Presentato in anteprima alla 18esima Festa del cinema di Roma, esce nelle sale con il 16, 17 e 18 febbraio con Fandango Distribuzione “Andando dove non so. Mauro Pagani, una vita da fuggiasco”. Un documentario sulla vita e sulla carriera del polistrumentista e compositore italiano che la regista Cristiana Mainardi definisce «un racconto di memoria collettiva, di testimonianza artistica e umana». 

Nel film ci sono le testimonianze di colleghi e amici di Pagani: Manuel Agnelli, Giuliano Sangiorgi, Marco Mengoni, Badara Seck, Mahmood, Dori Ghezzi, Ligabue, Arisa, Ornella Vanoni e la compagna di vita e lavoro Silvia Posa.

«Facendo il film ho capito quante cose avessi fatto nella mia vita – racconta Pagani – Grazie a questi grandi compagni di viaggio, ho avuto modo di osservare anche delle cose che pensavo fossero marginali». «Il messaggio più grande che lancia Mauro è la contaminazione, la libertà, la possibilità di sperimentare, di studiare continuamente. La sua generazione ci ha insegnato che le cose vanno fatte, senza aspettare che gli altri le facciano per noi», dice Agnelli.

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The World Cinema Fund is a prominent institution dedicated to supporting international cinema and fostering cultural diversity on screen. Since its inception, the fund has played a crucial role in promoting films from regions such as Latin America, Asia, the Middle East, and the Caribbean. By prioritizing artistic merit and cultural relevance, the World Cinema Fund helps filmmakers reach a wider audience while maintaining their unique voices. Its efforts not only enhance global representation but also facilitate cross-cultural collaborations and storytelling. we learn more about it through the voice of its director, Sata Cissokho.

The World Cinema Fund has significantly contributed to the development of local film infrastructures since 2004. The available funding and support have led to improved production quality and increased recognition for films from eligible regions. International festivals like Berlinale showcase these regional voices, demonstrating the fund’s impact on global cinema. By elevating the visibility of regional films, the World Cinema Fund aids in preserving authentic narratives and expanding the diversity of stories told on the big screen.

Distribution remains one of the most formidable challenges for films originating from regions supported by the World Cinema Fund. With shifting landscapes in platform availability and the impact of COVID-19, ensuring these films reach Western audiences requires strategic support. The fund actively collaborates with distributors and sales agents to facilitate cinema screenings and broader dissemination. This focus on distribution ensures that culturally rich and politically significant films can gain the recognition they deserve, enriching viewers’ understanding of different societies worldwide.

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The Berlinale continues to stand out as a beacon for groundbreaking cinema, attracting audiences and filmmakers from across the globe. As the main keyword, the Berlinale remains central to discussions about contemporary film culture, showcasing diverse stories and styles that reflect current societal tensions and artistic innovation. We went  into the festival with a chat with Tricia Tuttle, Director of the Berlin International Film Festival (Berlinale) talking about criteria for film selection, its section offerings, and its vital role in nurturing new talent in the evolving landscape of cinema.

The Berlinale is renowned for its pursuit of films that elevate both form and content. As Tricia ttutttle specifies, the selection process emphasizes works that demonstrate high artistic standards, with filmmakers clearly articulating powerful messages through innovative storytelling. The festival seeks movies that encourage repeated viewing and deepen discussions on pressing global issues. By curating a diverse lineup, the Berlinale aims to present a snapshot of contemporary cinema, embracing both formal experimentation and traditional narratives that resonate across cultures.

The Berlinale’s choice of opening night film often reflects its ideological and artistic direction. For instance, last year’s selection showcased a project that was both politically daring and emotionally compelling, highlighting themes of democratic fragility and collective responsibility. Such choices reinforce the festival’s tradition of championing progressive, artist-driven work that can provoke conversation and inspire change. The Berlinale’s opening films typically embody its core values—combining bold storytelling with urgent social commentary—making them a perfect prelude to the festival’s broader cinematic landscape.

