Les pratiques dramaturgiques ont connu un essor significatif dans l’espace belge francophone ces dix dernières années, que ce soit au sein des équipes de création, dans le personnel des lieux de création ou dans les formations de l’enseignement supérieur artistique ou universitaire. Pourtant, on peine encore à déceler des formations spécifiquement dédiées à l’apprentissage de ce métier, hormis quelques initiatives portées par des lieux ou des formations interuniversitaires somme toute assez discrètes. La plupart des praticien·nes qui se désignent elleux-mêmes comme dramaturges confient le plus souvent être arrivé·es à ce métier par de nombreux détours, souvent au hasard des rencontres et de collaborations évolutives. 

Quel est le paysage actuel de l’enseignement de la dramaturgie en FWB ? Quelle est la place de la dramaturgie dans les cursus artistiques en ESA et dans les masters universitaires ? Comment se pense la pratique dramaturgique dans ces différents contextes, selon quelles traditions, quelles méthodologies, quels partis pris ?

avec :

Jonathan Châtel et Pierre Piret (UCLouvain / Centre d'Etudes Théâtrales)  

Stéphane Olivier et Virginie Thirion (INSAS) 

Nathanaël Harcq (ESACT)

Antia Diaz Otero (ULB ; Master en danse)

Cédric Juliens (ARTS²)

Franziska Trapp (ULB / Master en arts du spectacle)

Krystel Khoury (ISAC)

Diane Fourdrignier (Conservatoire de Bruxelles)

Françoise Hansoul (Théâtre & Publics)

Mylène Lauzon (La Bellone)

et les dramaturges :

Léa Tarral

Nedjma Hadj Benchelabi

François Makanga

Cette journée a été initiée suite à une réflexion menée en partenariat avec le Centre d'Etudes théâtrales de l'UCLouvain. 

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L’un des premiers rôles sociaux de la critique d’art est de produire de la légitimité et de la distribuer à certaines œuvres plutôt qu’à d’autres. Qu’elle fasse l’éloge d’une œuvre ou se livre à sa destruction en règle, le premier acte d’une critique est toujours d’énoncer implicitement que de cette œuvre « il vaut la peine de parler ». Mais sur quoi repose ce pouvoir de légitimation et surtout, qui est légitime à rendre ainsi légitime ?

Le plus souvent, la réponse à cette question est de renvoyer la critique à un idéal d’objectivité et de se dégager de toute logique d’affect en l’enfouissant sous les formes de l’argumentation rationnelle, distanciée, « universelle ». 

Pourtant, depuis quelques années, des initiatives critiques rompent avec ce refoulement et affirment au contraire une posture critique résolument située, que ce soit par la mise en polyphonie d’une diversité de regards ou par la revendication d’une critique ouvertement « affectée ». Pour celle-ci, l’affect ne renvoie pas à une individualité privée, il est au contraire ce qui marque les appartenances et les engagements, les points de privilège ou d’oppression. 

Loin de murer dans une « expérience à soi » l’affect est alors ce qui dessine, plus ou moins expressément, une carte de relations, de proximités ou de distances, d’attachements ou de rejets. Non pas pour les ériger en arguments d’autorité mais au contraire pour faire retour sur ses propres conditions de parole. Elle met alors à jour l’autre sens de « critique » : celui d’une bascule (comme on parle d’un seuil critique) dans la pensée, le corps ou l’écriture, et dans la légitimité.

*

Nous traverserons ces enjeux en compagnie de Pauline L. Boulba, performeuse et chercheuse dont le livre Critiqueer la danse (2023) réinvente toute une pluralité de pratiques et de postures critiques pour les élever aux mêmes enjeux que celles des œuvres elles-mêmes :

« une redistribution des savoirs, des gestes, des processus de subjectivations ».

Après une présentation de son travail et des héritages qui l’animent, Pauline dialoguera sur ces questions avec Anna Czapski et Marwane Lakhal, tous deux auteur·ices à La Salve, le projet de critique polyphonique et située présent à la Bellone depuis 2021.

L’après-midi sera ensuite consacré au partage par Anna Czapski et Raïssa Yowali d’un tutoriel sur la méthode de la Salve pour l’organisation d’ateliers participatifs avec des personnes désirant s’essayer à la critique écrite de spectacles. 

