et ses rencontres, dans cette démarche d’apprentissage, Nathalie Seroux nous révèle des engins peu habituels, où par effet de ricochet, elle met également en lumière des métiers de l’ombre ou peu connus.

Ce dixième anniversaire de la collection Mon premier imagier photo est aussi l’occasion d’explorer un nouveau format où si le nombre de pages est le même, celui-ci passe d’un album de dimension de 18 x 18 cm à 14 x 14 cm. Un format plus facilement transportable, pouvant être feuilleté hors de la maison et qui se veut plus manipulable pour les petites mains.

Un changement de format, qui permet également la réédition de Autour de moi et de Fruits et légumes, où épuisés depuis plusieurs années, ils reviennent avec quelques nouvelles images et de nouvelles découvertes à parcourir. Des rééditions qui se poursuivent à la rentrée de septembre 2024 avec A la ferme et Abcdaire.

Dédiée à l’apprentissage des petits, Nathalie Seroux nous partage cette belle aventure photographique. Une expérience autour de l’image qui nous l’espérons se poursuivra encore sur plusieurs décennies !!!

Anne-Frédérique Fer

 

Engins est en librairie depuis le 31 mai 2024

 

2014 Autour de moi

2017 Abcdaire

2018 Fruits et légumes

2019 Au bord de la mer

2020 À la ferme

2022 À la montagne

2023 Dans la ville

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“Humain Autonome : Déroutes”au MAC VAL, musée d’art contemporain du Val-de-Marne, Vitry-sur-Seine

du 26 avril au 22 septembre 2024

Entretien avec Marianne Derrien, co-commissaire de l’exposition,

par Anne-Frédérique Fer, à Vitry-sur-Seine, le 24 juin 2024, durée 22’25,

© FranceFineArt.

https://francefineart.com/2024/06/26/3548_humain-autonome_mac-val/

Communiqué de presse

Commissariat général : Nicolas Surlapierre

Commissariat de l’exposition : Marianne Derrien, Sarah Ihler-Meyer et Salim Santa Lucia

Commissariat associé : Frank Lamy

Prospective et tournée vers l’avenir, la programmation des expositions temporaires se poursuit autour des processus de constructions des identités, des corps contemporains, tente de réfléchir le réel et, à terme, proposer de nouveaux scénarios, de nouvelles manières d’habiter le monde. C’est dans ce contexte que le MAC VAL accueille le 4e volet du projet itinérant « Humain Autonome » dont le commissariat est assuré par Marianne Derrien, Sarah Ihler-Meyer et Salim Santa Lucia. Voiture, caisse, auto, char, tacot, bagnole, tire… L’automobile est un objet paradoxal. Si d’aucuns l’adorent, d’autres la vouent aux gémonies. Elle est, à tout le moins, un symbole ambigu, cause et symptôme de bien des crises que nous traversons (économique, sociétale, climatique, philosophique…). Facilitant le déplacement des corps et des marchandises, l’exploration mais aussi la conquête, à la fois instrument de liberté et de contrôle, son utilisation a façonné les paysages, les corps et les esprits. Concentrant de nombreux enjeux économiques, l’auto est un non-lieu, mi privé mi public, une machine à fantasmes et un objet de fétichisme, personnifiée parfois. Ses chaînes de production, ses systèmes d’exploitation, le lien avec les énergies fossiles, ses mythes, ses impensés sont ici analysés, déconstruits, repris et retournés par les artistes de l’exposition. Pour autant, il ne s’agit pas de rejeter en bloc. Mais au contraire de faire prendre conscience, de pointer certaines apories de notre monde contemporain. Cette exposition réunit une cinquantaine d’artistes de générations différentes et est accompagnée d’une publication retraçant le projet dans son ensemble.