Beyond the competition, the Berlinale offers several sections that cater to different facets of filmmaking and audience interests. Berlinale Special stands out as a platform for eclectic programming, including gala screenings, series, and midnight specials. Its curated strands reflect the festival’s commitment to both popular appeal and challenging content, featuring films that range from provocative essays to playful, high-energy entertainment. This diversity within Berlinale Special exemplifies the festival’s inclusive approach to storytelling, highlighting films that are both thought-provoking and entertaining.

Another vital aspect of the Berlinale is its emphasis on fostering new talent through the “Window for New Directors.” This section spotlights first features by emerging filmmakers from around the world, providing them with essential industry exposure. The Berlinale’s dedication to supporting debut works ensures the continuity of innovative storytelling, encouraging fresh voices to shape the future of cinema. These films often span different genres and styles, from Chinese animation to intimate dramas, illustrating the festival’s broad commitment to cinematic experimentation and cultural diversity.

As a major international event, the Berlinale plays a crucial role in promoting cinematic innovation and supporting emerging talent. Its emphasis on artistic excellence and diversity continues to enrich global film culture, offering audiences around the world a window into new ideas and storytelling techniques. The festival’s focus on socially relevant themes and experimental forms demonstrates its commitment to being at the forefront of contemporary cinema. Ultimately, the Berlinale’s ongoing dedication to nurturing artists and embracing innovation cements its status as a vital hub for the art of filmmaking in the 21st century.

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Dopo “Where Are You (Now is Everything)” co-diretto con Riccardo Spinotti, presentato al Locarno Film Festival e Torino Film Festival nel 2019, Valentina De Amicis torna alla direzione di un lungometraggio, questa volta in solitaria, con “Io+Te”, dal 5 febbraio al cinema in esclusiva nelle sale UCI Cinema.

Torna a porsi delle domande sulla vita e sull’amore in una sorta di fil rouge con le sue opere precedenti e questa volta lo fa narrando una storia d’amore, travolgente, passionale, improvvisa, tra Mia, interpretata da Ester Pantano e Leo, Matteo Paolillo in un ruolo che lo vede uscire da quelli abituali.

“Io+Te” racconta due personaggi in un innamoramento e un coinvolgimento che li coglie all’improvviso e che li vede davanti alla possibilità concreta di costruire qualcosa. La protagonista Mia, interpretata da Ester Pantano, è una donna moderna, indipendente, che ha scelto di vivere secondo le proprie regole. La sua relazione con Leo mette in discussione le priorità e le certezze, aprendo uno spazio di introspezione sulla capacità di accettare compromessi e di riscoprire sé stessi attraverso l’altro.

“Io+Te” ha la capacità, attraverso il personaggio di Mia, di mostrare cosa significa essere donna oggi ( ma anche essere uomini) e navigare nelle relazioni cercando di affermare sempre se stesse e i propri valori pur cercando di fare ogni esperienza possibile a pieno.

Si esplora il desiderio di maternità nel film ma anche il tema dell’infertilità , temi cosi attuali ma, come sottolinea la regista De Amicis, “ancora dei tabù nascosti nella nostra società”.  “In realtà si parla solo della felicità apparente ma tante coppie vivono situazioni delicate e dolorose che non hanno il coraggio di raccontare e rischiano di rimanere da sole” aggiunge.

“Io+Te” non tralascia la comunicazione fisica tra i due protagonisti, il percorso emotivo di Mia e il suo coinvolgimento per Leo, è espresso anche nel sesso.

Ester Pantano conferma il lavoro fatto in tal senso, anche con l’aiuto di un intimacy coordinator e rimarca sulla necessità che il cinema mostri situazioni verosimili che rispettino le identità, i corpi e il giusto approccio all’altro, anche per invitare chi guarda a non sottovalutare l’educazione affettiva.

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Dopo “Cento domeniche“, arriva nelle sale grazie a Piperfilm il 5 febbraio,  il nuovo film da regista di Antonio Albanese: “Lavoreremo da grandi”. 

Il regista è anche protagonista del film prodotto da Palomar – a Mediawan company e Piperfilm in collaborazione con Making Movies & Events. Per la prima volta Albanese si cimenta nel dirigere un cast corale che lo vede recitare accanto a Giuseppe Battiston, Nicola Rignanese e Niccolò Ferrero. 

