Continuamos la segunda parte del monográfico que comenzamos en el programa anterior con una selección de otras 10 arias famosas y paradigmáticas de ópera para soprano, mezzosoprano, tenor, barítono, bajo y contratenor. En esta entrega visitamos las óperas: La flauta mágica (Mozart), Il trovatore (Verdi), La Boheme (Puccini), Turandot (Puccini), Norma (Bellini), L'elisir d'amore (Donizetti), Gianni Schicchi  (Puccini), La hija del regimiento (Donizetti), Madama Butterfly (Puccini), Il Giustino (Vivaldi) y Porgy and Bess (Gershwin). Un lujo de música.

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Repasamos algunas de las arias para tenor, soprano, mezzosoprano, barítono y bajo más de las historia de la ópera. En esta primera entrega, que continuará en el siguiente programa, disfrutamos de arias de La flauta mágica (Mozart), Riigoletto (Verdi), El barbero d Sevilla (Rossini), La sonnambula (Bellini), La traviata (Verdi), Carmen (Bizet), Tosca (Puccini) y Los cuentos de Hoffman (Offenbach).

 

Son muchos los compositores que a lo largo de la historia han compuesto música para la Misa de difuntos, es decir, Requiems. A capella durante la época del canto Gregoriano, o bien con orquesta, coros y solistas, más adelante, generalmente estos Requiems han mantenido el canon de la iglesia cristiana con números fijos de la liturgia para este tipo de celebraciones: Introito, Kyrie, Dies Irae, Recordare, Dominu Iesu Christie, Sanctus, Agnus Dei y Comunión. No obstante, en el período romántico, los compositores han integrado dentro de estos números de la liturgia sagrada otros, intercalando asimismo el latín con otras lenguas.  Compositores agnósticos, como Verdi o Brahms, no dudaron en poner música a una obra con un trasfondo religioso tan marcado y consiguieron integrar en sus requiems la espiritualidad y la sensibilidad necesarias para transmitir el perdón, la esperanza, misericordia, compasión e, incluso, optimismo.

Hoy visitamos los Requiems de Mozart, Verdi, Brahms, Dvorak, Britten, Fauré, Jenkins y Lloyd Weber.

La música sacra cristiana fue una forma de expresión musical nacida desde el comienzo del cristianismo, en un principio herencia de la música judía (cantilación) siendo desarrollada durante los siglos posteriores en multitud de formas, relacionadas con los distintos ritos.

Desde su aparición hasta la actualidad, la música sacra occidental ha producido formas musicales tales como la misa, el Réquiem, el Te Deum, el Magníficat, el Stabat Mater, el Oratorio, la Cantata, el Motete, el Salmo o el Villancico, entre otras.

Hoy repasamos algunas de estas formas vocales sacras partiendo desde el Canto Gregoriano y visitando el Gloria a 7 voces de Monteverdi, el Gloria de Vivaldi, el Motete BWV 227 de Bach, la Missa Brevis nº 9 de Mozart, el Te Deum de Charpentier, el Stabat Mater de Kódaly y, para finalizar, el Ave María de Margarita Lorenzo de Reizabal.

El volumen II de LA MÚSICA VOCAL SACRA abordará un monográfico sobre Réquiems.

Ópera barroca del compositor inglés Henry Purcell sobre un libreto a partir de La Eneida de Virgilio. Obra maestra de Purcell, con una obertura y tres actos, orquestada para orquesta de cuerda con continuo y de una duración aproximada de 1 hora y 15 minutos. Dido y Eneas es una de las óperas más importantes del barroco y está considerada la primera ópera nacional inglesa. La música de Dido y Eneas demuestra que Purcell era capaz de incorporar a su propio estilo tanto los logros de la escuela músico-teatral inglesa del siglo XVII, como las influencias que otras fuentes continentales ejercieron sobre la misma. De esta forma, esta obra maestra incluye danzas y coros, elementos propios de la tradición francesa, constituyendo estos últimos una parte importante de la obra, ya que se mezclan libremente con los solos durante toda la ópera. La orquesta consta de cuerdas y continuo y los recitativos no son ni el rápido parloteo del recitativo secco italiano, ni los ritmos estilizados del recitativo operístico francés, sino que se encuentran a caballo entre ambos. La acción transcurre en Cartago tras la caída de Troya. Cuando el príncipe troyano Eneas y su tropa naufragan en Cartago, él y la reina Dido se enamoran. Pero, por envidia a Dido, las brujas se confabulan y le hacen creer al héroe que debe partir y que su destino es refundar Troya. Dido, se lamenta ya que no puede vivir sin su amor, sin embargo, cuando Eneas decide quedarse, ella lo rechaza, y se deja morir.

"Le Nozze di Figaro" o "Las bodas de Fígaro", es una de las óperas más representadas en los grandes teatros a lo largo de la historia; es a la vez una de las más importantes composiciones del gran genio de Mozart, una hilarante obra que transcurre en el Castillo del Conde de Almaviva, cerca de la ciudad de Sevilla; cargada de entuertos amorosos cuya trama culmina con la feliz boda de sus protagonistas.  Las bodas de FÍgaro (Le nozze di Figaro) fue estrenada en el Teatro Imperial (Burgtheater) de Viena el 1 de mayo de 1786, bajo la dirección del propio compositor. La ópera fue muy bien recibida en Viena, y fue estrenada en Praga en diciembre del mismo año. Gracias a su gran éxito en Praga, Mozart recibió el encargo de componer otra ópera para la siguiente temporada: Don Giovanni.