Depuis 2020, le cycle d’expositions « Humain Autonome » a donné lieu à plusieurs occurrences mêlant expositions, projections, ateliers, performances au Frac Normandie à Caen (« À 2000 tours minutes » et « Joyridin’ ») à La Condition Publique à Roubaix (« Fossiles mécaniques ») dans le cadre de la Triennale Art et Industrie en collaboration avec le Centre Pompidou et le CNAP-Centre national des arts plastiques et aux Ateliers Le Wonder (« Prélude ») à Clichy (92) pour la Nuit Blanche. « Déroutes » est donc aujourd’hui au MAC VAL, le quatrième opus du projet « Humain Autonome »

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En écho à l’exposition « Humain Autonome : Accrochage »

En résonance avec l’exposition « Humain Autonome : Déroutes », le MAC VAL présente une sélection d’oeuvres de sa collection. Avec Carole Benzaken, Élisabeth Ballet, Éric Dubuc, Éric Hattan, ERRÓ, Étienne Bossut, Jean Dewasne, Michel de Broin, NØNE FUTBOL CLUB, Peter Klasen, Peter Stämpfli, Pierre Ardouvin, Pierre Buraglio, Raymond Hains et Véronique Boudier.

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“Yasuhiro Ishimoto” Des lignes et des corpsLE BAL, Paris

du 19 juin au 17 novembre 2024

https://francefineart.com/2024/06/18/3547_yasuhiro-ishimoto_le-bal/

Communiqué de presse

Entretien avec Diane Dufour, directrice du BAL, et co-commissaire de l’exposition,

par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 17 juin 2024, durée 33’30,

© FranceFineArt.

Commissariat :

Diane Dufour, directrice du BAL

avec Mei Asakura, conservatrice au Ishimoto Yasuhiro Photo Center.

« … Yasuhiro Ishimoto est visuellement bilingue : japonais par sa culture, oriental dans sa manière de voir et occidental par sa formation au Chicago Institute of Design (centre de la tradition Bauhaus), il parle anglais avec un accent allemand ». — Minor White

Du 19 juin au 17 novembre 2024, LE BAL présente une figure remarquable de l’histoire de la photographie japonaise méconnue en France : Yasuhiro Ishimoto (1921-2012). Pour la première fois en Europe, l’exposition, organisée en étroite collaboration avec le Ishimoto Yasuhiro Photo Center au Museum of Art, Kochi au Japon, rassemblera 169 tirages d’époque. Le parcours de l’exposition se concentrera sur les premières décennies de l’oeuvre d’Ishimoto, entre Chicago et le Japon. Figure clé des années 1950 et 1960, Ishimoto sera considéré comme « visuellement bilingue » par sa capacité à allier l’approche formelle du Nouveau Bauhaus à la quintessence de l’esthétique japonaise, sans jamais renoncer à un regard critique sur les questions sociales de son époque.

Cette alchimie singulière est le fruit d’un parcours unique : né de parents japonais en 1921 à San Francisco, puis élevé jusqu’à l’âge de 17 ans au Japon, Ishimoto retourne aux États-Unis en 1939. Interné dans les camps regroupant les américains d’origine japonaise après l’attaque de Pearl Harbor, il est libéré et intègre l’Institute of Design de Chicago en 1948. Cinq ans plus tard, il retourne au Japon et devient une figure majeure de la scène photographique japonaise, incarnant « un modernisme intellectuel et austère qui nous a largement inspirés… Ses chemins de pierre évoquaient des sculptures de Brancusi….. Ishimoto jetait sur le monde un regard radicalement nouveau » (Ikko Tanaka). Au cours de la même période, il ouvre la voie à de nouvelles façons de concevoir le livre de photographie avec la parution d’un des ouvrages les plus importants de l’histoire de la photographie japonaise : Someday, Somewhere (1958).

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“Picasso Iconophage”au Musée national Picasso, Paris

du 11 juin au 15 septembre 2024

Entretien avec Cécile Godefroy, responsable du Centre d’Études Picasso au Musée national Picasso-Paris, et co-commissaire de l’exposition,

par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 10 juin 2024, durée 16’36,

© FranceFineArt.

https://francefineart.com/2024/06/12/3545_picasso-iconophage_musee-national-picasso/

Communiqué de presse

Commissariat :

Cécile Godefroy, responsable du Centre d’Études Picasso au Musée national Picasso-Paris, docteure en histoire de l’art et membre de l’Association Internationale des Critiques d’art.