Antonio Albanese interpreta Umberto, un musicista fallito che ha mandato in malora l’azienda del padre e ha già due separazioni alle spalle. Suoi amici fidati, in un piccolo paesino sul Lago d’Orta, Gigi (Nicola Rignanese) che è stato appena diseredato dalla zia, è ubriaco e indossa una delle sue vecchie parrucche in segno di protesta e Beppe (Giuseppe Battiston), ingenuo idraulico “single” che vive ancora con la mamma. Una sera i tre, di ritorno dai festeggiamenti al bar del paese, per l’uscita di prigione del figlio di Umberto, Toni (Niccolò Ferrero) si scontrano con qualcosa, o per meglio dire, qualcuno. Iniziano una serie di avventure surreali dallo humour black, per un racconto dall’umanità disarmante. 

Albanese sottolinea che Lavoreremo da grandi è un modo per infondere la speranza che per questi personaggi ed anche un po’ per chi guarda, ci sia sempre tempo per realizzare le cose. 

In una notte, attraverso una serie di colpi di scena che i suoi protagonisti affrontano sempre insieme, in squadra, Albanese apre delle stanze su personaggi, persone, che forse nella vita non ci preoccuperemmo mai di conoscere veramente. “Sono caratteri che io ho conosciuto, e a cui mi sono un po’ affezionato anche nel bene e nel male” confessa e prosegue:  “sinceramente lo reputo trasgressivo questo film per questo motivo, perché ho cercato di esaltare delle persone meravigliosamente mediocri, e mi sembra interessante questo sguardo”. 

Il primo film da attore che Antonio Albanese ha realizzato è stato Vesna va veloce nel 1996 diretto da Carlo Mazzacurati. Il regista lo definisce il suo più grande maestro, da cui ha appreso l’arte di raccontare la provincia e la sua umanità, la poesia della vita di tutti i giorni. Molti già accostano “Lavoreremo da grandi” al respiro dei film di Mazzacurati come spesso si è fatto il nome di Ken Loach specialmente per i film drammatici realizzati da Albanese. Il regista che ha iniziato la sua carriera dietro la macchina da presa con Uomo d’acqua dolce nel 1997, si dice onorato e lusingato, confermando che quelli sono i suoi maestri e fonte continua di ispirazione. Dichiara: “È vero che da parte mia c’è sempre questa ricerca corporea, fisica, questa umanità che cerco con gli sguardi, con il corpo e con la normalità, senza cercare effetti speciali o esaltazioni estetiche. C’è un vissuto che conosco e che arriva dal popolare, perché l’arte secondo me deve essere popolare”. 

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The Berlinale Talents 2026, running from 13 to 18, 2025  will mark the 24th edition of the talent development programme, under the hat of Berlinale Pro* .

Project Manager Nikola Joetze and Programme Manager Tobias Pausinger, the Berlinale Talents management duo, talk about the challenges of this past year and the achievements of this year’s edition.

Every year, Berlinale Talents chooses a theme under which every activity, workshop, lab, meeting gets inspired by. Following last year’s “Listen Courageously – Cinematic Narratives in Times of Dissonance”,  Nikola Joetze and Tobias Pausinger said: “Last year’s journey into the art of listening revealed a truth we cannot ignore: our world resounds with noise, a chorus of clashing voices, opinions, and messages that can at times overwhelm. It feels only natural, then, to carry that exploration forward into the realm of confusion”. For this reason, for Berlinale Talents 2026, the theme will be “Creating (and) Confusion – Cinema, Chaos and the Power of Discomfort.” Confusion will be a state to embrace with no apprehension, but with optimism and creativity.

After many hears dislocating activities all along the city, the 2026 edition will take place in a new venue: Berlin’s Radialsystem, situated at the heart of Berlin. “For the first time, our entire programme will unfold under one roof” Joetze & Pausinger said. There will be finally a House of talents to welcome 200 filmmakers, selected from 3,438 applications from 120 countries.