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Archives du spectacle vivant au prisme du genre - Symposium documentation

La Bellone et le FAME festival (Festival where Arts Meet Empowerment) co-organisent un symposium pour réfléchir collectivement à l’avenir des archives du spectacle vivant au prisme du genre. L’histoire du spectacle vivant est largement documentée en Belgique, les théâtres et les artistes ont centralisé leurs archives dans différents lieux (Archives et Musées de la Littérature, Bellone, Archives communales, etc.), mais comme souvent, faire l’histoire des femmes artistes se révèle plus difficile à mettre en oeuvre que celles des grands hommes du théâtre. 

Au cours de cette journée, nous entendrons plusieurs interventions visant à mettre en lumières les difficultés auxquelles on peut se confronter lorsqu’on cherche à faire l’histoire des femmes artistes. Ces partages seront suivis par une table ronde au cours de laquelle nous nous demanderons quels outils pourraient être mis en place pour collecter, valoriser et rechercher plus facilement les femmes de théâtre dans les archives. L’après-midi se clôturera par la diffusion publique du premier épisode d’un podcast réalisé par Caroline Berliner, en collaboration avec le FAME festival et Ecarlate la Compagnie dans le cadre de leur projet Herstories, qui retraverse l’histoire du théâtre en Belgique dans la seconde moitié du XXème siècle jusqu’à aujourd’hui à travers le regard des comédiennes. »

Programme de l’après-midi :

• 14-16h : interventions sur les obstacles rencontrés par les chercheuses qui travaillent sur l'histoire des femmes en arts de la scène : Karolina Svobodova, Elise Deschambre, Marie Diaby
• 16h : pause
• 16h30 - 18h : table ronde et groupe de travail entre travailleur.euses des centres de documentation et d'archives concernées en FWB sur les dispositifs concrets à mettre en place pour progresser sur la représentation, la visibilité et l'indexation des archives et documents concernant des femmes
• 18h-20h : apéritif, présentation et séance d'écoute du podcast Celles qui jouent de Caroline Berliner, réalisé dans le cadre du projet Herstories (FAME/Ecarlate La Cie).

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Qu’attend-on de la critique aujourd’hui ?

Depuis quelques années, la critique s’interroge et se réinvente. Ses formes traditionnelles semblent de moins en moins assurées de leur éminence et se raréfient dans l’espace médiatique. En même temps, l’attitude critique se dissémine dans tous les recoins de nos existences connectées, des forums de fans jusqu’aux notations et avis laissés sur internet par les utilisateur·ices sur à peu près tout, des restaurants aux médecins, jusqu’aux lieux publics ou aux sites naturels.

Dans le domaine des arts, si la critique spécialisée et savante résiste et se maintient, sa version grand public, qu’elle soit écrite ou audiovisuelle, s’est progressivement tournée vers des formats qui se rapprochent de la chronique ou de la promotion. Dans le même temps, des initiatives renouvellent le genre par des approches qui tranchent avec la figure du ou de la critique expert·e, individuel·le, évaluateur·ice ou prescriptif·ve : critique située, critique affectée, critique en collectif, critique performée sont autant d’avatars nouveaux du geste d’origine qui consiste à répondre, depuis son point, à une proposition artistique.

Il semble donc aujourd’hui utile de se demander ce qu’au juste, de la critique, on est en droit d’attendre ; de se pencher sur ce qui s’exprime dans les façons nouvelles de la produire, dans les manières contemporaines de la « consommer » ou encore dans l’expérience intime de la recevoir, cette réponse et cette relance, au terme d’un processus créateur dont on sait ce qu’il engage.

Que vous soyez critique, artiste ou lecteur·ice, c’est à ces questions et à bien d’autres que nous vous invitons à venir répondre collectivement lors de ce premier symposium critique à la Bellone, le vendredi 29 novembre de 10 à 17h.

Programme de la journée :

• 9h30 : Accueil
• 10h-11h : Panorama des enjeux actuels de la critique de spectacle par Aïnhoa Jean-Calmettes, critique et ancienne rédactrice en chef de Mouvement
• 11h30-13h30 : réflexion collective par groupes d’usagers et restitution :
• "Qu'attend-on de la critique aujourd'hui ?"
• 13h30 : pause repas, servi sur place
• 15h-17h : discussion / témoignage croisé entre la Salve et les Démêlées, deux initiatives de critique collective, et échanges avec la salle.

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Les précédentes éditions du cycle de séminaires ont toujours été documentées par l’enregistrement audio des séances, publiées presque telles quelles. Ce travail d’archivage visait surtout à rendre possible son accès par des personnes intéressées par la dramaturgie sans pouvoir, pour quelque raison que ce soit, participer physiquement aux séminaires. Ces traces sonores se voulaient donc avant tout des outils pour alimenter la pratique de, éventuellement la recherche sur, la dramaturgie.