Anne Montfort-Tanguy, conservatrice au cabinet d’Art graphique du Musée national d’art moderne et professeure en histoire de l’art moderne à l’École du Louvre.

Le Musée national Picasso-Paris présente sa nouvelle exposition temporaire intitulée « Picasso Iconophage » du 11 juin au 15 septembre 2024 dans les espaces du rez-de-chaussée. L’exposition analyse la modernité de la conception de l’image de Pablo Picasso en explorant les sources artistiques et extra-artistiques de son oeuvre et leurs modes d’appropriation

Parcours de l’exposition

Multiréférencée, l’oeuvre de Pablo Picasso frappe par la richesse de sa culture visuelle. L’artiste, célébré par les avant-gardes comme le pourfendeur de l’académisme, n’a eu pourtant de cesse de se présenter comme l’héritier d’une longue tradition picturale. Son rapport ambigu à l’histoire de l’art pose à la fois la question des sources et celle de leurs modes d’appropriation. Visiteur assidu du Louvre, Picasso a accumulé sa vie durant photographies, cartes postales, reproductions, affiches, revues et livres illustrés auxquels il faut encore ajouter les oeuvres de sa collection personnelle. Cet amoncellement qui constitua pour l’artiste un riche répertoire iconographique est symptomatique d’une nouvelle façon de penser l’image, affranchie du champ artistique et du temps historique. Il n’existe néanmoins aucune citation littérale dans son oeuvre : ses variations sur les tableaux des grands maîtres sont avant tout des déconstructions ; ses formes et ses compositions sont toujours hybrides. L’exposition propose de mettre en évidence l’inscription des peintures, des sculptures et des dessins de Picasso dans un réseau complexe d’images sources à travers quatre thèmes qui traversent son oeuvre : le héros, le Minotaure, le voyeur, le mousquetaire.

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“Objets de luxe en Chine” Printemps asiatique 2024au MAD, musée des Arts Décoratifs, Paris

du 6 juin au 24 novembre 2024

Entretien avec Béatrice Quette, conservatrice, responsable des collections asiatiques et islamiques – MAD, et commissaire de l’exposition,

par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 10 juin 2024, durée 19’10,

© FranceFineArt.

https://francefineart.com/2024/06/11/3544_objets-de-luxe-en-chine_musee-des-arts-decoratifs/

Communiqué de presse

Commissariat :

Béatrice Quette, conservatrice, responsable des collections asiatiques et islamiques

assistée de Marie Oulès, assistante de conservation, bourse de la Fondation du Japon

Le musée des Arts décoratifs célèbre le 60e anniversaire des relations culturelles entre la Chine et la France et présente à l’occasion de la 7e édition du Printemps asiatique, du 6 juin au 24 novembre 2024, « Objets de luxe en Chine ». Ce nouvel accrochage des collections asiatiques est composé de 200 pièces d’arts décoratifs, d’objets divers et accessoires de mode. Ces objets, disposés dans plusieurs galeries, mettent en lumière le caractère exceptionnel de certaines matières et les nombreux savoir-faire chinois utilisés pour la réalisation d’objets de luxe dès l’Antiquité.

L’excellence des techniques employées en Chine, permet de sublimer de nombreux matériaux tels que le jade et d’autres pierres dures, la porcelaine, les émaux cloisonnés ou peints, le bronze, mais aussi le bois laqué, les plumes et le verre. Les nombreuses pièces exposées illustrent les productions réalisées du XIIIe siècle et la fin du XIXe siècle pendant les dynasties Yuan (1279-1368), Ming (1368-1644) et Qing (1644-1912), incluant quelques objets antiques. La présentation vient aussi raconter l’histoire de la collection du musée, et les sources d’inspiration que ces objets ont pu constituer pour les artistes, créateurs et industriels depuis plus de 150 ans, de la période de la Chinoiserie au XVIIIe siècle à la seconde moitié du XIXe siècle jusqu’à l’Art nouveau.