Over its 24 editions, Berlinale Talents has become a big family where their members choose to come back sharing their new projects or giving lectures. The Berlinale Talents Lab this year will host 20 alumni projects spanning fiction, documentary, animation and experimental forms, creating a collaborative space to refine creative visions and accelerate production. The Talent Project Market will also spotlight alumni, presenting ten projects seeking production partners within the Berlinale Co-Production Market, reinforcing international partnerships and shaping the future of cinema.

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Starting last year, the European Film Market , the first major film market of the year, has become part of of Berlinale Pro* which integrates the EFM, the Co-Production Market, Berlinale Talents, and the World Cinema Fund as a big multifaceted family.

Under the direction of Tanja Meissner, the Berlinale Pro and in particular the EFM, to quote Berlinale’s artistic director, Tricia Tuttle, support film businesses who ensure cultural cinema reaches audiences around the world and focus on digital innovation to creating pathways into the business for new talent.

With a focus on fostering creativity, collaboration, and new business models, Berlinale Pro is shaping the future of European filmmaking.

A lot of new initiatives this year, starting from EFM Animation Days. As the world of animation cinema is expanding more and more every day this first edition  marks a major expansion of the Market’s portfolio. Over three days, the programme gathers global animation creatives, studios, producers, buyers, financiers and cross-IP partners for curated showcases, pitch formats, case studies, workshops and networking opportunities.

In 2026, Berlinale Pro introduces EFM Beyond, a new programme cluster dedicated to innovative market strategies and cross-media collaboration.

The training programme is targeted towards producers, bringing together film, animation, gaming, and adjacent creative sectors such as story-based XR, EFM Beyond provides a platform where future-facing creativity, cutting-edge technology and business innovation meet.

With Spotlight on, the EFM is showcasing Works in Progress and Pitches, including the EFM Far East in Progress WIP selection, a new partnership of EFM with EAVE Ties that Bind and Focus Asia (Udine Far East Film Festival). The curated showcase will present brand-new Asian films in post-production, ready to make their debut at fall markets and festivals.

Under the new banner EFM Frontières Focus, five bold and innovative international genre projects in advanced financing, production or early post-production will be highlighted.

In 2026, the EFM spotlights Morocco as its Country in Focus, highlighting the exceptional production landscape and co-production potential. Through curated pitching sessions, showcases and networking events, the EFM sheds a spotlight on one of the most dynamic creative countries in the MENA region.

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To discover how to foster international collaboration and supports emerging film projects around the world we met with Martina Bleis, Head of the Berlinale Co-Production Market on the eve of its new edition.

The co-production market is a vital platform that connects creators, producers, and funders across borders to facilitate international film and series projects. As a cornerstone of the Berlinale, the Co-Production Market attracts hundreds of applications yearly, showcasing the sector’s growing importance in global cinema. This market not only provides opportunities for funding and partnerships but also serves as a hub for industry professionals to exchange innovative ideas and co-create content. Its significance lies in fostering cross-cultural storytelling and expanding the reach of diverse narratives.

The process of selecting projects for the co-production market is meticulous and competitive. Each year, the team reviews hundreds of submissions, prioritizing projects with strong international co-production potential, existing partnerships, and clear financing plans. The selection committee, often assisted by external experts, evaluates proposals based on artistic quality, viability, and potential for international collaboration. Projects with fewer existing partners may have an advantage, as the market aims to facilitate connections that can significantly advance the project’s development. This careful curation ensures that the market’s resources are focused on initiatives with the highest potential for success.

Participation in the co-production market requires attendees to have prior international co-production experience, ensuring meaningful and productive interactions. The market’s extensive network includes producers, broadcasters, film funds, and other industry stakeholders, all supporting the development of innovative content. Following the event, organizers maintain contact with projects through follow-up communications and tracking, highlighting the market’s role in nurturing ongoing collaborations. With over 400 projects resulting in completed films and series, the co-production market continues to be a dynamic catalyst for new international productions, emphasizing its instrumental role in shaping the future of global cinema.