Au fil des années, il est progressivement apparu que cette forme n’était ni la plus conviviale pour les potentiels auditeurs ni toujours la plus ajustée aux différentes façons de travailler amenées par les différents intervenant·es, allant parfois jusqu’à les contrarier. Sur proposition des participant·es du cycle 2022, il a été décidé de faire de ces traces un enjeu en lui-même, comme le lieu d’une dramaturgie possible de la dramaturgie, et de consacrer le dernier module du cycle à leur établissement collectif par

les participant·es, en autonomie. Plutôt qu’un simple « retour » sur les « matières » traversées et leur mise en forme, cette semaine se pense comme leur réactivation depuis l’endroit des pratiques de chacun·e. Quels sont les branchements qui se sont opérés, les occasions manquées, les chantiers ouverts, les angoisses apaisées ou ravivées, les élans relancés, les questionnements complexifiés ou dénoués ? Qu’est-ce qui aura résonné pour qui et comment ? À quoi ces questions peuvent-elles donner lieu, ici et maintenant, à destination d’autres qui ne sont pas là ?

Les manières de collecter le matériau brut de telles traces (sons, images, textes…) seront discutées lors d’une séance en amont du cycle avec les intervenant·es des trois premières semaines, pour se mettre d’accord sur les protocoles et mettre en présence les désirs et les approches. Arnaud Timmermans coordonnera les collectes, assurera les relais nécessaires et proposera des pistes pour leur travail en commun lors de la semaine en autonomie.

Les traces écrites du séminaires se trouvent en suivant ce lien : https://www.bellone.be/docs/traces.pdf

Après une expérience d'une petite dizaine d'années comme responsable de production dans des projets théâtraux très variés en Belgique francophone, Arnaud Timmermans a entamé en 2017 une thèse en philosophie sur les relations étroites qui peuvent exister entre théâtralité, représentation et pouvoir (restée inachevée). Depuis 2021, il mène essentiellement une activité de dramaturge indépendant, auprès de différents créateur·ices de danse et de théâtre. Il fait depuis peu partie des dramaturges associé·es à La Bellone pour l'accompagnement des résidences artistiques qui s'y déroulent, et participe au projet de critique expérimentale La Salve. Il développe une pratique dramaturgique centrée sur les questions d’apprentissage en mutualité et sur les richesses pratiques du « non-savoir ».

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Le point commun entre la dramaturgie silencieuse, qui s'agence dans le contexte du théâtre d'image ou du théâtre dansé, et la dramaturgie proverbialement bruyante, qui se déploie dans le cadre du dispositif participatif ou immersif, est le trouble d'avoir affaire à tous les aspects et à toutes les résistances potentielles de l'aléatoire, de l'impondérable, de l'accidentel. Le vrai défi d'un théâtre dont les spectateurs, plus qu'interprètes, sont les dramaturges spontanés, est la paresse potentielle, l'espace négatif et non programmable du dispositif. Si la dramaturgie silencieuse comprend l'opacité sémantique comme apriori poétique, que la dramaturgie du spectacle participatif comprend a priori l'échec, même le collapse de la pièce, comme une finalité structurante. D'autant plus que le paradigme général et l'utopie de démocratie directe qui préside aux élans de la participation est par définition une aventure d'essai et d'erreur, un partage épique d'incompétences. La dramaturgie ainsi conçue ne tient pas d'un travail techno-discursif de débouchement du sens, mais plutôt d'un artisanat, conspirant et pervers, dont le vrai but est de fabriquer le risque, le vertige du non-sens et le désordre de la coexistence. L'échec, le malentendu, l'obliquité du résultat est le vrai objet des exercices d'analyse, des essais de composition et des essors d'anamnèse qui constituent la matière de ce séminaire, où chacun vient avec son trousseau de fautes et de faillites, négocier une deuxième opportunité de sens.

Roberto Fratini Serafide (Milan, 1972), dramaturge et théoricien de la Danse, est professeur d’Histoire et de Théorie de la danse au Conservatori Superior de Dansa (Institut del Teatre) de Barcelone, et a imparti des cours et conférences dans plusieurs universités européennes. Il collabore comme dramaturge avec plusieurs compagnies de danse et de théâtre contemporains (parmi d'autres, Caterina Sagna Dance Company, Olga Mesa, La Veronal, Roger Bernat, Taiat Dansa, Germana Civera, Alexandra Waierstall, Aerites Dance Company, Sol Picó, Philippe Saire, Wang/Ramirez, Cocoon Dance) et a imparti des stages et workshops en dramaturgie silencieuse dans plusieurs académies et masters (ESAD Galicia, HBK de Berne, La Manufacture de Lausanne, Scuola Europea dell'Attore, CIFAS Bruxelles, DAMS de Bologna, entre autres). Sa recherche s'affiche surtout sur la dramaturgie de la danse et sur les paradigmes du participatif. Il est auteur d'articles et essais. Parmi ses livres: A Contracuento. La danza y las derivas delnarrar (2012), El cuerpo incalculable (2018), Escrituras del silencio. Figuras, secretos, conspiraciones y diseminaciones de una dramaturgia de la danza (2018), Liturgie dell'impazienza (2021).