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“Taïnos et Kalinagos des Antilles”au musée du quai Branly – Jacques Chirac, Paris

du 4 juin au 13 octobre 2024

Entretien avec André Delpuech, conservateur général du patrimoine, et commissaire de l’exposition,

par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 3 juin 2024, durée 16’33,

© FranceFineArt.

https://francefineart.com/2024/06/03/3543_tainos-et-kalinagos_musee-du-quai-branly-jacques-chirac/

Communiqué de presse

Commissariat :

André Delpuech, conservateur général du patrimoine au Centre Alexandre Koyré de l’École des Hautes Études en Sciences Sociales.

Taïnos et Kalinagos des Antilles rend hommage à l’exposition présentée il y a trente ans au Petit Palais à l’initiative de Jacques Chirac – exposition considérée comme un prélude à la naissance du musée du quai Branly. Indissociables, Les Taïnos, dans les Grandes Antilles, et les Kalinagos, dans les Petites Antilles, sont deux sociétés autochtones qui peuplaient les Caraïbes avant l’arrivée de Christophe Colomb en 1492. Premiers témoins de cette rencontre des deux mondes, ces peuples amérindiens de la mer des Caraïbes ont aussi été les premiers à subir la conquête européenne. Largement anéantis par la colonisation, les guerres et les maladies, ils continuent aujourd’hui d’être présents dans quelques îles comme les Kalinagos à la Dominique et les Garifunas à Saint-Vincent, ou des descendants taïnos à Porto Rico. À travers 70 oeuvres, dont une cinquantaine issue des collections du musée du quai Branly – Jacques Chirac, l’exposition revient sur l’histoire longue de ces premiers Antillais et sur l’empreinte et les nombreux héritages laissés dans les sociétés créoles contemporaines.

« L’art des sculpteurs taïnos ». Retour sur l’exposition de 1994

De février à mai 1994 s’est tenue au musée du Petit Palais l’exposition L’art des sculpteurs taïnos. Chefs-d’oeuvre des Grandes Antilles précolombiennes dont le commissaire était Jacques Kerchache. L’initiative en revenait à Jacques Chirac, alors maire de Paris, qui, en rendant hommage aux sociétés amérindiennes de la Caraïbe victimes de la conquête européenne, entendait répondre aux célébrations polémiques des 500 ans de la « découverte de l’Amérique » par Christophe Colomb, en 1992. La suite de l’histoire est connue : en 1995, Jacques Chirac est élu président de la République et décidera de la création du musée du quai Branly. Il est coutume de considérer l’exposition de Jacques Kerchache sur les Taïnos de 1994 comme une sorte de prélude à ce nouveau musée qui allait transformer le paysage muséal national.

Taïnos et Kalinagos des Antilles

La première partie de l’exposition s’attache à démontrer combien les recherches depuis l’exposition de 1994 ont permis de transformer notre connaissance et notre vision des Taïnos et Kalinagos, sociétés amérindiennes de la mer des Caraïbes – dernières d’une longue histoire qui débute il y a plus de deux millénaires sur le littoral de l’actuel Venezuela, d’où sont originaires leurs ancêtres. Grands marins et pêcheurs habiles, cultivateurs et jardiniers remarquables, Taïnos et Kalinagos ont développé des sociétés complexes et diversifiées s’étendant du continent sud-américain aux Grandes Antilles. Entre les 12e et le 15e siècles, la culture taïno s’épanouit dans les Grandes Antilles et les Bahamas, avec comme épicentre les îles d’Hispaniola (Haïti et République dominicaine) et de Puerto Rico. Les chefferies taïnos étaient organisées de manière hiérarchique. L’exercice effectif d’un pouvoir centralisé, associé à une importante démographie, permettait de réaliser de grands travaux d’aménagement. [...]