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Dopo l’anteprima all’ultima Festa del Cinema di Roma in Grand Public, l’opera prima di Stefano Casertano, “Elena del ghetto” arriva nelle sale con Adler Entertainment dal 29 gennaio.

Prodotto da Titanus Production e Masi Film, M74, Sound Art 23, Titanus SpA con Rai Cinema, il film racconta le vicende di vita di Elena Di Porto, detta “Elena la matta di Piazza Giudia”, colei che ha segnato la storia del ghetto ebraico di Roma durante il fascismo e l’occupazione nazista.

Come ha più volte sottolineato Stefano Casertano, “Elena del ghetto” è costruito come un’opera ed ogni suo personaggio è una voce del coro e impersona dei profili di persone che hanno vissuto quelle vicende.

Nel caso specifico, con Giovanni Calcagno nel ruolo di un gerarca fascista, ci si affaccia sull’altro lato, cattivo, della medaglia. Nella vita di chi ha sposato il regime fascista e poi gli ha vigliaccamente voltato le spalle, per salvarsi la pelle, rinnegando le atrocità fatte in nome e per conto di.

Marcello Maietta invece interpreta un anima affine a quella di Elena, Samuele, giovane ebreo di origine Bolognese che, mosso da un senso di libertà ed autonomia, decide di lasciare la sua città d’origine per approdare a Roma e qui, per sopravvivere, sbarca il lunario come stracciarolo nel ghetto. Un alleato di Elena.

Maietta sottolinea: “il mio personaggio è un romantico, cerca sostegno e da sostegno, ad Elena ed alla comunità del ghetto”.

“Elena del ghetto” è ambientato in un periodo drammatico della storia europea, riflette anche sulla precarietà dei valori umani e sulla brutalità delle dinamiche di potere, temi che risuonano in modo sorprendente con le sfide attuali, come i conflitti e le guerre che ancora affliggono i nostri giorni. La narrazione non si limita a essere un semplice racconto storico, ma diventa un monito sul pericolo della violenza e dell’intolleranza, sottolineando come la cultura e il cinema possano contribuire a rinnovare la memoria collettiva e a sensibilizzare le nuove generazioni.

Come affermato anche da Giovanni Calcagno, “Elena del ghetto” si conferma un film che, attraverso la sua storia, invita a riflettere su quanto il passato influenzi il presente, rendendo questa pellicola un’opera di grande attualità e rilevanza sociale.

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Dopo la partecipazione, in anteprima all’ultima Festa del Cinema di Roma in Grand Public, Stefano Casertano, porta la sua opera prima, “Elena del ghetto“, nelle sale grazie ad Adler Entertainment dal 29 gennaio, 2026.

Prodotto da Titanus Production e Masi Film, M74, Sound Art 23, Titanus SpA con Rai Cinema, il film vede Micaela Ramazzotti vestire i panni di Elena Di Porto, una donna ebrea romana, forte, indipendente e coraggiosa che ha sfidato il regime fascista per salvare molte vite e ha segnato la storia del ghetto ebraico di Roma durante il fascismo e l’occupazione nazista.

Nel ruolo del fratello di Elena, Vitale Di Porto, Valerio Aprea mentre in quello della cognata di Elena e moglie di Vitale, Costanza Limentani, Giulia Bevilacqua.

Scrive Stefano Casertano nelle note di regia: “ il film è costruito come un’opera: pochi personaggi principali e una comunità che fa da contrappunto, in un equilibrio costante tra dramma e leggerezza”.

Elena “La Matta” era un anticonformista, indossava i pantaloni, tirava di boxe, giocava a stecca, fumava e beveva. Si era separata dal marito e l’unica ad accoglierla in casa, con i suoi due figli, è stata la cognata Costanza, contro il volere del fratello di Elena, anch’egli dubbioso del modo di vivere la vita della sorella.

Costanza era tutto ciò che si richiedeva ad una donna all’epoca, moglie e madre devota ma già nonostante, con uno spirito combattivo e accogliente. Bevilacqua la descrive così: “Trovo che Costanza sia un personaggio in contrapposizione con quello di Elena, ma anche complementare. Come se componessero un’unica figura”.

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