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Le point commun entre la dramaturgie silencieuse, qui s'agence dans le contexte du théâtre d'image ou du théâtre dansé, et la dramaturgie proverbialement bruyante, qui se déploie dans le cadre du dispositif participatif ou immersif, est le trouble d'avoir affaire à tous les aspects et à toutes les résistances potentielles de l'aléatoire, de l'impondérable, de l'accidentel. Le vrai défi d'un théâtre dont les spectateurs, plus qu'interprètes, sont les dramaturges spontanés, est la paresse potentielle, l'espace négatif et non programmable du dispositif. Si la dramaturgie silencieuse comprend l'opacité sémantique comme apriori poétique, que la dramaturgie du spectacle participatif comprend a priori l'échec, même le collapse de la pièce, comme une finalité structurante. D'autant plus que le paradigme général et l'utopie de démocratie directe qui préside aux élans de la participation est par définition une aventure d'essai et d'erreur, un partage épique d'incompétences. La dramaturgie ainsi conçue ne tient pas d'un travail techno-discursif de débouchement du sens, mais plutôt d'un artisanat, conspirant et pervers, dont le vrai but est de fabriquer le risque, le vertige du non-sens et le désordre de la coexistence. L'échec, le malentendu, l'obliquité du résultat est le vrai objet des exercices d'analyse, des essais de composition et des essors d'anamnèse qui constituent la matière de ce séminaire, où chacun vient avec son trousseau de fautes et de faillites, négocier une deuxième opportunité de sens.

Roberto Fratini Serafide (Milan, 1972), dramaturge et théoricien de la Danse, est professeur d’Histoire et de Théorie de la danse au Conservatori Superior de Dansa (Institut del Teatre) de Barcelone, et a imparti des cours et conférences dans plusieurs universités européennes. Il collabore comme dramaturge avec plusieurs compagnies de danse et de théâtre contemporains (parmi d'autres, Caterina Sagna Dance Company, Olga Mesa, La Veronal, Roger Bernat, Taiat Dansa, Germana Civera, Alexandra Waierstall, Aerites Dance Company, Sol Picó, Philippe Saire, Wang/Ramirez, Cocoon Dance) et a imparti des stages et workshops en dramaturgie silencieuse dans plusieurs académies et masters (ESAD Galicia, HBK de Berne, La Manufacture de Lausanne, Scuola Europea dell'Attore, CIFAS Bruxelles, DAMS de Bologna, entre autres). Sa recherche s'affiche surtout sur la dramaturgie de la danse et sur les paradigmes du participatif. Il est auteur d'articles et essais. Parmi ses livres: A Contracuento. La danza y las derivas delnarrar (2012), El cuerpo incalculable (2018), Escrituras del silencio. Figuras, secretos, conspiraciones y diseminaciones de una dramaturgia de la danza (2018), Liturgie dell'impazienza (2021).

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Le point commun entre la dramaturgie silencieuse, qui s'agence dans le contexte du théâtre d'image ou du théâtre dansé, et la dramaturgie proverbialement bruyante, qui se déploie dans le cadre du dispositif participatif ou immersif, est le trouble d'avoir affaire à tous les aspects et à toutes les résistances potentielles de l'aléatoire, de l'impondérable, de l'accidentel. Le vrai défi d'un théâtre dont les spectateurs, plus qu'interprètes, sont les dramaturges spontanés, est la paresse potentielle, l'espace négatif et non programmable du dispositif. Si la dramaturgie silencieuse comprend l'opacité sémantique comme apriori poétique, que la dramaturgie du spectacle participatif comprend a priori l'échec, même le collapse de la pièce, comme une finalité structurante. D'autant plus que le paradigme général et l'utopie de démocratie directe qui préside aux élans de la participation est par définition une aventure d'essai et d'erreur, un partage épique d'incompétences. La dramaturgie ainsi conçue ne tient pas d'un travail techno-discursif de débouchement du sens, mais plutôt d'un artisanat, conspirant et pervers, dont le vrai but est de fabriquer le risque, le vertige du non-sens et le désordre de la coexistence. L'échec, le malentendu, l'obliquité du résultat est le vrai objet des exercices d'analyse, des essais de composition et des essors d'anamnèse qui constituent la matière de ce séminaire, où chacun vient avec son trousseau de fautes et de faillites, négocier une deuxième opportunité de sens.