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“Paris 1924. La publicité dans la ville”à la Bibliothèque Forney – Hôtel de Sens, Paris

du 28 mai au 28 septembre 2024

 Entretien avec Catherine Granger, directrice adjointe de la bibliothèque Forneyet avec Séverine Montigny, conservatrice du département des documents éphémères de la Bibliothèque historique de la Ville de Paris, commissaires de l’exposition,

par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 27 mai 2024, durée 20’28,

© FranceFineArt.

https://francefineart.com/2024/05/29/3542_paris-1924_bibliotheque-forney/

Communiqué de presse

Commissaires de l’exposition :

Catherine Granger, directrice adjointe de la bibliothèque Forney

Séverine Montigny, conservatrice du département des documents éphémères de la Bibliothèque historique de la Ville de Paris

La publicité et Paris au début des années 1920 sont au coeur de cette exposition : publicité institutionnelle et propagande, publicité commerciale des boutiques, des grands magasins et des marques, promotion des lieux de spectacle et de divertissement. Le but est de faire découvrir aux visiteurs de l’exposition le Paris tel qu’il existait lors de la tenue des Jeux olympiques de 1924 et de leur faire vivre une véritable immersion dans la capitale à un siècle d’intervalle, grâce aux fonds conservés par les bibliothèques de la Ville de Paris. Le développement de la publicité accompagne le renouveau culturel et artistique et l’essor économique des années 1920. Si elle reste très présente sous ses formes traditionnelles (affiche, presse), la publicité se professionnalise, touche de nouveaux supports et explore de nouvelles voies, grâce notamment aux enseignes lumineuses et à la radio, incarnant ainsi l’image de modernité qu’on associe aux Années folles. Au travers de la publicité, il est d’ailleurs possible d’appréhender la ville de 1924, son actualité, sa physionomie, son ambiance, ses grands magasins, ses boutiques, ses restaurants, ses salles de spectacles… L’exposition présente cette diversité de formes et de thèmes, y compris la place du sport dans la société de l’époque.

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“Bande dessinée, 1964-2024”au Centre Pompidou, Paris

du 29 mai au 4 novembre 2024

Entretien avec Emmanuèle Payen, directrice du département développement culturel et cinéma, Bibliothèque publique d’information, et co-commissaire de l’exposition,

par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 27 mai 2024, durée 23’12,

© FranceFineArt.

https://francefineart.com/2024/05/29/3541_bande-dessinee_centre-pompidou/

Communiqué de presse

Commissariat :

Anne Lemonnier, attachée de conservation, Musée national d’art moderne, Centre Pompidou

et Emmanuèle Payen, directrice du département développement culturel et cinéma,

Bibliothèque publique d’information

Conseillers scientifiques

Thierry Groensteen, historien de la bande dessinée, ancien directeur du Musée de la bande

dessinée à la Cité internationale de la bande dessinée et de l’image à Angoulême

et Lucas Hureau, directeur de MEL Compagnie des arts et du label MEL Publisher

Pour la première fois en France, le Centre Pompidou, en partenariat avec le Fonds Hélène & Edouard Leclerc, met en dialogue les trois principaux foyers d’expression de la bande dessinée – la création européenne, les mangas asiatiques et les comics américains – et propose une immersion exceptionnelle dans les multiples univers du 9e art. Véritable traversée de l’histoire moderne et contemporaine du médium, elle convie les visiteurs à découvrir ses évolutions au fil des décennies, des foisonnements graphiques de l’underground aux styles contemporains les plus abstraits.