Las bodas de Figaro era ya bien conocida en Europa. La obra de Beaumarchais (1784) había generado ya controversia en Francia, por sus ataques al sistema de clases en los años previos a la Revolución francesa. Lorenzo da Ponte tuvo que cambiar el diálogo cuando realizó el libreto de la ópera, para que ésta pudiera representarse en Viena. Al permitir su adaptación como ópera, el emperador José II de Austria dio pruebas de un talante liberal aunque, por supuesto, se dulcificaron las escenas más violentas de denuncia política y social y se dio al conjunto un tono más festivo que dramático.

Mozart rodeó a cada personaje de con una música que eclipsaba todo lo visto anteriormente. Cada uno de ellos tiene un fuerte entorno melódico e incluso los recitales reflejan los estados de ánimo y tocan al espectador.

La dolorosa es una zarzuela en dos actos llena de emoción, donde se funden la pasión y dramatismo del libro de J. Llorente con el lirismo del compositor José Serrano. Esta obra, estrenada en el Teatro Apolo de Valencia el 23 de mayo de 1930, refleja cuadros y costumbres típicamente aragoneses.

Serrano es muy conocido por sus más de cincuenta famosas zarzuelas, entre ellas, La reina mora, La canción del olvido, La dolorosa y Los claveles, y se le consideró como el heredero musical de Federico Chueca.

Antes de componer la partitura de La Dolorosa, Serrano había sufrido la pérdida de un hijo lo cual, lógicamente, debió influir en el dolor que se transmite en algunos de sus momentos musicales. Fue llevada al cine en 1934 por Jean Grèmillon

Carmen es posiblemente una de las óperas francesas más representadas de la historia del género y, como tal, su nacimiento no fue con bombos y platillos, sino uno de los tan sonados “estrenos con fracasos” que han pasado a la historia.

Basada en una novela de Prosper Merimée,  Carmen llevó a la fama a Georges Bizet , un  joven compositor ganador de muchos premios, pero que apenas llegó a disfrutar de ese éxito que le llevó a la fama internacional,  debido a su muerte tres meses después del estreno.

El exotismo español, las diferencias culturales y las costumbres de vida, atrajeron a algunos compositores franceses y los llevaron a reproducir en sus obras rasgos musicales españoles. El prototipo de español que se creó fue el del andaluz, en el que se buscó recrear danzas, armonías y reflejar el acervo popular en su más pura expresión.

 

Se trata de la historia de una pasión atormentada entre una astuta y atractiva muchacha y un ingenuo soldado enloquecido por los celos.

 

Hoy visitamos la obra lírica del compositor francés Jules Massenet (Montaud, 1842 - París, 1912). La ópera tiene en él a uno de sus creadores más sensibles y refinados en Jules Massenet, el más popular de los compositores franceses que abordó este género después de Charles Gounod y Georges Bizet. La influencia de Massenet se manifiesta en muchos compositores de ópera, por ejemplo: Ruggero Leoncavallo, Pietro Mascagni, Giacomo Puccini o en el Pelléas et Mélisande de Claude Debussy.

Su capacidad de trabajo fue impresionante. Capaz de componer muchas horas consecutivas, sus jornadas comenzaban a las cuatro de la mañana, alternando composiciones, enseñanzas y audiciones. Ha dejado una obra esencialmente lírica (veinticinco óperas) pero también compuso ballets, oratorios y cantatas, obras orquestales y aproximadamente, unas doscientas canciones, además de algunas obras pianísticas. Hoy repasamos su música orquestal y sus óperas más representativas.

En los albores del siglo XX, la ópera estadounidense era todavía un género sometido a las convenciones importadas de Europa. La llegada de autores como Gershwin, Moore y Copland, favorecerá el progresivo desarrollo de un lenguaje propio, desmarcado del viejo continente, con elementos procedentes de la tradición autóctona y otros de nueva creación.

Porgy and Bess se estrenó en Boston en 1935 y diez días después en Broadway causando desconcierto en el público más reaccionario y admiración en quienes buscaban innovación y originalidad. Pero, debió esperar 50 años más para que el público estadounidense la considerase una verdadera ópera, estrenándose en 1985 en el Metropolitan Opera House de Nueva York.

Gershwin –hijo de inmigrantes rusos judíos, llamado en realidad Jacob Bruskin Gershowitz– se propuso amalgamar la tradición clásica tradicional con las raíces idiomáticas del jazz americano y de la música popular. Era la primera ópera interpretada íntegramente por cantantes afroamericanos con formación clásica y Gershwin sintetizaba la tradición europea con la estadounidense, representada por el jazz, el blues y los spirituals. Desde los primeros compases Gershwin describe Carolina del Sur como un vivaz cuadro multicolor, en el que coinciden ritmos frenéticos alegremente contrastados y actuaciones corales, con el hermoso y melancólico lirismo de momentos como la primera aria de la ópera, «Summertime». Porgy and Bess provocó no poca controversia racial por la mezcla de géneros y por los estereotipos negativos sobre los afroamericanos que mostraban los personajes de la novela, creando malestar en los habitantes de Carolina del Sur.