Roberto Fratini Serafide (Milan, 1972), dramaturge et théoricien de la Danse, est professeur d’Histoire et de Théorie de la danse au Conservatori Superior de Dansa (Institut del Teatre) de Barcelone, et a imparti des cours et conférences dans plusieurs universités européennes. Il collabore comme dramaturge avec plusieurs compagnies de danse et de théâtre contemporains (parmi d'autres, Caterina Sagna Dance Company, Olga Mesa, La Veronal, Roger Bernat, Taiat Dansa, Germana Civera, Alexandra Waierstall, Aerites Dance Company, Sol Picó, Philippe Saire, Wang/Ramirez, Cocoon Dance) et a imparti des stages et workshops en dramaturgie silencieuse dans plusieurs académies et masters (ESAD Galicia, HBK de Berne, La Manufacture de Lausanne, Scuola Europea dell'Attore, CIFAS Bruxelles, DAMS de Bologna, entre autres). Sa recherche s'affiche surtout sur la dramaturgie de la danse et sur les paradigmes du participatif. Il est auteur d'articles et essais. Parmi ses livres: A Contracuento. La danza y las derivas delnarrar (2012), El cuerpo incalculable (2018), Escrituras del silencio. Figuras, secretos, conspiraciones y diseminaciones de una dramaturgia de la danza (2018), Liturgie dell'impazienza (2021).

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Roberto Fratini Serafide (Milan, 1972), dramaturge et théoricien de la Danse, est professeur d’Histoire et de Théorie de la danse au Conservatori Superior de Dansa (Institut del Teatre) de Barcelone, et a imparti des cours et conférences dans plusieurs universités européennes. Il collabore comme dramaturge avec plusieurs compagnies de danse et de théâtre contemporains (parmi d'autres, Caterina Sagna Dance Company, Olga Mesa, La Veronal, Roger Bernat, Taiat Dansa, Germana Civera, Alexandra Waierstall, Aerites Dance Company, Sol Picó, Philippe Saire, Wang/Ramirez, Cocoon Dance) et a imparti des stages et workshops en dramaturgie silencieuse dans plusieurs académies et masters (ESAD Galicia, HBK de Berne, La Manufacture de Lausanne, Scuola Europea dell'Attore, CIFAS Bruxelles, DAMS de Bologna, entre autres). Sa recherche s'affiche surtout sur la dramaturgie de la danse et sur les paradigmes du participatif. Il est auteur d'articles et essais. Parmi ses livres: A Contracuento. La danza y las derivas delnarrar (2012), El cuerpo incalculable (2018), Escrituras del silencio. Figuras, secretos, conspiraciones y diseminaciones de una dramaturgia de la danza (2018), Liturgie dell'impazienza (2021).

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Roberto Fratini Serafide (Milan, 1972), dramaturge et théoricien de la Danse, est professeur d’Histoire et de Théorie de la danse au Conservatori Superior de Dansa (Institut del Teatre) de Barcelone, et a imparti des cours et conférences dans plusieurs universités européennes. Il collabore comme dramaturge avec plusieurs compagnies de danse et de théâtre contemporains (parmi d'autres, Caterina Sagna Dance Company, Olga Mesa, La Veronal, Roger Bernat, Taiat Dansa, Germana Civera, Alexandra Waierstall, Aerites Dance Company, Sol Picó, Philippe Saire, Wang/Ramirez, Cocoon Dance) et a imparti des stages et workshops en dramaturgie silencieuse dans plusieurs académies et masters (ESAD Galicia, HBK de Berne, La Manufacture de Lausanne, Scuola Europea dell'Attore, CIFAS Bruxelles, DAMS de Bologna, entre autres). Sa recherche s'affiche surtout sur la dramaturgie de la danse et sur les paradigmes du participatif. Il est auteur d'articles et essais. Parmi ses livres: A Contracuento. La danza y las derivas delnarrar (2012), El cuerpo incalculable (2018), Escrituras del silencio. Figuras, secretos, conspiraciones y diseminaciones de una dramaturgia de la danza (2018), Liturgie dell'impazienza (2021).

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