L’exposition s’ouvre sur le tournant des années 1960, marqué par l’avènement de la contre culture. Partout dans le monde, alors que la bande dessinée est encore perçue comme un divertissement pour la jeunesse, des initiatives éditoriales s’adressent résolument a un public adulte. En France, Hara-Kiri, magazine « bête et méchant », offre a l’humour graphique de nouveaux territoires, tandis que les aventures de Barbarella de Jean-Claude Forest sont éditées en albums par Éric Losfeld. L’année 1964 voit le lancement au Japon du mensuel d’avant-garde Garo, qui décline sur différents modes le concept de bande dessinée d’auteur. En 1968, Robert Crumb s’impose avec Zap Comix comme le chef de file du mouvement underground aux États-Unis. Posant les jalons des mondes multiples que cette révolution graphique a engendrés, un ensemble de planches d’auteurs majeurs de cette période, ainsi que de spectaculaires publications sont présentés dans la toute première salle. Autour d’un espace central, une scénographie en rayon déploie ensuite en douze thématiques le parcours de l’exposition, convoquant les imaginaires de la bande dessinée, les émotions qu’elle suscite, ainsi que la diversité des techniques artistiques employées. Plusieurs salons de lecture offrent au visiteur un temps de pause et d’approfondissement.

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“Last Paradise” de Kourtney Roy et Mathias DelplanqueLe Prix Swiss Life à 4 mains, 6ème édition, 2024-2025

Aux éditions Filigranes

Entretien avec Kourtney Roy et de Mathias Delplanque,

par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 13 mai 2024, durée 22’24.

© FranceFineArt.

https://francefineart.com/2024/05/19/133_livres_last-paradise/

Communiqué de presse

Last Paradise – Kourtney Roy (photographie) et Mathias Delplanque (musique)

Last Paradise est l’évocation en son et en image des dernières vacances d’un personnage féminin singulier dans un univers balnéaire déserté.

Le projet prend racine dans la région de Rimini (Italie), où le duo d’artistes se rend en février 2024, hors saison, pour travailler à la conception de leur oeuvre commune, Last Paradise, projet lauréat de la 6ème édition du Prix Swiss Life à 4 mains.

Parcourant les stations touristiques vidées de toute présence humaine, Kourtney Roy se met en scène et se photographie, détournant les espaces et les objets, qu’elle transforme en décors et accessoires de cinéma éphémères. En orbite sur sa propre planète, elle s’intéresse aux espaces liminaires, aux zones marginales de la célébrité et du plaisir humain.

Actrice sans public, en errance dans un univers de désolation encore empreint du bruit et de la frénésie humaine, elle investit les architectures abandonnées et dialogue avec les objets trouvés, en tentant de leur donner une nouvelle vie, de révéler leur étrange beauté.

Désireux de composer une musique qui dialogue avec les propositions visuelles de Kourtney Roy, sans jamais chercher à les illustrer, Mathias Delplanque se laisse également guider et inspirer par le contexte de la côte adriatique. Il se plonge dans l’univers des synthétiseurs vintage italiens, dont un grand nombre a été conçu dans la région de Rimini. Contactés par ses soins, les collectionneurs locaux lui ouvrent grand les portes de leurs studios. Les instruments sont typés, inattendus, rares. Le son est immédiatement chargé d’une intense émotion. L’intégralité des sons produits par le musicien pour ce projet, provient d’instruments enregistrés sur place, ou du moins d’instruments made in Rimini. A cela s’ajoute un travail de field recording réalisé pendant les séances photo de Kourtney.

S’inspirant à la fois des musiques de films giallo, des films de série Z, de la disco baléarique et de l’easy listening, l’artiste, pour Last Paradise, en compose une version vaporeuse et décalée. Comme un juke-box fonctionnant tout seul dans un club vide un dimanche matin.

Le livre d’artiste Last Paradise – sortie début juillet 2024

Le livre aux éditions Filigranes est accompagné d’un vinyle 45 tours avec deux des titres créés par Mathias Delplanque et ils sont déjà à l’écoute sur le site de l’éditeur :

https://www.filigranes.com/last-paradise-streaming/

Le parcours d’exposition 2024-2025 :

du 1er juillet au 29 septembre 2024 : L’Aire d’Arles – sortie du livre aux Éditions Filigranes

du 4 au 25 février 2025 : Jeu de Paume, Paris

du 16 juin au 14 septembre 2025 : Jeu de Paume – Château de Tours

Le parcours sera enrichi d’une représentation live lors d’un festival de musique encore à déterminer.

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